« Lone Ranger » : western et basket sur les Champs-Élysées

Sur le papier, je ne suis pas le client le plus évident pour « Lone Ranger ». Le nom de Jerry Bruckheimer à la production a cessé d’éveiller ma curiosité voilà quelques années, Johnny Depp me tape légèrement sur le système depuis quelques films, et Gore Verbinski est coupable d’avoir commis, avec les mêmes compères Bruckheimer et Depp, une bonne partie de l’inepte saga « Pirates des Caraïbes », dont le succès continue de me laisser coi. Non, décidément, ce « Lone Ranger » avait tout pour me rendre méfiant, et les échos venus des États-Unis lorsque le film s’y est planté au début du mois n’ont rien arrangé à l’affaire.

Cependant l’amateur de cinéma d’aventures que je suis, et de western également, n’a pu laisser passer la chance d’aller jeter un œil au film, spécialement lors de l’avant-première en présence de l’équipe du film dans cette belle salle des Champs-Élysées qu’est l’UGC Normandie. En guise d’équipe, il ne fallait pas s’attendre à voir débarquer Johnny Depp, mais Jerry Bruckheimer, Gore Verbinski et le vrai héros du film, Armie Hammer, avaient fait le déplacement. Jean-François Camilleri, le patron de Disney France, discutait le rang devant moi avec une de ses connaissances, expliquant que l’orage avait retardé la projection et signalant que le coach de l’équipe de basket des Miami Heats, dont le nom m’échappe, était présent ce soir-là (allez savoir pourquoi) et qu’il allait l’annoncer lorsqu’il monterait sur scène (ce qu’il fit effectivement, annonce suivie d’un tonnerre d’applaudissement…).

Finalement l’équipe arriva avec 30 minutes de retard (le premier retard qu’ait connu Camilleri en tant que boss de Disney France, paraît-il) sous l’ovation attendue du public, tandis que l’inimitable Béatrice était là pour s’occuper de la traduction avec la… hum… verve qu’on lui connaît. A côté de moi, ma voisine sortit son carnet de notes, peut-être en vue de relater en détail la présentation de l’équipe de « Lone Ranger » sur son propre blog (je vous résume : « c’était formidable de faire un tel film et on espère que vous l’apprécierez autant qu’on a pris plaisir à le réaliser », si si je vous jure), pendant que je songeais à quel point Armie (un p’tit diminutif d’Armand) Hammer était grand et me demandais si le coach des Miami Heats n’était pas là pour le convaincre de changer de carrière et de se lancer dans la NBA. Ce serait vraiment dommage, car même si « Lone Ranger » s’est planté au box-office américain (même pas 100 millions de dollars de recettes quand le film a coûté au moins le double), Hammer a de l’avenir dans le paysage cinématographique outre-Atlantique, à la fois charismatique, maladroit et touchant la plupart du temps, tendance James Stewart moderne.

Il est d’ailleurs probablement la raison pour laquelle le numéro auquel se livre une fois de plus Johnny Depp dans le film est non seulement supportable, mais plaisant. Voilà quelque temps que le Depp est en roue libre sur grand écran, recyclant encore et toujours son personnage d’excentrique sympathique, des trop nombreux « Pirates des Caraïbes » aux films de Tim Burton. Ici, s’il ne s’écarte pas vraiment de ce personnage récurrent en incarnant Tonto, le Commanche un peu loufoque sur les bords qui va prêter main forte au Lone Ranger pour arrêter tueurs, malfrats et hommes de pouvoir corrompus dans l’Amérique du Far-West. Mais ce qui change c’est qu’il n’est pas le protagoniste, du moins pas le seul, et que le duo qu’il forme avec Armie Hammer se nourrit d’une certaine dynamique, où le sérieux de Hammer est contrebalancé par l’humour apporté par Depp, qui devient finalement sidekick à vocation comique.

Le duo d’acteurs n’est pas la seule chose recommandable du film, au demeurant, puisque celui-ci s’avère, contre toute attente, un film d’aventures plaisant. Et à y regarder de plus près, il ne faut pas trop s’étonner de l’accueil froid réservé au film aux États-Unis, tant « Lone Ranger » s’escrime à dénoncer les forfaits perpétrés par les ancêtres, qui des militaires aux bureaucrates en passant par à peu près tout le monde, ont construit la société par le sang, l’oppression et la corruption. Hum… le portrait n’est pas franchement flatteur. Attention à ne pas non plus trop prendre « Lone Ranger » au sérieux, car il s’agit bien d’un divertissement pur, pas toujours bien calé niveau rythme, n’exploitant pas autant que possible tous les personnages, mais un divertissement bien huilé tout de même, presque à l’ancienne si ce n’est ce budget pharaonique qui à l’écran ne semblait pourtant pas nécessaire.

Décidément, après « Prince of Persia », « John Carter » et quelques autres, je crois que j’aime bien les films d’aventures hollywoodiens qui ont été boudés chez eux. Ils sont rarement parfaits, souvent boursouflés, mais insufflés d’un vrai sens de l’aventure. J’espère que le coach des Miami Heats est rentré chez lui sans être parvenu à recruter Armie Hammer. Je préfère le voir sur grand écran.

"Les Enfants Loups" de Mamoru Hosoda en avant-première mondiale !

L’avant-première mondiale d’un film asiatique est rarement à la portée d’un spectateur parisien lambda. Pour la simple et bonne raison qu’un tel évènement n’a jamais lieu en France, hors les grands festivals bien sûr. Et puis comme ça, un beau jour, on se réveille, et la nouvelle tombe : l’avant-première mondiale du nouveau film de Mamoru Hosoda sera une projection publique à Paris, à l’UGC Ciné Cité des Halles. En un clic sur le site d’UGC, et avec un ticket de métro, le Graal serait accessible. Un mois avant que le film sorte dans son Japon natal, deux mois avant que le film débarque en salles en France. Un cadeau inattendu que j’ai été immédiatement prêt à ouvrir.

Alors voilà, lundi dernier, avec quelques 450 autres spectateurs, j’étais dans la file d’attente pour voir « Les Enfants Loups – Ame et Yuki » de Mamoru Hosoda. J’ai trépigné en attendant que la salle ouvre ses portes, j’ai joué des coudes pour ne pas me faire doubler lorsque cette marée humaine exaltée s’est avancée et est entrée dans la salle. Je n’ai pas fait le gourmand au milieu de cette cohue générale et j’ai pris le premier fauteuil libre à peu près bien placé, car dans ces moments-là, si l’on réfléchit trop à l’emplacement idéal, non seulement on se rend compte que celui-ci n’est pas disponible, mais en plus ceux qui étaient acceptables ont entretemps été réquisitionnés. Et puis j’ai attendu. Attendu que Mamoru Hosoda arrive.

C’est étrange une telle avant-première. On devine l’exaltation que peut en tirer un cinéaste qui montre son film pour la première fois à un public, on devine la joie qu’il peut ressentir à voir une salle pleine à craquer dans un pays qui n’est pas le sien, prête à se plonger avec lui dans un long-métrage auquel il a consacré deux ans de sa vie. Il y a cette électricité dans l’air, cette excitation palpable dans les rangs. L’excitation d’être parmi les premiers au monde à découvrir ce film que nous attendons impatiemment. Si la communion entre public et réalisateur est si forte, c’est parce que Mamoru Hosoda n’est pas le premier venu. Le japonais était déjà venu à Paris il y a deux ans pour présenter son précédent film, « Summer Wars ». De mon côté si Hosoda était si important jusqu’ici, c’était surtout pour « La Traversée du Temps », un des plus beaux films d’animation qui soit. Si beau que je n’ai même pas eu à regarder une bande-annonce ou même lire un simple synopsis pour découvrir ce qu’avait à offrir « Les Enfants Loups ». J’y suis allé les yeux fermés pour qu’une fois ouverts, l’effet soit encore plus grand.

