Adieu Margaret, lettre ouverte à 20th Century Fox

Il y a des billets que je préférerais ne pas avoir à écrire. Des billets qui dans un monde cinéphile idéal n’auraient pas lieu d’être. Des billets dont chaque mot reflète une part de chagrin, de colère, d’incompréhension que je voudrais ne pas ressentir. Mais parce que la branche française du studio 20th Century Fox existe, ces billets doivent exister, parce que non content de pourrir la vie de nombreux cinéphiles, je ne voudrais pas que le distributeur s’en tire sans qu’un maximum de personnes leur crache le fond de leur pensée quant à leur politique de distribution.

Depuis de trop nombreuses années maintenant, Fox France a une ligne bien précise en ce qui concerne la comédie américaine : neuf fois sur dix, ces messieurs et dames estiment que sortir le film dans une poignée de salles en France en VF uniquement est ce qu’il y a de mieux à faire, histoire que le film soit sorti en salles et vendu plus facilement à la télé, et tant pis si des spectateurs avaient l’espoir de voir le film, qui plus est en VO, après tout on n’est pas là pour faire plaisir au spectateur, on vend pas du rêve on fait du pognon nous. Pardon de me mettre dans vos bottes, mais j’essaie de comprendre ce qui vous passe par la tête, et le dégoût m’assaille.

Bien sûr, même si cela fait mal de voir ces comédies américaines alléchantes sortir uniquement au Publicis en VF, les « Machine à à démonter le temps », les « Gentlemen Broncos » et tant d’autres encore, malheureusement on a fini par s’y habituer. Nous, vous savez, les spectateurs sans morale aucune qui osons exprimer le désir de voir les films que VOUS distribuez, mais qui préférons les voir en VO parce que c’est ainsi que se voient avec le plus grand plaisir les films en général, et les comédies plus que tout autre genre cinématographique. C’est bon, on a fini par intégrer, une comédie américaine distribuée par la Fox, c’est la mort cinéphile assurée, un jet à la poubelle en sortie technique, et tant pis pour nos gueules.

Cette semaine pourtant, vous, hommes et femmes travaillant à la 20th Century Fox, vous êtes démenés pour me mettre - moi et je le sais un nombre incalculable d’amateurs du 7^ème Art (oups j’ai dit un gros mot) – dans une colère monstre. Comme si finalement, nos réclamations régulières et désespérées de vous voir sortir les comédies en VO vous amusaient particulièrement. Je vous imagine si bien dans vos bureaux, balayer d’un geste de la main les mots durs que vous ne pouvez manquer de lire ici ou là, « C’est pas ces connards de spectateurs qui vont nous dicter comment on doit distribuer nos films, on les sort en VF et puis point barre, ils font chier ceux-là ».

Cette semaine, allez, vous aviez même l’occasion de vous racheter en partie de votre politique de distribution des comédies américaines, avec Margaret de Kenneth Lonergan. Ce film, j’en avais rapidement parlé il y a presque un an, lors de la sortie américaine, pour souligner les difficultés qu’il avait rencontré pour enfin trouver le chemin des salles obscures, des années après avoir été tourné. Le film était sorti en salles aux États-Unis dans une combinaison de salles assez ridicule, dans une version qui n’était pas la director’s cut du réalisateur. La date de sortie française était déjà fixée à l’époque si je me souviens bien, et n’a jamais varié d’un iota, ce mercredi 29 août 2012. Pendant ces longs mois, le film a été encensé aux États-Unis, et la version de trois heures destinée au DVD s’est vite vue accusée d’être un grand film.

Finalement, la longue période entre la sortie américaine et la sortie française aurait même pu être bénéfique. Allez, avec un peu d’audace, vous auriez peut-être pu sortir en salles la director’s cut, pour confirmer que la France était bien le pays de la cinéphilie, et qu’ici c’était la voix des cinéastes que l’on écoutait, et non celle des financiers. C’est déjà arrivé par le passé, alors pourquoi pas pour Margaret. Depuis combien de temps aviez-vous condamné le film ? Car il ne fait aujourd’hui aucun doute que vous ne vous êtes jamais posé la question de sortir la director’s cut en salles, puisqu’il vient de s’avérer que depuis tout ce temps, vous n’aviez même pas l’intention de sortir le film en VO.

Ce sort si cruel, pour les cinéastes et pour les spectateurs, que vous vous plaisez habituellement à réserver à la comédie, vous l’avez cette semaine infligé à un film d’auteur qui, se murmure-t-il depuis des mois, est une œuvre majeure du cinéma américain contemporain. Martin Scorsese lui-même avait mis la main à la pâte pour aider le film à sortir. Tous ces mois, nous avons attendu, impatients, avec cette date en ligne de mire. Tous ces mois, naïvement, nous ne nous sommes pas doutés du sort que vous réserviez à cet évènement cinéphile.

Le couperet est tombé en début de semaine. Le film ne sortirait qu’au Publicis, en VF. A vos yeux, rien d’important là-dedans. Rien d’essentiel dans ce film. Un film américain de plus dont il faut se débarrasser discrètement. J’imagine que vous n’avez pas pris la peine de prévenir Kenneth Lonergan (vous avez peut-être entendu parler de lui, c’est le monsieur qui a réalisé le film) du sort de son film dans la capitale mondiale de la cinéphilie. Le cinéaste a déjà tellement souffert pour mener à bien la sortie de son film, vous avez probablement préféré lui épargner ce coup de poignard de plus, dans un grand geste de pitié, ou de lâcheté.

Alors voilà, me voici aujourd’hui, ici, sur mon insignifiant petit blog d’insignifiant petit spectateur amoureux de cinéma, excédé, agacé, dégoûté. Et triste, infiniment triste, qu’une petite poignée de personnes dans leur bureau de la Fox ait choisi de condamner un cinéaste, une œuvre, et toute une population de spectateurs qui espéraient pouvoir voir un film qui peut-être marquera son époque. Mais je dis ça en l’air, puisque grâce à vous, je ne l’ai pas vu, et je ne le verrai pas au cinéma. Je ne vous remercie pas.

Les Muppets sur grand écran ? Pas pour tout le monde…

Cela a commencé par une déception. L’annonce que non, finalement, le nouveau film des Muppets qui avait créé l’événement aux Etats-Unis (et un peu partout dans le monde) à l’automne dernier, orchestré par Jason Segel et Nicholas Stoller (son réalisateur de « Sans Sarah rien ne va »), ne sortirait pas en salles en France. Disney l’a un temps envisagé avant de préférer le servir directement en DVD en cette première semaine de mai. Pourquoi diable ont-ils choisi de priver la France de Kermit ? Ont-ils oublié qu’ici aussi, toute une génération de spectateurs a grandi avec Miss Piggy et sa bande de marionnettes ? Ont-ils cru que c’était trop américain ? Quoi qu’il leur soit passé par la tête, ils ont à l’évidence mal pensé, et j’ai râlé plus d’une fois ici ou là sur Internet pour pester contre ce destin de direct-to-dvd réservé aux Muppets.

Jusqu’à ce qu’une blogueuse réponde à l’une de mes jérémiades par un « Bah, t’es pas invité à la projo spéciale qui a lieu au Publicis la semaine prochaine ? ». Euuuuh… non. Et voici qu’en deux temps trois mouvements, mes fesses étaient posées au sixième rang de la grande salle du Publicis, assistant à un tirage au sort pour gagner des peluches Muppets et autres goodies. Si j’aurais aimé racketter les gamins repartis avec les peluches Fozzie ou Animal, je n’en ai finalement rien fait, jouant en fin de compte le mec civilisé. Après tout, c’était pour le film que nous étions tous là (mouais, mouais…), même s’il était projeté en version française à mon grand désarroi.

Une fois tous les goodies distribués, un court-métrage « Toy Story » fut projeté en préambule, dans son doublage québécois – mais aucun accent local en vue, seulement quelque vocabulaire faisant se soulever le sourcil gauche et une prononciation de Buzz ressemblant plus à Bozz. Ce dernier, prisonnier d’un soir dans un fast-food, participait à une réunion de jouets anonymes jetés à la poubelle, et confirmait une fois de plus que Pixar s’y connaît autant en court qu’en long-métrage.

