Whiplash : ça claque à la reprise des films de Cannes !

Il est un rendez-vous cinéphile parisien que je ne manque sous aucun prétexte chaque année, c’est celui de la reprise des films de la Quinzaine des Réalisateurs, d’Un Certain Regard et de la Semaine de la critique, quelques jours après leur découverte au Festival de Cannes. C’est dans ce cadre-là que j’avais vu « The Host » de Bong Joon-ho au printemps 2006, et d’année en année, je viens y chercher les nouvelles pépites de Cannes.

Voilà, nous sommes en plein dedans, alors qu’au Reflet Médicis, la reprise d’Un Certain Regard vient de s’achever, celle de la Quinzaine au Forum des Images bat son plein tandis que celle de la Semaine de la Critique démarre à la Cinémathèque Française. Au Reflet, je me suis faufilé devant « Jauja », le film argentin de Lisandro Alonso qui plonge Viggo Mortensen dans la Patagonie du 19^ème siècle à la recherche de sa fille échappée. Un film lancinant et hypnotique qui tend vers le fantastique, quelque chose de Bergmanien au pays du maté.

Je me suis invité devant deux films coréens également, la chronique provinciale « A Girl at my door » (Doheeya) issue d’Un Certain Regard et le thriller « A Hard Day » issu de la Quinzaine des Réalisateurs, mais non, je n’en dirai rien, ma fonction au sein du Festival du Film Coréen à Paris (qui au passage se tiendra du 28 octobre au 4 novembre cette année) me bâillonnant sur le sujet.

Et puis il y a eu « Whiplash ». Salle 300 du Forum des Images, un samedi soir à 20h, après avoir couru depuis le Reflet Médicis pour ne pas en rater le début. Whiplash qui n’a pas fait trop de bruit dans la presse française pendant le festival, mais qui ne manquera pas de faire parler de lui cet hiver quand il sortira en salles, j’en suis sûr. Whiplash, un film qui porte si bien son titre (« coup de fouet ») tant on en sort revigoré, excité, heureux. La simplicité comme mot d’ordre, mais pas une simplicité péjorative. Une clarté si vous préférez, avec assez peu de personnages, peu d’intrigues parallèles, tout est concentré sur Andrew, 19 ans, étudiant en première année dans une prestigieuse école de musique, qui rêve d’être un des plus grands batteurs que le jazz ait connu. C’est pour cela qu’il s’est inscrit dans cette école, et c’est pour cela qu’il veut se faire remarquer par Fletcher, le professeur star de l’école, qui dirige un groupe de jazz que tous les élèves de l’école rêvent d’intégrer.

Le rêve est grand, et la marche à franchir pour l’atteindre est immense, tant Fletcher est aux étudiants ce qu’un sergent-instructeur est aux Marines américains. Ce qui apporte une gouaille jouissive au personnage du professeur, campé à la perfection par J.K. Simmons. L’homme est à la fois irritant et hilarant, et c’est lui qui donne le tempo que doit apporter en face Miles Teller, décidément un jeune acteur prometteur après sa belle interprétation dans « The Spectacular Now » en début d’année.

Tout est affaire de tempo, et d’énergie. « Whiplash », c’est tout l’art cinématographique du climax mis en application. C’est une tension qui va crescendo, une montée en puissance discrète mais indéniable. Et quand on croit que c’est terminé, c’est là que tout à coup la jubilation explose, les sens sont mis à contribution, et le film nous place dans un moment d’euphorie cinématographique incroyable, dix minutes pendant lesquelles le réalisateur nous agrippe avant de nous abandonner d’un claquement de doigt en pleine extase. La sensation est rare, et la ressentir ainsi devant un « petit » film, ressentir cette joie, cette intensité, alors le petit film gagne en grandeur. Non, ce n’est vraiment plus un petit film. Sundance, qui lui a décerné ses prix, a eu raison. La Quinzaine des Réalisateurs, qui l’a invité, a eu raison. Nous avons eu raison, les spectateurs de la salle 300 du Forum des Images, ce samedi soir, d’être allé jeter un œil à ce drôle de petit film où un étudiant joue à la batterie jusqu’au sang devant un prof qui lui hurle dessus. Et ce climax explosif, je connais des films Hollywoodiens qui auraient aimé en fournir ne serait-ce que 15%, d’une intensité pareille, dans leurs derniers actes.

Alors Hollywood, prends-en de la graine. Retenons le nom du réalisateur Damien Chazelle. Et moi, je vais peut-être me mettre à la batterie.

La maniaque de l'applaudissement se fait masser en présence de Brillante Mendoza

Bon, okay, je l’avoue, j’ai raté mon coup. C’est la honte. Montrez-moi un coin que je m’y cache. J’ai guetté le festival « Un état du monde… et du cinéma » pendant des semaines, j’ai trépigné d’impatience à l’annonce de la rétrospective Brillante Mendoza avec avant-première et Masterclass à la clé… Et au bout du compte, voici mon triste bilan personnel : un seul film de Mendoza vu. Bon, d’accord, je n’en avais pas cinquante à voir non plus, mais le fait est que je n’ai pas su tenir mes envies premières. Zappée, la masterclass, oubliée, l’avant-première, délaissés, John John et Tirador. Seul « Le masseur », le tout premier long-métrage de la carrière fulgurante de Brillante Mendoza, a trouvé grâce au sein de mon emploi du temps de ministre flemmard.

La rapidité avec laquelle le cinéaste philippin s’est imposé comme une figure majeure du cinéma mondial en ferait presque oublier que son premier long date seulement de 2005. Présent depuis une semaine à Paris pour accompagner le festival, il accompagnait là une dernière projection de sa présence, devant partir attraper son avion sitôt sa présentation faite. Ce premier film, « Le masseur », qui fut précédé d’un clip musical réalisé par le réalisateur philippin à l’occasion des dernières élections présidentielles de son pays, attira finalement plus de monde que ce que laissait supposer (craindre) la petite dizaine de spectateurs que nous étions à une douzaine de minutes de l’heure H. Et parmi ses premiers spectateurs, une spectatrice assidue (oserais-je la qualifier de cinémaniaque ?) dont j’avais déjà croisé la route à plusieurs reprises, notamment à Paris Cinéma puis à l’ÉtrangeFestival…

Dans la salle 300 du Forum des Images, il y a un rang circulaire sur lequel j’aime me poster et que je vise dès que je mets les pieds dans la salle. Cette fois-ci comme les autres fois, et alors que je choisissais mon fauteuil, je remarquai très vite qui était assis à deux fauteuils du mien : la maniaque de l’applaudissement, une spectatrice qui applaudit dès qu’elle en a l’occasion et a la parole facile. J’ai hésité à abandonner mon rang favori pour m’éloigner d’elle, mais finalement, je suis resté. Et à peine assis, j’ai senti son regard sur moi, insistant. Elle avait envie de parler je l’ai bien senti, et puisque j’étais assis à sa portée, elle a vite jeté son dévolu sur moi. Voulant retarder au maximum l’échéance, je faisais le mec qui n’avait pas remarqué, j’évitais de me tourner vers elle, mais au bout de quelques secondes, je commis une erreur : je me tournai pour jeter un œil à la salle et à sa poignée de spectateurs. Boum, ma voisine attrapa la perche tendue et me lança un « Y a pas beaucoup de monde hein ? » que j’aurais dû voir venir. Une erreur de débutant.