Et l’effet fut grand. La banlieue de Tokyo, Anna est une étudiante qui tombe amoureuse d’un garçon qui s’avère être un homme loup. Cela n’empêche en rien leur amour, et bientôt, une fille puis un garçon naissent. Mais tout à coup, l’homme loup meurt. Notre héroïne se retrouve seule avec deux enfants, qui plus est deux enfants qui portent les mêmes caractéristiques animales que leur père. Alors pour cacher au mieux sa progéniture tout en leur offrant une vie agréable, Anna décide de s’installer loin, au milieu de nulle part, entre campagne et montagne, là où il n’y aura pas de voisins, là où il n’y aura que la nature à perte de vue.

Ainsi décolle « Les Enfants Loups ». C’est dans cet exil familial que Hosoda va trouver le cadre idéal à son récit. C’est dans cet exil qu’il va trouver la force narrative. C’est là que se dessine un magnifique portrait de femme, et que le réalisateur tisse la toile des relations humaines et familiales avec une justesse admirable. Si l’on trouve à l’évidence des éléments fantastiques dans le film d’Hosoda, ils sont là pour souligner son regard sur les hommes, et par les hommes il faut surtout entendre la femme et les enfants. Il est beaucoup question de maternité dans « Les Enfants Loups », des relations parents-enfants et de la lutte permanente pour qu’un enfant puisse choisir le chemin qui semble le mieux lui correspondre. « Les enfants loups » est un film majestueux parce qu’il ne joue pas la carte de la fantaisie pour faire de la fantaisie. Celle-ci est là pour appuyer un propos absolument humain et réel sur les êtres. Il s’appuie sur le fantastique pour parler de la société telle que nous la connaissons, et c’est souvent à cela que l’on reconnaît les grands films. C’est ainsi que le récit nous emporte vers le rire, l’émotion, la réflexion, sans la moindre esbroufe, avec une justesse et un naturel exemplaires.

Si je suis allé voir « Les enfants loups » chargé d’attente et d’excitation, c’est parce que Hosoda avait fait preuve d’un potentiel certain pour devenir, dans les années à venir, un grand nom du cinéma japonais. Nul doute que la plupart des autres spectateurs, qu’ils soient restés silencieux comme moi, encore envahis de la beauté du film, ou qu’ils aient pris la parole à l’issue de la projection pour lui poser une question, à lui ou à Aoi Miyazaki qui prête sa voix à l’héroïne du film et qui était elle aussi présente, étaient parés du même sentiment. La standing ovation fracassante à laquelle Hosoda a eu droit à la fin l’a bien illustré.

Pendant que les questions ont défilé pendant une quarantaine de minutes, sur le pays natal du réalisateur ou son amour pour les trains (ne cherchez pas à comprendre), je suis resté scotché à mon siège, l’esprit encore embué du spectacle ravissant auquel je venais d’assister, 1h50 durant.

Je suis venu voir « Les enfants loups » pour le plaisir de voir un film d’animation japonais avant que les japonais n’en aient la possibilité. Je suis venu voir « Les Enfants Loups » parce que l’émotion laissée par « La traversée du temps » était encore intacte. Je suis venu voir « Les enfants loups », et j’en suis sorti convaincu que Mamoru Hosoda est bien un cinéaste majeur.

Les Muppets sur grand écran ? Pas pour tout le monde…

Cela a commencé par une déception. L’annonce que non, finalement, le nouveau film des Muppets qui avait créé l’événement aux Etats-Unis (et un peu partout dans le monde) à l’automne dernier, orchestré par Jason Segel et Nicholas Stoller (son réalisateur de « Sans Sarah rien ne va »), ne sortirait pas en salles en France. Disney l’a un temps envisagé avant de préférer le servir directement en DVD en cette première semaine de mai. Pourquoi diable ont-ils choisi de priver la France de Kermit ? Ont-ils oublié qu’ici aussi, toute une génération de spectateurs a grandi avec Miss Piggy et sa bande de marionnettes ? Ont-ils cru que c’était trop américain ? Quoi qu’il leur soit passé par la tête, ils ont à l’évidence mal pensé, et j’ai râlé plus d’une fois ici ou là sur Internet pour pester contre ce destin de direct-to-dvd réservé aux Muppets.

Jusqu’à ce qu’une blogueuse réponde à l’une de mes jérémiades par un « Bah, t’es pas invité à la projo spéciale qui a lieu au Publicis la semaine prochaine ? ». Euuuuh… non. Et voici qu’en deux temps trois mouvements, mes fesses étaient posées au sixième rang de la grande salle du Publicis, assistant à un tirage au sort pour gagner des peluches Muppets et autres goodies. Si j’aurais aimé racketter les gamins repartis avec les peluches Fozzie ou Animal, je n’en ai finalement rien fait, jouant en fin de compte le mec civilisé. Après tout, c’était pour le film que nous étions tous là (mouais, mouais…), même s’il était projeté en version française à mon grand désarroi.

Une fois tous les goodies distribués, un court-métrage « Toy Story » fut projeté en préambule, dans son doublage québécois – mais aucun accent local en vue, seulement quelque vocabulaire faisant se soulever le sourcil gauche et une prononciation de Buzz ressemblant plus à Bozz. Ce dernier, prisonnier d’un soir dans un fast-food, participait à une réunion de jouets anonymes jetés à la poubelle, et confirmait une fois de plus que Pixar s’y connaît autant en court qu’en long-métrage.

Mais ce sont bien les Muppets qui étaient les stars de la soirée. Kermit et sa bande se voyaient appelés à la rescousse par un nouveau Muppet qui apprenait par hasard en visitant les vieux studios Muppets désaffectés qu’un magnat sans scrupule était sur le point de s’en emparer et de les raser… à moins que les Muppets puissent s’acquitter des 10 millions de dollars qui leur permettraient de récupérer leur ancienne propriété. Kermit part alors sur les routes pour réunir la bande et monter un spectacle servant à lever des fonds. Après des années sans voir les Muppets, je me demandais si les aventures des marionnettes les plus célèbres de la planète me parleraient encore. Je craignais encore plus que la VF me gâche un peu le plaisir, non pas pour les voix des Muppets, mais pour celles des « vrais » acteurs, Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper et quelques autres, et surtout pour les numéros musicaux. Les gens de Disney auront-ils traduit et doublé les chansons, comme ils le font pour leurs films d’animation ? Malheureusement oui.

Voir Jason Segel parler en VF, c’est déjà peu agréable, mais assister à un rap de Chris Cooper avec une voix française qui ne lui convient pas du tout, c’est encore pire. Et frustrant tellement même dans un mauvais doublage, la séquence est mémorable et hilarante. Mais mes critiques à l’encontre du film s’arrêtent là. Bien sûr, la naïveté souvent étalée par le scénario est franchement kitschouille, mais dans la mesure où « Les Muppets » est un film familial s’adressant notamment aux enfants, il est difficile de vraiment faire cette reproche… Car à côté de cela, le film déborde d’une énergie et d’un humour communicatifs, et parvient à retrouver ces autoréférences constantes qui pouvaient parsemer le show à sa grande époque, notamment à travers les « papys Muppets ». Sous leur impulsion et au-delà, le scénario s’amuse à lancer des clins d’œil au spectateur en commentant l’évolution du film. « Oh non, le film sera plus court que prévu si cela continue comme ça ! ». Quand les petits peuvent s’émerveiller du premier degré, un autre niveau de lecture s’offre ainsi aux cinéphiles pour s’amuser autrement, au même titre que le défilé de stars le temps d’une micro scène souvent, de Mickey Rooney à Neil Patrick Harris en passant par Whoopi Goldberg, Alan Arkin, Emily Blunt ou Jack Black – qui a droit lui à un rôle plus costaud bien que non crédité au générique.

L’aventure du nouveau film des Muppets a donc commencé par une déception en France. Et cela sera ainsi pour tous ceux qui espéraient le voir sur grand écran. Au moins ceux qui le découvriront en DVD pourront découvrir directement le rap de Chris Cooper en VO !

Cherchez l'intrus à l'avant-première de "A dangerous method" de David Cronenberg...

La salle est pleine à craquer. Voilà un quart d’heure que nous attendons tous, le cœur battant, l’excitation montant, dans quelques minutes, il sera là, il franchira ces portes, descendra l’escalier acclamé par la foule et aura droit à une standing ovation. Ca y est, il y a de l’agitation à l’entrée de la salle, de nombreux costards entrent et se postent dans l’ombre, staff, sécurité… C’est bon, le voilà qui accourt, un micro à la main, et dévale l’escalier pour se poster devant nous… il s’excuse du retard en alignant les marches… et s’arrête devant l’immense écran blanc, devant un parterre de 500 spectateurs pendus à ses lèvres. Vincent Perrot !! Hein, quoi ? L’animateur télé un brin ring’ ? Mais, que fait-il ici ? Je rêve, me suis-je trompé de salles ? Mais que se passe-t-il ?

