Whiplash : ça claque à la reprise des films de Cannes !

Il est un rendez-vous cinéphile parisien que je ne manque sous aucun prétexte chaque année, c’est celui de la reprise des films de la Quinzaine des Réalisateurs, d’Un Certain Regard et de la Semaine de la critique, quelques jours après leur découverte au Festival de Cannes. C’est dans ce cadre-là que j’avais vu « The Host » de Bong Joon-ho au printemps 2006, et d’année en année, je viens y chercher les nouvelles pépites de Cannes.

Voilà, nous sommes en plein dedans, alors qu’au Reflet Médicis, la reprise d’Un Certain Regard vient de s’achever, celle de la Quinzaine au Forum des Images bat son plein tandis que celle de la Semaine de la Critique démarre à la Cinémathèque Française. Au Reflet, je me suis faufilé devant « Jauja », le film argentin de Lisandro Alonso qui plonge Viggo Mortensen dans la Patagonie du 19^ème siècle à la recherche de sa fille échappée. Un film lancinant et hypnotique qui tend vers le fantastique, quelque chose de Bergmanien au pays du maté.

Je me suis invité devant deux films coréens également, la chronique provinciale « A Girl at my door » (Doheeya) issue d’Un Certain Regard et le thriller « A Hard Day » issu de la Quinzaine des Réalisateurs, mais non, je n’en dirai rien, ma fonction au sein du Festival du Film Coréen à Paris (qui au passage se tiendra du 28 octobre au 4 novembre cette année) me bâillonnant sur le sujet.

Et puis il y a eu « Whiplash ». Salle 300 du Forum des Images, un samedi soir à 20h, après avoir couru depuis le Reflet Médicis pour ne pas en rater le début. Whiplash qui n’a pas fait trop de bruit dans la presse française pendant le festival, mais qui ne manquera pas de faire parler de lui cet hiver quand il sortira en salles, j’en suis sûr. Whiplash, un film qui porte si bien son titre (« coup de fouet ») tant on en sort revigoré, excité, heureux. La simplicité comme mot d’ordre, mais pas une simplicité péjorative. Une clarté si vous préférez, avec assez peu de personnages, peu d’intrigues parallèles, tout est concentré sur Andrew, 19 ans, étudiant en première année dans une prestigieuse école de musique, qui rêve d’être un des plus grands batteurs que le jazz ait connu. C’est pour cela qu’il s’est inscrit dans cette école, et c’est pour cela qu’il veut se faire remarquer par Fletcher, le professeur star de l’école, qui dirige un groupe de jazz que tous les élèves de l’école rêvent d’intégrer.

Le rêve est grand, et la marche à franchir pour l’atteindre est immense, tant Fletcher est aux étudiants ce qu’un sergent-instructeur est aux Marines américains. Ce qui apporte une gouaille jouissive au personnage du professeur, campé à la perfection par J.K. Simmons. L’homme est à la fois irritant et hilarant, et c’est lui qui donne le tempo que doit apporter en face Miles Teller, décidément un jeune acteur prometteur après sa belle interprétation dans « The Spectacular Now » en début d’année.

Tout est affaire de tempo, et d’énergie. « Whiplash », c’est tout l’art cinématographique du climax mis en application. C’est une tension qui va crescendo, une montée en puissance discrète mais indéniable. Et quand on croit que c’est terminé, c’est là que tout à coup la jubilation explose, les sens sont mis à contribution, et le film nous place dans un moment d’euphorie cinématographique incroyable, dix minutes pendant lesquelles le réalisateur nous agrippe avant de nous abandonner d’un claquement de doigt en pleine extase. La sensation est rare, et la ressentir ainsi devant un « petit » film, ressentir cette joie, cette intensité, alors le petit film gagne en grandeur. Non, ce n’est vraiment plus un petit film. Sundance, qui lui a décerné ses prix, a eu raison. La Quinzaine des Réalisateurs, qui l’a invité, a eu raison. Nous avons eu raison, les spectateurs de la salle 300 du Forum des Images, ce samedi soir, d’être allé jeter un œil à ce drôle de petit film où un étudiant joue à la batterie jusqu’au sang devant un prof qui lui hurle dessus. Et ce climax explosif, je connais des films Hollywoodiens qui auraient aimé en fournir ne serait-ce que 15%, d’une intensité pareille, dans leurs derniers actes.

Alors Hollywood, prends-en de la graine. Retenons le nom du réalisateur Damien Chazelle. Et moi, je vais peut-être me mettre à la batterie.

Le réconfort d'un mur pour affronter l'Oncle Boonmee et ses vies antérieures

Il m’en aura fallu du temps. Je ne m’en cache pas, j’ai vraiment traîné la patte pour aller voir la Palme d’Or 2010. A vrai dire, j’ai même attendu le dernier moment, mardi 5 octobre 2010, plus d’un mois après sa sortie dans les salles françaises, et alors que les cinémas programmant le film ne se comptaient plus que sur les doigts d’une main dans la capitale. Mais bon, l’essentiel, c’est de l’avoir vu n’est-ce pas, ce fameux Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures ?

Pour un film qui m’aurait véritablement attiré, je m’en serais voulu d’avoir ainsi tant attendu qu’il ne me restait plus que la petite salle 6 du mk2 Beaubourg pour le voir. Mais j’avoue volontiers que si le nouveau film d’Apichatpong Weerasethakul n’avait pas été couronné sur la croisette en mai dernier, ma curiosité cinéphile ne se serait pas arrêtée dessus. Le cinéaste thaïlandais m’a trop fait souffrir par le passé (ne me lancez pas sur Tropical Malady et son tigre nocturne). Mais bon, le cru 2010 s’est vu décerné la Palme par Tim Burton et son jury, alors voilà, j’ai fait l’effort.

