Boyhood réinvente le temps qui passe sur grand écran

« Boyhood » aurait pu s’intituler « Life ». Richard Linklater aurait probablement trouvé cela trop prétentieux, pourtant jamais auparavant un film n’a semblé s’approcher autant de la description la plus juste qui soit du temps qui passe. « Boyhood » aurait pu n’être qu’un film concept, une idée incroyable n’aboutissant pas à un film à la hauteur. Ce n’est pas le cas. Avec une simplicité désarmante et un savoir-faire remarquable, Linklater tisse douze ans d’une vie comme on n’a pas l’habitude d’en voir sur grand écran.

Je me souviens de l’annonce du projet « Boyhood ». Une annonce qui avait plus des allures de rumeur tant il semblait improbable qu’une telle entreprise cinématographique indépendante puisse arriver à son terme. Un film dont le tournage s’étalerait sur plusieurs années, à raison de quelques jours de prises de vue par an, pour filmer au mieux le temps qui passe et les personnages qui vieillissent.

C’était au tout début du siècle que l’on a entendu parler du projet de Linklater, alors que l’Amérique était tout juste en deuil du World Trade Center. Cela semble encore si proche, et pourtant déjà si loin. Ethan Hawke venait d’être nommé aux Oscars pour « Training Day », et Patricia Arquette sortait du premier long-métrage réalisé par Michel Gondry, « Human Nature ». Je me souviens que régulièrement au cours des douze dernières années, je me suis demandé si Linklater n’avait pas abandonné son projet, où il en était du tournage… Des années au cours desquelles j’ai attendu. Espéré, patient.

Jusqu’au jour où enfin, le film s’est matérialisé. A la fin de l’année 2013, « Boyhood » a été annoncé à Sundance et à Berlin, où il a remporté l’Ours d’Argent du Meilleur Réalisateur. Ça y était. Enfin. Douze années à attendre un film qui n’est pas réalisé par Terrence Malick, habituellement champion des films se faisant désirer. Douze années mettant une pression terrible sur le film. Si jamais le film n’avait pas été à la hauteur de ce projet au long cours, quel impact cela aurait-il eu sur Richard Linklater et sa motivation de cinéaste ? Cette question, nous n’avons heureusement pas à la poser. Car le réalisateur, qui avait déjà superbement expérimenté sur l’art de suivre des personnages grandissant et vieillissant au même rythme que ses comédiens avec sa trilogie « Before » (comme Truffaut avec son Antoine Doinel ou la série de documentaires « Up » de Michael Apted), a magnifiquement utilisé ces douze années.

Pas évident sur le papier de réaliser un film sur douze ans, par petits bouts de-ci de-là, tout en lui imprimant une cohérence, une vision et une sincérité aussi forte que celles qui parcourent « Boyhood ». On y suit Mason de ses six ans à ses dix-huit ans. Du petit garçon au jeune homme. Boyhood est l’histoire d’une vie, de vies, celle d’un garçon grandissant, mais aussi celle d’une famille, celle d’une mère célibataire élevant ses deux enfants, celle d’un père absent qui cherche à se rapprocher de ses enfants. Le temps passe, les gens grandissent, vieillissent, les sentiments naissent ou s’étiolent, les rêves germent ou s’évanouissent, les routes se font droites ou sinueuses, mais quoi qu’il arrive, le temps s’écoule et la vie se déroule sous nos yeux.

« Vie » est un terme crucial, car Richard Linklater a su insuffler à son film un caractère vivant, parsemant le récit d’indices sociétaux, culturels, politiques qui à l’époque où il les a filmés n’étaient que l’actualité du moment, mais qui aujourd’hui se regardent et s’écoutent comme les marqueurs de temps d’une époque, des marqueurs qui s’insèrent avec une évidence due à la nature même du film, tourné « en temps réel », à chaque instant de ces moments dépeints.

Pendant 2h45, on se sent revivre ces douze années écoulées, on se sent impliqué dans le film, dans ces personnages, dans ce qu’ils traversent. C’est leur vie qui se déroule sous nos yeux, et c’est notre vie que l’on ressent en écho. J’ai attendu douze ans que Richard Linklater mène à bien son projet. J’ai grandi, vieilli, vécu plus d’une décennie en guettant son film. Et l’espace de deux heures et quarante-cinq minutes, j’ai oublié que j’ai attendu ce film pendant presque un tiers de ma vie. J’ai vécu une vie de plus. Et j’en suis sorti différent.

Whiplash : ça claque à la reprise des films de Cannes !

Il est un rendez-vous cinéphile parisien que je ne manque sous aucun prétexte chaque année, c’est celui de la reprise des films de la Quinzaine des Réalisateurs, d’Un Certain Regard et de la Semaine de la critique, quelques jours après leur découverte au Festival de Cannes. C’est dans ce cadre-là que j’avais vu « The Host » de Bong Joon-ho au printemps 2006, et d’année en année, je viens y chercher les nouvelles pépites de Cannes.

Voilà, nous sommes en plein dedans, alors qu’au Reflet Médicis, la reprise d’Un Certain Regard vient de s’achever, celle de la Quinzaine au Forum des Images bat son plein tandis que celle de la Semaine de la Critique démarre à la Cinémathèque Française. Au Reflet, je me suis faufilé devant « Jauja », le film argentin de Lisandro Alonso qui plonge Viggo Mortensen dans la Patagonie du 19^ème siècle à la recherche de sa fille échappée. Un film lancinant et hypnotique qui tend vers le fantastique, quelque chose de Bergmanien au pays du maté.

Je me suis invité devant deux films coréens également, la chronique provinciale « A Girl at my door » (Doheeya) issue d’Un Certain Regard et le thriller « A Hard Day » issu de la Quinzaine des Réalisateurs, mais non, je n’en dirai rien, ma fonction au sein du Festival du Film Coréen à Paris (qui au passage se tiendra du 28 octobre au 4 novembre cette année) me bâillonnant sur le sujet.

Et puis il y a eu « Whiplash ». Salle 300 du Forum des Images, un samedi soir à 20h, après avoir couru depuis le Reflet Médicis pour ne pas en rater le début. Whiplash qui n’a pas fait trop de bruit dans la presse française pendant le festival, mais qui ne manquera pas de faire parler de lui cet hiver quand il sortira en salles, j’en suis sûr. Whiplash, un film qui porte si bien son titre (« coup de fouet ») tant on en sort revigoré, excité, heureux. La simplicité comme mot d’ordre, mais pas une simplicité péjorative. Une clarté si vous préférez, avec assez peu de personnages, peu d’intrigues parallèles, tout est concentré sur Andrew, 19 ans, étudiant en première année dans une prestigieuse école de musique, qui rêve d’être un des plus grands batteurs que le jazz ait connu. C’est pour cela qu’il s’est inscrit dans cette école, et c’est pour cela qu’il veut se faire remarquer par Fletcher, le professeur star de l’école, qui dirige un groupe de jazz que tous les élèves de l’école rêvent d’intégrer.

Le rêve est grand, et la marche à franchir pour l’atteindre est immense, tant Fletcher est aux étudiants ce qu’un sergent-instructeur est aux Marines américains. Ce qui apporte une gouaille jouissive au personnage du professeur, campé à la perfection par J.K. Simmons. L’homme est à la fois irritant et hilarant, et c’est lui qui donne le tempo que doit apporter en face Miles Teller, décidément un jeune acteur prometteur après sa belle interprétation dans « The Spectacular Now » en début d’année.

Tout est affaire de tempo, et d’énergie. « Whiplash », c’est tout l’art cinématographique du climax mis en application. C’est une tension qui va crescendo, une montée en puissance discrète mais indéniable. Et quand on croit que c’est terminé, c’est là que tout à coup la jubilation explose, les sens sont mis à contribution, et le film nous place dans un moment d’euphorie cinématographique incroyable, dix minutes pendant lesquelles le réalisateur nous agrippe avant de nous abandonner d’un claquement de doigt en pleine extase. La sensation est rare, et la ressentir ainsi devant un « petit » film, ressentir cette joie, cette intensité, alors le petit film gagne en grandeur. Non, ce n’est vraiment plus un petit film. Sundance, qui lui a décerné ses prix, a eu raison. La Quinzaine des Réalisateurs, qui l’a invité, a eu raison. Nous avons eu raison, les spectateurs de la salle 300 du Forum des Images, ce samedi soir, d’être allé jeter un œil à ce drôle de petit film où un étudiant joue à la batterie jusqu’au sang devant un prof qui lui hurle dessus. Et ce climax explosif, je connais des films Hollywoodiens qui auraient aimé en fournir ne serait-ce que 15%, d’une intensité pareille, dans leurs derniers actes.