« Eh non, lui répondis-je.

- En même temps le film a quelques années déjà, il y en a sûrement beaucoup qui l’ont déjà vu.

- Sûrement.

- Mais bon moi je ne l’ai jamais vu alors j’en profite, hein !

- Eh oui », lui répondis-je avec le sourire tout en attrapant mon bouquin, tentant une échappée littéraire pour me prémunir d’une conversation pendant les dix minutes nous séparant du début de la séance.

Je fus de toute façon sauvé par l’arrivée d’une de ses copines qui se cala entre elle et moi et auprès de laquelle elle trouva une bien meilleure compagnie pour discuter. Je compris même vite qu’une seconde amie risquait d’arriver qui était peut-être allé voir « It’s a free world » de Ken Loach juste avant. Et effectivement, l’autre amie arriva, pendant que la salle se remplit doucement mais sûrement, et lorsqu’enfin Brillante Mendoza se présenta à nous, la salle 300 du Forum des Images était bien fournie en cinéphiles. Bien sûr, l’applaudisseuse lui réserva un tonnerre de claquements de mains pour l’accueillir, première qu’elle fut dans le geste, et dernière à l’arrêter. Elle riait et acquiesçait à chacun de ses mots, ou plutôt de ceux de la traductrice.

Mendoza resta cinq minutes pour nous parler de son clip musical pour les présidentielles, censurés aux Philippines, de ses premiers pas dans le long-métrage avec « Le masseur », qui fut une première pour lui-même mais également pour son acteur fétiche Coco Martin, pour son scénariste, son producteur… Cette fraîcheur des débuts, on la ressent bien dans le film qui suit un jeune masseur qui offre un peu plus que de la détente musculaire à ses clients s’ils sont prêts à y mettre le prix (et ils y sont tous prêts). On sent les prémices du style vif et poétique de Mendoza, avec une certaine fébrilité qui disparaîtra bien vite dans ses films suivants.

Alors que le clip musical projeté en préambule commençait, ma voisine applaudisseuse prit son temps avant de se projeter dedans, préférant faire des commentaires à sa copine sur la facilité d’accès à l’aéroport depuis Les Halles grâce au RER (mais bon, franchement, j’ai du mal à imaginer Mendoza y allant en RER…), ou demandant à brûle-pourpoint à sa voisine « Mais au fait, c’est où les Philippines ? ». L’indication « A côté de la Malaisie » de son amie ne sembla pas trop la convaincre… « Le masseur » la convainquit bien plus, lui réservant une belle salve d’applaudissements bien sûr. Tandis que les spectateurs se levaient au générique de fin, je l’entendais discuter, persuadé qu’une de ses amies était encore en sa compagnie. Mais en me tournant vers elle, je constatai qu’elle était seule et discutait avec elle-même. Avant qu’elle n’en profite pour m’alpaguer, je me tournais dans l’autre sens… Elle choisit donc une spectatrice du rang derrière pour exprimer ses impressions sur le film « C’est bien hein pour un premier film ? ».

Moi je m’esquivai en douce… De toute façon, je ne doute pas qu’un jour ou l’autre, elle me tombera à nouveau dessus…

« The Land of Hope » : tsunami et sonotone pour Un état du monde… et du cinéma

Si j’aime à retrouver chaque année L’Étrange Festival au Forum des Images, il est un autre rendez-vous cinéphile qu’offre le Forum et dont je rate rarement une édition, c’est « Un état du monde… et du cinéma », un festival aux accents politiques, sociaux et sociétaux qui tente de dresser chaque année un portrait de l’époque à travers des films. Cette année, si la rétrospective Brillante Mendoza a fait briller mes yeux de désir, une avant-première a particulièrement retenu mon attention, celle de « The Land of Hope » de Sono Sion.

Bon, Sono Sion et moi, c’est une histoire assez récente, parce que le premier film de lui que j’ai vu, c’est « Cold Fish » l’année dernière, un film qui a eu le malheur de ne pas me plaire du tout. C’est « Guilty of Romance » l’été dernier, entre fièvre et poésie, qui m’a réconcilié avec le cinéaste japonais. Comme je ne m’étais pas trop penché sur « The Land of Hope » avant de le voir, je pensais qu’il s’agissait d’un film consacré à la catastrophe de Fukushima. Or c’est bien plus intéressant que cela. Sono Sion préfère s’intéresser à l’héritage de Fukushima, et cette ombre que porte la tragédie nucléaire sur le Japon, et plus globalement sur notre époque.

Mais ce n’est pas tant au drame que s’attache le cinéaste. Il préfère pousser son exploration plus loin en inscrivant son récit dans un Japon où Fukushima a effectivement déjà eu lieu, dans un Japon qui va de nouveau être frappé par une catastrophe similaire. L’espoir du titre semble pouvoir renvoyer à beaucoup de choses, et il est possible de s’interroger sur la nature de cet espoir. Qu’est-ce que l’espoir dans une zone qui a été frappé par une telle catastrophe ? Est-ce la vie qui continue et résiste vaille que vaille ? Est-ce le questionnement, l’affrontement idéologique, la remise en question que l’on va trouver chez certains citoyens qui refusent de suivre le troupeau ? Ou serait-ce justement l’illusion que la vie peut reprendre son cours comme avant, en somme un espoir naïf, voire vain ?

Quelle que soit la réponse à la question de l’espoir, Sono Sion prend le parti de bousculer ses concitoyens. Je me souviens à l’époque de Fukushima avoir lu, entendu, pensé même que le peuple japonais affrontait ce drame avec une rigueur héroïque, montrant au monde par leur comportement un courage exemplaire. Sono Sion plonge donc une poignée de personnages, principalement une famille, dans un scénario similaire, une petite ville mitoyenne d’une centrale nucléaire frappée par un tremblement de terre puis un tsunami. Et si courage et humanisme il y a chez Sono Sion, on trouve également cet agacement face à l’autorité qui ne remplit pas son devoir de transparence à l’égard du peuple, et en parallèle un agacement face à ce peuple qui ne remplit pas son devoir de mise en doute de la parole de l’autorité, et qui donne ainsi un autre sens à cette rigueur aperçue d'un oeil étranger.

Le Japon traumatisé de Sono Sion est le portrait d’un pays qui se cherche encore dans son rapport à l’autorité, comme s’il n’avait pas encore tué le père. Le réalisateur bouscule ses personnages en leur intimant de cesser d’attendre la parole de la figure paternelle pour s’exprimer en tant qu’individu, sortir de la masse et oser aller à contrecourant. « The Land of Hope », s’il est un drame fort, est surtout un film contestataire qui semble vouloir ouvrir les yeux des japonais, et par extension, des hommes et femmes de par le monde n’ayant pas encore cassé l’illusion des jours meilleurs. La radioactivité n’est dès lors presque plus le cœur du film, qui questionne en réalité plus globalement sur la possibilité d’être heureux malgré le danger, malgré l’incertitude, malgré le drame.