Le maniaque du placement en salle que je suis s’est laissé aller à accepter un siège tout excentré au deuxième rang, histoire d’être tranquille pendant le film. En plus cela me permettait d’être contre le mur, une place que j’adorais m’attribuer lorsque j’allais au ciné gamin. Cela a quelque chose de rassurant un mur, un élément contre lequel s’appuyer et qui ne laisse pas de place pour le doute. Mais aujourd’hui, à 28 ans, devant le nouveau film d’Apichatpong Weerasethakul, ce n’était pas la sécurité que je cherchais dans ce mur qui s’offrait à mon flan droit, mais quelque chose me servant d’appui en cas d’assoupissement. Eh oui, mon expérience avec le cinéma du thaïlandais m’a enseigné que je m’y ennuie rapidement. Et malgré tout le respect que je peux avoir pour tout ceux ayant crié au génie devant Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, la Palme d’Or n’y a rien fait. L’ennui s’est emparé de moi et m’a entraîné profondément avec lui.

Ce n’est pas une question de lenteur, ou de contemplation. Ceux qui ne me connaissent pas pourraient croire que si je n’accroche pas aux films de Weerasethakul, c’est que je n’aime pas le cinéma contemplatif et méditatif. Ce n’est pourtant pas le cas. Je pourrais aimer un film de Weerasethakul. J’aurais pu aimer ce conte fantastique qu’est Oncle Boonmee…, ce récit de ce vieil homme au seuil de la mort qui voit apparaitre le fantôme de sa défunte épouse et une forme fantasmagorique de son fils disparu alors que lui-même sait que la maladie est sur le point de l’emporter. Mais non. Au lieu de palpitations affectives, ce ne sont que des tremblements de paupières qui m’ont agité.

Les hommes singes à yeux rouges, les expéditions en forêt, les souvenirs de vies antérieures, tout cela m’a vite lassé, tout autant que le soudain retour à une réalité plus urbaine qui surgit dans le dernier acte, se concluant sur un étrange morceau de musique contemporaine pour le moins désarçonnant dans le contexte global du film. J’aurais aimé acquiescer le choix de Burton et son jury, mais sans surprise, Lee Chang Dong et Xavier Beauvois, tout de même justement récompensés, auraient chacun fait une plus belle Palme à mes modestes yeux. La grande question maintenant est, irai-je voir le prochain film que réalisera Apichatpong Weerasethakul s’il ne remporte pas de Palme d’Or ? Hum…

Cannes à Paris : Two gates of sleep

Jeudi, 17h, Forum des Images à Paris. La salle 500, ce grand amphi, est une fois de plus quasi vide pour accueillir un film de la Quinzaine des Réalisateurs 2010, qui plus est un film qui n’est diffusé qu’une seule fois. Il faut dire que pendant le Festival de Cannes, peu de journaux ont parlé de Two gates of sleep. Et je dois avouer qu’après l’avoir vu, je suis tiraillé entre un « Tu m’étonnes qu’ils en aient pas parlé… » et un « Comment ont-ils pu ignorer cet étrange film ?! ». Entre les deux mon cœur balance.

Comment le décrire… imaginez… imaginez… Ah, j’ai trouvé. Imaginez qu’Apichatpong Weerasethakul (le cinéaste thaïlandais palmé il y a quelques jours) ait réalisé Gerry en lieu et place de Gus Van Sant… dans le décor des premiers films de David Gordon Green (All the real girls, L’autre rive)… Oui c’est à peu près ça. Dans un coin paumé entre les champs et la forêt, en pleine nature dans une maison qui ressemble plus à un cabanon, vivent deux frères, la vingtaine, et leur mère ayant l’air un brin dérangée. Les garçons chassent pour le dîner le dîner, l’un des deux travaille dans une scierie. Une vie semblant monotone mais en totale harmonie avec leur environnement.

Dans cette première partie, on pense aux premiers films de David Gordon Green, lui-même héritier direct des films de Terrence Malick dans les années 70, Badlands et Les moissons du ciel. Les plans sont étirés, les dialogues quasi absents, la nature omniprésente. On sent le souffle du vent et les rayons du soleil traverser l’écran. La contemplation est pure, mais ces personnages sont si insaisissables qu’ils fascinent, et le film accroche.

Lorsque survient le décès de la mère, Two gates of sleep change de cap. Un changement léger mais qui bouleverse le film. On quitte les alentours du cabanon. Les deux frères refusent de laisser une ambulance venir chercher le corps de leur mère et préfèrent aller l’enterrer là où elle le souhaitait. Commence alors une odyssée le long d’un cours d’eau, et à travers les bois, le cercueil à bout de bras. Une traversée tout aussi silencieuse à laquelle va bientôt s’adjoindre des éclairs mystiques. Les frères sont à bout de nerf sans l’exprimer, des apparitions furtives surgissent entre les arbres. Que voit-on ? Où se dirigent les frères ? Y a-t-il une rancœur entre les deux ?

Two gates of sleep est un film très silencieux qui par ses non-dits renvoie beaucoup d’interrogations, triture les méninges, fascine. Et ennuie aussi, je ne le cacherai pas. Plusieurs fois j’ai laissé mes yeux se fermer quelques secondes, car s’il est clairement influencé par Gus Van Sant, David Gordon Green et Terrence Malick (dans une certaine mesure), Alistair Banks Griffin, dont c’est ici le premier long, n’a pas (encore ?) le talent de ses aînés. Il manque quelque chose à ces « deux portes du sommeil » (le film était sous-titré « Deux chemins vers le rêve ») pour nous empêcher de laisser l’assoupissement prendre le meilleur de nous. Peut-être une certaine forme de poésie que son mutisme constant et son austérité thématique l’empêchent d’atteindre comme on pouvait l’espérer.

Je retiens le nom d’Alistair Banks Griffin, en espérant qu’il refasse surface dans les années à venir avec un film plus fort, tout en étant persuadé que malgré l’envie de dormir qu’a pu m’inspirer Two gates of sleep, c’est un film que je ne suis pas près d’oublier, d’ignorer ou de mépriser. Il a de quoi rester en moi quelque temps.

Cannes à Paris : Ha Ha Ha, rions en coréen !

La première chose à laquelle j’ai pensé en sortant de Ha Ha Ha, c’est à quel point ce film porte bien son titre, moi-même et toute la salle du Reflet Médicis ayant tant ri aux éclats devant l’humour ravageur de Hong Sang Soo (pour une fois que le titre français peut être le même que le titre original 하하하…). Récemment récipiendaire du Prix Un Certain Regard à Cannes (certains ont clamé que ce n’était pas mérité, tant pis pour eux s’ils le pensent), le film était repris cette semaine dans la salle du Quartier Latin, comme Simon Werner a disparu dont je parlais il y a quelques jours.