Alors Hollywood, prends-en de la graine. Retenons le nom du réalisateur Damien Chazelle. Et moi, je vais peut-être me mettre à la batterie.

« Lone Ranger » : western et basket sur les Champs-Élysées

Sur le papier, je ne suis pas le client le plus évident pour « Lone Ranger ». Le nom de Jerry Bruckheimer à la production a cessé d’éveiller ma curiosité voilà quelques années, Johnny Depp me tape légèrement sur le système depuis quelques films, et Gore Verbinski est coupable d’avoir commis, avec les mêmes compères Bruckheimer et Depp, une bonne partie de l’inepte saga « Pirates des Caraïbes », dont le succès continue de me laisser coi. Non, décidément, ce « Lone Ranger » avait tout pour me rendre méfiant, et les échos venus des États-Unis lorsque le film s’y est planté au début du mois n’ont rien arrangé à l’affaire.

Cependant l’amateur de cinéma d’aventures que je suis, et de western également, n’a pu laisser passer la chance d’aller jeter un œil au film, spécialement lors de l’avant-première en présence de l’équipe du film dans cette belle salle des Champs-Élysées qu’est l’UGC Normandie. En guise d’équipe, il ne fallait pas s’attendre à voir débarquer Johnny Depp, mais Jerry Bruckheimer, Gore Verbinski et le vrai héros du film, Armie Hammer, avaient fait le déplacement. Jean-François Camilleri, le patron de Disney France, discutait le rang devant moi avec une de ses connaissances, expliquant que l’orage avait retardé la projection et signalant que le coach de l’équipe de basket des Miami Heats, dont le nom m’échappe, était présent ce soir-là (allez savoir pourquoi) et qu’il allait l’annoncer lorsqu’il monterait sur scène (ce qu’il fit effectivement, annonce suivie d’un tonnerre d’applaudissement…).

Finalement l’équipe arriva avec 30 minutes de retard (le premier retard qu’ait connu Camilleri en tant que boss de Disney France, paraît-il) sous l’ovation attendue du public, tandis que l’inimitable Béatrice était là pour s’occuper de la traduction avec la… hum… verve qu’on lui connaît. A côté de moi, ma voisine sortit son carnet de notes, peut-être en vue de relater en détail la présentation de l’équipe de « Lone Ranger » sur son propre blog (je vous résume : « c’était formidable de faire un tel film et on espère que vous l’apprécierez autant qu’on a pris plaisir à le réaliser », si si je vous jure), pendant que je songeais à quel point Armie (un p’tit diminutif d’Armand) Hammer était grand et me demandais si le coach des Miami Heats n’était pas là pour le convaincre de changer de carrière et de se lancer dans la NBA. Ce serait vraiment dommage, car même si « Lone Ranger » s’est planté au box-office américain (même pas 100 millions de dollars de recettes quand le film a coûté au moins le double), Hammer a de l’avenir dans le paysage cinématographique outre-Atlantique, à la fois charismatique, maladroit et touchant la plupart du temps, tendance James Stewart moderne.

Il est d’ailleurs probablement la raison pour laquelle le numéro auquel se livre une fois de plus Johnny Depp dans le film est non seulement supportable, mais plaisant. Voilà quelque temps que le Depp est en roue libre sur grand écran, recyclant encore et toujours son personnage d’excentrique sympathique, des trop nombreux « Pirates des Caraïbes » aux films de Tim Burton. Ici, s’il ne s’écarte pas vraiment de ce personnage récurrent en incarnant Tonto, le Commanche un peu loufoque sur les bords qui va prêter main forte au Lone Ranger pour arrêter tueurs, malfrats et hommes de pouvoir corrompus dans l’Amérique du Far-West. Mais ce qui change c’est qu’il n’est pas le protagoniste, du moins pas le seul, et que le duo qu’il forme avec Armie Hammer se nourrit d’une certaine dynamique, où le sérieux de Hammer est contrebalancé par l’humour apporté par Depp, qui devient finalement sidekick à vocation comique.

Le duo d’acteurs n’est pas la seule chose recommandable du film, au demeurant, puisque celui-ci s’avère, contre toute attente, un film d’aventures plaisant. Et à y regarder de plus près, il ne faut pas trop s’étonner de l’accueil froid réservé au film aux États-Unis, tant « Lone Ranger » s’escrime à dénoncer les forfaits perpétrés par les ancêtres, qui des militaires aux bureaucrates en passant par à peu près tout le monde, ont construit la société par le sang, l’oppression et la corruption. Hum… le portrait n’est pas franchement flatteur. Attention à ne pas non plus trop prendre « Lone Ranger » au sérieux, car il s’agit bien d’un divertissement pur, pas toujours bien calé niveau rythme, n’exploitant pas autant que possible tous les personnages, mais un divertissement bien huilé tout de même, presque à l’ancienne si ce n’est ce budget pharaonique qui à l’écran ne semblait pourtant pas nécessaire.

Décidément, après « Prince of Persia », « John Carter » et quelques autres, je crois que j’aime bien les films d’aventures hollywoodiens qui ont été boudés chez eux. Ils sont rarement parfaits, souvent boursouflés, mais insufflés d’un vrai sens de l’aventure. J’espère que le coach des Miami Heats est rentré chez lui sans être parvenu à recruter Armie Hammer. Je préfère le voir sur grand écran.

"L'ultimatum des trois mercenaires", attention rareté !

Parfois les ressorties de vieux films me mettent face à mes lacunes cinématographiques. En ce moment je suis dans une spirale qui me fait revenir continuellement dans le Quartier Latin pour profiter au maximum des ressorties en version restaurée de classiques du cinéma américain. Certains classiques sont surtout des raretés et des films méconnus plus que de véritables classiques et… Bon je le dis, je le chuchote… non allez je le dis tout haut, autant assumer les lacunes jusqu’au bout. Jusqu’à ce que j’aperçoive ici ou là dans la presse des articles pour mentionner la ressortie du film, je crois bien n’avoir jamais entendu parler de « L’ultimatum des trois mercenaires » de Robert Aldrich.

J’en entends certains ricaner et dire « Oh le mec il connaissait pas… », j’en entends d’autres murmurer « L’ultimatum de quoi ? ». Non, désolé, je n’étais pas familier du film d’Aldrich, mais les quelques lignes aperçues dans Libé et Les Inrocks ont éveillé ma curiosité, et lorsqu’il s’est agi de trouver un film dans le quartier pour enchaîner avec « Une place au soleil » de George Stevens qui était sur mes tablettes, « L’ultimatum des trois mercenaires » s’est donc contre toute attente imposé à moi.

Je n’étais manifestement pas le seul dans la salle à ne pas vraiment savoir à quoi m’attendre et à avoir lu le synopsis du film en patientant sur le trottoir que Le Champo nous ouvre ses portes. Le film était projeté dans la salle du sous-sol, celle avec les petites loupiottes au plafond qui font penser à un ciel étoilé, façon Grand Rex miniature. Assis juste derrière moi, deux mecs, plus ou moins mon âge, e mettent vite à glousser lorsque le film commence. Dès le générique d’ouverture en fait, et régulièrement – pour ne pas dire continuellement – au cours des dix ou quinze minutes suivantes.

Pour ceux qui comme moi il y a quelques jours ne sont pas familiers du film de Robert Aldrich, une mise en place est requise. Réalisé à la fin des années 70, le film est un suspense dans lequel des militaires renégats, dont un général incarné par Burt Lancaster, s’introduisent sur une base secrète américaine où sont stockés neuf missiles nucléaires. Ils en prennent le contrôle et avisent les autorités qu’ils n’hésiteront pas à appuyer sur le bouton si leurs exigences, quelques millions de dollars et la publication d’un rapport confidentiel sur la Guerre du Vietnam, ne sont pas écoutées et appliquées.

Vous imaginez donc bien que les gloussements répétés de mes voisins du rang derrière ont pu paraître incongrus, voire agaçants. M’est avis qu’ils n’avaient jamais vu un film des années 70 (réalisé avec les moyens du bord, le bureau ovale de la Maison Blanche reconstitué dans un studio allemand), et la direction artistique de l’époque que cela implique, forcément différentes d’un film tourné en 2013. Heureusement les rieurs en ont eu marre de rire et ne s’imaginaient pas le faire pendant les 2h25 que dure le film, et ont donc pris la tangente. Ouf.