Pour éclairer un peu plus le public sur la question du nucléaire, le festival « Un état du monde et du cinéma » avait invité Albert Jacquard, éminent scientifique et fervent opposant au nucléaire, à découvrir le film de Sono Sion en notre compagnie et à en discuter après la projection. Et pendant que des spectateurs à bonnet (par la chaleur régnant dans la salle 500 du Forum, c’est courageux) quittaient la salle avant la rencontre, un vrai sketch s’est joué devant les spectateurs. Un doux bonbon, excusez-moi monsieur Jacquard, magnifiquement poilant.

En effet alors que l’on installait table et chaises pour Albert Jacquard et le responsable du festival, ce dernier nous apprit que l’appareil auditif de monsieur Jacquard s’était déréglé et qu’il allait falloir patienter quelques instants pour qu’il soit réparé. Ce qui a donné lieu à une scène savoureuse où le responsable du festival essayait de réparer le sonotone d’Albert Jacquard sous les instructions de ce dernier qui ne semblait pas convaincu par la procédure : « Ça n’a pas l’air de marcher, ça doit pas être les bonnes pièces », à quoi il se voyait répondre : « Mais si c’est forcément les bonnes c’est votre appareil ! ». Au bout de quelques instants, l’homme du festival annonça que c’était bon, que cela semblait réparé. Jacquard a alors enfilé son sonotone, et le responsable s’est lancé dans la discussion… devant un Jacquard ne réagissant pas du tout… avant de dire au micro « Je ne sais pas si c’est normal mais je n’entends rien du tout ! ». Monsieur Jacquard (excusez-moi encore) est sourd comme un pot, et son sonotone ne fonctionnait toujours pas. Il a alors commencé à parler de lui-même, sans s’entendre, sur la question du nucléaire.

Pressé par le temps, je ne suis pas resté plus longtemps… Mais je n’aurai pas raté une miette de ce petit sketch inattendu et involontaire. Le sonotone a-t-il fini par fonctionner ? C’est un mystère que m’a laissé « Un état du monde et du cinéma »…

"Dangerous liaisons" : Valmont et Merteuil parlent chinois

Hum… bon okay cela fait plus d’une semaine que le Forum des Images a baissé le rideau sur la reprise des films de la Quinzaine des Réalisateurs…  et cela fait plus d’une semaine que j’ai vu « Dangerous Liaisons », le quatrième film vu dans ce cadre au Forum. Évidemment cela m’aurait bien arrangé que le Champs-Élysées Film Festival ne tombe pas exactement la même semaine… mais bon inutile de refaire le monde c’est trop tard (expression un tout petit peu exagérée dans le cas présent je sais).

Comme attendu, ce n’était pas la foule des grands jours au Forum des Images pour cette transposition du roman de Pierre Choderlos de Laclos dans le Shanghai des années 30. Il faut dire que c’est loin d’être le film à avoir fait le plus parler de lui au cours de la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes. Très loin. Le film est passé quasi inaperçu, pourtant dans le genre curiosité, « Dangerous Liaisons » avait de quoi attirer l’œil, par son concept même. Alors je me suis permis d’outrepasser le silence critique entourant le film sur la Croisette pour aller voir à quoi les Valmont, Tourvel et Merteuil made in China ressemblaient. Enfin, c’est faux car je savais à quoi ils ressemblaient, et c’est justement parce que leur allure me plaisait que le film me rendait encore plus curieux.

Dans la peau de Valmont le séducteur, ici rebaptisé Xie Yi-Fan (oui on est à Shanghai je le rappelle), le coréen Jang Dong-Gun, révélé par « Friend » dans son pays d’origine, vu en France dans le « Coast Guard » de Kim Ki-Duk et le guerrier « Frères de sang ». Dans la peau de Tourvel la vertueuse tentant de résister au séducteur, rebaptisée Du Fen-yu, Zhang Ziyi. Et l’incontournable Merteuil, ici Madame Mo, prend les délicieux traits de Cecilia Cheung. Jang Dong-Gun n’est pas le seul coréen à bord, puisque le réalisateur n’est autre que Hur Jin-Ho, un spécialiste du mélo coréen à qui l’on doit notamment « Christmas in August » ou « April Snow », ce dernier étant sorti en salles en France. Bon je n’écris pas ce billet pour vous détailler le CV de toute l’équipe du film. Disons que le réalisateur me faisait un peu peur. Un spécialiste du mélo transposant « Les liaisons dangereuses » dans le Shanghai de 1931, cela risquait d’être suranné, ou déjà vu, ou kitsch. Le ratage était à portée de main, et c’était déjà une surprise que de trouver un tel film parmi la sélection de la Quinzaine des Réalisateurs.

La surprise a été d’autant plus grande. « Dangerous Liaisons » est une belle réussite. La platitude que j’ai pu trouver par le passé aux mélos de Hur Jin-Ho est oubliée. Sa transposition du classique français fonctionne à merveille. Il nous plonge dans la bourgeoisie chinoise à une époque où se dessinent déjà les prémices de la guerre avec le Japon, et il le fait avec une classe parfois insolente. Si la caméra manque parfois un peu d’assurance, il y a un je-ne-sais-quoi de cette langueur chatoyante et sensuelle que l’on aime à retrouver dans le cinéma chinois. Bon ce n’est pas non plus du Wong Kar Wai, mais il y a de l’élégance dans ces Liaisons Dangereuses chinoises.

Sortira-t-il en salles en France, difficile à dire. Pour le moment le film manque d’un quelconque buzz. L’auditorium du Forum des Images n’était pas franchement peuplé en ce samedi-après-midi pour découvrir le film. Néanmoins le film a semblé plaire. A la sortie, une spectatrice m’a souri en me disant « Il ne manquait que la petite vérole ». Son sourire indiquait bien que cela importait peu, à juste titre. Le pari est tout de même réussi. 

Cannes à Paris : de l’animation coréenne

Un soir de semaine à 21h30 au Forum des Images, le spectateur se fait rare. Encore plus pour un film d’animation coréen dont presque personne n’a parlé pendant le Festival de Cannes - bien qu’il fut au programme de la Quinzaine des Réalisateurs. Nous étions peut-être une trentaine pour découvrir « The King of Pigs », et lorsque je suis arrivé peu après 21h, nous étions à peine cinq à attendre l’ouverture de la salle. C’est sûrement grâce à ces espaces bien vides du Forum des Images que j’ai croisé une connaissance dont la simple vue m’a collé un sourire au visage.

Bon, j’exagère lorsque je parle de connaissance, car je suis certain que lui ne m’a pas reconnu. Alors que je montais les escaliers du Forum, lui les descendait, à l’évidence sortant d’une séance précédente. Lui, c’est ce sympathique japonais qui lors des deux dernières éditions de Paris Cinéma a officié en tant qu’interprète pour les cinéastes ou acteurs invités. Souvenez-vous de ce garçon dont les hésitations et les silences avaient le don de rendre ces instants irrésistibles  et inoubliables. Souvenez-vous de la projection d’Hospitalité. Ca y est, vous voyez de qui je veux parler pour ceux qui y étaient ? Cette année c’est Hong Kong qui sera mis à l’honneur au Festival, donc les chances sont minces d’y croiser notre interprète préféré, mais qui sait ?