Il y a quelques semaines à peine, je m’étonnais de la faculté du cinéaste coréen Hong Sang Soo a inlassablement charmer par ses films bien que ceux-ci sont les miroirs les uns des autres par leurs personnages et leurs thèmes abordés. Ha Ha Ha ne fait pas exception, et repousse une fois de plus les limites de Hong. J’irai même jusqu’à dire que le bonhomme n’avait jamais été aussi drôle dans son écriture qu’avec ce nouveau film. Pas étonnant que le jury Un Certain regard l’ait couronné.

Je ne surprendrais pas les familiers du cinéma d’Hong Sang Soo en révélant que le protagoniste de Ha Ha Ha est un cinéaste looser sur les bords. Celui-ci s’apprête à s’envoler pour le Canada où il compte s’installer, et avant de partir boit quelques verres avec un ami. Les deux hommes viennent tous deux de passer quelques jours dans une petite ville de province sans s’y croiser, et se racontent leurs pérégrinations mutuelles. Sans le savoir, ils ont fréquenté le même quartier et les mêmes personnes. Les mêmes femmes, surtout. Eux n’en savent rien, mais nous découvrons rapidement cela avec amusement.

Au premier abord, Ha Ha Ha a un drôle de look. On voit deux hommes sur des photos en noir et blanc se succédant, on entend leurs voix par-dessus les images fixes, leur dialogue. Puis lorsqu’ils commencent à se raconter leur séjour provincial, les images prennent vie et couleurs. A chaque fois que l’on reviendra à leur discussion, on entendra seulement leurs voix superposées à ces photos de retrouvailles en noir et blanc. Un vrai concept narratif qui fonctionne et offre un gimmick comique tout du long du film.

Les deux personnages n’ont pas la même saveur. L’un, le réalisateur qui ne réalise pas et vient rendre visite à sa mère, est un régal de tous les instants. Un indécis poursuivant assidûment une femme sur laquelle il craque, se posant tout un tas de questions existentielles et idolâtrant un militaire légendaire (cela aide grandement que le personnage féminin à qui il fait face soit une forte tête idéalement campée par la comédienne Moon So-ri…). Le second est tout aussi indécis, mais sur son dilemme immédiat : que faire de sa maîtresse qu’il aime tant ? C’est un personnage plus classique, mais ses aventures savent se montrer tout aussi drôles (bon, non, un peu moins quand même).

Ce qui fait le sel et l’humour de Ha Ha Ha, comme souvent chez Hong Sang Soo, ce sont les relations homme/femme. Le réalisateur n’a pas son pareil pour tricoter des liens houleux, des situations ubuesques et des dialogues savoureux entre les hommes et les femmes qui peuplent ses films. Prétendant et femme courtisée ; fils et mère ; amants. Les hommes et les femmes chez Hong Sang Soo ne savent pas vivre en harmonie et sont dans le conflit constant, même lorsqu’ils s’aiment. Ces conflits sont dans Ha Ha Ha source d’un humour délicieux qui parvient à faire ressortir et mettre en valeur le cadre du film, cette petite ville portuaire coréenne dans laquelle on se croise en long en large et en travers, sans forcément se voir.

Il n’y a pas meilleur catalyseur des relations entre les hommes et les femmes dans le cinéma coréen que les films de Hong Sang Soo, ainsi que ce portrait comico-pessimiste de la condition d’artiste en Corée le prouve avec panache. C’est long, comme toujours chez Hong, mais cette longueur n’apporte jamais la lassitude. C’est un film qui accroche malgré ces éternels bavardages et marivaudages comiques. Qui aime Hong Sang Soo se régalera de Ha Ha Ha le jour où il ne manquera pas de sortir dans les salles françaises.

Cannes à Paris : La Casa Muda

On a beaucoup parlé, cette année, du changement de direction de la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes. Nouvelle tête (Frédéric Boyer), avec un désir d’ouverture vers le cinéma de genre. Parmi les films symbolisant clairement cette volonté d’ouverture, un qui a fait couler pas mal d’encre pendant le festival, l’uruguayen La casa muda (La maison muette / The Silent House) s’est clairement posé en incontournable. D’où ma surprise de voir la salle 500 du Forum des Images si désert pour le découvrir quelques jours après son passage remarqué à sur la Croisette.

La raison pour laquelle La casa muda a beaucoup fait parler de lui tient en un défi technique : le film a été réalisé en un plan séquence de 78 minutes avec une caméra qui est apparemment un appareil photo haute définition (d’excellente qualité bien sûr). Bien sûr, le défi est bluffant. Bon, malheureusement, on ne s’en rend souvent presque pas compte tant on est plongé dans l’obscurité pendant l’intégralité du film et que si le cinéaste avait voulu placer des plans de coupe, on ne s’en serait probablement pas aperçu.

Le début de ce long plan-séquence commence dans un champ. Un homme, la soixantaine, et une femme, la trentaine, avancent en direction d’une maison seule entre les champs et la forêt. Ils s’y arrêtent. Bientôt, une voiture arrive, et le propriétaire de la maison en descend. Celui-ci n’habite plus ici depuis des années, et veut la remettre un peu en état avant de la vendre. Le vieil homme et celle qui s’avère être sa fille sont là pour cela. Ils doivent rester sur place quelques jours pour travailler. Alors que le propriétaire vient de repartir et que les deux arrivants s’apprêtent à passer leur première nuit dans la maison, calés au rez-de-chaussée, des bruits viennent du premier étage. Annonciateurs d’un cauchemar d’une heure pour les protagonistes.