La soirée ne devait pas se passer ainsi. Vincent Perrot n’était pas dans mes plans ce lundi soir. En sortant de chez moi, j’étais tombé par hasard sur le tournage de De l’autre côté du périph’, un buddy movie à la française prévu pour 2012 avec dans les rôles principaux Omar Sy et Laurent Lafitte. Les deux gaillards attendaient devant la statue de Molière que la prise commence, mais pas le temps pour moi de regarder à quoi ressemblerait cette séquence en devenir, car une avant-première de A dangerous method m’attendait aux Halles. Ce film que David Cronenberg a consacré à Jung et Freud, les deux grands psychanalystes du début du 20^ème siècle. C’était ce film que j’étais venu voir lundi soir, dix jours avant sa sortie française, ce film accompagné de son réalisateur canadien et de son acteur américain Viggo Mortensen, idolâtré de par le monde depuis qu’il incarne aux yeux de beaucoup Aragorn, héros Tolkienien du Seigneur des Anneaux.

C’étaient eux que je voulais voir lundi soir, d’où mon choc lorsque j’ai vu Vincent Perrot se présenter à nous, apparition surréaliste teintée d’une excitation apparemment sincère de la part du MC d’un soir. Après avoir fait son petit numéro de fanboy tenant un micro (« Combien ont vu le premier film de Cronenberg d’abord ? Levez la main ? Cinq ? Les cinq meilleurs dans le public ! »), l’animateur a finalement appelé à la barre l’équipe du film, non seulement composée des attendus David Cronenberg et Viggo Mortensen, mais également de Vincent Cassel et des producteurs Jeremy Thomas et Martin Katz. Si Vincent Perrot n’avait pas l’anglais très à l’aise, Cronenberg et Mortensen (chevelure de Dieu, rasé de près, carrure impressionnante, l’homme en impose même s’il faisait l’aller-retour depuis Madrid où il joue au théâtre) ont fait l’effort de parler en français, parfois devant un Vincent Cassel tout sourire, un peu moqueur.

Oubliée l’ambiance interloquée par l’arrivée de Vincent Perrot. Tout était désormais électrique et enthousiaste, bien loin de l’avant-première timide vécue une semaine plus tôt au MK2 Bibliothèque avec The Descendants. En revanche, le film d’Alexander Payne était autrement plus mémorable que A dangerous method qui a tourné à la déception flagrante. Il faut dire que Cronenberg s’est tiré une balle dans le pied en mettant au premier plan Keira Knightley et son rôle de patiente déséquilibrée attirant toute l’attention de Jung. L’actrice anglaise se roule avec emphase dans l’outrance la plus totale dans son jeu, et ce dès les premiers instants du film. Dès lors, Cronenberg part avec un handicap.

Malheureusement, ce n’est pas là la seule tare du film. Le second défaut, qui découle du premier, est que Cronenberg se trompe de sujet. Au lieu d’axer son scénario sur la relation potentiellement passionnante liant Jung à Freud, le disciple et le maître, le cinéaste se focalise plus volontiers sur celle unissant Jung et sa patiente devenue collègue incarnée donc par Knightley la criarde. Les meilleurs moments du film sont ceux qui associent Michael Fassbender dans la peau de Jung à Viggo Mortensen dans la peau Freud, l’amitié, le respect, le doute, la désillusion, la méfiance. Il y a là tout le potentiel d’une histoire d’hommes autant que de psychanalyse, une histoire s’étalant sur plus d’une décennie. Mais le scénario de s’égare, fait des pauses inutiles et surtout des sauts mal gérés. Les ellipses s’enchaînent, sans trop de sens, donnant l’impression de trous narratifs diluant tout sens de temporalité qui aurait donné au film un souffle espéré qui ne vient finalement jamais. Les années défilent à l’écran, mais cela se ressent à peine tant le récit manque de densité.

On pourra se consoler en admirant le joli sens du cadre de Cronenberg et en s’amusant des interprétations cocasses et délicieuses de Viggo Mortensen et Vincent Cassel, mais lorsque l’on en est ainsi à gratter pour chercher quelques points de satisfaction dans un film, c’est que la déception domine.  Un film si tiède de la part de David Cronenberg, c’est à n’y rien comprendre. C’était donc bel et bien Vincent Perrot qui était venu nous présenter le film deux heures plus tôt, pas de doute. Car si Cronenberg se plante ainsi avec un sujet si porteur, c’est vraiment que tout peut arriver en ce bas monde, même voir Vincent Perrot débouler dans votre salle de cinéma pour faire son animateur.

Où se cachent les spectateurs à l'avant-première de The Descendants ?

L’avant-première d’un film américain en présence de son équipe, que ce soit son réalisateur, son acteur ou les deux, impose d’arriver tôt pour le spectateur un chouia maniaque que je suis. Afin d’être parmi les premiers à retirer ma place et à entrer en salle, et ainsi être assis où je le veux pour découvrir ce film que j’attends en général avec impatience. Parce que qui dit « avant-première d’un film américain » dit en général « séance complète et longue file d’attente ». En général. Car parfois les astres débloquent, la Lune a une mauvaise influence et les cinéphiles, cinémaniaques et spectateurs lambda débloquent un peu et ne se présentent pas en masse à l’avant-première tant attendue.

Une avant-première de The Descendants, l’un des favoris dans la course aux prochains Oscars, réalisé par Alexander Payne et interprété par George Clooney, un film porté par un buzz remarquable aux États-Unis où il est sorti il y a deux semaines, avait lieu lundi soir à Paris. En fait, deux projections avaient lieu. L’une à l’UGC Ciné Cité Bercy, l’autre au MK2 Bibliothèque, presque deux mois avant la sortie française calée au 25 janvier prochain. Le genre d’avant-première qu’un cinéphile parisien ne voudra manquer pour rien au monde, d’autant plus qu’Alexander Payne était annoncé présent. A l’origine, j’avais réservé ma place pour le voir à Bercy, parce que je préfère le confort de ce cinéma plutôt que celui du voisin de la rive gauche, et surtout parce que, que cela soit sur le site web de MK2 ou dans Pariscope, il n’était pas précisé si le réalisateur serait présent à la projection du MK2.

Peut-être tous les spectateurs potentiels ont-ils douté comme je l’ai fait de la soirée du MK2 Bibliothèque et se sont tous rabattus sur Bercy. Mais mon ami Michael m’a proposé au dernier moment d’aller plutôt à la projection du Mk2, il avait une invitation et m’assurait que Payne serait bien présent. Changement de programme donc, et en route pour l’esplanade venteuse (et ce soir-là, bruineuse) du 13^ème arrondissement. Dans le hall du multiplexe, on aurait pu se croire à une séance de début d’après-midi en pleine semaine, et non à 19h30… Des caisses sans clients, des spectateurs attendant ici et là, comme si Charles Bronson et son harmonica allaient soudain descendre de train et dézinguer l’atmosphère.