La version proposée en ce moment dans les salles est en fait inédite dans les salles françaises, l’échec au box-office américain du film à sa sortie en 1977 ayant poussé le studio à l’époque à opérer un charcutage en règle du film, qui s’est retrouvé amputé de près d’une heure pour expurger au maximum l’aspect politique et resserrer le montage vers le film de casse plutôt que sur la diatribe politique. Il aura donc fallu attendre 2013 pour qu’enfin « L’ultimatum des trois mercenaires » voit son ambition et son audace restaurées, et Burt Lancaster, Charles Durning, Richard Widmark, Joseph Cotten et Melvyn Douglas replonger pendant 2h30 dans ce qui fut l’un des tout derniers films de Robert Aldrich. Un suspense haletant doublé d’un discours politique acerbe et explosif qui en fait un exemple remarquable de divertissement intelligent. Et si vous ne jurez que par les films de Michael Bay, sachez que « The Rock » (oui oui, Sean Connery et Nicolas Cage à Alcatraz) doit beaucoup au film d’Aldrich. Jetez-y un œil, vous verrez, c’est flagrant.

Dredd, du projet attendu au "direct-to-dvd"

Il y a des films qui sur le papier, au moment où leur mise en chantier est annoncée, semblent être promis à devenir, lorsqu’ils sortiront, un évènement cinématographique. Bon d’accord, le terme est trop fort, disons plutôt qu’ils seront fortement attendus par la tranche reine des spectateurs, celle qui est le plus souvent le cœur de cible d’Hollywood, les mecs de 15/30 ans. Certes Dredd est trop violent pour les ados aux États-Unis, et le souvenir laissé par une première adaptation du comic-book avec Stallone a pu ringardiser le héros. Mais lorsqu’il fut annoncé que des producteurs allaient relancer le personnage du juge futuriste au cinéma pour faire oublier le nanar de Stallone passant régulièrement en VF sur NT1 ou NRJ12, le potentiel que la série B musclée attendue fasse parler à sa sortie était là.

Sorti en salles aux États-Unis en septembre, mois de disette du box-office, après avoir été longuement repoussé, Dredd s’y est mangé le trottoir en beauté. Même si le film n’avait pas coûté si cher que cela pour une telle production (40 millions de dollars), le four fut flagrant (à peine plus de 13 millions de dollars de recettes, quand la version avec Stallone, sortie il y a 18 ans à une époque où les places de cinéma étaient bien moins chères, en avait rapporté 34 millions). Ouch. Lorsque je ratai la projection du film en clôture de L’Étrange Festival, j’eus un mauvais pressentiment… Et si j’avais manqué là l’unique projection sur grand écran à laquelle la France aurait droit ? Le murmure se faisait déjà entendre à l’époque, parlant d’une sortie directement en DVD… Le mauvais pressentiment s’est confirmé, puisque Dredd de Pete Travis sort donc directement en DVD en France dans quelques jours. Des amis l’ayant vu en salles en Corée avaient beau m’avoir dit « C’est nuuul », nos goûts sont trop éloignés pour que je ne me doute que mon appréciation risquait de s’avérer différente.

Au scénario, Alex Garland, auteur et scénariste fréquent de Danny Boyle, derrière la caméra, Pete Travis, réalisateur du solide « Angles d’attaque » (qu’il fallait tout de même arrêter de regarder à 15 minutes de son dénouement ridicule), en tête d’affiche, Karl Urban, acteur intéressant pour le moment sous-employé dans le cinéma américain – et ce n’est vraisemblablement pas Dredd qui changera la donne pour lui. Si je n’ai jamais lu le comic book à l’origine du film, la vision du Judge Dredd premier du nom avec Sylvester Stallone sous le casque, kitsch à souhait, a suffi à me convaincre qu’il y avait sûrement mieux à faire sur grand écran avec le personnage, et il est indéniable que Pete Travis s’en sort bien mieux que… que… que quiconque a réalisé la version Sly à l’époque.

Non que ce nouveau Dredd soit un grand film, on en est loin, même dans le genre qui est le sien. Mais le film avec Stallone avait suffisamment baissé les attentes, et à défaut d’être mind-blowing comme diraient les américains, ce nouveau Dredd est une série B diablement plaisante que j’ai eu la chance (ouf !) de découvrir en 3D sur grand écran, en me faufilant à une projection organisée chez Metropolitan.

Dans ce nouveau Dredd, point de Stallone qui montre sa tronche quand le héros est connu pour ne jamais retirer son casque dans le comic book, point de gigantisme raté et de blagues foireuses. Pete Travis nous entraîne sur le territoire du cinéma d’action aride, brutal et pince-sans-rire. Une aventure simple et directe ne cherchant pas à étirer la mythologie Dredd, mais plutôt à la traverser. Le décor est planté rapidement, Mega City One, mégalopole de 800 millions d’habitants dans un futur ravagé par la pollution et la criminalité. Les gangs y pullulent, et seuls les juges y font régner l’ordre, arrêtant les criminels, énonçant et exécutant la sentence dans la foulée (oui je sais, c’est pas un film de gauche). Dredd est l’un de ces juges, et avec une nouvelle recrue qu’il se voit confier, le voici parti pour une journée de boulot qui va l’envoyer dans une tour de 75000 habitants, contrôlée par un gang qui va placer ladite tour en quarantaine et tout faire pour ne pas laisser Dredd et sa recrue en ressortir vivants. Piégés en territoire fermé et hostile.

Étonnamment, Dredd se situe ainsi plus dans la mouvance du cinéma de John Carpenter (toutes proportions gardées), brut et claustrophobe, plutôt que dans le kitschouille auquel le film de Stallone nous avait habitués. Ce cinéma d’action cloisonné, j’en suis toujours friand, et Garland et Travis ont eu la bonne idée de planter Dredd dedans, dans ce cinéma où le danger rôde, la violence explose et le spectateur reste scotché à son siège. Le costume du juge va comme un gant à Urban, qui joue (un peu trop ?) de la mâchoire carrée à merveille.  Même si la 3D ne m’a pas franchement convaincu de son utilité, et que les ralentis ne sont pas franchement du meilleur effet (comme souvent), voilà un juge Dredd qui a de la gueule à défaut d’être inoubliable.  

Puis-je comprendre "Le monde de Charlie" ?

Bon, je ne vais pas me faire beaucoup d’amis avec ce billet, si j’en crois l’enthousiasme ambiant autour du film que je m’apprête à aborder. Oyez oyez, cher amateurs de cinéma, j’ai un film à vous conter. Un film que j’aurais aimé admirer autant que celles et ceux qui l’avaient vu avant moi et m’avaient laissé entrevoir une œuvre qui les avait touchés en plein cœur. Le genre de film qui se trouve quelque peu délaissé par la critique mais que le public s’approprie (le taux de remplissage des quelques salles projetant le film en atteste). Un film sur la jeunesse, ô jeunesse qui fait s’enflammer le spectateur et fait fleurir les « Ce film, c’est moi, c’est comme si le réalisateur avait lu dans ma tête » et autres « Tu peux pas comprendre ! » à ceux qui leur répondent « Bof ». Le genre de film qui exacerbe l’identification qui peut s’en dégager.

Ce film c’est donc « Le monde de Charlie » - horrible titre français qui pourrait s’appliquer à tellement d’autres et perd la poésie et le mystère de l’original « The perks of being a wallflower » - première réalisation de Stephen Chbosky, qui porte là lui-même son roman à l’écran. Passez votre chemin si vous n’avez pas encore vu le film et comptez y jeter un œil. Peut-être même feriez-vous bien de passer votre chemin si « ce film, c’est vous », parce qu’il se peut que vous ayez envie de m’insulter à la lecture de ce billet, voire pire, de me lancer un cinglant, parlant, et définitif « Tu peux pas comprendre ». Mais je ne peux me taire, j’ai envie de dire ce que j’ai vu dans « Le monde de Charlie ».

Je tiens à préciser, avant que vous ne vous apprêtiez donc à me lancer « Tu peux pas comprendre », qu’à la base, je peux comprendre. Sur le papier, un personnage comme Charlie, je devrais le comprendre. Moi aussi j’ai été un ado dans les années 90, moi aussi j’aime la musique spleen, moi aussi  j’étais un grand timide et je n’osais pas dire à une fille qui me plaisait qu’elle me plaisait, moi aussi j’ai été le p’tit nouveau qui a du mal à se faire des amis. Si vous avez sûrement compris maintenant que « Le monde de Charlie » m’a amplement déçu, comprenez bien que cette déception tient dans la promesse, dans le potentiel, dans le fait qu’il y avait derrière ce film quelque chose qui aurait pu me toucher comme il a touché tant de monde.