Mais ce sont bien les Muppets qui étaient les stars de la soirée. Kermit et sa bande se voyaient appelés à la rescousse par un nouveau Muppet qui apprenait par hasard en visitant les vieux studios Muppets désaffectés qu’un magnat sans scrupule était sur le point de s’en emparer et de les raser… à moins que les Muppets puissent s’acquitter des 10 millions de dollars qui leur permettraient de récupérer leur ancienne propriété. Kermit part alors sur les routes pour réunir la bande et monter un spectacle servant à lever des fonds. Après des années sans voir les Muppets, je me demandais si les aventures des marionnettes les plus célèbres de la planète me parleraient encore. Je craignais encore plus que la VF me gâche un peu le plaisir, non pas pour les voix des Muppets, mais pour celles des « vrais » acteurs, Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper et quelques autres, et surtout pour les numéros musicaux. Les gens de Disney auront-ils traduit et doublé les chansons, comme ils le font pour leurs films d’animation ? Malheureusement oui.

Voir Jason Segel parler en VF, c’est déjà peu agréable, mais assister à un rap de Chris Cooper avec une voix française qui ne lui convient pas du tout, c’est encore pire. Et frustrant tellement même dans un mauvais doublage, la séquence est mémorable et hilarante. Mais mes critiques à l’encontre du film s’arrêtent là. Bien sûr, la naïveté souvent étalée par le scénario est franchement kitschouille, mais dans la mesure où « Les Muppets » est un film familial s’adressant notamment aux enfants, il est difficile de vraiment faire cette reproche… Car à côté de cela, le film déborde d’une énergie et d’un humour communicatifs, et parvient à retrouver ces autoréférences constantes qui pouvaient parsemer le show à sa grande époque, notamment à travers les « papys Muppets ». Sous leur impulsion et au-delà, le scénario s’amuse à lancer des clins d’œil au spectateur en commentant l’évolution du film. « Oh non, le film sera plus court que prévu si cela continue comme ça ! ». Quand les petits peuvent s’émerveiller du premier degré, un autre niveau de lecture s’offre ainsi aux cinéphiles pour s’amuser autrement, au même titre que le défilé de stars le temps d’une micro scène souvent, de Mickey Rooney à Neil Patrick Harris en passant par Whoopi Goldberg, Alan Arkin, Emily Blunt ou Jack Black – qui a droit lui à un rôle plus costaud bien que non crédité au générique.

L’aventure du nouveau film des Muppets a donc commencé par une déception en France. Et cela sera ainsi pour tous ceux qui espéraient le voir sur grand écran. Au moins ceux qui le découvriront en DVD pourront découvrir directement le rap de Chris Cooper en VO !

Showeb, pour le plaisir des bandes-annonces

Depuis plusieurs semaines, Le Film Français, l’hebdomadaire des professionnels du cinéma, mettait au point dans le plus grand secret (pas tant que ça, mais j’aime la formule) un évènement qui permettrait de bâtir un pont entre les distributeurs de films et les acteurs du web ciné, journalistes de sites spécialisés et blogueurs. Une rencontre à la manière des conventions de distributeurs à première vue, où ceux-ci dévoileraient leur line-up des longs-métrages à venir sous forme de teasers, bandes-annonces, extraits et images de films en cours de production.

Je me suis tâté devant l’opportunité de participer à ce premier Showeb, puisque c’est ainsi que l’évènement a été baptisé. Tâté, parce que la ligne éditoriale de mon blog, si tant est que j’en ai une, n’est pas forcément compatible, dans la nécessité, avec ce type de rencontre. Je ne suis pas un blog de critiques, très peu de news, et encore moins de concours et autres deals avec distributeurs. Mon blog est le journal de bord de mes aventures cinéphiles, avec bien sûr quelques extras qui me font plaisir de temps en temps. Il y en a des tonnes, des blogs qui entrent plus évidemment dans la ligne de mire des distributeurs, alors devais-je vraiment m’y rendre, à ce Showeb ?

Mais ce qui compte plus qu’une compatibilité, au final, c’est l’envie. Avais-je besoin pour mon blog d’aller à la rencontre des distributeurs ? Pas spécialement, même si un peu de visibilité ne fait jamais de mal. Avais-je envie de me faire plaisir, de me poser dans la grande salle du Publicis avec d’autres passionnés pour aller découvrir pendant plus de deux heures des bandes-annonces de films à venir dans les semaines ou les mois à venir ? Avais-je envie de découvrir des images exclusives que je ne verrais peut-être pas de sitôt sur le web ou en salles ? Oui. Le geek en moi, qui lorsqu’une nouvelle bande-annonce que j’attendais impatiemment arrive en ligne, éteint toutes les lumières, tire les rideaux et la regarde religieusement en jubilant d’enfin la découvrir, avait fortement envie de se trouver au Publicis pour le Showeb.

Alors j’y suis allé, j’ai donné mon nom à l’entrée, j’ai eu droit à mon badge, à ma confiscation de portable et à ma clause de confidentialité à signer, à mes lunettes 3D pour la présentation Disney, et je me suis confortablement calé dans ma salle 1 adorée du Publicis. J’ai salué quelques connaissances, constaté que certains blogueurs se connaissaient déjà bien et formaient de vraies bandes, et le défilé de distributeurs a commencé, chacun amenant dans sa besace son lot d’images plus ou moins excitantes, plus ou moins fraîches, plus ou moins exclusives, de Studio Canal à Disney en passant par Pathé, Universal, Gaumont et le petit poucet Diaphana. Le représentant de ce dernier nous a gratifié du discours le plus mémorable de l’évènement, proposant un discours sur la nature des relations entre distributeurs et sites web / blogs d’une franchise séduisante (à l’image d’un line-up qui fait envie).

Si la bande-annonce du Québecois Star Buck a déclenché les applaudissements et l’extrait hilarant des Kaïras offert par Gaumont a secoué la salle de spasmes de rires, il y a eu de beaux moments projetés à l’écran, de la bande-annonce du prochain Wes Anderson déjà appréciée sur le web, Moonrise Kingdom, à un montage célébrant les 100 ans du studio Universal, entre autres. Et si le long exposé de Disney est en partie frappé du sceau de la confidentialité (il faut dire que le studio a bien joué le jeu du Showeb, avec des films présentés très, très en amont de leurs sorties), il est un moment de la présentation du studio aux grandes oreilles qui n’a pas eu besoin d’être exclusif pour me faire frissonner : la scène d’ouverture du Roi Lion projeté en 3D relief (qui sortira en salles en avril), me faisant l’espace de quatre minutes replonger en enfance et retrouver les sensations mêmes que j’avais éprouvées en 1994 lorsque l’enfant de 13 ans que j’étais avait découvert le film sur l’écran du Grand Rex. Et cela, je l’ai découvert, vaut toutes les exclusivités du monde.

Alors oui, on aurait aimé que plus de distributeurs participent, que ce soit du côté des majors ou des indépendants, on aurait aimé avoir droit à plus d’exclusivités, la plupart de ce qui nous a été montré étant déjà visible sur le web, on aurait aimé voir du cinéma asiatique teasé, mais ce premier pas a été apprécié. Et le prochain Showeb sera attendu. Ah oui, et j’allais oublier, avec une bande-annonce pareille, Cloclo va cartonner. Le Marsupilami, c’est moins sûr.

Dans l'obscurité d'une grotte, le Publicis confond VF et VO

Le Publicis est l’un de mes cinémas préférés de Paris. Je m’en cache rarement, mentionnant régulièrement les deux salles du haut des Champs-Élysées dans mes billets, louant la qualité de projection absolument irréprochable du cinéma le plus agréable de la plus célèbre avenue parisienne, mais également sa programmation parvenant à se démarquer. Le confort, le public sage, l’accueil impeccable en font un cinéma incontournable. Et où donc, sinon au Publicis, aurais-je enfin pu voir Votre Majesté au début du mois, sortie technique sacrifiée mais plutôt réjouissante malgré une réputation peu flatteuse ? Je n’aurais pas pu, tout simplement.

La comédie de David Gordon Green n’est certainement pas la plus mémorable de l’année, mais les facéties de Danny McBride et le duo qu’il y forme avec son improbable valet m’ont plus déridé que toutes les comédies américaines de l’été (réunies ?). Je me demande encore à quel point le père qui se trouvait le rang derrière moi dans la salle s’est trouvé mal à l’aise devant le film, ayant décidé d’y emmener son fils qui n’avait pas l’air d’avoir plus de 11 ans. Le paternel peu alerte sur l’humour du film qu’il s’apprêtait à voir vantait à son fiston les aventures et les dragons qu’ils verraient à l’écran, quand en réalité, il s’agissait plus d’humour salace, de blagues sous la ceinture, et de pénis de minotaure porté comme un trophée. Hum… pas évident à voir avec son gamin j’imagine, s’il s’attendait à une aventure pour toute la famille.