Au-delà de la prouesse technique, La casa muda déçoit un peu. Un peu, car il faut bien avouer que les prémices sont remarquables. Le tournage léger en plan séquence offre une vivacité au cadre qui imprime rapidement l’ambiance. La rapidité d’exécution nous interdit dans un premier temps les questionnements pour nous plonger avec tension dans une angoisse invisible. On ne voit rien, mais on ressent un danger permanent. Le réalisateur Gustavo Hernandez a au passage l’excellente idée de jouer avec les codes du genre, nous poussant à attendre les reflets dans les miroirs et les apparitions derrière les portes lorsque ceux-ci ne viennent finalement pas. Les sursauts se font donc rares, mais l’angoisse, elle, s’emmagasine sans pouvoir être expulsée. Il s’amuse aussi avec le point de vue de la caméra, nous faisant parfois croire à une caméra subjective lorsque ce n’en est pas une, et la surprise s’ensuit.

Si le film déçoit, c’est par son dernier acte, totalement raté. Tout à coup La casa muda tombe dans la facilité narrative, dans l’attendu, dans l’agaçant, alors qu’Hernandez maîtrisait jusqu’ici parfaitement son sujet. On tomberait presque dans le n’importe quoi à force de vouloir justifier et expliquer. Connaît-il si mal le genre, l’uruguayen, pour ne pas savoir que le non-dit est comme le non-vu ? C’est ce qui fait toute la force d’un film de ce type. Heureusement que la scène du polaroïd, flippante, se situe dans ce dernier acte, pour relever le niveau.

Si c’est cela la révolution de la Quinzaine des Réalisateurs 2010, je préfère me rappeler que The Host du coréen Bong Joon-Ho avait débuté dans la même section en 2006. C’était du cinéma de genre brillant de bout en bout à côté duquel La casa muda fait un peu pâle figure…

Cannes à Paris : Simon Werner a disparu…

La reprise à Paris des films des sections parallèles (Un Certain Regard, La Quinzaine des Réalisateurs, La Semaine de la Critique) du 63ème Festival International du Film de Cannes a débuté, et après avoir suivi l’évènement par la presse, les buzz et les critiques, je me suis concocté mon petit programme de films que j’ai l’intention de voir au Reflet Médicis, au Forum des Images et à la Cinémathèque dans les jours qui viennent. L’année dernière, j’avais ainsi découvert le pas assez vu Mother, le surestimé Precious, ou le toujours inédit Air Doll. Du français, du coréen, de l’américain ou de l’uruguayen sont ainsi dans mes tablettes pour l’édition 2010, et c’est un p’tit frenchy qui a eu mes premières faveurs.

Les teen movies, ces films dépeignant la jeunesse où tous les personnages principaux sont campés par des ados (plus ou moins) n’est pas un genre très prisé dans le cinéma français, et les rares fois où il s’y est aventuré, on ne peut pas dire que le résultat fut emballant, jusqu’aux fameux Beaux Gosses de Riad Sattouf l’année dernière, une franche réussite pour la comédie française qui déjà avait fait ses débuts dans une section parallèle cannoise en 2009.

Je n’avais pas entendu parler de Simon Werner a disparu avant que le Festival de Cannes commence, et n’y prêtai pas grande attention avant de lire une double page élogieuse dans Libération consacrée à ce premier film de Fabrice Gobert. C’est vite devenu un des films que je ne devais pas rater à la reprise parisienne des films cannois, et malgré un bus se traînant dans les bouchons parisiens, j’ai pu le découvrir en me calant à la dernière minute entre deux grandes têtes.

Bien sûr ce serait mentir que de le vendre comme « teen movie » si l’on associe le teen movie aux films pour ados attardés ou aux comédies lourdaudes. Simon Werner a disparu tient du teen movie car il prend pour héros des ados et plonge son regard sur la vie des ados, avec leurs mots, mais c’est plus qu’un teen movie comme on pourrait en attendre d’un film hollywoodien. L’action prend place dans une banlieue pavillonnaire française au début des années 90 (on reconnaît ça au fait que la console à la mode soit la super nintendo et que les jeunes aient encore des baladeurs cassettes, deux choses que les moins de 20 ans aujourd’hui prennent pour des antiquités). Simon Werner, élève en Terminale C, a disparu. La petite ville est en émoi, même si entre entraînements de foot, cours et fête d’anniversaire, la vie continue pour Jérémie, Alice, Jean-Baptiste et les autres. Mais chacun y va de ses doutes, de ses soupçons, et de ses angoisses. Bientôt, une autre élève de Terminale C disparaît…

Au-delà du fait que ce soit un film sur l’adolescence, il est difficile de ranger Simon Werner a disparu dans une case (et c’est tant mieux). Ni film d’enquête, ni franche comédie, ni drame social ou film d’angoisse, le film de Gobert parvient à être un peu de tout ça à la fois. Ce qu’il est surtout, c’est un film sur le microcosme lycéen qui parvient à déjouer les attentes. Il parvient à déjouer les attentes car il se donne le temps d’approfondir chaque personnage pour éviter les écueils et stéréotypes. Gobert aime à prendre des personnages à priori caricaturaux, le joueur de foot, le pote lourdaud, la fille inaccessible, le loser solitaire et quelques autres, qui si ils rentrent à priori dans des cases bien définies par tout ce qui peut se faire habituellement dans le genre, sont observés d’un œil différent. Gobert, scénariste et réalisateur, s’appuie sur les stéréotypes pour les dépasser, et y parvient en adoptant une technique narrative pas inédite mais suffisamment rare, et ici bien utilisée, pour qu’elle donne de la profondeur au récit : le point de vue multiple.

Simon Werner a disparu est découpé en plusieurs chapitres, chacun couvrant à peu de choses près la même unité de temps, avec pour chaque chapitre le point de vue d’un lycéen différent. Le récit se reproduit ainsi plusieurs fois avec à chaque nouveau point de vue une nouvelle vision du lycée, des lycéens, et de l’affaire, la disparition de Simon. C’est cette superposition de points de vue qui permet au réalisateur d’affiner son regard et de développer en profondeur ses personnages, les rendant plus criant de réalisme que dans bien des longs-métrages prenant des adolescents pour protagonistes.