Le cinéma m’a pourtant appris depuis longtemps qu’il faut plus qu’un personnage sensé me toucher sur le papier pour que tout coule de source. J’attendais un regard unique sur l’adolescence, j’attendais les rêves et les espoirs, j’attendais la joie et la tristesse, j’attendais de l’audace, du punch, j’attendais cette étincelle. Qui n’est pas venue. Qu’ai-je vu ? J’ai vu un film maladroit. C’est une chose la maladresse, elle peut même ne pas empêcher la grandeur.  C’est quoi, en somme, « Le monde de Charlie » ? Idéalement, ce serait l’histoire d’un ado qui commence le lycée, un petit timide intelligent qui trimballe suffisamment de casseroles personnelles pour avoir du mal à être à l’aise et s’intégrer, et trouve l’amitié auprès d’une bande de marginaux un peu plus âgés qui vont l’aider à s’assumer.

Pourquoi pas. C’est le film que j’attendais, j’étais prêt à me plonger dedans. Le problème c’est que je n’ai jamais pleinement réussi à me plonger dedans. Parce que je n’ai jamais vraiment cru aux personnages, parce que cinématographiquement, c’est un beau bordel. Chbosky est un écrivain, et cela se ressent à chaque minute qui passe dans le film. Certains auteurs ont su se glisser dans la peau de cinéaste sans difficulté, Chbosky a du mal à se dépêtrer des différences narratives entre un roman et un film. Malgré une nette tendance à laisser un morceau de musique et des images exprimer des sentiments, Chbosky surutilise la voix-off. Il Elle inonde le récit et raconte tout, même ce que l’on ne voit pas, même ce dont on pourrait se passer, comme s’il n’osait pas couper. Mais ce n’est pas de la voix-off dont je voulais particulièrement parler. Elle n’arrange certes rien à l’affaire, mais c’est presque un détail.

Je voulais parler de ces personnages auxquels je ne suis pas parvenu à m’attacher. Charlie, Patrick et Sam, deux garçons, une fille. Chbosky a du mal à définir ses personnages. Ce sont des jeunes intelligents et incompris, marginaux mais branchés. Ils ont un goût musical pointu, ils ont des critères qui ne vont pas dans la norme, ils aiment les Smiths et Nick Drake. Ok. Vous allez me traiter de pinailleur, mais c’est un détail qui compte, alors pourquoi diable, après les avoir définis comme des amateurs éclairés de musique, qui connaissent les groupes qui comptent et le disquaire branché, pourquoi diable les montrer entendant à la radio « Heroes » de David Bowie et les faire dire, l’air de débarquer de Mars : « Oh mon Dieu, mais c’est génial ! C’est qui ? C’est quoi ? ». Hein ? Quoi ? Pardon ? Non seulement ils ne connaissent pas une des plus célèbres chansons de Bowie, mais ils ne reconnaissent pas sa voix ? Donc ils ne connaissent pas Bowie, sauf peut-être de nom ? Ne me dites pas « Oh mais faut pas s’arrêter à ça ! », franchement, je suis obligé de tiquer là-dessus. C’est impossible. Le réalisateur n’a pas pu passer les 20 minutes précédentes à nous montrer à quel point les personnages étaient habités par la musique et connaissaient tout ce qu’il y avait d’important à connaître pour ensuite les faire passer pour trois neuneus découvrant l’existence de David Bowie.

Alors forcément, à partir de là, j’ai commencé à ne plus croire à ces personnages qui ne me semblaient plus faits de chair et d’os, mais les simples pantins d’un scénario bancal. Et ces personnages auxquels j’avais commencé à m’identifier, je m’en suis détourné. J’ai vu une foire au misérabilisme déguisée derrière un « coming of age movie », comme on dit à Hollywood. Tout cela n’a plus été à mes yeux qu’un drame de la bourgeoisie américaine, les adolescents dans leurs grandes maisons cossues auxquelles il arrivait tous les malheurs du monde. Le drame de Patrick ? Le garçon qu’il aime et avec qui il sort en cachette le méprise en public et se fait tabasser par son père lorsque celui-ci les surprend ensemble. Le drame de Sam ? Elle ne tombe jamais sur le bon garçon, et cela depuis toute petite puisque, comme elle le révèle au détour d’une conversation jusqu’ici gentillette à Charlie, elle s’est faite abusée à l’âge de 11 ans par le patron de son père. Mais Charlie la comprend, puisqu’il lui dit dans la foulée qu’il a vécu la même chose.

Ah bon ? Il a donc lui aussi été abusé sexuellement dans son enfance ? Ok, ça doit être ça les flash-backs incessants vers sa tante décédée, souvenirs qui l’obsèdent. Mais en fait, il ne s’en souvient réellement que plus tard, lorsque Sam lui caresse la cuisse, geste qui lui rappelle la tendresse trop prononcée de sa tante à son égard. Là c’est la révélation, mais comme Charlie avait glissé ce « J’ai vécu la même chose » 30 minutes plus tôt, on avait déjà compris. Mais Charlie lui n’avait pas compris, et part faire un séjour à l’hôpital. D’autant que, autre traumatisme, six mois avant qu’il ne rencontre Sam et Patrick, le meilleur ami de Charlie s’était suicidé (je sais ça fait beaucoup pour un jeune lycéen mais c’est comme ça).

Heureusement, le petit Charlie, ce freshman tout juste arrivé au lycée, trouvera un beau réconfort puisqu’il emballera tout de même deux seniors pendant sa première année de lycée. Aux États-Unis, le lycée c’est quatre ans, donc pour mieux comprendre ce qu’est un freshman et ce qu’est un senior il y a un écart de trois ans entre les nouveaux, comme Charlie, et les anciens qui ont la fac en ligne de mire, comme Patrick et Sam. Cela a fini de rendre les personnages moins crédibles à mes yeux, puisque le petit timide de 15 ans (équivalent d’un élève de 3^ème chez nous) mal dans sa peau couche finalement avec deux terminales de 18 ans.

Alors oui, il y a quelques beaux éclats dans « Le monde de Charlie », il y a Ezra Miller, jeune acteur toujours fantastique qui campe Patrick, et globalement les acteurs relèvent le niveau. Mais ce qui s’annonçait comme un regard singulier sur l’adolescence s’est avéré à mes yeux comme une accumulation de clichés (j’ai précisé que Charlie s’entendait super bien avec son prof de lettre qui le comprenait si bien et l’encourageait à écrire et lui faisait lire ses bouquins préférés ?) souvent peu crédibles. Oui, il y a un peu de moi dans Charlie, sur le papier c’est évident. Mais cela en fait-il un film qui me touche ? Pas vraiment non. Alors ne me dites pas « Tu peux pas comprendre », parce que ça me fait sourire.

Savages, de l’adrénaline en roue libre

J’ai eu une drôle d’impression en sortant de Savages. J’étais le premier surpris à avoir autant envie de voir le nouveau film d’Oliver Stone - la faute certainement à ce goût amer laissé par « World Trade Center » il y a quelques années et qui persiste inlassablement – pourtant j’y étais le lendemain de sa sortie. Cette impression, qui m’a pris au débotté et nécessiterait certainement que je me penche sur les films vus ces dernières années pour être tout à fait sérieux, c’est que contre toute attente, ça faisait un bail que je n’avais pas vu un tel film venu d’Hollywood. Comprenez un film d’action qui ressemble aux films d’action que l’on faisait à Hollywood il y a quelques années encore mais plus vraiment aujourd’hui, burné, sanglant et sensuel, sans collants ni masques sinon ceux de truands se cachant à peine derrière leur sauvagerie.

Le film n’est pas exempt de défauts, loin de là, j’y viendrai plus loin, mais il y a quelque chose d’étrangement old school dans Savages qui fait un bien fou. C’est pêchu, c’est mordant, c’est bourré d’action et d’intrigues où le bruit et les couleurs ne parasitent pas ce mélange paradoxal d’insouciance et de sérieux rafraîchissants à l’heure du super héros roi. La sauvagerie, la tension et la sueur dispensées à l’écran ont d’ailleurs quelque peu déteint sur les spectateurs de la salle dans laquelle j’ai vu le film. J’ai repensé à cette étude de Claude Forest sur le placement des spectateurs dans la salle, et particulièrement à sa théorie du dominant (ceux qui aiment se mettre au fond dans la salle aiment le sentiment de dominer les autres spectateurs) quand j’ai entendu quelques mecs vers le fond se gueuler dessus un rang au-dessus de l’autre et être à deux doigts d’en venir aux mains. Peut-être le chercheur n’avait-il pas tout à fait tort sur la question, même si les râles des autres spectateurs alentour ont fini par éteindre le feu alors que l’un des excités proposait à un autre de sortir de la salle pour régler ça (quand même oui…). En fin de compte, ils en rediscuteront avec un étonnant calme en fin de séance… A croire que la sauvagerie déployée à l’écran les aura calmés, ou qu’ils auront finalement retrouvé leur sang-froid seuls (que s’était-il passé à l’origine de leur dispute, je n’en sais rien…).