Mais je m’écarte de mon sujet, car en commençant à écrire ces lignes, l’intention n’était pas de louer le Publicis, mais de lui pousser un coup de gueule mérité. Plus d’un mois après sa sortie en salles, j’étais cette semaine déterminé à voir La grotte des rêves perdus de Werner Herzog, le documentaire que le cinéaste allemand a consacré à la grotte de Chauvette en Ardèche. Une plongée en 3D dans l’un des sanctuaire de la peinture rupestre, inatteignable pour le public, l’héritage des hommes préhistoriques étant interdit d’accès à d’éventuels visiteurs par souci de conservation de ce trésor de l’humanité. Herzog a été exceptionnellement autorisé à tourner dans la grotte, à laisser sa caméra glisser sur les murs peints, à s’enfoncer dans ces entrailles terrestres mystérieuses et fascinantes, à interroger les scientifiques travaillant à percer ses secrets et son histoire.

A l’origine, je ne tenais pas à voir La grotte des rêves perdus, la faute à une bande-annonce en VF peu enthousiasmante (les scientifiques français parlant à l’évidence en anglais mais doublés par leurs propres soins en français avaient quelque chose de ridicule). Mais la critique a peu à peu fait naître le désir en moi, contre toute attente, criant à la beauté de la 3D. Lorsqu’enfin je me suis décidé à aller le voir, je me suis promis deux choses. La première, de voir le film en 3D, tant il apparaissait que celle-ci était un véritable atout pour le documentaire de Herzog. La seconde, de le voir en VO. Hors de question de le voir en VF à la vue de cette bande-annonce peu probante.

Lorsque le film est alors apparu sur le programme du Publicis, pour une projection en VO et en 3D, l’affaire était emballée, et le rendez-vous pris en fin de semaine d’exploitation, un mardi soir. Après les pubs et bandes-annonces (Another Earth, alléchant !), le film commence… avec la narration en français avec accent germanique de Volker Schlöndorff, que je savais s’occuper de faire la voix-off dans la version française du film en lieu et place de Werner Herzog en VO. Mille pensées se sont alors bousculées dans mon esprit… « Merde, il faut que je sorte leur dire qu’ils se sont plantés ! »… « Attend c’est peut-être juste la voix-off qui est en français… »… « Non c’est pas possible c’est Herzog lui-même qui narre le film en VO »… « Ils sont au courant qu’ils ont pas mis la bonne version ? »… « Attend t’es sûr que c’était écrit VO sur le programme ? »… « Mais oui je suis sûr »… « Bon de toute façon ça va rien changer si je monte me plaindre, et de toute façon si je le vois pas en VF maintenant je risque de pas le voir du tout en 3D au ciné, tant pis »…

Il s’en bouscule des réactions dans le cerveau quand on est pris de court et déçu à l’ouverture d’un film. Le cinémaniaque en moi bouillonne devant cette traîtrise du Publicis. Je viens chez eux expressément pour voir le film en VO, et je me retrouve devant une VF agaçante. Oui, la VF est vraiment agaçante. Quelle idée de faire une VF d’un tel documentaire, mais là c’est le distributeur Metropolitan qu’il faut blâmer pour une telle hérésie. Certes presque tous les intervenants sont français, et certains parlent même directement dans notre langue à l’écran… mais une bonne partie du temps, les scientifiques français interrogés dialoguent en anglais avec Werner Herzog, et plutôt que des sous-titres, voilà que c’est le scientifique lui-même qui se double en français (avec accent florissant du sud pour la plupart). Mais attention, pas un doublage synchrone comme dans un film américain, non, le doublage est désynchronisé, et le doublage en VF chevauche la version originale en anglais, comme dans un bon vieux reportage de JT de sous les fagots avec le journaliste qui double lui-même ce que son interviewé raconte.

Précisément le genre de VF qui peut à la limite passer pour un reportage que l’on regarde d’un œil à la télé, mais qui sur grand écran gâcherait presque un film. Mais comment les mecs de Metropolitan peuvent-ils oser nous sortir un doublage aussi bas de gamme ?! Devant cette exploration spéléologique qui confère parfois au sublime et requiert que nos sens soient en éveil et les plus attentifs possibles, un tel doublage déconcentre et atténue l’effet que pourrait procurer cette plongée en 3D quasi hypnotique parfois. Je voudrais oublier qu’il s’agit d’un film, oublier la salle de cinéma, oublier ces pesantes lunettes et m’absorber pleinement dans ce voyage à travers le temps où ce que l’on voit à l’écran n’a plus bougé depuis des milliers d’années, mais cette VF balbutiant par-dessus la VO m’en empêche. (A bien y réfléchir, le film aurait gagné à moins faire intervenir les scientifiques, dont les commentaires sont parfois étonnamment surjoués et peu passionnants)

Heureusement, de temps en temps, les français parlent en français, et j’oublie quelques minutes que dans les minutes qui suivront, d’autres parleront en anglais redoublés par-dessus. Alors quoi, personne au Publicis ne s’est-il rendu compte que le film qu’ils projetaient était en VF et non en VO comme annoncé sur leur programme (aussi bien sur Internet qu’à l’entrée de la salle…) ? Estiment-ils que cela n’a après tout pas d’importance étant donné que le film est tourné en France et figure de nombreux intervenants français ? N’estiment-ils pas nécessaire de prévenir le spectateur, à la caisse, que le film est en fait en VF et non en VO comme annoncé ? Ou bien tout ceci n’est-il que de la faute de Metropolitan qui ne fait en réalité circuler le film que dans cette VF désastreuse (même si cela n’expliquerait pas la mention de VO dans le programme) ?

Mon histoire d’amour avec le Publicis en a pris un sérieux coup. Espérons qu’elle n’aura plus à souffrir de telles déceptions à l’avenir… Malgré cette déconvenue, je ne peux passer sous silence l’une des merveilles du film d’Herzog : la 3D. J’ai trouvé avec La grotte des rêves perdus le meilleur usage fait de la technique au cinéma ces deux dernières années. Jamais l’immersion en relief n’a été plus valorisante et plus indispensable que dans le film de Herzog, qui parvient à nous faire frôler ce pan si délicat du passé qui nous est invisible dans la réalité, mais prend forme avec grâce sur grand écran. Voilà enfin un film qui prouve que la 3D peut servir un film et non le desservir. Cette découverte valait bien de ronchonner un peu.

20th Century Fox se fout de nous !

Pffffffffffffffff… Les mots me manquent… seuls quelques jurons me viennent en tête… Il y a quelques semaines à peine, je me désolais sur ce blog de la sortie en salles de Gentlemen Broncos qui était massacrée par son propre distributeur, 20th Century Fox France. La sortie technique était exclusivement en version française, sans laisser la possibilité aux exploitants de projeter le long-métrage dans sa version originale sous-titrée en français.

La présence en soi d’une sortie technique n’a rien de nouveau ni de totalement anormal, tant il paraît évident que tous les films ne peuvent pas sortir à grande échelle et tous n’ont pas vocation à trouver leur public en masse auprès des spectateurs (français). Mais le charme d’une sortie technique, c’est de tout de même permettre à ceux qui hantent les cinémas comme j’aime à le faire de pouvoir découvrir en salles des comédies américaines (car il s’agit bien neuf fois sur dix de cela) appelés à vite disparaître.

Or comme je l’ai déjà mentionné, les spectateurs intéressés par ces films sortant en catimini ont plutôt tendance à être des puristes ne jurant que par la VO, et il faut bien avouer que le genre même, la comédie américaine, se prête en général particulièrement mal à la VF. Or c’est bien en VF que Gentlemen Broncos avait déboulé au Publicis à la fin de l’été, un choix du distributeur 20th Century Fox… et devinez quoi ? La branche française de la Fox a remis ça cette semaine avec La machine à démonter le temps. Sortie technique dans une dizaine de salles en France, et pas une copie en VO, pas même pour l’éternel Publicis, qui programme donc une fois de plus le film dans la version fournie par le distributeur.