Mais parlons de la Corée plutôt que du Japon ou d’Hong Kong. J’ai l’impression que ce n’est pas du luxe de parler de ce lointain pays, quand je découvre à quel point les français le méconnaissent encore. J’en ai eu une sacrée preuve devant « The King of Pigs », grâce à mon voisin de salle. Un cinéphile (il faut l’être pour être maniaque au point de venir se coller à côté de moi dans une salle presque vide, histoire d’être le mieux placé possible) sexagénaire qui avait toute les chances d’être un tant soit peu cultivé ou au fait de ce qui se passe dans le monde. Le cinéma ouvre de beaux horizons, et qui part à la recherche de films du monde entier en apprend forcément un peu sur la géopolitique mondiale. Mais si mon voisin était cinéphile, il ne semblait pas très au fait de ce qui peut profondément distinguer la Corée du Nord de la Corée du Sud. Comment expliquer autrement le fait qu’à la fin du film, lorsque le générique s’est mis à défiler sous nos yeux, mon voisin s’est tourné vers moi pour me demander avec une sincérité étonnante : « Vous pensez que c’est la Corée du Nord ou la Corée du Sud ? ». « Baah, c’est la Corée du Sud là » lui répondis-je, surpris. « Ah d’accord ». En une simple question, les connaissances lacunaires du pays de Park Chan-Wook et Hong Sang-Soo par mes compatriotes furent flagrantes. Si un français n’est pas capable de faire la différence entre Corée du Nord et Corée du Sud en regardant un film comme « The King of Pigs », il n’y a pas de doutes possibles sur les progrès à faire pour mieux connaître le Pays du Matin Calme dans l’Hexagone.

J’estime faire ma part du travail pour faire connaître un peu plus la Corée du Sud, au moins à travers sa cinématographie, mais il faut croire que tous les français ne lisent pas L’impossible blog ciné (haha).  Et je dois bien avouer que si c’est à travers un film comme « The King of Pigs » qu’ils découvrent la nation asiatique, ils n’auront peut-être pas plus envie que cela de se frotter à la Corée plus en avant. Mais je dis peut-être cela parce que le film d’animation de Yeon Sang-ho m’a déçu. Non que j’attendais des merveilles particulières de ce long-métrage, après tout je savais à peine de quoi il retournait dans le film avant de le voir, mais disons que je suis toujours plein d’espoir lorsque je vais voir un film coréen, alors lorsque je n’en sort pas ébahi, je suis toujours un peu déçu.

« The King of Pigs » montre les retrouvailles entre deux hommes qui ont été amis lorsqu’ils étaient au collège. Après s’être perdus de vue pendant des années, ils vont passer une soirée ensemble autour d’un repas et se remémorer leurs années collège, des années peu glorieuses où ils étaient régulièrement martyrisés par un clan qui régnait en maître sur le collège… jusqu’à ce qu’un autre collégien change la donne. Si à travers le microcosme d’un collège en proie aux clivages sociaux et à la violence brute, le réalisateur se penche sur les maux de la société coréenne, il le fait avec une telle froideur, une telle distance, et à travers des personnages si insaisissables et peu enclin à attirer l’empathie que le film peine à emballer, ou pour le moins à séduire. Certes il ne s’agit pas là de prendre le spectateur dans le sens du poil, mais ce n’est pas à cette séduction-là que je fais référence. Je me serais contenté d’une séduction aride et amère, de celles qui remuent les tripes par son absence de concession. De concession il n’est pas question dans « The King of Pigs », qui emprunte le chemin traditionnel du film coréen sec et désespéré, mais il manque tout de même quelques grammes de lumière dans ce monde si sombrement dépeint. Pour faire ressortir l’ombre avec plus d’éclat.

Non, ce n’est peut-être pas avec ce film-là que les français vont s’amouracher de la Corée, ou enfin être capable de distinguer sans l’ombre d’une hésitation le Nord du Sud, comme mon voisin l’a prouvé à la fin du film. Mais les films coréens sont trop rares ces temps-ci pour faire la fine bouche. D’autant que le film est également sélectionné au Festival Paris Cinéma qui commence à la fin du mois. Alors si les films d’animation durs comme la pierre ne vous effraient pas…

P.S. : petite anecdote amusante, l’un des deux personnages principaux du film est doublé par l’acteur/réalisateur Yang Ik-Joon lorsqu’il est adulte et par la comédienne Kim Kkobbi lorsqu’il est enfant. Soit l’actrice du magnifique Breathless et son réalisateur.

The We and the I and Michel Gondry

C’est la cerise inattendue trônant à la cime du gâteau. Aller voir un film que l’on attend depuis des mois, bien avant qu’il sorte en salles, et découvrir à quelques instants du début de la projection que son réalisateur que l’on admire tant est assis dans la salle, juste devant soi, pour regarder le film avec nous. C’est ce qui m’est arrivé l’autre soir au Forum des Images pour la projection de « The We and the I ». Quelques jours après sa première mondiale au Festival de Cannes 2012, en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs, le nouveau film de Michel Gondry était visible à Paris. Et contrairement à la veille où « Touristes » n’avait pas su remplir la salle 300, le Gondry parvenait sans mal à remplir le grand amphithéâtre du Forum des Images.

La venue du réalisateur de « Eternal Sunshine of the Spotless Mind », « L’épine dans le cœur » et « Green Hornet » avait beau ne pas avoir été annoncée, Gondry est suffisamment aimé des cinéphiles pour attirer une salle entière désireuse de croquer dans son nouveau film. Ce qui est marrant, c’est que quand le projet « The We and the I » avait été annoncé, il se murmurait qu’il s’agissait d’un film de science-fiction. Pendant le tournage du film, beaucoup se demandaient s’il n’y avait pas quelque chose de plus qui se cachait derrière le principe de base du film, le voyage en bus d’un groupe de lycéens du Bronx… il a été question à un moment de voyage dans le temps… Mais non. Gondry n’a pas ajouté d’élément fantastique à sa virée dans le Bronx. Et si je ne suis jamais contre un peu de fantastique, Gondry n’a pas eu besoin de cela pour rendre « The We and the I » passionnant.

Tourné avec des adolescents du coin, le film se déroule le temps d’une fin d’après-midi à la sortie d’un lycée du Bronx. Le dernier jour de classe vient de s’achever, c’est l’été, et une trentaine de lycéens prennent le bus pour rentrer chez eux. Un dernier trajet ensemble avant les vacances. Un trajet fait de discussions d’ados, de jeux, de blagues, de ragots, de malaises et de joies, de toutes ces choses qui font l’apparente insouciance de ce jeune âge. S’il s’agit d’une fiction, les ados jouent presque leurs propres rôles, et à travers ces gamins du Bronx, c’est le Michel Gondry de « Block Party » que l’on retrouve, prenant le pouls d’un New York populaire et d’une jeunesse en verve. Laissant la part belle à la spontanéité, le film vibre par ses jeunes acteurs et la vie qui se dégage d’eux.

A travers eux, Gondry s’amuse à étudier la place et le comportement de l’individu dans un groupe et vis-à-vis d’un groupe. A mesure que le bus traverse la ville et se vide, le cinéaste français observe le glissement de certains caractères et brouille les cartes du phénomène des clans. Au début du film, dans le bus plein, des groupes se forment au sein du groupe, des liens sont établis, des façons d’être. Et au fil des minutes, au fil du resserrement du groupe, les personnages s’affinent, les comportements changent. Le « nous » et le « je ». Le visage que l’on offre à un groupe n’est pas forcément celui qu’on offre en tête-à-tête.