Mais ce n’est pas tant de la sauvagerie que découle le plaisir procuré par Savages. C’est des dialogues écrits aux petits soins. C’est peut-être surtout de la direction d’acteurs qui laisse au premier abord soucieux avant d’emporter l’adhésion. Soucieux, parce que les acteurs en font des tonnes, ou presque. Ils s’amusent, c’est évident, mais il y a quelque chose de presque ridicule dans cette effusion de jeu, une effusion qui est renforcée par un jeu d’observation des physiques, John Travolta pour une fois sans moumoute, Salma Hayek qui en porte une sexy, quant à Benicio Del Toro le verdict n’est pas encore tranché pour savoir si ce panache de cheveux est naturel ou non (mais bon, ça l’est sûrement).

Mais une fois les premiers doutes passés, assimilés, quelque chose d’enthousiasmant se dégage du trio Hayek / Del Toro / Travolta. L’acteur oscarisé de Traffic, en particulier, fait un numéro qui ressemble à de l’équilibrisme. Il est toujours à deux doigts du ridicule en homme de main de la pègre mexicaine mais n’y bascule jamais, prouvant au passage que la ligne entre pathétique et excellence est diablement fine. Benicio Del Toro est simplement jubilatoire, illuminant d’intensité et d’absurde chacune des séquences où il apparaît, et l’on se demande bien ce qu’il était devenu ces dernières années. Il s’était fait trop rare, assurément. Salma Hayek et John Travolta en font à peine moins et se montrent également rayonnants, la mexicaine en chef mafieuse incroyablement sensuelle et l’américain en agent du FBI véreux. Il faut la voir, engueulant ses troupes et leur lâcher du « Pendejo ! » intempestif.

Du coup, le trio de « jeunes vedettes qui montent » Blake Lively / Taylor Kitsch / Aaron Johnson se fait purement voler la vedette par les briscards. Et si Johnson et Kitsch s’en sortent malgré tout plutôt bien, affichant de la présence à l’écran, Blake Lively est clairement le maillon faible de la bande, allez, du film. La caméra d’Oliver Stone a beau filmer (trop chastement) le corps de la jeune actrice de « Gossip Girl » avec désir, elle semble bien fade quand elle partage l’écran avec ses camarades, encore plus lorsque c’est avec l’exquise Salma Hayek. Elle a en plus le malheur d’être le vecteur du récit en lui offrant une voix-off clairement faiblarde et gênante, qui atteint son paroxysme d’inefficacité lors d’un final qui frise l’ineptie. Stone nous offre une double conclusion qui met son film le cul entre deux chaises et laisse un goût amer d’inachevé. Un comble pour un spectacle qui aura su être jusqu’ici vivant, pulsant un amusement communicatif, bien que semblant étrangement vain et trop gentil malgré le sang. Mais Savages a de la gueule, et un rythme emballant. Et en semaine en sortant du boulot, ça fait un bien fou.

"Somebody up there likes me", le Festival de Locarno à Paris !

Une des choses fort appréciable à Paris lorsque l’on aime le cinéma, c’est que malgré l’assiduité pour guetter tout ce qu’il y a d’intéressant à voir sur un grand écran, il est possible de faire des découvertes fortuites. Balader ses yeux dans la liste des films à l’affiche, zieuter un peu ce qui passe dans telle ou telle salle, et boum, on se rend compte que si l’on n’avait pas fait attention, on serait passé à côté d’une belle opportunité cinéphile. Cela m’est arrivé il y a encore quelques jours à peine en tombant sur la programmation de la semaine du Nouveau Latina, le cinéma du Marais qui héberge notamment chaque samedi soir « Panic ! Cinéma ».

« Reprise des films du Festival de Locarno ».Ah bon ils font ça au Latina ? Depuis quand ? On verra bien ce qu’ils en disent sur place, car hors de question de passer à côté d’une telle occasion, d’autant que parmi les œuvres qui me sautent aux yeux, l’une s’inscrit parfaitement dans mon emploi du temps : « Somebody up there likes me ». Certains d’entre vous reconnaîtront là le titre d’un film de boxe des années 50 ayant lancé la carrière de Paul Newman sur grand écran (« Marqué par la haine » en français), mais le « Somebody up  there likes me » présenté ce jour-là au Nouveau Latina n’avait rien à voir avec le film de Robert Wise.

La faible densité de spectateurs ayant répondu présent (certes un jour de semaine à 17h, mais lorsque je sortirai à 18h30, il n’y aura pas plus de monde à faire la queue pour le film suivant) laisse penser que la manifestation doit être jeune et fort peu connue. En fait, lors de la présentation du film, on apprendra que c’est la troisième année que le Centre Culturel Suisse organise une reprise des films du Festival de Locarno à Paris (une sélection de films pour être plus précis), mais qu’il s’agit de la première fois que les films sont projetés dans une vraie salle de cinéma et non plus au Centre Culturel lui-même. Pas étonnant donc que je n’en avais pas entendu parler jusqu’à cette année.

Olivier Père, directeur artistique du Festival de Locarno (plus maintenant en réalité, il vient de quitter le festival), avait fait le déplacement pour nous présenter le premier film de la sélection à être projeté, « Somebody up there likes me », donc, lauréat du Léopard d’Argent lors de la manifestation suisse en août dernier. Calé à mon cinquième rang fétiche,  j’attendais le début des festivités lorsque j’entendis les deux spectatrices dans mon dos discuter :

« Oh ça faisait longtemps que je ne l’avais pas vu lui !

- Qui, lui ? Tu sais qu’ils ont parlé de lui dans So Film ?

- Ah c’est LUI Plastic Man ?? Ils mettaient pas sa photo dans l’article, je savais pas que c’était lui ! »

Je me retourne, et effectivement, je vois mon cinémaniaque préféré en train de discuter quelques rangs plus hauts, debout, avec un autre spectateur. Le dossier de So Film sur les cinémaniaques va le rendre encore plus célèbre dans la communauté cinéphile parisienne… Quelques minutes plus tard, il passera devant mon rang pour s’installer au sien, le premier. Si ce camarade cinéphile que j’ai régulièrement croisé au cours du mois à L’Étrange Festival est là, c’est que j’ai certainement bien fait de me déplacer moi aussi. « Somebody up there likes me » est issu de la scène ciné d’Austin, Texas, et Olivier Père n’avait pas besoin de le préciser, même sans reconnaître la ville il suffit de jeter un œil au générique de fin et d’y voir apparaître les noms de Richard Linklater et Terrence Malick dans les remerciements pour se douter que le film que l’on vient de voir était de la région.

Mais tant qu’à parler de références texanes, le film de Bob Byington se rapproche plus de l’univers absurde et mélancolique de Wes Anderson, mais arrêtons là les comparaisons tant « Somebody up there likes me » est un drôle de film qui ne ressemble à rien d’attendu. En 1h15 à peine, le réalisateur se permet de brasser une trentaine d’années de la vie d’un homme, et quand on constate que certains cinéastes ont bien du mal à le faire en plus de deux heures, l’audace semble immense. Le tour de force fonctionne parce que ce n’est pas la densité narrative qui est recherchée (ce serait idiot en 1h15). Byington vise les petites touches, comme des instantanés d’une vie, une vie morne qui plus est, racontée malgré tout avec le sourire aux lèvres.

C’est l’histoire d’un jeune homme qui ne fait pas grand-chose de sa vie, il est serveur dans un restaurant, n’a pas vraiment d’ami sinon son collègue pince-sans-rire (Nick Offerman de « Parks and Recreation », déjà vu cette année dans l’inénarrable « 21 Jump Street »), rencontre une fille, l’épouse, fonde une famille avec elle. Les années passent et il ne change jamais vraiment. Sa vie n’a pas vraiment de sens mais cela ne le chagrine pas. Il se satisfait de la simplicité de son existence, sans ambition, sans vrai bonheur ni tristesse. Il avance et ne vieillit pas. Ça n’a pas l’air gai et pourtant ça l’est indéniablement. L’humour est omniprésent, comme pour désamorcer le gris de cette existence et de celles guère plus glorieuses qui l’encadrent et parcourent le film. Dialogues de sourds et absurde émaillent les relations humaines de ce Dorian Gray texan. L’ennui semble le quotidien des héros du récit, mais le réalisateur trouve un langage des plus étranges pour nous faire rire de cette morosité ambiante sans que ce soit jamais aux dépens des personnages.