Merde. Merde, merde, merde. Une comédie sur une bande de potes qui remontent dans les années 80, à leur époque ado, grâce à un jacuzzi permettant de voyager dans le temps, avec John Cusack, Rob Corddry, Craig Robinson et Clark Duke, non, non et non, ça ne se voit pas en VF ! Me voilà donc à boycotter pour la seconde fois en même pas deux mois une comédie pour laquelle je comptais presque les jours avant la sortie en salles. Tout cela grâce à un même distributeur. 20th Century Fox serait donc le distributeur le plus irrespectueux et haïssable que l’on compte en France ? En tout cas la filiale française du studio hollywoodien ne fait rien pour s’attirer les faveurs des amateurs de comédie américaine, ou de cinéma en général. Et comme elle ne fait aucun effort pour s’attirer notre respect, il n’y a aucune raison de le lui accorder.

Pour reprendre les mots du respectable Ron Burgundy, Go f**k yourself 20th Century Fox !

(p.s. : dans quelques semaines à peine la Fox va distribuer en France Journal d’un dégonflé, une comédie ayant l’air fort sympathique… oserais-je supposer le type de sortie auquel nous allons avoir droit… ?)

Pas de bronca pour Gentlemen Broncos

De nature partageur dans mon enthousiasme cinématographique, je regrette facilement qu’un film me faisant palpiter d’impatience n’ait droit qu’à une pauvre sortie technique, mais soupire de soulagement en découvrant que « Ouf ! », au moins il passe dans une salle à Paris en VO, et donc Ouf ! au moins je ferai partie des rares à pouvoir le voir. Mais lorsque ma propre satisfaction cinéphile égoïste n’est pas remplie, j’ai envie de taper du poing sur la table et de crier « SAPERLIPOPETTE !!! », ou quelque chose d’approchant dans l’idée (mais un peu plus vulgaire).

Cette semaine je pars donc en croisade. Non, le terme est mal choisi. Cette semaine je pousse un coup de gueule à l’encontre de 20th Century Fox France. Depuis des mois, la filiale française du studio hollywoodien avait planifié la sortie en salles de Gentlemen Broncos, la troisième réalisation de Jared Hess après Napoleon Dynamite et Super Nacho. Pour le moment on peut dire que le cinéaste américain est un peu maudit en France, avec aucune sortie digne de ce nom en trois films, et ce n’est pourtant pas faute de faire des films attrayant ou au potentiel culte. Son premier film, Napoleon Dynamite, est une œuvre incontournable du paysage cinématographique américain des années 2000, révélation du Festival de Sundance en 2004 et carton indépendant du box-office US dans la foulée. Pourtant, six ans plus tard, nulle trace du film dans l’hexagone, ni au cinéma ni en DVD zone 2 (heureusement que les imports existent !).

Son second film, Super Nacho, était en revanche sorti en salles, mais en plein été et avec une confidentialité tout ce qu’il y a de plus technique. Je ne me faisais donc aucune illusion sur Gentlemen Broncos, le troisième film de l’auteur, qui contrairement aux deux précédents n’avait pas déplacé les foules lors de sa sortie aux États-Unis l’automne dernier. Un petit bide. Nulle raison donc de penser que le film allait avoir droit à autre chose qu’une sortie dans 10 salles en France.

Mais oh bonne nouvelle, le Publicis annonçait depuis plusieurs semaines la diffusion du film dans une de ses salles à partir du 25 août. Finalement, il serait possible de le voir dans les meilleures conditions qui soient (ma part égoïste prenait le dessus quelques instants à cette nouvelle). Pourtant, patatra, la joie s’est effondrée à la veille de la sortie, lorsque le Publicis annonçait via sa page Facebook que Gentlemen Broncos serait programmé en VF en son sein. Mon sang n’a fait qu’un tour face à ce coup de tonnerre (oui je sais je suis un peu excessif dans ces moments), et j’en ai fait part au Publicis via cette même page Facebook, exprimant ma profonde déception d’apprendre que ce cinéma que je respecte et fréquente assidûment fasse ce choix rédhibitoire à mes yeux.

Le jour de la sortie, je constatai avec amertume qu’effectivement le film était bien annoncé en VF au Publicis, mais surtout que la salle des Champs-Elysées était la seule de Paris à programmer le film de Jared Hess. Malgré tous mes bons souvenirs d’enfance avec les VF des films, j’ai abandonné depuis longtemps les films doublés au cinéma (à la télé ça peut passer), et mon désir de voir Gentlemen Broncos sur grand écran s’éteignit aussitôt.

Le Publicis, en réponse à l’expression de ma déception sur leur page, me fit alors savoir que cette malheureuse programmation en VF était due au fait que le distributeur du film, 20th Century Fox France, ne mettait que cette version à la disposition de la salle. Pas de VO, choix de la Fox. Saperlipopette !!! Comment faut-il prendre ce choix délibéré de la Fox d’exclure la VO pour Gentlemen Broncos ? Une semaine plus tôt, le distributeur avait fait le même choix pour le film Marmaduke, pas de VO. Si le principe de VF pour ce dernier film pouvait se défendre, son caractère le destinant assez clairement aux enfants, il paraît étrange qu’un distributeur affiche un tel mépris pour le public potentiel d’un film comme Gentlemen Broncos. Mais est-ce du mépris, du je-m’en-foutisme, de l’incompétence ?

Mettent-ils donc dans le même panier un Marmaduke et un Gentlemen Broncos ? Que diraient-ils si un tel coup de gueule les intéressait vraiment ? Que ce n’est qu’une sortie technique et qu’ils ont mieux à faire ? Dans ce cas ils seront gentils de ne pas annoncer des mois à l’avance la sortie en salles de leur film. Qu’ils aient la décence de le balancer à la dernière minute, que l’on n’ait pas le temps de nourrir du désir pour le film.

Moi je voulais le voir, Gentlemen Broncos. Je voulais voir cette histoire d’un ado geek écrivant de la science-fiction qui se fait piquer un de ses manuscrits par un auteur star en panne d’inspiration. J’avais envie de voir Sam Rockwell en héros incarné du récit dérobé. Je voulais voir Jemaine Clement en auteur SF veule et dépassé. Mais voilà, à la Fox, on se dit qu’un film sur un chien qui parle ou un film geek du réalisateur de Napoleon Dynamite, c’est la même chose, le public s’en fout de le voir en VF. En six ans, le studio n’a pas été capable de sortir ne serait-ce qu’en DVD Napoleon Dynamite, ce qui ne l’empêche pas de laisser la mention « Par le réalisateur de Napoleon Dynamite » dans la bande-annonce du film, une ironie à mourir de rire. Car après tout, les seuls spectateurs qui auront vu le premier film de Jared Hess auront été le chercher en ligne, ou l’auront chassé en zone 1, comme je l’ai fait, et l’auront vu en VO. Gentlemen Broncos est un film de niche pour public averti. Un public qui aime en nette majorité voir son film en VO.

Je voulais voir Gentlemen Broncos en VO au cinéma. Je verrai Gentlemen Broncos en VO. Je ne le verrai pas au cinéma. Merci 20th Century Fox France.

Petits suicides entre amis sur les Champs-Elysées

J’en suis presque sûr, je n’avais jamais vu autant de monde assister à une projection au Publicis. Arrivé près d’un quart d’heure avant le début de la séance dans la salle, il y avait déjà plus d’une quinzaine de personnes installées (un taux de remplissage inhabituel). Au moment où le film a commencé 25 minutes plus tard, la salle était presque à moitié pleine (et c’était la grande salle !). De mémoire de spectateur du Publicis, du jamais vu.

Mais quel est donc ce film qui attire tant de monde au Publicis ? Un petit film indépendant américain datant de 2006 figurez-vous. Wristcutters : a love story, intitulé en français Petits suicides entre amis. Le film, projeté pour la première fois au Festival de Sundance en janvier 2006, a été présenté dans bon nombre de festivals avant de sortir aux États-Unis à l’automne 2007. En France, le voici qui débarque enfin grâce à CinéMadness, une société de distribution spécialisée dans le film de genre, proposant aux internautes un rôle participatif en misant sur les films que CinéMadness distribue. Le système est original, les films faisant le tour de quelques salles à travers la France à la manière d’un festival de films de genre itinérant. Oui, car Petits suicides entre amis n’est pas le seul film à être distribué cette semaine par CinéMadness au Publicis. Il est accompagné de trois autres longs-métrages, Grace, Donkey Punch et Confession d’un cannibale (et le prochain opus de CinéMadness est déjà annoncé, dont l’alléchant film à sketches The Ten !), que je n’ai pu voir.