Bien sûr, Elephant de Gus Van Sant, Palme d’Or 2003 et chef d’œuvre du genre, revient forcément en mémoire. Déjà le film américain épousait plusieurs points de vue dans un lycée en temps de crise. Le fait que Gobert aime lui aussi filmer ses lycéens de dos, et qu’il ait obtenu du groupe Sonic Youth de signer la bande originale du film (Kim Gordon avait tourné dans Last Days de Van Sant), ajoute certaines similitudes. Mais la comparaison ne peut aller plus loin, tant les films demeurent différents.

Simon Werner a disparu parlera certainement pas mal à ceux qui comme moi ont été ado à la même époque, mais Gobert parvient à rendre ses jeunes héros intemporels. Les époques changent, mais les angoisses et préoccupations restent les mêmes. En quittant très peu l’enceinte du lycée (si ce n’est pour nous entraîner dans les bois), il trouve également un cadre plus séduisant que les productions françaises se glissant dans le genre. On ne se sent pas dans un téléfilm pour TF1 ou France Télévisions.

Mon seul bémol concernant Simon Werner, c’est le dénouement, qui déçoit peut-être un peu, car le long-métrage parvient pendant 1h30 à instaurer une telle tension, et à éveiller une telle curiosité, que l’on en attendrait presque du sensationnalisme pour emballer le tout. Mais finalement, n’est-ce pas mieux ainsi, un dénouement finalement simple et réaliste à un film qui aura su se montrer convaincant grâce ses choix de narration et de mise en scène, à ses jeunes acteurs parfaitement dirigés, et à une maîtrise visuelle remarquable ?

A guetter absolument lorsqu’il sortira, à priori à la rentrée prochaine.

Séances de rattrapage : la compétition cannoise investit les salles

Une semaine après la fin du Festival Franco-Coréen du Film - quinze jours de films et peu de sommeil - il est temps de reprendre le rythme cinéphile de croisière. Ce qui n’est pas rien en cette période automnale où les films attirant se succèdent, à défaut d’être tous palpitant. Mon ardoise de films vus depuis tout ce temps est bien remplie… Commençons par une recollections d’instants cannois…

Un ruban blanc. Il aura suffi de ce si simple objet pour nier à un cinéaste français la Palme d’Or pour la deuxième année consécutive. Si l’exploration fascinante du milieu carcéral par Jacques Audiard dans Un prophète a dû « se contenter » du Grand Prix cannois, c’est au bénéfice du Ruban Blanc de l’autrichien Michael Haneke.

Il me faut confesser que j’ai tardé à aller voir la Palme 2009 (un mois après sa sortie), et qu’il est fort probable que s’il n’avait pas glané la suprême récompense je n’eusse jamais eu le courage de m’installer 2h30 durant devant Le Ruban Blanc. Il faut dire que le cinéma de Michael Haneke, à la base, ce n’est pas franchement ma tasse de thé… Ce qui se rapproche le plus d’un film m’ayant plu, dans sa filmographie, est sans doute Caché, malgré son dénouement décevant à souhait.

Le Ruban Blanc est un ambitieux film plongeant dans une Allemagne sur le point de déclencher les premières hostilités de 14-18. Dans un petit village campagnard, une série d’accidents perturbe la sérénité locale. S’il est vite évident que ces chères petites têtes blondes apparemment si innocentes n’y sont pas étrangères, ce qui intéresse Haneke n’est pas d’expliquer ces accidents, mais plutôt de montrer, à travers le comportement des adultes d’un côté et des enfants de l’autre, comment un peuple a pu, deux décennies plus tard, être amené à suivre avec conviction un petit leader moustachu aux idées nauséabondes.

L’examen est plus qu’intéressant, et le noir et blanc pour lequel a opté le cinéaste est splendide. Le Ruban Blanc demeure tout de même à mes yeux un objet bien long, bien austère, et bien maniéré. Mais il ne fait aucun doute qu’il marque la rétine bien après la sortie de la salle. La Palme n’est absolument pas scandaleuse, même si elle n’aurait pas dépareillé dans les mains de Jacques Audiard…

Au moment du palmarès cannois justement, de nombreuses voix se sont élevées lorsque le Jury présidé par Isabelle Huppert a décerné un Prix Exceptionnel à Alain Resnais et ses Herbes Folles. « Quoi ? Mais c’est quoi ce faux prix ?! Pfff, ils n’ont pas osé lui offrir la Palme alors qu’il la méritait !! ».

Lors de sa sortie en salles il y a quelques semaines, rebelote, presse dithyrambique louant la vivacité du film du vétéran du cinéma français. J’y suis allé convaincu que le pâle Cœurs, son précédent, n’aura donc été qu’un faux pas après cette décennie merveilleuse qui l’avait vu réaliser les grandioses Smoking / No Smoking, On connaît la chanson ou Pas sur la bouche (ce dernier étant mineur mais fort sympathique).

La vision des Herbes Folles m’a, contre toute attente, plongé dans une incompréhension totale. J’ai peiné, pendant toute la durée de l’œuvre, à y voir un grand film. A y voir un bon film. A y voir un film regardable. L’excitation a vite laissé la place à l’atterrement. Où se trouvaient la folie, l’inventivité, le tonus tant annoncés ? Oui Alain Resnais sait tenir sa caméra, il l’a toujours su et le saura jusqu’au dernier souffle. Mais venant d’un tel cinéaste, j’attends plus que quelques beaux plans.

J’attends une richesse scénaristique. J’attends des personnages palpables, dessinés de manière à ce qu’on ait envie de se plonger dans l’écran. J’attends que l’écriture soit au diapason de la réputation du cinéaste, et de ses qualités de metteur en scène. Or Les Herbes Folles n’apporte rien de tout ça. C’est un film maîtrisé visuellement, mais n’ayant aucune consistance. Les personnages sont plats, sans queue ni tête. Le scénario trace des ébauches d’intrigues et de traits qui ne vont jamais nulle part. Jamais, jamais, jamais je ne me suis intéressé à un seul personnage. Ils sont fades, comme écrits sur un coin de table, prétextes à une course dans tous les sens aboutissant au néant le plus total.

Si Resnais a voulu divertir, c’est raté. S’il a voulu raconter quelque chose, c’est raté. S’il a voulu dresser un quelconque portrait de son époque, c’est également raté. La déception fût le seul apport de ces Herbes Folles.