« Somebody up there likes me », sous son apparente simplicité, est une affaire d’audace. Il paraît que le film sortira en France début 2013…

L’Étrange Festival, 6ème jour : un junkie dans les bois

Note pour plus tard. Ne jamais organiser une soirée crêperie avec des potes suivie d’une projection à l’Étrange Festival un vendredi soir. Les chances sont grandes qu’il y ait trop de clients au resto, pas assez de monde en cuisine, qu’on attende les crêpes des heures et qu’on se mette en route pour le festival à l’heure où l’on devrait déjà être assis dans la salle. C’est ce qui m’est arrivé pour mon avant-dernière projection à l’Étrange Festival vendredi soir. Détaler dans la rue pour arriver avant que le film soit commencé, alors que le plan consistait à arriver tranquillement et se placer tous ensemble au sixième rang de la salle 300. La réalité, c’est qu’on est entrés en salles alors que la salle était presque pleine et que les réalisateurs Justin Benson et Aaron Moorhead étaient déjà en train de présenter leur film, « Resolution ». Résultat, on s’est séparés dans la salle et on a raté l’intro.

Bon, l’essentiel était sauf, nous n’avons rien raté du film. Ouf. En même temps je ne suis pas sûr que cela aurait grandement changé mon appréciation du film d’en avoir raté un bout, au contraire. Un de mes amis a somnolé quelques minutes pendant la projection, et a eu en conséquence l’impression d’avoir manqué une scène importante où aurait été expliqué ce qui se passait. Après son réveil (celui de mon ami), le protagoniste du film semblait comprendre ce qui leur arrivait et disait des choses comme « Je ne veux pas ramener ça à la maison », mais non, je lui ai pourtant dit qu’il n’y avait pas vraiment eu de révélation pendant son somme, seulement des déductions fumeuses ne donnant pas beaucoup de crédit aux personnages. Bon, d’accord, que le pote junkie en manque soit en déficit de lucidité, je veux bien, mais Mike, son meilleur pote propre sur lui et ayant la tête sur les épaules… Ah oui, au fait, l’histoire suit deux amis, l’un reçoit une vidéo de l’autre où il est apparemment complètement défoncé dans une cabane paumée, et il décide donc d’aller le trouver pour le tirer de ses problèmes de drogue, mais il semble rapidement, une fois sur place, qu’il se passe des choses très étranges autour de cette cabane paumée…

C’est toujours agaçant dans les films de genre de voir des personnages ne réagissant pas de façon logique et crédible. Trop de films croient que puisque l'on se trouve dans un cadre fantastique, on peut se permettre d’être fantaisiste dans les caractères des personnages, or cette fébrilité scénaristique pardonne rarement. Ici, nous avons donc un homme ayant clairement l’air lucide et intelligent qui vient trouver son pote dans cette cabane paumée. Des dealers viennent le menacer assez méchamment, une fille échappée de l’asile vient cogner à sa fenêtre en pleine nuit, des indiens peu aimables lui disent qu’il y a pleins de junkies enterrés dans le jardin et qu’ils ne sont pas les bienvenus, des vidéos et photos très inquiétantes lui tombent dessus mystérieusement, vidéos qui montrent qu’ils sont bizarrement surveillés, et un couteau grave des formes flippantes sur les murs de la cabane pendant qu’ils dorment.

Et que fait-il, monsieur j’ai-la-tête-sur-les-épaules, face à toutes ces péripéties étranges ? Rien. Il reste, il se fait assez peu de soucis proportionnellement aux choses qui lui arrivent, et il trouve même intelligent de pousser plus loin et de chercher encore plus de trucs flippants pour passer le temps, alors que n’importe quelle personne sensée comme il semble pourtant l’être aurait attrapé son pote junkie, l’aurait mis dans sa bagnole et aurait détalé, alors que lui laisse son pote attaché à une barre de fer pour qu’il soit sevré, qu’importe si le coin et ses habitants sont clairement dérangés. Que le scénario trouve un prétexte à peine crédible en fin de compte pour nous faire accepter le fait qu’ils ne veuillent pas quitter la cabane devient dès lors un détail, le mal est fait, la crédibilité des personnages est mise à mal.

Bien sûr, le personnage du pote junkie est lui nettement plus réussi et apporte une vraie tranche d’humour. Bien sûr, il y a une atmosphère étouffante où l’on sent clairement la tension monter, quelque chose qui rappelle « Bellflower » sorti il y a quelques mois en salles, mais cette tension n’est jamais véritablement exploitée, et cette montée d’adrénaline reste à l’état de suggestion, elle ne prend jamais. Le danger reste trop vague et est trop vite désamorcé par des pirouettes scénaristiques floues. A l’image de ce dénouement qui se voudrait étonnant et impressionnant alors qu’il tombe plutôt à plat.

A la sortie, les amis dispersés se sont rassemblés, et après un petit débriefing qui nous a conduits jusqu’aux portes de la RATP, les jeunes réalisateurs du film ont passé les tourniquets du métro en même temps que nous, visiblement heureux de la projection et de la soirée, et parés à aller faire la fête dans la nuit parisienne. Aussi étrange que « Resolution » fut, je n’ai même pas eu envie d’aller leur demander quelques explications sur le film. Mes questions auraient certainement été aussi vagues et molles que mon ressenti à l’encontre de leur film. Mieux vaut tirer un trait et se préparer pour le lendemain, dernière journée à l’Étrange Festival…

Adieu Margaret, lettre ouverte à 20th Century Fox

Il y a des billets que je préférerais ne pas avoir à écrire. Des billets qui dans un monde cinéphile idéal n’auraient pas lieu d’être. Des billets dont chaque mot reflète une part de chagrin, de colère, d’incompréhension que je voudrais ne pas ressentir. Mais parce que la branche française du studio 20th Century Fox existe, ces billets doivent exister, parce que non content de pourrir la vie de nombreux cinéphiles, je ne voudrais pas que le distributeur s’en tire sans qu’un maximum de personnes leur crache le fond de leur pensée quant à leur politique de distribution.

Depuis de trop nombreuses années maintenant, Fox France a une ligne bien précise en ce qui concerne la comédie américaine : neuf fois sur dix, ces messieurs et dames estiment que sortir le film dans une poignée de salles en France en VF uniquement est ce qu’il y a de mieux à faire, histoire que le film soit sorti en salles et vendu plus facilement à la télé, et tant pis si des spectateurs avaient l’espoir de voir le film, qui plus est en VO, après tout on n’est pas là pour faire plaisir au spectateur, on vend pas du rêve on fait du pognon nous. Pardon de me mettre dans vos bottes, mais j’essaie de comprendre ce qui vous passe par la tête, et le dégoût m’assaille.

Bien sûr, même si cela fait mal de voir ces comédies américaines alléchantes sortir uniquement au Publicis en VF, les « Machine à à démonter le temps », les « Gentlemen Broncos » et tant d’autres encore, malheureusement on a fini par s’y habituer. Nous, vous savez, les spectateurs sans morale aucune qui osons exprimer le désir de voir les films que VOUS distribuez, mais qui préférons les voir en VO parce que c’est ainsi que se voient avec le plus grand plaisir les films en général, et les comédies plus que tout autre genre cinématographique. C’est bon, on a fini par intégrer, une comédie américaine distribuée par la Fox, c’est la mort cinéphile assurée, un jet à la poubelle en sortie technique, et tant pis pour nos gueules.

Cette semaine pourtant, vous, hommes et femmes travaillant à la 20th Century Fox, vous êtes démenés pour me mettre - moi et je le sais un nombre incalculable d’amateurs du 7^ème Art (oups j’ai dit un gros mot) – dans une colère monstre. Comme si finalement, nos réclamations régulières et désespérées de vous voir sortir les comédies en VO vous amusaient particulièrement. Je vous imagine si bien dans vos bureaux, balayer d’un geste de la main les mots durs que vous ne pouvez manquer de lire ici ou là, « C’est pas ces connards de spectateurs qui vont nous dicter comment on doit distribuer nos films, on les sort en VF et puis point barre, ils font chier ceux-là ».

Cette semaine, allez, vous aviez même l’occasion de vous racheter en partie de votre politique de distribution des comédies américaines, avec Margaret de Kenneth Lonergan. Ce film, j’en avais rapidement parlé il y a presque un an, lors de la sortie américaine, pour souligner les difficultés qu’il avait rencontré pour enfin trouver le chemin des salles obscures, des années après avoir été tourné. Le film était sorti en salles aux États-Unis dans une combinaison de salles assez ridicule, dans une version qui n’était pas la director’s cut du réalisateur. La date de sortie française était déjà fixée à l’époque si je me souviens bien, et n’a jamais varié d’un iota, ce mercredi 29 août 2012. Pendant ces longs mois, le film a été encensé aux États-Unis, et la version de trois heures destinée au DVD s’est vite vue accusée d’être un grand film.