Voilà, ce sont donc ces Petits suicides entre amis qui ont attirés tant d’amateurs au Publicis samedi après-midi. Il faut dire que les films ne bénéficient pas de séances tous les jours, il ne fallait donc pas traîner si l’on tenait à les voir. Moi je tenais à voir celui-là. Anecdote amusante d’ailleurs, l’homme aux sacs plastiques a délaissé sa chère cinémathèque pour lui aussi attraper ce long-métrage. Mais vu comme il a détalé comme une flèche à peine sorti du cinéma, courant plus vite que Christophe Lemaître à Barcelone pour descendre les Champs-Élysées, nul doute qu’il avait une autre séance qui l’attendait incessamment sous peu, ailleurs…

Revenons à nos moutons. Les suicidés de Petits suicides entre amis. Il a eu beau traîner plus de quatre ans sans distributeur en France, en voilà un qui valait largement d’être vu. Derrière ses airs de p’tit film qui casse pas trois pattes à un canard, le film américain du croate Goran Dukic s’est révélé éminemment agréable. Sa grande qualité, c’est son imaginaire simple mais tout à fait fou. Le héros du film est Zia, un jeune homme qui se taille les veines. Après sa mort, le voici coincé dans un autre monde, un monde réservé aux suicidés. Un monde qui ressemble au nôtre sans être le nôtre. On y croise donc que des morts dans un décor déprimant, où tout semble cassé ou à peine rabiboché. Tout le monde tire un peu la tronche, déçu de constater qu’il y a une vie après la mort, et que celle-ci est encore plus déprimante que celle qu’ils avaient délibérément choisi de quitter. Zia est comme les autres, jusqu’au jour où il apprend que sa petite amie Desirée, qu’il avait laissé parmi les vivants et qui lui manque, s’est suicidée elle aussi, peu après lui. Avec son pote Eugene, un rockeur russe mort sur scène, et Mikal, une jeune femme tenant absolument à trouver les instances dirigeantes de ce monde parce qu’elle n’est pas censée être là, Zia s’embarque donc sur les routes à la recherche de Désirée.

Petites suicides entre amis, c’est donc un road movie existentiel, dans lequel les personnages roulent au petit bonheur la chance, dans une quête au cours de laquelle ils trouveront peut-être des réponses à leurs questions. Et à défaut, ça les occupera, car hein, ils ont quoi de mieux à faire dans leur purgatoire éternel ? C’est ça le charme du film de Dukic. Ce ton tragicomique hésitant entre le glauque et le surréalisme. Au début, c’est déroutant et on se demande un peu dans quoi on s’est embarqué. Et finalement, la sauce prend. Le surréalisme prend le dessus sur le glauque. Des personnages joliment déglingués apparaissent, et ils ont les traits de Tom Waits, Will Arnett, John Hawkes. Des têtes qu’il fait bon voir traîner dans des seconds rôles.

Bizarrement, cette ballade m’a rappelé Tout est illuminé, sans le côté bouleversant mais avec du fantastique en plus. Le road movie réalisé par Liev Schreiber avait ce même esprit loufoque et existentiel. Peut-être est-ce aussi dû au personnage d’Eugene, le pote russe rocker qui secoue et déride Zia, et nous fait profiter d’un humour et d’une musicalité qui rappelle celle d’Eugene Hutz, un des acteurs de Tout est illuminé (également musicien avec son groupe Gogol Bordello, présent sur la bande originale de Petits suicides entre amis...).

Quelle que soit la raison, ça valait le coup d’attendre quatre ans.

Un été au Publicis

Au risque de me répéter, le Publicis est l’un des trésors les mieux gardés de Paris. Un cinéma unique dans la capitale tant par sa programmation que par ses caractéristiques intrinsèques de salle. C’est le cinéma des sorties techniques, ces films distribués dans une poignée de salles en France, comédies américaines, films de genre, animation japonaise… En général ce sont des films dont le public ciblé est plutôt constitué de cinégeeks ayant la vingtaine ou la trentaine, des mecs (et quelques filles) fans de Will Ferrell, de science-fiction et de tout ce qui vient du continent asiatique.

C’est ça, le Publicis, dans des conditions optimales. Sièges confortables, deux vastes salles à écrans larges, et (ce qui est la bénédiction du Publicis tout autant que sa malédiction) il y a toujours de la place ! Qu’il vente, qu’il neige, ou qu’un soleil de plomb pèse sur la capitale, le Publicis n’affiche jamais complet. Je ne l’ai en tout cas jamais vu complet pour ma part, même il y a quelques années lorsque j’y avais vu en avant-première, de longs mois avant leurs sorties respectives, A bittersweet life de Kim Ji-Woon et The jacket de John Maybury. Tant et si bien que je crains souvent qu’un jour ou l’autre ce cinéma cher à mes habitudes cinéphiles ne se trouve obligé de fermer boutique, d’où ma grande satisfaction chaque fois que je vois que le public se déplace plus nombreux que d’habitude pour venir y voir un film.

Pour ma part, je sais déjà que je vais passer une partie de l’été à naviguer entre les deux salles du cinéma des Champs-Élysées. Je m’y suis déjà rendu à trois reprises depuis le début de l’été. La première fois, c’était pour la sympathique comédie Trop belle !, la comédie type à passer en exclusivité au Publicis. Puis j’y ai vu l’aventure épique Centurion retraçant le funeste destin d’une légion romaine mystérieusement disparue dans ce qui deviendrait quelques siècles plus tard la Grande-Bretagne. Pas l’épopée de l’année, mais un film appréciable dans le genre.

Enfin ce week-end, après de nombreux films successifs dans la salle 2 (la plus petite des deux, où j’ai vu les deux films précédemment cités, plus notamment My Name is Khan et The Crazies), j’ai enfin remis les pieds dans la magnifique salle 1 pour une nouvelle sortie technique, Repo Men. Un film de science-fiction cette fois, prenant pour cadre une société futuriste dans laquelle une entreprise (The Union) a la mainmise sur un marché juteux : la greffe d’organes artificiels. Les protagonistes, les « repo men », sont une brigade attachée à l’entreprise chargée de récupérer les organes greffés lorsque les clients ne sont plus en mesure de payer leurs traites. Et par « récupérer les organes », il faut comprendre, « ils débarquent au milieu de la nuit chez vous, vous ouvrent le bide et vous laissent crever sur place ». Ce genre de petite attention tendre.

Le film est incroyablement violent et sanglant, tombant même un peu trop facilement dans la violence gratuite. Les personnages, campés par Jude Law, Forest Whitaker et Liev Schreiber, manquent d’épaisseur. En revanche, le film bénéficie d’un twist final déconcertant et excitant qui rehausse nettement la qualité globale de l’œuvre.

Voilà pour mon début d’été. Mais ça ne fait que commencer. Car dans les semaines à venir, le Publicis risque de rester un de mes lieux de cinéphilie de prédilection, avec dans un premier temps, en août, le Festival CineMADness offrant notamment un indépendant américain inédit qui me fait très envie (Wristcutters), avant que le cinéma n’enchaîne Tell Tale de Michael Cuesta, Gentlemen Broncos de Jared Haress (réalisateur des cultes Napoleon Dynamite et Super Nacho), et enfin juste avant la rentrée American Trip (Get him to the Greek), le spin off de l’excellent Sans Sarah rien ne va !

Gardez-moi une place au cinquième rang pour tous ces films, j’arrive !

Shah Rukh Khan revient en France, attention aux émeutes !

Ah qu’il me semble lointain le jour où j’avais vu Shah Rukh Khan pour la dernière fois sur grand écran. Laissez-moi compter… une… deux… trois… quatre ? Quatre années que la star du cinéma indien ne s’était plus affiché dans les salles françaises. Quatre années pendant lesquelles seule une poignée de divertissements venus de Bollywood ont atteint nos contrées franchouillardes quelque peu allergiques au charme suranné des flamboyants mélos indiens.