L’un des films reparti sans prix de la Croisette et qui a plus certainement souffert d’injustice s’intitule A l’origine. Bien sûr il est difficile de juger puisque la version sortie en salle en novembre est différente de celle présentée à Cannes en mai (le film a entre temps été raccourci). Néanmoins, il ne fait aucun doute que François Cluzet n’aurait pas volé un Prix d’interprétation, tant sa composition est saisissante. Le comédien incarne un escroc montant une arnaque dans une commune du nord de la France. Il fait croire à la communauté que la construction de l’autoroute qui avait été interrompue quelques années plus tôt va bientôt reprendre. Au départ, il pense seulement empocher des pots de vin de contractants locaux. Mais peu à peu, l’escroc se prend au jeu et met vraiment en branle les travaux.

Xavier Giannoli semblait se chercher jusqu’ici (Les corps impatients, Quand j’étais chanteur, bof), mais avec A l’origine, l’homme s’est trouvé un sujet lui offrant une carrure de cinéaste impressionnant. Son film fascine par ses deux points de vue. Le premier c’est celui de l’arnaqueur, un mec un peu paumé attirant à la fois la pitié et la sympathie, une figure de bandit un peu minable dont le cinéma aime tant s’amouracher. Le second c’est celui de la communauté, cette petite ville frappée de plein fouet par les maux sociaux actuels, vivotant, attendant le messie pour les sortir de leur marasme quotidien.

Le messie, c’est donc cet escroc, ce mec encore plus paumé qu’eux, en qui ils voient un leader. A l’origine peut se lire comme une parabole religieuse autant que politique, comme l’adoption d’un messie ou d’un leader presque charismatique. L’histoire que nous conte Giannoli, au plus près des visages et des corps, les mains et les yeux dans la boue, en alchimie parfaite avec cette frange de la société, c’est celle d’une population en proie à une situation de crise prête à confier ses vies au premier venu, du moment que celui-ci a une bonne tête et un beau discours. Tout comme Giannoli parvient à nous attirer et nous fasciner de bout en bout, nous contant un récit tellement énorme et pourtant terriblement réaliste.

Il y a parvient car devant sa caméra, homme fatigué et avide, dépassé et ambitieux, pathétique et obsessionnel, il a un comédien en adéquation parfaite avec son personnage, lui donnant corps avec une conviction absolue, François Cluzet. L’acteur nous avait déjà gratifiés il y a deux mois d’une performance remarquable dans Le dernier pour la route. La différence c’est qu’ici, c’est au service d’un film à la hauteur de son talent, et de tous ceux, formidables, qui l’entourent.

Woodstock en famille

Depuis les débuts de cet "Impossible Blog Ciné", plus de la moitié des films que j’ai vus en salle sont restés absents de ces pages. Il est temps que cela change, que certaines demandes amicales soient entendues, et que je rende vraiment compte de la fréquence à laquelle j'explore les salles obscures... Au diable l'intermittence !

Jeudi soir, je me suis retrouvé à 19h30 devant mon antre préféré des Halles en compagnie d’une amie, à hésiter entre Fish Tank, Démineurs et Hôtel Woodstock qui commençaient tous trois dans le quart d’heure suivant. C’est le nombre de places restantes qui nous a finalement dirigés vers Hôtel Woodstock, le onzième long-métrage du cinéaste taïwanais Ang Lee.

Deux ans après avoir remporté un Lion d’Or à Venise pour le fascinant Lust, Caution, le réalisateur s’offre avec ce nouveau film une parenthèse enchantée incroyablement légère et totalement séduisante. Chroniquant avec humour et finesse les coulisses du fameux concert de Woodstock qui enflamma l’Amérique empêtrée au Vietnam, Hôtel Woodstock ne s’attache pas le moins du monde au concert, mais à une flopée d’hommes et de femmes œuvrant à le mettre sur pied, en particulier Elliot, fils d’un vieux couple tenant un motel minable dans la région.

La richesse du film d’Ang Lee, c’est justement de rester à distance de l’évènement qui était au centre du monde en ces jours de juillet 1969. De rester en marge et de tisser cette chronique familiale joyeuse et entraînante, parcourue d’une énergie communicative, existant à travers des personnages attachants. A commencer par le jeune héros porté à bout de bras par Demetri Martin, inconnu au bataillon de ce côté-ci de l’Atlantique, qui apporte candeur et sincérité à l’homme grâce à qui Woodstock a eu lieu.
L’hystérie maternelle d’Imelda Staunton, la folie douce d’Emile Hirsch, ou la force tranquille de Liev Schreiber finissent de donner une consistance à cette ballade trippante dans l’Amérique hippie, capturant sous forme d’instantané vivant une effervescence palpable. Beaucoup se sont demandés ce qu’un tel film faisait en compétition à Cannes en mai dernier. On imagine pourtant facilement la bouffée d’air qu’a pu apporter Hôtel Woodstock sur la Croisette.

Precious, un certain regard sans le son

Rétrospectivement, c’est toujours sympa d’avoir une anecdote marrante à raconter sur une projection qui se déroule étrangement. Sur le coup par contre le sentiment qui domine est plutôt, sinon l’agacement, du moins le mécontentement. Toujours en pleine période de rattrapage des films d’Un Certain Regard du Festival de Cannes, le Reflet Médicis a été samedi soir le théâtre de la découverte de Precious, Grand Prix du dernier Festival du Film de Sundance.

La projection de Precious est donc à ranger du côté de celles émaillées d’un problème technique perturbant la vision du film. Je me souviens être allé au Bienvenue Montparnasse il y a 2 ou 3 ans (pour quel film, je ne sais plus…) et avoir passé les 5 premières minutes du film dans la lumière, car le projectionniste avait oublié de plonger la salle dans le noir. Ce samedi, ce fut un problème du même ordre, puisque Precious a commencé… sans le son.
Tant qu’il s’agit des logos des distributeurs et producteurs, puis du générique de début, le doute est possible, on se dit « Ca doit être un effet de style, ce silence, voulu par le réalisateur ». Mais quand les images apparaissent à l’écran et que les sous-titres de ce qui semble être une voix-off s’inscrivent à l’écran, toujours sans le son, là, ça sent l’oubli dans la cabine de projection.