Sur les télés annonçant les salles et les places restantes, je découvre que The Descendants ne passe dans aucune des deux grandes salles, mais dans la 12 qui englobe à peine plus de 230 fauteuils… et qu’il reste encore 190 places à vendre, trente minutes avant le début supposé de la projection ! Pour ne pas perdre la face ou infliger un moment de solitude à Alexander Payne lorsqu’il entrera dans la salle, des annonces sont faites au micro pour attirer le chaland (rare, Bronson n’a semble-t-il toujours pas pointer le bout de son nez), et le pousser vers la salle 12, mais après une attente plus longue que prévue, une fois les spectateurs assis en salle, il faut se rendre à l’évidence : la salle sera à moitié vide, pour ne pas dire moins…

Si le début de la projection s’est tant fait désiré, ce n’est pas parce qu’Alexander Payne était en retard. D’après le type de la Fox qui s’est adressé à nous, le réalisateur américain était dans les murs du cinéma, flânant dans la boutique de DVD en attendant qu’on l’appelle pour présenter le film. Non, le retard était en fait dû à un problème de… téléchargement. Le film, projeté au format numérique, était arrivé quelques heures plus tôt et était en train d’être téléchargé (« On en est à 95%, c’est bientôt bon !! », ce n’est plus Charles Bronson qu’on attend mais Mark Zuckerberg semble-t-il…). Au bout d’un moment ils se sont judicieusement dit que tant qu’à attendre, autant faire descendre Alexander Payne pour qu’on fasse connaissance ! Si les applaudissements furent nourris à son arrivée, un petit sentiment de honte planait sur la salle, à accueillir le réalisateur de Monsieur Schmidt et Sideways, six ans après son dernier long-métrage et alors qu’il remplit les salles aux États-Unis et s’apprête à récolter les nominations aux Oscars, dans une salle à moitié vide (et si le retard était dû à une tentative désespérée du cinéma d’attirer encore quelques spectateurs de plus pour grossir les rangs décharnés de la salle 12 ?).

Qui de MK2 ou 20th Century Fox France a mal fait son boulot pour annoncer l’avant-première, je ne saurais dire, toujours est-il que les instances du lieu se sont vite rendu compte qu’il n’était pas nécessaire de squatter une grande salle pour accueillir The Descendants. Espérons qu’à Bercy, les ventes de places aient été meilleures (et les invitations distribuées en plus grand nombre). Lorsqu’Alexander Payne apprit pourquoi la projection était en retard (quand il est arrivé pour faire passer le temps, le retard était déjà de 25 minutes), il en a profité pour nous dévoiler (sans trop de surprise) ce qu’il pensait de la projection numérique et de la mort annoncée de la pellicule. Un grain qui se perd, une homogénéisation de l’image, une part de l’âme du cinéma qui disparaît. Des paroles dont l’on se rappellera deux heures plus tard, lorsque la lumière se rallumera après le film, tant on trouve dans The Descendants cette attache aux racines et cette culture de ce qui nous est transmis par nos parents et nos aïeux.

Pourtant ne prenez pas The Descendants pour un film traditionnaliste vantant les jours heureux du passé. George Clooney y incarne un avocat à Hawaï, issu d’une longue lignée d’hawaïen avec des cousins vivant aux quatre coins de l’archipel du Pacifique. Marié, sa femme vient de subir un grave accident et est dans le coma. Le voilà donc promu parent en chef de ses deux filles, avec lesquelles il n’a pas l’habitude de jouer au père mais va pourtant partir sur les routes de Hawaï, prévenir la famille et les amis de la situation… et retrouver l’amant de sa femme. Combien de fois le film pourrait verser dans le plus facile des mélos avec le plus évident pathos… alors qu’il ne cède jamais. Alexander Payne manie la délicatesse et la subtilité tel un maître en la matière.

The Descendants, comme son titre le laisse entendre, tisse un récit familial, et peint avec humanité les relations qui lient parent et enfant, ce qui unit et ce qui éloigne. Sur les routes d’Hawaï, le cinéaste trouve un décor qui trop souvent n’est utilisé que pour sa géographie exotique et pas assez pour ce que la réalité de l’archipel peut vraiment être, et qu’il parvient ici à rendre palpable, loin des clichés. Il s’y dégage une mélancolie certaine, qui cadre bien avec ce récit cherchant à exprimer que de la douleur et du chagrin, quelque chose surgit en chacun de nous et s’épanouit. Il n’y a rien de grandiloquent chez Alexander Payne. Il ne cherche pas absolument l’émotion en nous narrant un drame. Elle vient naturellement, et découle d’une multitude de personnages tous écrits avec autant de soin, qu’ils soient là de la première à la dernière scène ou qu’ils ne fassent que passer.

J’ai peur que tout cela paraisse un peu déprimant non ? Il ne faut pas s’y tromper pourtant, The Descendants est également une comédie,  avec des pointes d’humour comme Payne en a le secret (qui a oublié la scène du portefeuille dans Sideways ?), notamment ici grâce à un personnage d’adolescent pas vraiment fute-fute qui traîne avec la fille du héros et squatte la famille pour notre plus grand plaisir. J’ose à peine me relire car je sens que je n’arrive pas le moins du monde à retranscrire par écrit ce que j’ai pu ressentir à la vision du film. Cette tendresse, cet humour, cette émotion, cette amertume. C’est un cinéma à vivre plus qu’à raconter. Nous n’étions qu’une centaine dans la salle à vivre ce moment de privilégiés : découvrir un des grands films de 2012.

Lorsqu’il fut temps de quitter la salle et de regagner le hall, il avait beau ne pas encore être 22h30, les écrans annonçant les salles et les films étaient éteints, le hall désert, pourtant un coup d’œil sur les horaires, et il semblerait que toutes les dernières séances n’étaient pas encore commencé… Il faut croire que l’harmonica a fini par retentir dans le hall du Mk2 Bibliothèque.

Le 16 mars est déjà passé par là...

Mercredi, c’est jour de sorties. Et en ce mois de mars chargé en films, je suis bien heureux de constater que j’ai déjà vu trois des sorties de la semaine (ouf, ça va me laisser le temps de voir toutes les sorties du 9 que je n’ai pas encore eu le temps de voir… et également d’ attraper Butch Cassidy et le Kid à la Filmothèque du Quartier Latin qui me file entre les doigts depuis plus de deux semaines…). Si cette semaine, l’attention populaire se tournera plus certainement vers World Invasion : Battle Los Angeles et Ma part du gâteau (et que d’autres se réjouiront de l’arrivée des nouveaux opus de Ken Loach et Manoel de Oliveira), il est donc trois films que j’ai déjà vus, qui ne manquent pas d’intérêt, et dont j’ai déjà blablaté sur l’Impossible Blog Ciné. Séance de rattrapage pour ceux qui seraient passé à côté de mes billets au moment où je les ai vus…

Ha Ha Ha, la délicieuse comédie de Hong Sang Soo, en ce moment à l’honneur à la Cinémathèque française. Un film vu l’année au printemps 2010 à la reprise des films d’Un Certain Regard, sélection cannoise dont le film a d’ailleurs remporté le Prix. Lire le billet.

The Silent House (La casa muda), un film d’épouvante chilien à la tension flippante et à la maîtrise technique bluffante, qui promet autrement plus d’angoisse que l’actuel Rite de Mikael Hafstrom désespérément plan-plan. Lire le billet.

Pollen, un film documentaire mi-animalier mi-écolo, qui lorsque je l’avais vu en projection test à l’automne dernier  était des plus étranges, casse-gueule et fascinant à la fois. Depuis, apparemment, ils ont engagé Mélanie Laurent pour la voix off. Ce qui devrait changer un des problèmes du film… que je détaille dans mon billet.

Largo Winch 2 : Avant-première au pays des cravates

Il y a deux ans, Largo Winch, le fameux héros de bande dessiné créé par Van Hamme et Franck, prenait enfin vie au cinéma grâce à Jérôme Salle et sous les traits de Tomer Sisley. Si le film, doté d’un gros budget et d’une sortie évènementielle, n’avait pas été LE gros carton de l’année, il avait suffisamment bien marché pour ouvrir la voie à une suite. L’ancien lecteur de Winch que j’étais avait été séduit par la transposition cinématographique, une percée musclée et divertissante de cinéma d’aventure français. Une suite se doit d’être à la hauteur du film qu’elle suit. Elle se doit même d’être meilleure. Lundi soir, j’ai eu l’occasion d’aller constater si Largo Winch 2 (j’aurais tellement préféré qu’un vrai titre soit donné à la suite plutôt que ce laconique « 2 » apposé) est un meilleur film que Largo Winch.

La projection avait lieu dans un cadre… assez inhabituel. Il s’agissait d’une avant-première (le film sort en salles le 16 février) organisée par TF1, partenaire du film. Je m’engouffrais dans les locaux de la chaîne en tant que guest de mon ami Rick, invité à la soirée. Oui car en fait d’une simple projection du film, il s’agissait d’une véritable petite sauterie, avec champagne, amuse-bouches et costards cravates en veux-tu-en-voilà. S’il n’y avait eu ici ou là quelques invités habillés d’un simple pull, j’aurais pu croire que le port du costard cravate était obligatoire tant je me suis senti cerné. Parmi cette petite centaine de spectateurs tirés à quatre épingles, ou plutôt en plus d’eux, la productrice du film, Nathalie Gastaldo, le réalisateur du film, Jérôme Salle, et la star du film, Tomer Sisley.