La dernière fois, au printemps 2006 donc, c’était Veer Zaara. Pour une fois, j’avais réussi à convaincre pas mal de connaissances qu’il était temps pour eux de venir à la rencontre de ce cinéma si rafraichissant et unique, moi qui était tombé dedans avec Lagaan en 2002. A ma grande surprise (ou pas ?), tous ceux que j’avais envoyés voir Veer Zaara en étaient ressortis conquis par la grandeur et l’émotion du film, et sous le charme de ses interprètes, au premier rang desquels Shah Rukh Khan, la star numéro un du cinéma indien. Un acteur qui selon les standards occidentaux n’est pas franchement beau mec mais qu’il suffit de voir jouer et danser pour déceler en lui une présence qui explique comment il a pu être propulsé au sommet de la gloire bollywoodienne. A l'époque il était même venu faire la promo à Paris avec Preity Zinta et Rani Mukherjee (même que je les avais vus !).

Et le voici donc de retour, le Shah Rukh. Qui plus est dans un film qui porte son nom, My name is Khan. Ca y est, enfin ! Le distributeur a en plus eu la bonne idée de sortir le long-métrage (un petit 2h40, pas si long que ça selon la norme indienne) en cette période creuse de fin mai. Étant donné que le film ne sera de toute façon pas un carton au box-office, le plus important était surtout de l’exposer au mieux dans les salles françaises, et le peu de films sortant ces temps-ci offre une belle disponibilité des écrans. Résultat, si le film n’est projeté en première semaine que dans 16 salles en France, il est visible dans sept salles parisiennes, de l’UGC Ciné Cité Les Halles à l’Arlequin en passant par Le Grand Rex ou le Publicis (là où je l’ai vu). C’est la première fois qu’un film avec Shah Rukh Khan s’expose sur autant d’écrans parisiens, avec des chiffres au box-office tout à fait encourageants.

Toutefois, précisons que My name is Khan est un Bollywood sans vraiment en être tout à fait un. Produit par un studio Hollywoodien, le film n’est pas musical, et quoi que l’on en dise, sans chorégraphies ni chansons, un Bollywood n’est pas vraiment Bollywood. Shah Rukh Khan interprète Ravzin Khan, un homme atteint du Syndrome d’Asperger, une forme d’autisme. Après sa jeunesse dans son Inde natale, Khan part pour San Francisco, où il rejoint son frère qui y a réussi et s’est bâti une nouvelle vie. Aux États-Unis, Khan va trouver l’amour, tenter de le conquérir malgré sa différence, et surtout être confronté, lui le musulman, aux tensions raciales consécutives aux évènements du 11 septembre 2001.

My name is Khan ne fait pas vraiment dans la dentelle, mais cela on peut le dire de tout film de Bollywood. Toutefois s’il manque de subtilité, on ne peut pas lui reprocher de ne pas oser aborder de front des thèmes de société, du racisme aux clivages religieux. Il y a une certaine candeur dans cette façon de traiter avec force et maladresse des sujets sensibles, une candeur qui peut paraître trop appuyée mais qui a le mérite d’oser et de ne pas se donner de limites. On peut également regretter que les comédiens américains ne soient pas tous très bons acteurs (est-ce pour ne pas faire de l’ombre aux stars indiennes ?), mais qu’importe.

Le voyage proposé par My name is Khan est l’essentiel. Le périple de cet homme par-delà les obstacles est parfois (souvent ?) too much, mais c’est une épopée humaine dense et jamais ennuyeuse, portée par le charisme de Shah Rukh Khan et le charme de Kajol (le couple star de La famille indienne). Bien sûr, les danses et les chants manquent. Le film paraît orphelin de cette musicalité, de cette rythmique, de ces couleurs flamboyantes qui font tout le sel de ces productions.

Messieurs les distributeurs, offrez-nous un vrai grand spectacle musical bollywoodien dans les cinémas français ! Que l’on cesse de jalouser nos voisins anglais qui eux y ont droit régulièrement…

Ricky Gervais déride la moribonde Avenue des Champs-Elysées

Je n’aime pas aller au cinéma sur les Champs-Élysées. L’avenue que nous envient les francophiles du monde entier n’a pas tant de succès que ça dans le cœur des parisiens, et celle qui fut un temps le haut lieu du cinéma à Paris a bien perdu de sa superbe. Les premières de films hollywoodiens ont beau continuer à privilégier la « plus belle avenue du monde », ce ne sont pas moins de trois cinémas qui ont rendu l’âme ces douze dernières années sur les Champs-Élysées. Le Gaumont Champs-Élysées et l’UGC Champs-Élysées, les deux dernières salles uniques de l’avenue, puis l’UGC Triomphe ont disparu, réduits à l’état de souvenirs dans les mémoires des spectateurs (aaaaah, Boogie Nights à l’UGC Champs-Élysées en 1998…).

Quelques années après le prestige cinéphile élyséen, les salles de l’avenue se sont transformées en archétypes des salles pop-corn. Le public y est bruyant, souvent des bandes d’ados de sortie sans les parents, des touristes bavards, bref, le genre de public avec lequel il n’est pas recommandé d’être assis deux heures durant. Dommage tout de même car les Champs abritent l’une des plus belles salles parisiennes, la grande salle de l’UGC Normandie, vestige de la gloire cinéphile du quartier, avec ses 900 fauteuils et son grand rideau bleu. Bien sûr je n’inclue pas dans ces salles le Balzac et le Lincoln, les deux salles art & essai du quartier, sur des rues perpendiculaires.

Non, décidément, il ne reste plus qu’un cinéma fréquentable avenue des Champs-Élysées. Le Publicis. Surtout depuis qu’il a été complètement restauré il y a quelques années. Le Publicis, c’est le trésor le mieux gardé des Champs-Élysées, un de mes cinémas préférés de Paris. Deux belles salles à la programmation originale, au confort optimum, au personnel sympa. La qualité première du Publicis, c’est la programmation. Comme je l’ai sûrement dit plusieurs fois, on y trouve généralement des films ne passant presque pas ailleurs, au mieux dans une autre salle de la capitale, rarement plus. Le cinéma s’est fait une spécialité de programmer les sorties techniques, ces films sur lesquels les distributeurs préfèrent ne pas dépenser trop d’argent, en les sortant dans une poignée de salles, sans promotion pour signaler leur arrivée dans les salles.

De tels films, il y en a tous les mois, et croyez-moi, ce sont rarement les plus mauvais. Bien sûr il n’y a pas que des sorties techniques au Publicis, il y a aussi des films qui sortent seulement dans peu de salles, des films de genre le plus souvent, polars australiens, science-fiction hollywoodienne, et bien sûr comédie étrangère. L’un de mes films préférés de 2009 était d’ailleurs un tel film, une petite comédie américaine sortie en catimini au Publicis, un bijou que nous n’avions été que peu à découvrir, La ville fantôme. A l’affiche, Ricky Gervais, comique britannique irrésistible à la réputation en béton chez les anglo-saxons mais dont la plupart des français n’ont jamais entendu parler. La série « The Office » (la version britannique originale), c’est lui. La série « Extras » sur la dure condition de figurant, c’est lui aussi.

Cette semaine est sortie en salle sa première réalisation, The invention of lying, écrite et interprétée par ses soins. Parmi le peu de cinémas à la programmer en France, le Publicis. Bien sûr. Vendredi soir, direction le Publicis, donc. The invention of lying y était programmé en salle 2, pendant que Le choc des titans passait en 3D en salle 1. Il y a peu je parlais des spectateurs sympas que l’on peut rencontrer au cinéma… eh bien vendredi soir au Publicis j’ai constaté que même au Publicis, un cinéma où les spectateurs sont presque toujours irréprochables, des cons passent entre les mailles du filet. Enfin, presque.

Alors que je faisais la queue pour prendre mon billet, une femme, la cinquantaine, accompagnée de celui qui devait être son compagnon, a brusquement crié au scandale sous mes yeux. Elle se rendait à la projection 3D du Choc des titans, et avait pour l’occasion amené avec elle une paire de lunettes 3D. Le personnel du cinéma lui explique alors qu’il existe différents types de projections 3D, et que ses lunettes sont incompatibles avec la projection numérique 3D que le Publicis utilise, et qu’elle doit donc prendre celles fournies par la salle pour 1€. Mais la femme ne veut rien entendre. « Vous vous foutez de ma gueule ?! C’est quoi cette arnaque ? ». Le personnel lui explique calmement qu’elle peut essayer avec ses lunettes si elle veut, mais qu’elle ne verra pas l’effet 3D, c’est un système différent. « C’est n’importe quoi votre truc, vous vous foutez de la gueule du monde, c’est une arnaque, vous n’avez pas honte, j’ai jamais vu ça de ma vie !!! ».