La salle grogne… commence à crier « Le son !!!! »… « Eh oh, y a pas de son !!!! »… Jusqu’à ce qu’un homme qui entrait dans la salle se voit apostrophé par sa compagne, déjà installée : « Tu veux pas monter leur dire qu’il y a pas de son, ces connards l’ont oublié ! ». Finalement la voix de Precious retentit enfin dans la salle, après 3 bonnes minutes muettes.

Après une entrée en matière un peu catastrophique, il faut se rattacher au film, et les premières minutes du film ont aidé, offrant d’emblée le visage d’un film hybride, mêlant réalisme du cadre, le Harlem de 1987, et délires rêveurs de la jeune héroïne qui donne son titre au film. Si la mise en bouche accroche, sur la durée, Precious séduit mais ne renverse pas. Brossant une période bien définie, le film veut s’affranchir du carcan de la reconstitution 80’s et offrir un ton narratif et visuel original.

Precious, c’est une adolescente afro-américaine de Harlem, en large surpoids, esclave de son horrible mère, enceinte pour la seconde fois de son propre père, et ayant de grandes difficultés à lire. Bref une gamine de 16 ans partant avec un sérieux handicap dans cette impitoyable jungle qu’est la vie. Le film est assurément intéressant, et l’indéniable ambition du réalisateur lui permet de tenter de belles choses, notamment de faire de son drame une sorte de conte urbain faussement féérique qui a de la gueule.

Mais cette ambition a aussi un prix, celui de concocter une œuvre un peu foutraque, parfois trop appuyé dans ses effets de style (les ralentis devraient être interdits au cinéma !), et oubliant à l’évidence que même les plus grands drames doivent réserver de beaux moments de légèreté, voire d’humour, des traits dont le film est trop dépourvu.

Un bon petit film indépendant américain, courageux mais peu mémorable, où l’on s’amusera à reconnaître les apparitions de Mariah Carey et Lenny Kravitz, respectivement en assistante sociale et en infirmier. Lee Daniels, producteur devenu cinéaste, avait par le passé produit deux drames indépendants autrement plus marquants, A l’ombre de la haine et The Woodsman.

Mother, cinéaste monstre pour mère courage coréenne

De tous les films présents à Cannes cette année, Mother était sans conteste le plus haut placé sur ma liste des films incontournables. La raison ? Son réalisateur Bong Joon-Ho, le meilleur cinéaste asiatique en exercice (point de vue personnel bien sûr), dont la carrière suit un tracé semblable à une montée en puissance, de la sympathique et iconoclaste comédie sociale Barking dogs never bite au film de monstre allégorique et humaniste The Host. Jeudi 28 mai, direction donc le Reflet Médicis pour découvrir le nouveau Bong, présenté à Un Certain Regard sur la Croisette la semaine précédente.

Dès le pitch, il est clair que le réalisateur comptait abandonner l’ampleur d’une production telle que The Host (dont le statut de blockbuster ne l’empêche pas d’être l’un des films les plus importants de ces dernières années) pour retourner à la portée plus « intimiste » d’un drame comme Memories of Murder, son sombre polar qui le révéla en 2004 en France.
La protagoniste de Mother est une femme presque en âge d’être qualifiée de « vieille », veillant sur son grand fils un peu (beaucoup) dadais. Lorsque ce dernier se trouve accusé de meurtre et que la police s’accommode très bien de considérer le jeune homme simplet comme coupable, sa mère va remuer ciel et terre dans cette ville provinciale pour disculper son fils, et mettre la main sur le véritable auteur du crime.

Après deux bonnes heures de projection, deux heures d’un polar tendance drame social, sombre et amer, force est de constater qu’à mes yeux Mother est un bon film. Un très bon film. Mais « seulement » un très bon film. La quête désespérée de cette mère poursuivant sans relâche son enquête étale une fois de plus les capacités de mise en scène de Bong, et l’extrême acuité de son écriture.
Mais après la montée en puissance de l’œuvre du réalisateur, Mother semble tout de même être un (tout petit) pas en arrière. Moins dense que Memories of Murder (qui avait également l’énorme avantage de se conclure par une des plus belles fins cinématographiques qui soit), moins ambitieux que le presque parfait The Host, Mother ne remue pas autant que ses prédécesseurs. D’autant que le cinéma coréen nous a offert il y a peu une véritable pépite au rayon polar, The Chaser.

Pourtant le seul véritable défaut que je peux pointer à l’encontre de Mother, c’est que le film n’est pas un bijou, un film majeur s’imprimant à jamais sur la rétine comme ont pu l’être Memories of Murder, The Host, et le sketch du cinéaste dans Tokyo !, un pur moment de magie cinématographique suspendu hors de toute convention. Quelle horrible chose que de dire que finalement, le défaut d’un cinéaste est qu’il ait réalisé de trop grands films par le passé pour que l’on puisse se satisfaire de ne voir qu’un très bon film de sa part.
C’est le trait des grands, de montrer sa faillibilité dans une excellence que l’on serait tenté de qualifier d’ « ordinaire ». Et nul doute que Bong Joon-Ho ne se contentera pas d’une excellence manquant de vibrant très longtemps…

Air Doll, poétique poupée nippone

Chaque année, à peine le Festival de Cannes achevé, les cinéphiles parisiens n’ayant pas eu la chance de descendre sur la Croisette faire une dégustation de films ont droit à une séance de rattrapage. Pendant que le Forum des Images programme tous les films présentés à la Quinzaine des Réalisateurs, le Reflet Médicis reprend Un Certain Regard. Un rendez-vous incontournable pour découvrir les films, des mois avant leur sortie en salles. Les festivités se sont ouvertes mercredi 27 juin, et ma première tentation a été Air Doll, le nouveau long-métrage de Kore-Eda Hirokazu.