Ces jeunes sont tellement passionnants à observer que j’aurais voulu voir le film durer plus longtemps encore, j’aurais pu rester encore dans ce bus, même lorsqu’il se vide, même lorsque l’excitation laisse peu à peu place à une amertume certaine, lorsque justement l’insouciance se gomme ou que les individus sont mis face à eux-mêmes. Michel Gondry est décidément fort. D’autant que le quasi huis-clos imposé par cette balade urbaine en bus ne l’empêche pas de faire preuve de cette créativité visuelle qui est sa marque, grâce à quelques sorties de bus ou flash-backs saillants et festifs.

A la fin du film, Gondry semblait hésitant, ne sachant s’il allait être rappelé sur scène peut-être, mais non, la lumière s’est rallumée, la salle s’est vidée plus vite que le bus du Bronx pendant que lui restait planté devant son fauteuil. Quelques admirateurs l’ont pris d’assaut pour lui serrer la main, bien sûr. « The We and the I » ne peut que renforcer l’admiration des cinéphiles pour le french filmmaker.

Cannes à Paris : des Touristes anglais détonants !

C’est un rendez-vous traditionnel pour cinéphiles parisiens n’ayant pas eu la chance/le temps/l’envie/le courage/l’opportunité (rayez les mentions inutiles) de descendre à Cannes quelques jours plus tôt pour profiter du Festival de cinéma le plus célèbre au monde. Aller au Forum des Images voir les films de la Quinzaine des Réalisateurs, au Reflet Médicis découvrir la sélection d’Un Certain Regard, à la Cinémathèque Française jeter un œil aux premiers et seconds films ayant constitué la Semaine de la Critique. L’année dernière, j’en avais à peine profité (seul « Martha Marcy May Marlene » m’était passé sous les yeux), mais cette année, j’ai bien l’intention de faire le plein de films cannois.

La reprise des films de la Quinzaine des Réalisateurs est d’autant plus incontournable chaque année que c’est celle qui offre le plus de possibilités sur dix jours, et que la section parallèle cannoise a toujours été plus ouverte que les autres au cinéma de genre (et ça, c’est une énorme qualité). Alors ne vous étonnez pas si dans les jours qui viennent, les films de la Quinzaine des Réalisateurs occupent abondamment ces pages. D’autant que la dégustation a commencé avec un morceau de choix amplement attendu par celles et ceux qui ont eu la chance de voir « Kill List » l’an passé à l’Étrange Festival (bien sûr j’en étais !). Le nouveau long-métrage de Ben Wheatley, son troisième alors que dans quelques semaines sortira enfin en salles en France le fameux « Kill List » (guettez-le en juillet !).

Après le thriller sec et mystérieux, le réalisateur britannique s’attaque à la comédie noire. Très noire. Je pensais que la réputation du précédent film du cinéaste et les critiques enthousiastes lors du passage en séance spéciale à Cannes attireraient plus de curieux au Forum des Images ce soir-là, d’autant que contrairement à la plupart des autres films, « Touristes », connu en VO sous le titre « Sightseers », n’était projeté qu’une fois à Paris. Pourtant même en n’étant pas diffusé dans la plus grande salle du Forum, la salle était loin d’être pleine. Les cinéphiles parisiens ont raté un festival d’humour noir réjouissant.

Ce que j’aime avec les festivals, c’est pénétrer dans la salle sans trop savoir à quoi m’attendre, et en entrant dans la salle du Forum des Images, la seule chose que je savais du film de Ben Wheatley, c’était que les protagonistes étaient un couple faisant du tourisme dans la campagne anglaise. Un point de départ simple, mais avec « Kill List » en tête, il était difficile d’imaginer que la balade dans la verdure de nos voisins d’outre-manche allait en rester à ce calme niveau. Loin de moi l’idée de vouloir déflorer le grain qui traverse « Touristes », mais sachez au moins qu’il s’agit d’une trentenaire vivant avec sa mère un brin obsessionnelle et reprochant toujours à sa fille la mort de leur chien, et d’un barbu d’apparence débonnaire, partant en caravane sur les routes d’Angleterre faire du tourisme pour le moins plan-plan. Le genre de tourisme que Jean-Pierre Pernaut prônerait dans son JT de 13h…

Quand on les voit comme ça, ces deux-là, on les imagine bien solitaires et ayant peu l’habitude des relations de couple. Et à mesure qu’ils se découvrent l’un l’autre, le spectateur découvre par la même occasion qu’ils ne sont pas aussi plan-plan qu’ils en ont l’air. Et que derrière cette joviale barbe, monsieur cache un caractère volatile qui a bien du mal à ne pas extérioriser ses émotions, et à ne pas manifester sa désapprobation lorsqu’il rencontre quelqu’un ne partageant pas les mêmes opinions que lui. Le voyage plan-plan se transforme vite en une odyssée folle de deux imbéciles qui trouve dans sa noirceur un humour détonnant dont il est difficile de ne pas se régaler. Amateurs de bienséante morale, passez votre chemin, car Ben Wheatley confirme que le conformisme cinématographique, ce n’est pas sa came.

Quand « Kill List » sortira dans les salles dans quelques semaines, certains se mordront les doigts d’avoir rater cette projection exceptionnelle de « Touristes ». 

Le cinéma d'horreur pakistanais, vous connaissez ?

Il est des lieux que le cerveau a du mal à associer avec certaines notions. Comme… la chaleur en Antarctique, ou la joie de vivre en Corée du Nord. On ne peut pas dire que ce soit des rapprochements qui se font automatiquement, et même s’il est facilement possible de les accoler, ça n’en fait pas forcément des vérités. Au cinéma aussi il y a des rapprochements qui ne sont pas évidents sur le papier, mais qui eux pour le coup deviennent des réalités indiscutables une fois qu’ils sont à l’écran, aussi farfelus soient-ils.

Mais qu’est-ce qu’il raconte celui-là ?! Ne mentez pas, j’en ai clairement entendu un marmonner cela devant son ordinateur. Ces jours-ci, le Forum des Images programme un cycle de films sur la forêt, et au sein de ce cycle les équipes du Forum se sont associés à 1kult pour mettre au point une semaine spéciale sur les films qui font peur prenant pour cadre la forêt. Un beau programme quand on sait que les bois sont un cadre qui sied particulièrement à l’horreur, et cela se retrouve dans les films programmés dans le cadre de cette semaine, allant de Mario Bava au Projet Blair Witch en passant par Evil Dead. Le Forum des Images accueillant tous les ans L’Étrange Festival, il est facile d’miaginer qu’une ou deux curiosités bien sympas puissent se cacher dans la programmation.