Finalement, la longue période entre la sortie américaine et la sortie française aurait même pu être bénéfique. Allez, avec un peu d’audace, vous auriez peut-être pu sortir en salles la director’s cut, pour confirmer que la France était bien le pays de la cinéphilie, et qu’ici c’était la voix des cinéastes que l’on écoutait, et non celle des financiers. C’est déjà arrivé par le passé, alors pourquoi pas pour Margaret. Depuis combien de temps aviez-vous condamné le film ? Car il ne fait aujourd’hui aucun doute que vous ne vous êtes jamais posé la question de sortir la director’s cut en salles, puisqu’il vient de s’avérer que depuis tout ce temps, vous n’aviez même pas l’intention de sortir le film en VO.

Ce sort si cruel, pour les cinéastes et pour les spectateurs, que vous vous plaisez habituellement à réserver à la comédie, vous l’avez cette semaine infligé à un film d’auteur qui, se murmure-t-il depuis des mois, est une œuvre majeure du cinéma américain contemporain. Martin Scorsese lui-même avait mis la main à la pâte pour aider le film à sortir. Tous ces mois, nous avons attendu, impatients, avec cette date en ligne de mire. Tous ces mois, naïvement, nous ne nous sommes pas doutés du sort que vous réserviez à cet évènement cinéphile.

Le couperet est tombé en début de semaine. Le film ne sortirait qu’au Publicis, en VF. A vos yeux, rien d’important là-dedans. Rien d’essentiel dans ce film. Un film américain de plus dont il faut se débarrasser discrètement. J’imagine que vous n’avez pas pris la peine de prévenir Kenneth Lonergan (vous avez peut-être entendu parler de lui, c’est le monsieur qui a réalisé le film) du sort de son film dans la capitale mondiale de la cinéphilie. Le cinéaste a déjà tellement souffert pour mener à bien la sortie de son film, vous avez probablement préféré lui épargner ce coup de poignard de plus, dans un grand geste de pitié, ou de lâcheté.

Alors voilà, me voici aujourd’hui, ici, sur mon insignifiant petit blog d’insignifiant petit spectateur amoureux de cinéma, excédé, agacé, dégoûté. Et triste, infiniment triste, qu’une petite poignée de personnes dans leur bureau de la Fox ait choisi de condamner un cinéaste, une œuvre, et toute une population de spectateurs qui espéraient pouvoir voir un film qui peut-être marquera son époque. Mais je dis ça en l’air, puisque grâce à vous, je ne l’ai pas vu, et je ne le verrai pas au cinéma. Je ne vous remercie pas.

"Expendables 2" : des applaudissements pour Chuck Norris !

Quoi qu’il arrive ce samedi-là, je savais que la journée avait de belles chances de se clore dans la jubilation. A peine rentré de vacances, la course au rattrapage des films avait commencé, et même si la raison aurait voulu que je laisse de côté pour le moment « Expendables 2 : unité spéciale », de par sa sortie toute récente et son succès annoncé, l’envie était, après une privation de ciné de près de trois semaines, plus forte que la raison. Alors je me suis gardé le film pour le samedi soir, entre amis, dans une salle appelée à être pleine à craquer, histoire d’être sûr de finir la journée en beauté, malgré les déceptions potentielles de l’après-midi, qui elles se confirmèrent bien. « Jusqu’à ce que la fin du monde nous sépare » et son voyage pré-apocalyptique pépère et pétri de bons sentiments. « Magic Mike » et les déhanchés épilés et musculeux de Channing Tatum et ses potes devant la caméra de Steven Soderbergh investiguant le superficiel sans grande conviction (mais oui, d’accord, Matthew McConaughey est drôle).

Non, décidément, la journée appartiendrait bien à Expendables 2… pourtant ce n’était pas gagné d’avance. Le souvenir du premier Expendables, en 2010, était là pour me le rappeler. Le souvenir d’un film affreusement raté pour lequel Stallone, qui était alors derrière la caméra, n’avait pas compris ce qu’il fallait faire d’un film d’action réunissant des ex-gloires du cinéma d’action des années 80 et 90, du moins ce que les spectateurs en attendaient. Il manquait l’essentiel, le recul. Son film oubliait de lorgner avec amusement sur le passé, et se contentait de faire un film comme à la grande époque. L’annonce d’une suite a bien sûr fait naître la méfiance. Avec le succès du premier au box-office, si Stallone ne prenait pas la peine d’écouter les doléances de son public, le résultat risquait d’être égal, donc inutile.

Mais malgré la méfiance, allez comprendre, l’excitation était là. Bien sûr, l’annonce qu’Arnold Schwarzenegger et Bruce Willis se verraient accorder plus de temps à l’écran a joué en la faveur du film, mais il ne fait aucun doute que c’est l’ajout au casting de Chuck Norris et Jean-Claude Van Damme qui a fait grandir la curiosité, et le buzz avec. Malgré la déception du premier, l’envie de voir cette suite a finalement été immédiate, et c’est donc dans une salle pleine que je l’ai rapidement découvert. Et il n’a pas fallu attendre bien longtemps pour se rendre compte que Sylvester Stallone et Simon West (qui a pris les commandes de la réalisation, Sly restant producteur et co-scénariste) ont su corriger en grande partie le tir avec Expendables 2. Cette fois Stallone a compris ce qu’on attendait de lui, et de son film.

Alors bien sûr, dans les grandes lignes, le scénario du film ne casse pas plus la baraque que le premier. Les « expendables » se voient chargés de mettre la main sur le contenu d’un coffre hautement précieux, ils se font truander par un méchant belge bien appelé Vilain qui en profite pour tuer l’un des leurs. Alors les mecs l’ont bien en travers de la gorge et décident de se venger. « Track him, find him, kill him ». Ce n’est pas avec ça que Stallone aura l’Oscar du meilleur scénario, c’est certain, d’autant qu’un défaut majeur du premier film n’a pas su être écarté, l’excès de sentimentalisme. Certes, il y en a moins que dans le premier, mais il en reste trop, avec une autre histoire d’amour platonique entre Stallone et une fille bourrée de cojones qui pourrait être sa fille, et le personnage absolument ridicule du Kid, nouveau de la bande qui nous raconte son passé de soldat en Afghanistan avec le charisme d’une huître qu’affiche magnifiquement Liam Hemsworth (oui, celui de « Hunger Games »).

Mais bon, on arrive à pardonner ces égarements au film, parce que tout le reste est énorme. Tout le reste n’est qu’un bonbon sucré de deux heures plein de second degré, d’humour et de clins d’œil à  ces stars du cinéma d’action avec lesquelles certains d’entre nous ont grandi. Cette fois-ci, Stallone et son équipe parviennent inscrire le recul dans l’ADN du film. Schwarzenegger fait retour sur retour, Van Damme envoie les high kicks avec aisance, Dolph Lundgren joue au costaud qui en aurait dans la cervelle, et Chuck Norris fait le vieux loup solitaire qui dézingue à toute berzingue. Ils arrivent tous à tirer un tant soit peu la couverture à eux pour notre plus grand plaisir. Il faut vivre le film dans une salle pleine de 450 personnes dont une majeure partie est venue pour se délecter des héros de son enfance. Il faut les sentir boire chacune des répliques de JCVD, il faut les entendre se gondoler quand Dolph Lundgren fait du gringue à la fille de la bande, il faut ressentir l’osmose de la jubilation lorsque Chuck Norris apparaît à l’écran après avoir explosé à lui seul une vingtaine d’ennemis et un tank en 10 secondes à peine. Voilà, c’était cela qu’il fallait faire. Réunir non pas les gloires d’antan, mais les acteurs les ayant incarnés, vingt ans plus tard, avec leurs bagages, leurs réputations, leurs images.

J’aurais aimé voir plus de Chuck Norris (dont l’entrée en scène a valu des applaudissements nourris de la salle), j’aurais voulu que Van Damme ne soit pas affublé d’une horrible paire de lunettes de soleil les trois-quarts du temps cachant ce regard si expressif, j’aurais voulu que la réplique de Schwarzy « My shoe is bigger than this car » n’ait pas été dévoilée par la bande-annonce pour m’en délecter lorsqu’elle fit son apparition dans le film. Mais pour rien au monde je ne regretterai d’avoir vu « The Expendables 2 : unité spéciale », un samedi à 20h40 la semaine de sa sortie. Pour rien au monde je ne regrette que cette suite existe. Le premier était raté, le second est là pour rester dans nos esprits.

Ne me dites pas que tout le monde a déjà vu "The Dark Knight Rises" ?!