Après une petite coupe et de quoi se caler un peu l’estomac, direction la salle de projection de TF1, un joli petit auditorium capable d’accueillir, à vue de nez, une bonne centaine de spectateurs. Pendant que les pompiers enfoncent la porte des toilettes pour libérer un enfant coincé à l’intérieur (véridique), Rick et moi prenons place dans cette confortable salle faite de larges fauteuils en cuir, au cœur de ce cinquième rang laissant un bon mètre à nos jambes pour s’étaler. Je ne connaissais pas la salle de TF1, je dois bien avouer qu’elle est idéale pour voir un film. Gastaldo, Salle et Sisley nous gratifient d’un petit speech détendu avant le début du film. Laurent Storch, monsieur TF1 ce soir-là, la joue MC, Sisley fait un p’tit show sympa. Ambiance détendue. Apparemment, la plupart des invités sont des annonceurs. Sisley prévient qu’il les brosse dans le sens du poil car ils donnent du fric à TF1, fric que TF1 donne ensuite à Nathalie Gavaldo, qui elle-même l’investit dans le film, le réalisateur, et lui, Tomer Sisley. Alors c’est ça le public ce soir, des publicitaires. Avec Rick, on se sent on peu seuls au milieu des costards cravates. Mais personnellement je viens pour le film, donc le reste… Tomer nous annonce que cette suite est meilleure que le premier. Facile à dire pour l’acteur. A nous d’en juger.

Largo Winch 2 ne part pas du bon pied. Le début du film est déjà lassant. Il commence par un « Trois ans plus tôt » sorti de nulle part (avant quoi, le film commence tout juste ?), repart vers un « Trois ans plus tard », avant de revenir « Trois ans plus tôt » pour finalement choisir de revenir « Trois ans plus tard ». Wow. Du calme. Pouce. Laissez-moi respirer. Laissez-moi m’imprégner du film un peu, pleaaase. Après ces premières 20 minutes, je suis persuadé que Sisley s’est trompé. Non, Largo Winch 2 ne risque pas d’être meilleur que Largo Winch. Mais le film trouve finalement une allure. Les allers-retours fatigants laissent la place à une intrigue présente qui se met en place. L’action prend forme. A la suite du premier film, Largo Winch se trouve donc à la tête de l’empire W hérité de son père disparu. Mais Largo ne veut pas de cette vie-là. Il veut vendre la compagnie et se consacrer à l’humanitaire. Pourtant, du passé, un doute surgit. Un procureur international accuse la compagnie W d’avoir financé un massacre perpétré en Birmanie trois ans plus tôt. Largo est poursuivi pour complicité de crime contre l’humanité. A lui de découvrir ce qui se trame derrière cette accusation.

Après les laborieuses premières minutes du film, Largo Winch 2 prend peu à peu forme. L’action, se projetant de la jungle birmane aux dédales de Bangkok, des gratte-ciels de Hong Kong aux banques suisses, gagne en intensité. Les personnages prennent de l’épaisseur. Du premier film, hormis Largo, presque tous les autres personnages disparaissent tout à fait ou sont relégués à l’arrière-plan. Tous ? Non. Il en est un qui au contraire s’étoffe. Celui-là même que j’avais regretté ne pas plus voir dans le premier opus. Gauthier, le valet de Largo. Un drôle de personnage, intelligent mais guindé, qui en l’espace de deux ou trois scènes seulement existait totalement dans le premier film. Dans cette suite, les scénaristes ont eu le flair de faire de Gauthier l’homme de confiance de Largo, remplissant pour lui une mission importante et au passage apportant la fraicheur d’un ressort comique tout en finesse.

Mais Jérôme Salle Julien Rappeneau, auteurs du scénario, ne se contentent pas de Gauthier. Ils ont la bonne idée de faire surgir Simon, celui qui dans la BD était le meilleur ami de Largo, un séducteur invétéré formant une belle équipe avec le héros. Il est ici introduit de façon saugrenue. Il apparaît naïf et dépassé dans la jungle birmane, et à deux doigts de la mort si Largo ne passait pas dans le coin. Du sauvetage de Simon par Largo va non seulement naître un nouveau Simon, larguant son ancienne existence pour dévorer la vie pleinement, mais il va surtout naître un partenaire pour Largo Winch. Un partenaire non pour les affaires, mais pour l’aventure.

Et c’est là toute la force de Largo Winch 2. Les scénaristes apportent ce qu’il manquait dans Largo Winch. Une garde rapprochée. Un doublé de sidekicks irrésistibles, l’impeccable mais gringalet Gauthier et l’improbable mais fidèle Simon, chacun parfaitement campé par Nicolas Vaude et Olivier Barthélémy. Lorsque ce dernier survit à une chute en plein ciel grâce à la dextérité de Largo, qui le rattrape en plein vol, il a dégringolé quelque milliers de pieds en chute libre, hurlant. Lorsque Largo le relève, au sol, et lui demande si ça va, Simon répond avec désinvolture un « Ouais » si simple qu’il en est hilarant.

C’est en apportant ces détails aux cruciaux seconds rôles que Largo Winch 2 réussit son pari d’enrichir l’épisode précédent. Bien sûr il y a aussi la beauté éclatante de Napakpapha Nakprasitte, le charme vénéneux de la cougar Sharon Stone, et la présence fascinante, fantomatique et posthume de Laurent Terzieff. La réussite de Largo Winch 2 ne saurait s’arrêter à deux personnages. Pourtant ils y contribuent amplement.

Le public d’annonceurs n’est pas amateur de générique de fin. Ils se sont tous vite levés, et étaient partis depuis longtemps lorsque Rick m’expliquait encore en quoi l’excellente séquence de chute libre renvoyait à Moonraker, et cette autre séquence d’action dans une salle de bain était une référence directe à Goldfinger. Si tu le dis, Rick, c’est toi le spécialiste en James Bond. Tant qu’on est d’accord sur les qualités de Gauthier et Simon, je veux bien te croire.

Rendez-vous avec Philip Seymour Hoffman

La première fois que j’ai vu Philip Seymour Hoffman sur grand écran, il courait après les cyclones au côté de Bill Paxton et Helen Hunt. Pourtant ce n’est pas mon premier souvenir de Philip Seymour Hoffman. Ca ne l’est pas car il faut bien avouer qu’aussi fun qu’ait pu être Twister pour l’ado de 14 ans que j’étais à l’époque, le film de Jan de Bont n’est pas franchement mémorable au-delà des fureurs climatiques dans lesquels il nous plongeait. Du coup, la première image qui me vient en tête si l’on me demande quel est mon premier souvenir de Philip Seymour Hoffman, j’oublie en général sa participation à la chasse aux tornades, je le vois bien loin des plaines de l’Oklahoma. Il est dans un studio, cheveux longs et lisses, casque vissé sur les oreilles, appuyé à une perche, attendant de prendre le son sur le tournage d’un film porno.

Cette première image qui m’est gravée, elle est extraite de Boogie Nights de Paul Thomas Anderson. Entre Mark Wahlberg qui jouait le jeune premier bien monté, Julianne Moore l’actrice star et Burt Reynolds le réalisateur ringard, Philip Seymour Hoffman était une nouvelle tête du cinéma indépendant américain, fascinant, dérangeant, touchant. Près de treize ans plus tard, après The Big Lebowski, Presque célèbre, La 25ème heure, Truman Capote, 7h58 ce samedi-là, je vois Philip Seymour Hoffman descendre sous mes yeux les escaliers de la salle 10 de l'UGC Ciné Cité Les Halles, sous un tonnerre d’applaudissements qui n’en finit pas. Hoffman se tient devant nous, attend la fin de l’ovation avec timidité. Lorsque celle-ci s’achève, il a du mal à prendre la parole. Son premier film en tant que réalisateur, Rendez-vous l’été prochain, n’a pas encore été projeté qu’il voit devant lui un public acquis à sa cause.