Il fallait la voir, crachant presque ses paroles en achetant son billet, insultant sans détour le garçon essayant de garder son sang froid malgré le ton insultant de la spectatrice. Il essaie bien de lui dire que cela ne sert à rien de lui dire tout cela, que ce n’est pas sa faute à lui s’il existe plusieurs types de projection 3D, il faut qu’elle se plaigne aux responsables du marché de la projection 3D, mais la femme ne veut rien entendre. Elle paye tout de même son billet, insultant encore allègrement le caissier. Qui craque et ne supporte plus de se laisser insulter, retirant finalement les tickets des mains du couple, leur disant « Ca suffit je ne peux pas vous laisser rentrer. On va vous remboursez et vous allez partir, vous n’avez pas à m’insulter comme ça madame ». Qui lui crache une salve d’insultes de plus avant de récupérer son argent et de se barrer.

La scène était proprement hallucinante, et fut une belle entrée en matière pour se glisser dans la folie douce de The invention of lying. La comédie réalisée par Ricky Gervais et Matthew Robinson prend pour cadre une société ressemblant en tous points à la nôtre à une énorme différence près : le mensonge, la duplicité, la malhonnêteté n’existent pas. C’est un monde où chacun dit ce qu’il pense, ne cachant rien à ses semblables. Dans ce monde, pas de tromperie, pas de fiction. La vérité et les faits, c’est tout.

Dans ce monde, Mark Bellison a du mal à trouver sa place. Il travaille pour la plus grande firme de production de films en tant que scénariste. Dans une société où la fiction n’existe pas, le cinéma consiste en un acteur récitant un épisode de l’Histoire rédigé par un scénariste. Mark Bellison est l’un de ces scénaristes, qui a la tâche ingrate de s’occuper du 14ème siècle, considéré par tous comme un siècle inintéressant. D’ailleurs Mark est sur le point d’être viré, tout le monde le sait. Et ce n’est pas comme si Mark pouvait au moins compter sur un physique avantageux, non, Mark n’est pas bien grand, rondouillet, bref il ne plait pas aux femmes, qui ne se gênent pas pour le lui dire, bien sûr.

Viré de son boulot et de son logement, balayé par la femme qu’il convoite, Mark est au bord du gouffre. C’est dans ce moment de dénuement le plus total, acculé, que Mark va faire une chose qu’aucun être humain avant lui, dans cette société, n’avait eu l’idée de faire. Ce n’est même pas une idée, mais un réflexe de survie. Mark va mentir. Un petit mensonge pas bien méchant, juste de quoi récupérer son appartement. Mais Mark va vite se rendre compte du pouvoir que cette chose, le mensonge, à laquelle il ne peut même pas donner de nom tant le concept est inédit dans ce monde, va lui offrir. En affabulant comme il l’entend, Mark va vite abandonner sa condition de petit homme médiocre. Mais tout cela n’est pas sans conséquence…

L’idée est remarquable, mais l’on n’en attendait pas moins de Gervais, l’homme le plus drôle outre-manche qui conserve son humour tranchant britannique et le transpose dans un cadre clairement américain. Si le film souffre de coups de mou constant qui font regretter que scénario et mise en scène ne parviennent pas à un mitraillage comique nous laissant sans répit, The invention of lying brille par son esprit, ses dialogues loufoques et sa capacité à ne pas se donner de limites. Le monde qu’ont créé Gervais et Robinson est la star du film, cette société où règne l’honnêteté la plus totale, donnant lieu à des situations d’une cocasserie savoureuse. Le voisin discutant de ses plans suicidaires, le rendez-vous galant prévenant d’entrée que vu votre physique, ça ne se finira pas au lit… Et au milieu, Mark Bellison, ce petit gros au nez court qui va révolutionner le monde avec ses mensonges éhontés.

The invention of lying n’est pas la comédie de l’année, mais c’est une belle bouffée d’originalité, et la confirmation quelle que soit le projet auquel s’attèle Ricky Gervais, il vaut d’être vu. Amusez-vous à repérer les nombreuses têtes connues qui n’ont pas résisté au plaisir d’apparaître dans le premier long-métrage du comique. Cela en dit long sur la réputation du bonhomme méconnu chez nous.

Acteur sérieux pour série B ou acteur de série B pour film sérieux ?

Si le sujet abordé ou le talent du cinéaste derrière la caméra sont des moteurs déterminants dans le désir que l’on éprouve à voir un film, les acteurs sont une incontournable vitrine, parfois le petit plus qui nous aide à faire nos choix, d’autres fois l’argument principal de notre envie. Prenez mon week-end ciné. Deux des films que j’ai vu ce week-end, Legion de Scott Stewart et White Material de Claire Denis, n’auraient peut-être pas fait partie de mes intentions cinéphiles du moment (quoi que certains aient du mal à voir une marque de cinéphilie dans le désir de voir Legion) s’ils n’avaient comptés à leur générique deux comédiens qui me tiennent à cœur.

En y réfléchissant, j’aurais probablement de toute façon vu Legion - l'armée des anges, parce qu’une série B dans laquelle l’ange Michael désobéit aux ordres du Tout-Puissant de propager l’Apocalypse sur Terre, préférant se cramer les ailes et descendre défendre l’humanité symbolisée par un petit groupe hétéroclite de beaufs dans un bouiboui du désert américain, ça plait à l’amateur d’atmosphères de fin du monde que je suis. D’autant que la bande annonce nous vendait un affrontement monstrueux entre Michael et sa poignée de protégés contre l’obéissant ange Gabriel, en armure, l’air mauvais, et accompagné en masse.

Bref un programme de série B bien sympa, qui était sur mon radar dès l’annonce de la mise en chantier du film par la simple présence au générique de Dennis Quaid, qui fait partie de ces acteurs dont je vais voir tous les films quels qu’ils soient. Y a des acteurs comme ça, ça ne s’explique pas forcément, et pour moi Quaid en fait partie. Je n’ai raté aucun de ses films en salles depuis 10 ans, et pourtant croyez-moi, le bonhomme a fait des films bien dispensables (Une famille 2 en 1, Les Cavaliers de l’Apocalypse et GI Joe, c’est vous que je regarde !)…

Quaid m’a donc entraîné au Publicis pour voir Legion, dans lequel l’acteur texan campe le propriétaire du bouiboui dans lequel débarque Michael, quinqua usé et désabusé qui sied étrangement mal à Quaid qui en fait des tonnes dans le rôle. La bonne surprise du film, que j’avais presque oublié, c’est la présence de Paul Bettany sous les traits de l’ange déchu. L’anglais frêle au physique à la fois doux et inquiétant fait partie d’une espèce d’acteurs très rare, ceux qui sont bons quoi qu’ils fassent. Quelle que soit le film dans lequel ils apparaissent, du film de luxe à la plus insignifiante série B (dans laquelle ils sont généralement ce qu’il y a de mieux dans le film), ils assurent. Ce n’est vraiment pas donné à tout le monde, et c’est ce qu’apporte toujours Bettany. Je me souviens d’ailleurs qu’il était déjà la seule chose que j’avais apprécié dans le premier film que j’avais vu avec lui, l’inepte Un homme d’exception de Ron Howard.

Dans Legion, Paul Bettany est bien ce qu’il y a de mieux. Il serait un peu fort de dire la même chose de l’acteur qui m’a poussé à aller voir White Material ce week-end. Car le film de Claire Denis est un bon film en soi, contrairement à Legion qui n’est qu’une petite série B. Isabelle Huppert joue la gérante d’une exploitation de café dans un pays d’Afrique en pleine explosion rebelle, menaçant l’exploitation et tout ceux qui y travaillent. Film sensoriel, joliment éclaté dans la forme, économe de mots et juste sur le fond, White Material séduit malgré l’entêtement d’Huppert à camper des personnages souvent peu appréciables, ici froide, peu sympathique et dont l’apparente force cache une déconnexion totale avec la réalité. Elle est une femme aveuglée par son quotidien et ses habitudes, si aveuglée qu’elle ne prend pas conscience que son monde s’effondre, malgré le comportement inquiétant de son fils, malgré les avertissements de son ex-mari.