Que reste-t-il à dire ? Est-il besoin de l’écrire ? Moins de deux semaines après la sortie en salles de « The Dark Knight Rises », troisième (et paraît-il dernier) Batman réalisé par Christopher Nolan, écrire quelques lignes à son propos semble déjà superflu. Tout semble avoir été dit. Tout le monde semble s’être exprimé. Certains se sont tant exprimés qu’ils en ont même trop dit, balançant à coups de tweets blasés, distraits, égoïstes ou juste sans jugeote, quelques spoilers ayant (à juste titre) fait grincer des dents. Il était dit que « The Dark Knight Rises » serait le film le plus attendu de l’année, le plus discuté et bien sûr le plus débattu. L’actualité sous forme de folie meurtrière s’est chargée d’amplifier le phénomène et d’y ajouter questionnement, doute, agacement. Le rapprochement de la tuerie d’Aurora avec le film de Christopher Nolan, les interrogations qui ont pu en découler ont parfois été rapidement lapidées par la vindicte des réseaux sociaux. Parfois à raison, tant il y a déjà à ressentir et à dire sur l’œuvre seule de Nolan qu’une seule vision ne saurait être suffisante à en digérer toute la densité. Parfois trop hâtivement, car à l’heure où les cinéastes sont parvenus mieux que jamais à inscrire les films de super-héros dans notre époque, à les faire évoluer dans une société qui est le miroir de la nôtre et à commenter les maux qui nous touchent avec une réelle sagacité, c’est fermer les yeux et se boucher les oreilles que de s’offusquer de voir la presse s’interroger sur les corrélations entre l’influence de la société sur les Batman de Nolan et l’inverse. Même si les mots auraient peut-être été autres si les canards en questions avaient proposé d’autres couvertures…

Le sujet a été amplement débattu  et je ne suis pas sûr qu’un billet de plus sur la question changera les cœurs. Ni une critique de plus consacrée à « The Dark Knight Rises ». Débats et critiques sont déjà partout. Émerveillés ou déçus. Je ne pensais d’ailleurs pas consacrer un billet, aussi bref soit-il, au film de Christopher Nolan, avant de le découvrir (tardivement, donc), pas même pour huer les petits malins qui se foutent que l’on puisse être déranger par les spoilers intempestifs. Alors non, je n’épiloguerai pas longuement sur « The Dark Knight Rises ». D’autant que j’ai passé une bonne partie de la projection à me dire « Ça ne vaut tout de même pas The Dark Knight », surtout lorsque le film frôle le discours réac. J’ai senti l’ombre écrasante de l’absence du Joker d’Heath Ledger, un personnage et un acteur sans qui la saga de Nolan perd forcément un peu de saveur. Et pourtant, malgré cette absence, contre toute attente, le dernier acte (et un peu plus) m’a absorbé. « C’est quand même pas mal » m’a traversé l’esprit. Et l’envie de le revoir en salle m’a envahi à peine le générique de fin commencé. Comme pour « The Dark Knight » à l’époque. Ce sera pour dans quelques semaines, et alors seulement je crois que je saurai dire à quel point j’ai vraiment aimé « The Dark Knight Rises ».

Et finalement, j'ai vu "Men in Black 3"...

Je ne voulais pas voir « Men In Black 3 ». Bon, laissez-moi reformuler cela. Je ne voulais pas spécialement voir « Men in Black 3 ». Il y a quelques années, j’y serais allé sans l’ombre d’une hésitation. A l’époque où j’étais prêt à voir n’importe quel film du moment qu’il y avait écrit « blockbuster » dessus. Quelques sages désillusions m’ont fait reconsidérer mes priorités cinématographiques, lorsque je me suis rendu compte que les journées étaient véritablement limitées à 24 heures et que parfois, il fallait faire des choix. Je m’étais juré que dès qu’une machine Hollywoodienne ne me plaisait pas, je m’abstiendrais d’aller voir sa (ou ses) suites. Cette ligne de conduite m’a éloigné de plusieurs suites de Shrek, Pirates des Caraïbes et autres films dispensables en tous genres.

Lorsque « Men in Black 3 » a débarqué, j’étais prêt à le laisser de côté, avant tout parce que « Men in Black 2 » était un sombre navet (excusez mon langage technique), et dès ce postulat posé, l’envie de voir une quelconque nouvelle aventure de Will Smith et Tommy Lee Jones était de facto très limitée. La production chaotique du film (budget explosé, scénario remanié pendant le tournage…) et une bande-annonce fort peu excitante ont fini d’achever tout éventuel désir. Et je n’aborde même pas le fait que le film ait droit à un traitement 3D. Non, décidément, j’étais prêt à me passer volontiers de « Men in Black3 ».

Pourtant, que voulez-vous, l’homme est faible, influençable, et quelques semaines après la sortie du film, j’ai commencé à tendre les oreilles vers ces chuchotements qui bruissaient ici et là, sur Internet et dans mon entourage. Qu’entendis-je ? Que la troisième aventure des hommes en noir valait le déplacement. Que c’était une des bonnes surprises que nous avait concocté Hollywood cet été. Diantre, c’est bien la dernière chose que je voulais entendre. Avec les nombreuses sorties intéressantes du 20 juin à ma porte, et le Festival Paris Cinéma à l’horizon, je n’avais pas besoin que l’on titille ma curiosité autour de « Men in Black 3 », j’avais déjà largement de quoi voir pour m’occuper.

Mais voilà, c’était trop tard. Le bruissement s’était infiltré dans mon esprit et ne me lâchait plus. Ma curiosité insatiable était mise à l’épreuve. Serai-je tenté ? Bien sûr. Bien sûr que j’ai cédé à la curiosité. J’ai attrapé mes lunettes 3D, j’ai foncé au ciné et je me suis assis devant « Men in Black 3 ». Et vous savez quoi ? Au bout de quinze minutes, je regrettais déjà de m’être laissé influencer. Le scénario était d’une mollesse incroyable. Les personnages d’une platitude évidente. Tommy Lee Jones avait tellement l’air de s’ennuyer avec son air semblant signifier « Qu’est-ce qu’on ne ferait pas pour un gros chèque… ». Le summum a été atteint lorsque lors d’un hommage funèbre, Emma Thompson (à propos de laquelle j’ai donc immédiatement pensé « Quelle déchéance… ») s’est lancée dans un blabla extraterrestre aigu qui m’a fait me demander si elle ne cherchait pas à imiter Adam Sandler.

Et puis contre toute attente, une étincelle s’est produite. Will Smith a remonté le temps pour sauver son collègue K d’une mort signifiant la fin de la planète. Will Smith s’est retrouvé en 1969, entre un Josh Brolin imitant Tommy Lee Jones, un Andy Warhol sous couverture inattendue et un extraterrestre capable de voir l’avenir. Et là, « Men in Black 3 » a non seulement commencé à ressembler à quelque chose, mais en plus, ce quelque chose avait de la gueule. J’ai toujours eu un faible pour les voyages dans le temps comme intrigue cinématographique, cela m’a aidé à m’impliquer dans le film, mais Barry Sonnenfeld et son scénariste Etan Cohen (à ne pas confondre avec l’un des frères Coen) ne se sont pas contentés d’utiliser le voyage dans le temps comme un gimmick amusant.  Ils ont compris tout ce que pouvait apporter cette intrigue. De l’humour, bien sûr, mais également un petit quelque chose en plus, une façon d’offrir de l’épaisseur à la mythologie de Men in Black. Et dès lors, contre toute attente… oui, une certaine émotion.

Mais la plus grande trouvaille du film, sa réussite numéro un, c’est dans un second rôle qu’il faut la chercher. Un extraterrestre, Griffin l’archanien, le dernier de son espèce, qui de par sa nature parvient à voir les différents futurs potentiels. Un personnage à la fois maladroit et sage, candide et grave. Il est incarné à la perfection par Michael Stuhlbarg, le Serious Man des frères Coen, également vu l’hiver dernier dans Hugo Cabret de Scorsese. Ce personnage, et l’acteur qui lui donne vie, sont une merveille. Ils effacent à eux seuls tout ce que l’on peut reprocher à « Men In Black 3 », au premier rang desquels un grand n’importe quoi dans l’attribution des rôles. En confiant le rôle de K jeune à Josh Brolin, et d’Alice Eve pour Emma Thompson, Barry Sonnenfeld perturbe. Entre les deux époques, un gouffre de 40 ans, il n’y a aucune logique dans les âges des acteurs, entre une Thompson censée être largement sexagénaire dans le film, et Brolin avoir moins de 30 ans. C’est tout simplement n’importe quoi.

Mais voilà, la balade en 1969 est tellement rafraichissante, Brolin tellement sympa en version junior de Tommy Lee Jones, et Griffin tellement enthousiasmant, que lorsque la lumière se rallume, j’étais heureux d’avoir écouté les bruissements et de leur avoir fait confiance. Parce que « Men in Black 3 », finalement, c’est vraiment pas mal.