Quelques minutes auparavant, le directeur de la salle était venu nous demander de réserver un accueil triomphal à cet acteur rare, mais j’imagine mal qu’il ait fallu ces mots pour que tous les spectateurs venus assister à cette avant-première aient eu envie d’acclamer celui qui, ces treize dernières années, s’est érigé parmi les acteurs les plus talentueux du cinéma américain. Des acteurs se lançant dans la réalisation, il y a en a eu dans l’histoire de ce cinéma, justement. Et contre toute attente, la plupart du temps, les comédiens se révèlent souvent excellents derrière la caméra. De Charles Laughton à Ben Affleck, la liste est longue, qu’ils n’en aient réalisé qu’un ou qu’ils soient devenus cinéastes à part entière, les acteurs réservent généralement de belles surprises de l’autre côté de la caméra.

Les acteurs véhiculant une certaine image, une certaine cohérence dans leur carrière, il est facile d’imaginer parfois quel genre de film ils vont réaliser une fois passés de l’autre côté. Rendez-vous l’été prochain, intitulé Jack goes boating en VO, n’est pourtant pas le film que j’aurais imaginé pour Philip Seymour Hoffman. Cet acteur s’épanouissant dans le cinéma d’auteur (oui bon je sais il a aussi fait le méchant dans Mission impossible III…), je ne l’aurais sûrement pas vu s’atteler à une comédie romantique new-yorkaise. C’est pourtant ce qu’est essentiellement son premier film de réalisateur. Attention, il ne s’agit pas là d’une comédie romantique dans laquelle on pourrait caser Ashton Kutcher et Katherine Heigl (au hasard…). Il s’agit bien là d’une comédie adulte sérieuse (bien que bourrée d’humour).

Ce qui surprend le plus de la part d’Hoffman, c’est que son film flotte dans la mélancolie, dans cette atmosphère spleen que l’on est plus habitué à voir dans des films de trentenaires à la Garden State que dans des histoires de couples quadra se faisant ou se défaisant sous la neige new-yorkaise. Rendez-vous l’été prochain raconte deux couples, l’un établi mais prêt à tanguer, l’autre en devenir mais avançant avec timidité. Les premiers aident les seconds à se trouver alors qu’eux-mêmes ont du mal à gérer leurs propres problèmes.

Hoffman interprète lui-même le personnage central de Jack, quadra tendre et timide, passionné de reggae insatisfait comme son meilleur ami de sa petite vie, œuvrant à lâcher son job de chauffeur et à trouver le grand amour en la personne de Connie, qui elle-même a bien du mal à aller vers les hommes. Pour la séduire, Jack décide d’apprendre à cuisiner et à nager, pour l’emmener faire une balade en bateau lorsque l’été viendra. Si Hoffman ne montre pas l’assurance dont certains de ses compères acteurs ont pu faire preuve en réalisant leur premier long, il affiche une sincérité séduisante. Il s’entoure d’une petite troupe de comédiens pour des joutes verbales bien senties tout en laissant un doux sentiment parcourir l’échine de son film, grâce à des images posées, grâce à une bande-son réjouissante, grâce à une simplicité et une émotion qui transparaissent. Grâce à une fin abrupte et délicate qui affirme une voix singulière dans le genre.

Certes le film est mineur, certes il est déséquilibré tant son dernier acte semble disproportionné par rapport au rythme du film jusque-là (avec une séquence de dîner bien trop longue à la fin), mais Rendez-vous l’été prochain séduit, par ses personnages d’égarés conférant gravité et nonchalance à une comédie qui n’en est peut-être pas une. Hoffman n’était pas là en fin de projection, mardi soir, pour recevoir une nouvelle salve d’applaudissements des spectateurs. Mais qu’importe. L’acteur fétiche de Paul Thomas Anderson n’aura pas eu besoin de cela pour comprendre qu’à Paris, on aime les comédies new-yorkaises… Mais cela, le monde entier le sait, non ?

(P.S. : le film sort le 29 décembre !)

Une projection mystère un samedi matin...

Samedi matin, rendez-vous à 10h30 à l’Élysée Biarritz pour une petite projection mystère. Si à une époque j’aimais bien me lever tôt le week-end pour aller au ciné, ces dernières années, j’ai perdu l’habitude au profit des grasses matinées. Mais il y a des circonstances où je suis motivé pour faire un effort, et une invitation à une projection test en est une. Quand le réveil a sonné à 9h15 après m’être couché à près de 3h, la seule réflexion que j’étais capable de formuler était « C’a intérêt à être un bon film… ». C’est tout le sel et le risque des projections tests, ne pas savoir le film que l’on va voir.

La dernière à laquelle j’avais assisté, au printemps, était De vrais mensonges, le nouveau film de Pierre Salvadori, qui sortira en décembre avec Audrey Tautou en tête d’affiche. C’est dire à quel point on peut y voir les films à l’avance. Pour vous donner une autre idée, J’avais vu AO, le dernier Neandertal lors d’une de ces projections tests il y a presque exactement un an. Bon, si le film de Jacques Malaterre n’est sorti que douze mois plus tard, c’était certainement pour régler les nombreux problèmes du long-métrage qui tel quel n’était qu’un bon gros nanar risible. Je ne suis en revanche pas retourné le voir en salle pour vérifier si un an de postproduction supplémentaire a amélioré le film…

Samedi matin donc (ne nous égarons pas), je me rendais à ma troisième projection test en un an (les trois au même Élysée Biarritz, à côté des Champs Élysées). Cette fois ce n’est pas moi qui avait été invité mais un ami qui m’avait proposé de l’accompagner. Arrivés au cinéma, on nous tend le traditionnel premier questionnaire, celui qui en général donne de forts indices sur le long-métrage que l’on s’apprête à voir (le second, destiné à savoir ce que l’on a précisément pensé du film, est distribué après la projection). Bingo comme dirait Hans Landa. Outre les questions usuelles destinées à cerner le profil du spectateur (âge, profession, fréquences de films vus au ciné…), une question trahit le genre de film dans lequel on s’embarque : « Quels films parmi cette liste avez-vous vus ? ». Parmi les films cités, uniquement des documentaires animaliers ou écologistes : Microcosmos, Les Ailes Pourpres, Le Peuple Migrateur, Home, Le Syndrome du Titanic, Océans… « Bon bah ça sent le documentaire animalier tout ça ! » dis-je à l’ami que j’accompagne. Celui-ci, qui n’a plus le temps d’aller au cinéma depuis qu’il est doublement papa, tire un peu la tronche à cette prédiction. Mais la présence conséquente d’enfants dans la salle penche également vers cette forte intuition qui va se confirmer quelques minutes plus tard.

La salle s’éteint, et là, le logo Disney Nature, la branche documentaire des Studios Disney qui avait distribué Les Ailes Pourpres l’année dernière, apparaît à l’écran. Le titre original peu évocateur, pas encore traduit, apparaît alors, Hidden Beauty, ainsi que le nom du réalisateur, Louie Schwartzberg. Il ne m’évoque rien, mais le documentaire animalier n’est pas le genre qui me fait trépigner des mois à l’avance, même si je vais voir la plupart en salles. La mission que je me fixe, dans les premières minutes, c’est de comprendre quel va être le sujet du film. Et je dois bien avouer que pendant le premier quart d’heure, je suis dans le flou, le peu que je distingue me faisant peur plus qu’autre chose.