That’s a bingo, selon les mots de Hans Landa. Car en ouverture de la semaine forêt flippante (terme pas le moins du monde officiel, mais tellement adéquat), on ne nous proposait rien moins qu’un film gore pakistanais, Hell’s Ground, ou en VO Zibahkhana (ça claque hein ?). Non non, vous avez bien lu, un film gore pakistanais. Pour ceux qui préfèrent une dénomination plus scientifique, disons que c’est un mix entre le slasher et le film de zombies. Tout droit venu du Pakistan, donc. Je ne sais pas quel est le degré de votre curiosité au cinéma, mais chez moi il est plus aiguisé que les talons de Paris Hilton, alors quand je lis dans le programme du Forum des Images : « Le premier film gore Pakistanais », un inédit datant de 2008, mes antennes cinéphiles se dressent et mes jambes me mettent rapidement dans la direction des festivités.

Direction donc le Forum des Images, où les cinéphiles amateurs d’étrange s’étaient réunis en nombre, des têtes régulièrement croisées à la Cinémathèque, au Forum bien sûr, mais aussi à Panic Cinéma !, comme ce Phil Siné qui comme moi n’aurait raté Hell’s Ground, slasher zombie pakistanais, pour rien au monde. La bonne idée de la programmation, c’est de ne pas s’être contenté de cette folie asiatique, et d’y avoir adjoint en préambule deux courts-métrages indéniablement jouissifs. Le premier, canadien, « The legend of Beaver Dam », montre de jeunes scouts se faire attaquer par un dégénéré psychopathe lors d’une nuit autour d’un feu de camp en forêt. Le second, apparemment portugais, et magnifiquement titré « Banana Motherfucker », relate une attaque de bananes tueuses dans la jungle sud-américaine où s’aventure une équipe de tournage. Ces deux courts délicieux furent une mise en bouche joyeuse à la star de la soirée, Hell’s Ground.

En nous présentant le film, Guillaume Perrin d’1kult nous a dit une chose avec laquelle je ne suis pas le moins du monde d’accord : que Zibah Khana n’était pas un nanar, qu’il n’y avait pas une once de cynisme, que c’était premier degré et qu’il fallait en profiter et ne pas hésiter à se marrer. Si j’ai été tout à fait d’accord pour en profiter et rire un bon coup, je me pose en porte-à-faux pour ériger le film en monument du nanar qu’il est. De deux choses l’une, soit le film est effectivement sincère de la première à la dernière image, sans cynisme aucun, et alors c’est un nanar pur et dur, soit le réalisateur pakistanais manie avec dextérité le second degré et nous a concocté une parodie assumée souvent réjouissante. Peut-être y a-t-il un peu des deux à la fois, mais une chose est sûre, la gaudriole était de mise devant Hell’s ground, ou la virée de deux filles et trois garçons de la jeunesse d’Islamabad qui filent en douce à un concert de rock, et pour cela empruntent une petite route campagnarde maudite où les disparitions sont légions.

Là où le film fait fort, c’est qu’il se permet de jouer sur deux tableaux de l’horreur, le slasher, avec ce tueur sanguinaire sur lequel vont tomber les jeunes et qui va rivaliser de folie pour tenter de la massacrer, et le film de zombie, donc une incursion plus politique/écolo dans le récit (la condition des zombies n’est-elle pas la faute d’hommes et de femmes de pouvoir qui n’ont pas fait ce qu’il fallait ?). Car dans cette même région où sévit le tueur, une rivière polluée contamine les habitants et les transforme en zombies. Et bien sûr, nos pauvres amis de la ville vont tomber sur eux aussi.

Maintenant attention, si vous êtes des puristes du film d’horreur sérieux et flippant, si vous n’êtes pas adeptes de la curiosité et du ridicule pas forcément volontaire, passez votre chemin. Car Hell’s Ground fait bien plus rire que flipper. Il faut voir le mec choisir de descendre voir tout seul ce qui a mordu son pote qui a la jambe bien amoché. Il faut voir les filles trouver normal que leur ami qui s’est fait mordre la jambe ait le teint blafard, les cernes noires, et bave et crache un liquide vert fort peu orthodoxe. Il faut voir celui qui se fait plus de souci pour l’état du van que pour leurs vies après qu’ils ont croisé un groupe de zombies dégueulasses cherchant à les attaquer. Et il faut tout simplement voir le tueur à la burqa que sa mère considère comme une fille, et appelle comme telle.

En moins d’1h20, le spectacle de ce film rare est vite terminé. Je ne sais pas quand il me sera donné une autre occasion de voir un film gore Pakistanais, mais je suis déjà bien content d’en avoir vu un. Un feu de camp entre scouts, des bananes tueuses, des zombies pakistanais... Il y a des soirées comme ça…

Mon premier drama coréen !

Le cinéma coréen et moi, ça commence à remonter quelques années, comme je l’ai déjà raconté ici ou là. S’il y a bien une passion qui a chamboulé ma vie, c’est celle du cinéma coréen. A travers lui, la Corée s’est peu à peu infiltré dans ma vie, la langue, les gens, le pays, la culture. Aucun cinéma ne m’a autant ouvert à son pays d’origine que celui de Corée. Pourtant depuis près de cinq ans que la culture coréenne a pris une place importante dans ma vie, j’ai toujours été résistant à l’un des pans les plus célèbres et populaires de celle-ci : ses séries télévisées.

Aujourd’hui je vais pourtant faire une petite incartade au sujet de prédilection qu’est le cinéma dans ce blog pour parler d’une série télé coréenne, ou « drama » pour les néophytes qui n’auraient jamais entendu le terme. Parce que figurez-vous qu’après des années de résistance, j’ai finalement craqué et goûté à mon premier drama coréen. Non, je ne me suis pas (encore ?) avalé le drama en entier, et je ne l’ai pas téléchargé et regardé sur mon écran d’ordi ou ma télé. Finalement pour que je me lance, il m’aura fallu attendre qu’un peu de grandeur soit mis dans la transaction, et du coup, ce drama, je l’ai vu sur grand écran.

Cette année, le festival Séries Mania, dont la seconde édition se tient ces jours-ci au Forum des Images des Halles, à Paris, a sélectionné quelques séries venues d’horizons plus exotiques que la France et les États-Unis, et notamment de Corée. Trois dramas ont été programmés, deux d’entre eux projetés mercredi soir à la suite, sans que mon emploi du temps me permette d’y assister. Si j’ai un reproche à exprimer à ce Festival, c’est que chaque épisode programmé ne le soit qu’une fois, quand l’une des qualités majeures des festivals est de programmer au moins deux fois un film, ou ici un épisode de série, pour mettre toutes les chances du côté des spectateurs intéressés d’accommoder son emploi du temps pour attraper tout ce qui nous intéresse. J’ai raté les dramas « Comrades » et « Chuno » parce qu’ils ne passaient qu’une fois, dommage. Heureusement, le troisième drama projeté l’était un jour et à un horaire qui me convenaient parfaitement

Ce drama donc, c’est Iris, l’un des programmes phares de la télévision coréenne en 2009, qui a apparemment explosé quelques records d’audience au pays de Bong Joon-Ho. En tête d’affiche, l’un des acteurs phares du cinéma coréen, le fameux Lee Byung Hun, que les cinéphiles français connaissent surtout pour ses collaborations avec Kim Jee-Woon et Park Chan-Wook. Si la salle 500 du Forum des Images n’était pas pleine pour assister à la projection du premier épisode d’Iris, il y avait bien tout de même une bonne centaine de spectateurs, du Directeur du Centre Culturel Coréen à l’amateur de série curieux en passant par quelques amateurs de Corée que j’avais déjà croisé l’automne dernier au Festival Franco-Coréen du Film.