L’ex-mari, justement, c’est lui qui m’a attiré dans la salle. Christophe Lambert, l’homme qui aimait tant les séries B et tente ces derniers temps de les troquer contre des films plus pointus. L’ancien espoir international du cinéma français, mué au fil du temps en acteur à nanars, a toujours eu mon affection sur grand écran, et c’est avec plaisir que je me délectais de le voir dans un rôle plus ambitieux, bien que secondaire, que ceux dans lesquels il s’était enfermé ces 15 dernières années. Et qui plus est pour une cinéaste française marquée du sceau du cinéma d’art et essai.

En ex-mari d’Huppert, protecteur, les pieds sur terre, mais inquiet, Lambert est irréprochable. Le personnage, sympathique de prime abord car d’apparence plus posé, révèle des failles que l’acteur incarne avec justesse. Si Dennis Quaid ferait bien de délaisser un peu les séries B futiles dans lesquels il s’affiche un peu trop depuis quelque temps, Christophe Lambert serait bien avisé de continuer à afficher sa présence dans un cinéma français qui a certainement de beaux rôles à lui offrir, mêmes secondaires. Réfléchissez-y messieurs…

Noise, ou la pêche aux films oubliés

Il y a huit ans, Henry Bean réalisait Danny Balint, qui révéla le talent du comédien Ryan Gosling. Fin 2009, voici que débarque enfin dans les salles françaises le second long-métrage du cinéaste, Noise. Une diatribe très personnelle contre un mal de la société moderne, le bruit, porté par Tim Robbins. Intéressé ? Dépêchez-vous, le film ne joue que dans deux salles en France…

Noise ressemblait jusqu’ici typiquement au film chimère, une figure cinématographique fantomatique apparaissant régulièrement dans le calendrier des sorties pour en disparaître quelques semaines plus tard. Tourné en 2006, présenté en festivals en 2007, sorti aux États-Unis au printemps 2008, le film a failli être distribué à plusieurs reprises, jusqu’à sortir enfin le 25 novembre dans deux salles en France, dont le Publicis sur le Champs-Élysées.

On ne peut trop en vouloir au distributeur Eurozoom d’avoir hésité, tant le long-métrage d’Henry Bean est un objet étrange, assez foutraque, plus à même de déconcerter que de fédérer. Le film dépeint la croisade d’un new-yorkais contre les bruits qui pullulent et lui gâchent le quotidien. Se transformant en véritable vengeur anonyme autoproclamé « Le Rectificateur », il traque tout particulièrement les alarmes de voiture sonnant intempestivement, au grand dam de son épouse et du maire de New York qui n’apprécie guère cet original justicier du bruit.

Parfois très amusant, Noise part un peu dans tous les sens, dans le ton (du film engagé à la comédie loufoque) et dans la forme (Bean joue avec la chronologie des évènements). On y prend du plaisir en se disant tout de même au final que l’entreprise demeure futile, malgré l’hallucinant numéro de cabotinage de William Hurt en maire de New York.

2009 se sera avéré une année chargée en sorties en salles différées. Si Noise sort plus de 18 mois après sa sortie américaine, d’autres œuvres auront enfin aperçu le bout du tunnel après de longs mois à stagner dans un tiroir ou sur une étagère.

Nous aurons ainsi enfin eu droit à Smart People, tourné en 2006, sorti aux États-Unis au printemps 2008 et en France à l’été 2009. Au rayon asiatique, la fantaisie culinaire Le Grand Chef et la décevante balade de Bollywood Saawariya seront sortis deux ans après leurs sorties respectives dans leurs pays d’origine.

Le champion toutes catégories de sortie décalée reste tout de même Silver City de l’américain John Sayles, que plus personne ne s’attendait à voir sur un grand écran hexagonal. Tourné en 2003 et sorti au Pays de l’Oncle Sam en 2004, le film est arrivé comme une fleur cinq ans plus tard, en plein été 2009, dans nos salles. Qui dit mieux ?

Avant la fin de l’année, nous auront droit à une dernière de ces sorties inattendues, The Proposition, le beau western australien de John Hillcoat datant de 2005. Aussi regrettable que cela soit de devoir patienter plusieurs années avant de pouvoir découvrir un film espéré sur grand écran, je ne saluerai jamais assez ces distributeurs (le plus souvent petits) de ne pas renoncer à nous faire découvrir ces films qui peuvent se révéler des pépites, aussi tard soit-il.
Qui sait, peut-être aura-t-on un jour droit à une sortie en salles de Napoleon Dynamite ? (on peut toujours rêver…)

Pandorum, plongée spatiale au Publicis

« Dans l’espace, personne ne vous entend crier ». La légendaire tagline d’Alien est devenue un genre cinématographique en soi, cultivant le plus souvent le goût de la petite série B plutôt que celui du film de science-fiction remarquable. Pandorum s’inscrit dans la lignée du genre, débarquant dans les salles françaises enrobé de mystère.

A Paris, le choix est bien mince pour qui veut voir Pandorum. Il est même unique si vous êtes un inconditionnel de la VO, et c’est l’habituel Publicis, salle d’accueil par excellence des sorties techniques ou semi techniques de films délaissés par distributeurs et exploitants, qui offre de voir le long-métrage. La salle a assurément trouvé un vrai créneau de programmation en récupérant ces films qui sont soit des comédies américaines (récemment I love you, man) soit des films de genre comme celui-ci. Étant donné la qualité des salles du Publicis, ce ne sont pas les amateurs qui vont se plaindre que ce soit ce cinéma qui récupère ces exclusivités sur Paris.

Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si je suis tombé sur un des cinémaniaques les plus reconnaissables de la capitale pour Pandorum. L’ « homme aux sacs plastiques » comme j’ai tendance à l’appeler, que je croise plus souvent à la Cinémathèque ou au Forum des Images, s’est lui aussi intéressé au film de Christian Alvart, cinéaste allemand qui fait ses débuts en langue anglaise ici sans quitter son pays d’origine, grâce à un tournage dans les studios Babelsberg.

Pandorum se déroule au 22ème siècle. La Terre, surpeuplée et polluée, s’est trouvée une planète presque jumelle, Tanis, source de vie elle aussi. L’Elysium, un gigantesque vaisseau, est en route pour cette planète pleine de promesse, pour un voyage de huit ans, avec un équipage qui se relaie entre des phases de sommeil prolongé. Mais lorsque le caporal Bower et le Lieutenant Payton se réveillent pour prendre leur quart, quelque chose semble clairement avoir déraillé dans ce voyage au long cours…

Le label « Produit par Paul Anderson » n’est pas le meilleur gage de qualité que l’on puisse apposer à un film. On aurait donc pu craindre le pire (quoi qu’Anderson ait lui-même réalisé une bonne série B spatiale, Event Horizon). Pourtant non, pas de catastrophe à l’horizon dans ce Pandorum. La part de mystère du film est parfaitement entretenue par le propre tâtonnement des personnages à mesure qu’ils découvrent le vaisseau et ce qui s’y passe.
Le réveil suivant leurs deux ans de sommeil les déphasent totalement, les laissant dans le brouillard quant à leur identité, leur présence sur ce vaisseau, et la finalité de leur mission. Cet aspect des choses offre au film un visage semblant dire « Mais il se passe quoi là-dedans, bon sang !? » qui nous met sur un pied d’égalité avec les personnages.

Alvart dose plutôt bien les effets de son film, sur le plan narratif principalement, dévoilant graduellement des parts de vérité, levant le voile avec calcul. Et l’on se rend compte que si le visage que le film se donne se rapproche d’un survival spatial à la Alien, ce qu’il cache en son sein se rapproche plus du Sunshine de Danny Boyle. Bien sûr Alvart n’est ni Ridley Scott, ni Danny Boyle, et il ne parvient pas vraiment à s’affranchir du carcan série B pour le transcender, comme les deux références citées.

Mais le film est efficace, à la bonne idée d’avoir pour acteurs principaux un jeune bourré de talent (Ben Foster) et un briscard toujours solide (Dennis Quaid), et sait se montrer surprenant dans son dernier acte. Pas de quoi marquer l’histoire de la SF, mais de quoi passer un moment sympa en salle.