Les plans dans la forêt luxuriante, avec chute d’eau et animaux en tous genres, singes, perroquets, insectes et autres, sont accompagnés d’une voix off féminine se lançant dans un speech sur la coexistence de la faune et de la flore, dans lequel la notion de la reproduction des espèces se distingue. Oh la, me dis-je, on est partis pour un documentaire sur la reproduction des animaux… Mais la voix off parle à la première personne, répétant « Je » sans cesse. Mais dans la peau de quel animal se glisse-t-elle ainsi ? Finalement la caméra vient se poser sur… une fleur. « Putaiiiiiiiin » murmure-je à l’oreille de mon voisin, « j’y crois pas on va se taper un documentaire sur une fleur !? »… En quelques instants, plusieurs sentiments m’étreignent. La désolation est le premier. S’ensuit la colère (« J’ai dormi 6 heures cette nuit pour un documentaire sur une orchidée ? ») et la peur (« Mon Dieu j’espère que ça ne sera pas aussi mauvais que AO… »). A cet instant, une partie de moi pense à ce lit que j’ai trop tôt quitté pour une fleur…

Heureusement, cette panique ne dure que le temps du premier quart d’heure. Car finalement, Hidden Beauty (que l’on trouve sur le site de Disney Nature sous le titre Naked Beauty : A love story that feeds the world) se dévoile vraiment, et nous révèle quel est son véritable sujet : l’importance de la pollinisation dans l’ordre des choses sur notre planète. Dit comme ça, c’est étrange pour un sujet de documentaire produit par Disney et destiné semble-t-il à un public familial. Pourtant c’est bien la le cœur du film de Schwartzberg. Le film part aux quatre coins du continent américain pour observer les relations entre les fleurs et leurs pollinisateurs, ces insectes et oiseaux qui permettent la reproduction des plantes.

Papillons, colibris, abeilles et chauves-souris, tous sont les héros de ce film écologiste criant l’importance des fleurs pour la vie sur Terre, et le rôle déterminant que ces animaux pollinisateurs jouent dans l’équilibre vital de notre planète. Au fur et à mesure que Hidden Beauty se dévoile ainsi, le film sait se montrer tantôt passionnant, tantôt admirable visuellement. Quelques séquences sont de toute beauté, notamment ces instants magiques où les papillons monarques d’Amérique du Nord dorment par dizaines de milliers accrochés aux arbres, les recouvrant tout à fait de leurs majestueuses couleurs, avant de tous s’éveiller et décoller en même temps.

Malgré tout, Hidden Beauty n’est pas exempt de défauts, loin de là. En plus du premier quart d’heure qui nous lance de façon inquiétante dans le film, des fautes de goût se succèdent régulièrement. Tout d’abord le titre français, révélé par le questionnaire. Le film n’a pas encore de date de sortie, ils auront donc le temps d’en choisir un plus adéquat, car Pollen, le titre qui semble pour le moment retenu, est franchement moyen (non ?). Un film qui s’intitule ainsi part sur de mauvaises bases, même si le sujet de son film est la pollinisation. Ensuite la voix-off. S’il m’est arrivé de signaler à quel point la voix off est un art en fiction, en documentaire, elle est plus aisée et attendue. Elle ne gêne pas ici, elle est même nécessaire bien sûr, mais la voix est mal choisie. C’est une voix féminine chaleureuse, limite sexy, qui paraît déplacée dans le contexte, et contribue à rendre le premier quart d’heure inquiétant. Le générique de fin nous révèle qu’en VO, c’est Meryl Streep qui s’y colle, eh bien croyez-moi, en VF, ce n’est pas une équivalente française.

Autre point noir du film, la musique. Composée par le groupe Bliss, elle déçoit. Elle ne correspond pas à Hidden Beauty / Pollen. La musique est quelque chose de déterminant dans les documentaires de ce type, et elle s’avère souvent être un élément fort (celles de Microcosmos et Le peuple migrateur sont des bijoux en la matière). La musique ressemble à celle d’une fiction et manque d’identité. Musique inquiétante dans les moments tendus, violons dans les moments tendres, elle pourrait se coller sur n’importe quel film hollywoodien, au lieu de développer un univers unique et décalé.

Hidden Beauty est décidément loin d’être parfait. Son rythme est aléatoire, son ton se montre parfois trop didactique, d’autres fois pas assez (je vois d’ici certains enfants avoir du mal à assimiler certaines choses). Dommage, car le documentaire sait se montrer vraiment intéressant dans sa volonté de mettre en lumière le lien déterminant entre les fleurs, les animaux et les hommes. Dommage encore, car il sait se montrer beau, ludique et éducatif. Il parvient à nous divertir par ses images finement filmées (même si je suspecte les effets numériques d’avoir été utilisés à plusieurs reprises), et nous informer de l’importance du cycle de pollinisation, et les dangers que représenteraient sa disparition.

Pour le moment Hidden Beauty, Naked Beauty ou Pollen, quel que soit le titre qui lui sera attribué, n’a pas de date de sortie en France. Il se pourrait qu’il ne sorte pas avant de très longs mois. On en reparlera…

The Housemaid, le cinéma coréen se remake en avant-première

Il est des films à propos desquels les débats passionnés sont recherchés et désirés, ces conversations à bâtons rompus qui animent si souvent les échanges entre amateurs de films. Des films qui abasourdissent, des films qui choquent, des films qui émeuvent, des films qui agacent. Des films qui ne laissent pas indifférents. Im sang Soo a déjà signé de tels films, que ce soit son évocation claustrophobe de l’assassinat du Président Park Chung-Hee dans The President’s Last Bang ou son adaptation du célèbre roman Le Vieux Jardin.

En s’attelant à un remake d’un classique du cinéma coréen vieux de 50 ans, on pouvait légitimement attendre de lui un film remuant avec force les avis cinéphiles. Présenté en compétition au dernier Festival de Cannes, The Housemaid n’a pourtant pas déchaîné les passions, qu’elles soient positives ou négatives, de la part des festivaliers, critiques ou professionnels. Le gastronome en cinéma coréen que je suis ne pouvait pas pour autant rater l’occasion de voir le film d’Im Sang Soo plus de deux mois avant sa sortie en salles à la rentrée prochaine.

Paris Cinéma a fait fort cette année en programmant dans les avant-premières la plupart des films primés sur la croisette en mai, de la Palme d’Apichatpong Weerasethakul au Grand Prix de Xavier Beauvois en passant par le Prix du Scénario de Lee Chang Dong. The Housemaid a beau n’avoir pas été récompensé, la manifestation parisienne a tout de même programmé le film au MK2 Bibliothèque. Projection à laquelle j’ai assisté en compagnie de la plupart des amateurs de cinéma coréen de la place parisienne, et d’une flopée de coréens résidents dans la capitale française.

Sans grande attente, on ne peut pas parler de déception. Peut-être Im Sang Soo aurait-il signé une œuvre plus intéressante sur le sujet de l’asservissement et des relations maître / esclave au sein de la société contemporaine s’il ne s’était pas attaché à un remake, mais plutôt à une vraie création. Son Housemaid se trouve tel quel un peu bancal. Rappel pour ceux qui ne connaitraient pas le sujet, il s’agit d’une jeune femme rentrant au service d’une riche famille comme gouvernante et nounou. La famille en question est un jeune couple (riche bien sûr) déjà parents d’une petite fille ravissante et attendant des jumeaux pour très bientôt. Rapidement, notre servante va entamer une liaison avec le maître de maison.

En sortant de la salle, je me sentais mitigé à propos de The Housemaid, et plus de 24 heures plus tard, cela n’a pas changé. Il y a toujours de belles choses dans le film d’Im Sang Soo, une mise en scène glacée notamment, mais le scénario manque de tenue, à chaque fois que l’on croit qu’Im tient quelque chose, il n’exploite pas et tente autre chose, ailleurs avec ses personnages. Le sujet est fort, mais il s’oriente dans l’attendu, un attendu qui le pousse parfois au n’importe quoi (le dénouement en est la parfaite illustration).

C’est dommage, car la scène d’ouverture – qui scénaristiquement n’a pas grande utilité mais ça ce n’est pas grave – était une mise en bouche particulièrement alléchante, sorte de prise de pouls de la ville coréenne la nuit, laissant augurer de quelque chose qui ne viendra jamais. Il y a aussi ce personnage de la gouvernante en chef de la maison, cette ajuma sexagénaire qui guide l’héroïne dans la maison de ses nouveaux maîtres. C’est le personnage le plus réussi du film, le mieux écrit, dont l’ambiguïté a un vrai sens, dont les atermoiements sont tout à fait palpables, et qui offre à son interprète Yoon Yeo-Jeong l’occasion de faire montre d’un grand talent (la comédienne était également à l’affiche à Cannes cette année de l’hilarant Ha Ha Ha de Hong Sang-Soo).