J’ai bien conscience qu’il s’agit là de circonstances exceptionnelles pour découvrir l’épisode d’une série télé, et ceux qui connaissent la salle 500 du Forum savent de quoi je parle. Le festival n’a donc diffusé que le premier épisode d’Iris, soit une heure introductive pour cette série d’espionnage annoncée pleine d’action… et de romance. Difficile de dire quel était mon sentiment avant de voir l’épisode… certainement un mélange de curiosité amusée et d’appréhension. Surtout après que des amies fans de drama m’aient dit qu’elles n’avaient pas accroché à celui-ci. Désolé les filles, mais moi… je me suis bien amusé devant ce premier épisode d’Iris. Bon quand les mecs qui ont présenté la série devant le public ont dit que ça valait du 24, je ne suis pas sûr que j’irais jusque là dans les compliments. Au niveau de l’atmosphère, du style visuel donné à la série, cela manque pas mal de rugosité, même si la projection sur grand écran a peut-être joué contre la série à ce niveau-là.

Après une introduction de haute volée en Europe où un agent spécial incarné par Lee Byung Hun commet un assassinat commandité, le reste de l’épisode est un long flash-back où l’on voit comment son personnage est arrivé dans ces forces spéciales. Son entraînement à l’armée, sa mission dans une université où il se fait passer pour un étudiant, une amitié, un coup de foudre. En fait, ce premier épisode navigue assez peu dans le genre auquel le drama semble appartenir par la suite, à savoir une série d’action/espionnage. Ici, la série coule tranquillement, brossant de l’action, distillant de l’humour, dessinant un triangle amoureux à développer. Cette légèreté quasi omniprésente dans ce cadre sérieux est rafraichissante, et j’avoue que voir Lee Byung Hun dans un rôle qui frôle parfois le comique, léger et souriant, est une agréable surprise. Jusqu’ici, je crois que je n’avais vu l’acteur coréen que dans des drames exigeant un visage fermé, ce qui n’est pas le cas ici.

A la fin de ce prologue, le cadre et les personnages sont posés, et l’on sent que ce qui viendra dans les épisodes suivant mêlera l’action et la romance avec intensité, certainement avec moins d’humour que dans ce préambule. Ai-je envie de voir la suite ? Maintenant que la curiosité a été titillée, ça ne me déplairait pas de voir dans quelle direction l’intrigue va s’orienter, oui. Mais je n’en suis pas encore à tomber pleinement dans dramaland, où apparemment on aime bien filmer les acteurs torses nus en sueur. Iris cherche manifestement à accrocher à la fois le public masculin et féminin, et apparemment, cela fonctionne.

J'ai enfin vu Citizen Kane

Non, je ne l’avais jamais vu. Je ne rigole pas. Je n’avais jamais vu Citizen Kane. C’est peut-être le genre de confession qu’on ne fait pas quand on se dit cinéphile, un grand mot qui suppose qu’on a vu tous les classiques du 7ème art. Une lacune que certains pourraient considérer inavouable. Citizen Kane, le film globalement considéré comme le plus grand de tous. Citizen Kane, dont François Truffaut disait qu’il « résume tous les films existants et préfigure tous les autres ». Eh bien moi, David T., 29 ans, cinéphile, cinémaniaque, ciné-que-vous-voulez, je ne l’avais jamais vu.

A quoi est-ce dû ? A l’absence du désir de le voir ? Certainement pas. Voilà des années que je rêvais de le voir. Lorsque j’ai commencé à être sérieusement mordu de cinéma, il y a quelques années, ma mère m’a offert le film d’Orson Welles en VHS (en VOST, quand même). Mais je ne l’ai jamais regardé. La flemme de l’adolescent d’abord, puis le désintérêt pour le format VHS quand le DVD a fait son apparition. Les années passaient, je voyais toujours plus de films, mais pas de Citizen Kane. Bien sûr au fil du temps j’ai développé une lubie de plus, en décidant de privilégier la salle pour découvrir tous les classiques du cinéma que je n’avais encore jamais vus. Quand on découvre des chefs-d’œuvre tels que Rio Bravo ou Docteur Folamour sur grand écran, difficile ensuite de se contenter de découvrir les autres sur sa télé.

Du coup j’ai expressément évité Citizen Kane à la télé et en DVD, sachant que c’était bien le genre de film qu’il n’est pas franchement difficile de voir dans une salle de cinéma, que ce soit dans les cinés du Quartier Latin ou à la Cinémathèque. Et puis tout à coup, la semaine dernière, je regardais le programme du cycle « La Fabrique du Temps » qui a lieu en ce moment au Forum de Images lorsque le titre « Citizen Kane » était annoncé pour le surlendemain, un soir où j’étais disponible. « Allez, il serait peut-être temps que je le vois ». C’est ainsi que je me suis trouvé, enfin, après des années d’attente, tout excité, calé dans mon siège, attendant que le rideau se lève sur « le plus grand film de l’histoire du cinéma ».

C’est toujours dans ces moments-là que l’on est déçu. Les attentes trop longues précédées d’avis plus qu’élogieux sont trompeurs. Ce ne fut pourtant pas le cas avec Citizen Kane. Bien sûr ce n’est pas le plus grand de tous les films qui m’a sauté au visage. Difficile de confirmer un tel avis général pour un film que l’on vient de voir. Mais c’est un grand film que j’ai vu, et c’est cela que j’attendais. Un film à la virtuosité insensée. Un film qui ne s’impose aucune limite dans l’audace, qu’elle soit narrative avec son récit éclaté mais totalement maîtrisé, ou visuelle, avec une mise en scène d’une modernité étincelante. Je ne vais pas écrire une critique de Citizen Kane ici, maintenant, cela n’aurait pas grand intérêt. D’autres l’ont déjà fait avant moi, sous tant de formes, depuis tant d’années. Là n’est pas le but de ce billet. Il me suffit d’écrire la profonde admiration qui m’a assailli pour le film d’Orson Welles après toutes ces années où j’ai patiemment attendu de le voir. Il me suffit d’écrire mon admiration pour ce jeune homme de 25 ans qu’était Welles à l’époque, capable d’offrir un tel film au cinéma si vite, si tôt.

Bien sûr, Citizen Kane n’est pas le dernier classique qu’il manquait à mon tableau. Je peux même dire que c’est loin d’être le cas. Il me reste tant de films à voir, de tant de décennies et de tant de nationalités différentes. Tant de lacunes à combler. J’ai grandi en tombant amoureux du cinéma de mon époque. J’ai grandi en allant voir un maximum de ces films faits par mes contemporains. Depuis quelques années pourtant, je sens qu’il me faut laisser plus de place dans ma vie de cinéphile à tous ces films que je n’ai jamais vus et qui m’attendent patiemment. Je les rattrape avec une délectation cinématographique qui me fait déjà trépigner d’impatience pour le suivant. Ce week-end, je me suis déjà engouffré dans la salle bleue de la Filmothèque pour découvrir Point Blank – le point de non-retour de John Boorman, en attendant la semaine prochaine qui va voir les ressorties de La loi du silence d’Hitchcock et de La Dame de Shanghai d’Orson Welles (décidément…). Qu’il est bon de vivre à Paris et de pouvoir voir tout cela.