Sur le papier, cela semblait forcément partir vers une comédie, à mille lieues de ce à quoi le cinéaste japonais nous avait jusqu’ici habitué. Après tout, comment l’histoire d’une poupée gonflable prenant soudainement forme humaine et tombant amoureuse d’un jeune employé de vidéo club (dans le dos de son propriétaire plus âgé) pouvait-elle offrir autre chose que des rires ? La rupture avec les thèmes chers à Kore-Eda semblait inévitable.

Pourtant, étonnamment, pour qui est familier de l’œuvre du réalisateur, Air Doll se glisse avec une évidence incroyable dans la continuité de la filmographie du japonais. L’absence, la mort, la transmission du savoir, des traditions, des valeurs, sont des thèmes essentiels dans l’œuvre de Kore-Eda, et Air Doll, avec cet objet sexuel découvrant sans prévenir la vie et tous ses composants, les sentiments, les sensations, la peur, la réalité d’une fin commune à tous, s’inscrit tout à fait dans la continuité d’œuvres telles que After Life ou Still Walking.

Et comme toujours chez ce cinéaste, ces thèmes aussi sombres sont abordés avec une délicatesse et une grâce qui élèvent le film vers une poésie fascinante. Croisant et décroisant les personnages par fines touches, Air Doll s’intéresse au vide qui emplit nos vies, et nos propres interrogations sur la fragilité, la vacuité de l’existence.
Plus que par les longues tirades et les dialogues existentiels, et c’est cela qui offre au film sa grâce, c’est par les gestes, par l’expression des corps, par ce qu’on ne voit pas ou ne dit pas à l’écran que le cinéaste s’exprime. Air Doll est un film sensoriel, s’inscrivant dans la veine du court métrage « Shaking Tokyo » de Bong Joon-Ho, présent dans Tokyo ! (un des plus grands moments de cinéma de 2008). Chez Bong aussi, le sensoriel avait une place prépondérante. Sous le regard de Kore-Eda, jamais un geste aussi simple que le souffle aura semblé si érotique, apportant la vie, soulageant la douleur, et procurant une certaine forme d’extase.

Seul bémol au film, une partie du dénouement est en trop, maladroite, ratée. Une idée qui a pu sembler bonne sur le papier mais qui casse la rythmique poétique et sensorielle de l’aboutissement. C’est dommage, mais pardonnable compte tenue de la qualité globale de l’œuvre.

D’autant que le réalisateur a eu l’excellente idée de confier le rôle titre à Bae-doo Na, comédienne coréenne absente des écrans depuis The Host voilà trois ans. Elle offre à Nozomi la poupée douée de vie son physique iconoclaste, irradiant d’une beauté insoupçonnée lorsque son visage s’illumine de curiosité ou transpire de joie (plus d’une fois dans le plus simple appareil).

Mon rattrapage cannois débute de fort belle manière. Demain, mon compte-rendu de Mother, le nouveau film de Bong Joon-Ho, vu ce soir…

Rendez-leur la Palme d'Or !!!!!

Le monde est fait d’injustices, et parmi les moindres d'entre elles, il y a celles qui touchent au cinéma. Mais dans le cœur d’un cinéphile, certaines injustices peuvent en valoir d’autres plus évidentes, plus humaines, sociales. Dans le cœur d’un cinéphile, qu’un grand film ne soit pas récompensé à sa juste valeur peut faire figure d’injustice suprême. Puisque l’on est en pleine période de Festival de Cannes, et que je n’ai pas assez de place pour faire un historique complet des injustices du plus grand festival de films au monde, voici celles qui sont à mes yeux les trois impardonnables de la décennie écoulée…

Mai 2008
Entre les murs de Laurent Cantet, film hautement méritant et remarquable à plusieurs niveaux, emporte l’unanimité du jury présidé par Sean Penn. Chouette, un film français (et un bon en plus !) !!! Le premier depuis Sous le soleil de Satan 21 ans plus tôt !! Alors où est l’arnaque ?
L’arnaque c’est qu’en compétition se trouvait également Two Lovers, quatrième film de James Gray, un drame amoureux, sombre, amer, aux accents de tragédie Shakespearienne. Le meilleur film de l’année, qui repart de Cannes sans le moindre prix. Une honte.

Mai 2004
Avec Quentin Tarantino en Président du Jury, tout le monde s’attend à une Palme d’Or rock’n roll, hors des sentiers battus des films habituellement primés. Tout le monde attend un film de genre débridé, violent, puissant, bouleversant, qui remue les tripes et balance un uppercut à tous ceux qui posent les yeux dessus. Tout le monde attend Oldboy du sud-coréen Park Chan-Wook, une bombe qui ne pouvait que séduire à mort QT.

Mais voilà, la guerre en Irak pèse lourd sur les consciences, et sur le jury cannois en particulier apparemment, qui préfère offrir la récompense suprême au documentaire démago de Michael Moore Farenheit 9/11, et laisser la médaille d’argent, le Grand Prix, à un Oldboy volé.

Mai 2000
Attention, le cru 2000 recèle la plus grande injustice de l’histoire de la Croisette ! Cette année-là, c’est Luc Besson qui se trouve à la tête du jury. Les mauvaises langues dont je fais partie pourraient dire que déjà, un tel président ne pouvait qu’augurer du pire. Et effectivement, le pire est arrivé.
Quelle est donc l’infamie ultime ? Est-ce que la comédie musicale puante de pathos de Lars Von Trier, Dancer in the Dark, ait cette année-là remporté la Palme d’Or et valu à son interprète , la débutante Björk, le Prix d’interprétation féminine ?

Non, le pire, c’est tout de même que le chef-d’œuvre éternel, absolu, frisant la perfection de Wong Kar Wai, In the mood for love, ne se soit pas vu offrir cette palme qui lui revenait de droit. La passion contenue, l’amour impossible, la volupté du cadre et des personnages, le rythme lancinant, hypnotisant, fascinant, d’un interdit déchirant. Le film a dû se contenter du Prix d’interprétation masculine pour le magnifique Tony Leung, mais quelle idée de le primer lui sans la primer elle, l’immense Maggie Cheung. Cette tâche dans l’histoire des palmarès est malheureusement ineffaçable et éternelle.

2009 sera-t-elle une année d’injustice, ou de reconnaissance méritée ? Réponse dans quelques jours…