Certains se satisferont peut-être de découvrir la jolie Jeon Do-Yeon (Prix d’interprétation à Cannes il y a trois ans pour Secret Sunshine) dans un rôle fort peu habillé, et si je ne fait pas la fine bouche moi-même, j’aurais tout de même préféré sortir de la salle convaincu par le film.

Cannes à Paris : Two gates of sleep

Jeudi, 17h, Forum des Images à Paris. La salle 500, ce grand amphi, est une fois de plus quasi vide pour accueillir un film de la Quinzaine des Réalisateurs 2010, qui plus est un film qui n’est diffusé qu’une seule fois. Il faut dire que pendant le Festival de Cannes, peu de journaux ont parlé de Two gates of sleep. Et je dois avouer qu’après l’avoir vu, je suis tiraillé entre un « Tu m’étonnes qu’ils en aient pas parlé… » et un « Comment ont-ils pu ignorer cet étrange film ?! ». Entre les deux mon cœur balance.

Comment le décrire… imaginez… imaginez… Ah, j’ai trouvé. Imaginez qu’Apichatpong Weerasethakul (le cinéaste thaïlandais palmé il y a quelques jours) ait réalisé Gerry en lieu et place de Gus Van Sant… dans le décor des premiers films de David Gordon Green (All the real girls, L’autre rive)… Oui c’est à peu près ça. Dans un coin paumé entre les champs et la forêt, en pleine nature dans une maison qui ressemble plus à un cabanon, vivent deux frères, la vingtaine, et leur mère ayant l’air un brin dérangée. Les garçons chassent pour le dîner le dîner, l’un des deux travaille dans une scierie. Une vie semblant monotone mais en totale harmonie avec leur environnement.

Dans cette première partie, on pense aux premiers films de David Gordon Green, lui-même héritier direct des films de Terrence Malick dans les années 70, Badlands et Les moissons du ciel. Les plans sont étirés, les dialogues quasi absents, la nature omniprésente. On sent le souffle du vent et les rayons du soleil traverser l’écran. La contemplation est pure, mais ces personnages sont si insaisissables qu’ils fascinent, et le film accroche.

Lorsque survient le décès de la mère, Two gates of sleep change de cap. Un changement léger mais qui bouleverse le film. On quitte les alentours du cabanon. Les deux frères refusent de laisser une ambulance venir chercher le corps de leur mère et préfèrent aller l’enterrer là où elle le souhaitait. Commence alors une odyssée le long d’un cours d’eau, et à travers les bois, le cercueil à bout de bras. Une traversée tout aussi silencieuse à laquelle va bientôt s’adjoindre des éclairs mystiques. Les frères sont à bout de nerf sans l’exprimer, des apparitions furtives surgissent entre les arbres. Que voit-on ? Où se dirigent les frères ? Y a-t-il une rancœur entre les deux ?

Two gates of sleep est un film très silencieux qui par ses non-dits renvoie beaucoup d’interrogations, triture les méninges, fascine. Et ennuie aussi, je ne le cacherai pas. Plusieurs fois j’ai laissé mes yeux se fermer quelques secondes, car s’il est clairement influencé par Gus Van Sant, David Gordon Green et Terrence Malick (dans une certaine mesure), Alistair Banks Griffin, dont c’est ici le premier long, n’a pas (encore ?) le talent de ses aînés. Il manque quelque chose à ces « deux portes du sommeil » (le film était sous-titré « Deux chemins vers le rêve ») pour nous empêcher de laisser l’assoupissement prendre le meilleur de nous. Peut-être une certaine forme de poésie que son mutisme constant et son austérité thématique l’empêchent d’atteindre comme on pouvait l’espérer.

Je retiens le nom d’Alistair Banks Griffin, en espérant qu’il refasse surface dans les années à venir avec un film plus fort, tout en étant persuadé que malgré l’envie de dormir qu’a pu m’inspirer Two gates of sleep, c’est un film que je ne suis pas près d’oublier, d’ignorer ou de mépriser. Il a de quoi rester en moi quelque temps.

Cannes à Paris : Ha Ha Ha, rions en coréen !

La première chose à laquelle j’ai pensé en sortant de Ha Ha Ha, c’est à quel point ce film porte bien son titre, moi-même et toute la salle du Reflet Médicis ayant tant ri aux éclats devant l’humour ravageur de Hong Sang Soo (pour une fois que le titre français peut être le même que le titre original 하하하…). Récemment récipiendaire du Prix Un Certain Regard à Cannes (certains ont clamé que ce n’était pas mérité, tant pis pour eux s’ils le pensent), le film était repris cette semaine dans la salle du Quartier Latin, comme Simon Werner a disparu dont je parlais il y a quelques jours.

Il y a quelques semaines à peine, je m’étonnais de la faculté du cinéaste coréen Hong Sang Soo a inlassablement charmer par ses films bien que ceux-ci sont les miroirs les uns des autres par leurs personnages et leurs thèmes abordés. Ha Ha Ha ne fait pas exception, et repousse une fois de plus les limites de Hong. J’irai même jusqu’à dire que le bonhomme n’avait jamais été aussi drôle dans son écriture qu’avec ce nouveau film. Pas étonnant que le jury Un Certain regard l’ait couronné.

Je ne surprendrais pas les familiers du cinéma d’Hong Sang Soo en révélant que le protagoniste de Ha Ha Ha est un cinéaste looser sur les bords. Celui-ci s’apprête à s’envoler pour le Canada où il compte s’installer, et avant de partir boit quelques verres avec un ami. Les deux hommes viennent tous deux de passer quelques jours dans une petite ville de province sans s’y croiser, et se racontent leurs pérégrinations mutuelles. Sans le savoir, ils ont fréquenté le même quartier et les mêmes personnes. Les mêmes femmes, surtout. Eux n’en savent rien, mais nous découvrons rapidement cela avec amusement.

Au premier abord, Ha Ha Ha a un drôle de look. On voit deux hommes sur des photos en noir et blanc se succédant, on entend leurs voix par-dessus les images fixes, leur dialogue. Puis lorsqu’ils commencent à se raconter leur séjour provincial, les images prennent vie et couleurs. A chaque fois que l’on reviendra à leur discussion, on entendra seulement leurs voix superposées à ces photos de retrouvailles en noir et blanc. Un vrai concept narratif qui fonctionne et offre un gimmick comique tout du long du film.

Les deux personnages n’ont pas la même saveur. L’un, le réalisateur qui ne réalise pas et vient rendre visite à sa mère, est un régal de tous les instants. Un indécis poursuivant assidûment une femme sur laquelle il craque, se posant tout un tas de questions existentielles et idolâtrant un militaire légendaire (cela aide grandement que le personnage féminin à qui il fait face soit une forte tête idéalement campée par la comédienne Moon So-ri…). Le second est tout aussi indécis, mais sur son dilemme immédiat : que faire de sa maîtresse qu’il aime tant ? C’est un personnage plus classique, mais ses aventures savent se montrer tout aussi drôles (bon, non, un peu moins quand même).

Ce qui fait le sel et l’humour de Ha Ha Ha, comme souvent chez Hong Sang Soo, ce sont les relations homme/femme. Le réalisateur n’a pas son pareil pour tricoter des liens houleux, des situations ubuesques et des dialogues savoureux entre les hommes et les femmes qui peuplent ses films. Prétendant et femme courtisée ; fils et mère ; amants. Les hommes et les femmes chez Hong Sang Soo ne savent pas vivre en harmonie et sont dans le conflit constant, même lorsqu’ils s’aiment. Ces conflits sont dans Ha Ha Ha source d’un humour délicieux qui parvient à faire ressortir et mettre en valeur le cadre du film, cette petite ville portuaire coréenne dans laquelle on se croise en long en large et en travers, sans forcément se voir.

Il n’y a pas meilleur catalyseur des relations entre les hommes et les femmes dans le cinéma coréen que les films de Hong Sang Soo, ainsi que ce portrait comico-pessimiste de la condition d’artiste en Corée le prouve avec panache. C’est long, comme toujours chez Hong, mais cette longueur n’apporte jamais la lassitude. C’est un film qui accroche malgré ces éternels bavardages et marivaudages comiques. Qui aime Hong Sang Soo se régalera de Ha Ha Ha le jour où il ne manquera pas de sortir dans les salles françaises.