Cannes à Paris : La Casa Muda

On a beaucoup parlé, cette année, du changement de direction de la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes. Nouvelle tête (Frédéric Boyer), avec un désir d’ouverture vers le cinéma de genre. Parmi les films symbolisant clairement cette volonté d’ouverture, un qui a fait couler pas mal d’encre pendant le festival, l’uruguayen La casa muda (La maison muette / The Silent House) s’est clairement posé en incontournable. D’où ma surprise de voir la salle 500 du Forum des Images si désert pour le découvrir quelques jours après son passage remarqué à sur la Croisette.

La raison pour laquelle La casa muda a beaucoup fait parler de lui tient en un défi technique : le film a été réalisé en un plan séquence de 78 minutes avec une caméra qui est apparemment un appareil photo haute définition (d’excellente qualité bien sûr). Bien sûr, le défi est bluffant. Bon, malheureusement, on ne s’en rend souvent presque pas compte tant on est plongé dans l’obscurité pendant l’intégralité du film et que si le cinéaste avait voulu placer des plans de coupe, on ne s’en serait probablement pas aperçu.

Le début de ce long plan-séquence commence dans un champ. Un homme, la soixantaine, et une femme, la trentaine, avancent en direction d’une maison seule entre les champs et la forêt. Ils s’y arrêtent. Bientôt, une voiture arrive, et le propriétaire de la maison en descend. Celui-ci n’habite plus ici depuis des années, et veut la remettre un peu en état avant de la vendre. Le vieil homme et celle qui s’avère être sa fille sont là pour cela. Ils doivent rester sur place quelques jours pour travailler. Alors que le propriétaire vient de repartir et que les deux arrivants s’apprêtent à passer leur première nuit dans la maison, calés au rez-de-chaussée, des bruits viennent du premier étage. Annonciateurs d’un cauchemar d’une heure pour les protagonistes.

Au-delà de la prouesse technique, La casa muda déçoit un peu. Un peu, car il faut bien avouer que les prémices sont remarquables. Le tournage léger en plan séquence offre une vivacité au cadre qui imprime rapidement l’ambiance. La rapidité d’exécution nous interdit dans un premier temps les questionnements pour nous plonger avec tension dans une angoisse invisible. On ne voit rien, mais on ressent un danger permanent. Le réalisateur Gustavo Hernandez a au passage l’excellente idée de jouer avec les codes du genre, nous poussant à attendre les reflets dans les miroirs et les apparitions derrière les portes lorsque ceux-ci ne viennent finalement pas. Les sursauts se font donc rares, mais l’angoisse, elle, s’emmagasine sans pouvoir être expulsée. Il s’amuse aussi avec le point de vue de la caméra, nous faisant parfois croire à une caméra subjective lorsque ce n’en est pas une, et la surprise s’ensuit.

Si le film déçoit, c’est par son dernier acte, totalement raté. Tout à coup La casa muda tombe dans la facilité narrative, dans l’attendu, dans l’agaçant, alors qu’Hernandez maîtrisait jusqu’ici parfaitement son sujet. On tomberait presque dans le n’importe quoi à force de vouloir justifier et expliquer. Connaît-il si mal le genre, l’uruguayen, pour ne pas savoir que le non-dit est comme le non-vu ? C’est ce qui fait toute la force d’un film de ce type. Heureusement que la scène du polaroïd, flippante, se situe dans ce dernier acte, pour relever le niveau.

Si c’est cela la révolution de la Quinzaine des Réalisateurs 2010, je préfère me rappeler que The Host du coréen Bong Joon-Ho avait débuté dans la même section en 2006. C’était du cinéma de genre brillant de bout en bout à côté duquel La casa muda fait un peu pâle figure…

Mai Mai Miracle, la pêche à l'exclusivité animée

Il n’est pas toujours évident d’être en alerte pour repérer les exclusivités, raretés et autres films immanquables que Paris a à offrir. L’offre est tellement vaste dans la capitale qu’elle nécessite une attention de renard. Si je n’étais pas passé devant le Forum des Images le week-end dernier, je n’aurais peut-être pas découvert que le lieu cinéphile allait projeter, quelques jours plus tard, un film d’animation japonaise en exclusivité dans le cadre de leur programmation « Teen Corner ». Grand bien leur a pris de mettre une grande affiche pour annoncer l’évènement, sans quoi…

En même temps je dis ça alors qu’en toute franchise, Mai Mai Miracle, l’anime en question, n’est pas le représentant du genre le plus emballant de ces dernières années. Il s’agit du second long-métrage réalisé par Sunao Katabuchi, près d’une décennie après son coup d’essai Princesse Arete. Le japonais y conte l’histoire de fillettes dans la campagne nipponne des années 50. L’une, Shinko, est une gamine du coin, espiègle et rêveuse, fascinée par l’Histoire de sa région qui lui a été transmise par son grand-père. L’autre, Kiiko, débarque de Tokyo orpheline de mère et timide. Shinko va prendre la petite nouvelle sous son aile pour vivre ensemble ses aventures imaginaires la transportant mille ans plus tôt, lorsque les vastes champs étaient encore une ville.

Bien sûr il y a plus dans Mai Mai Miracle (« mai mai » désignant en japonais un épi de cheveux, l’épi de Shinko qu’elle pense être responsable de sa capacité à faire revivre le passé dans ses jeux) que les simples amusements de deux fillettes faisant les folles dans les champs. Dans ce Japon d’après guerre, Katabuchi distille la confrontation entre deux mondes, ce Japon campagnard encore bien imprégné de sa vie traditionnelle, et le Japon moderne dessinant déjà ses contours et se confrontant à sa tradition.

Il y a aussi, bien sûr, la confrontation de l’enfance à l’âge adulte. L’idée qu’il n’y a pas d’âge pour se frotter à la réalité et devoir ravaler ses rêveries, ne serait-ce qu’un instant, pour encaisser l’intrusion des difficultés de la vie, par la maladie, par la mort. Mais si certains films d’animation ces dernières années ont abordé les confrontations de la jeunesse à des épreuves trop grandes pour leurs frêles épaules avec une profondeur et une densité étonnantes (Amer béton ou, plus proche de Mai Mai Miracle, Un été avec Coo), Katabuchi préfère lui ne pas trop perturber la légèreté de son film, préférant pocher son film d’amertume plutôt que l’en peindre tout à fait. C’est louable et réussi, mais laisse du même coup Mai Mai Miracle à un niveau plus enfantin et gentil qu’il n’aurait pu l’être sous la houlette de cet ancien collaborateur d’Hayao Miyazaki.

Je suis tout de même bien heureux d’avoir pu le découvrir dans la grande salle du Forum des Images plutôt que sur DVD, comme la plupart des amateurs devront le faire puisque Kaze (son distributeur) ne fera pas passer le film par la case cinéma, préférant le sortir directement en DVD cet été. Quand je vous disais qu’il fallait avoir l’œil pour repérer les projections à ne pas manquer…

En revanche pour les amateurs d’animation japonaise, dans moins de trois semaines sort sur grand écran Summer Wars… pour un plus grand nombre de spectateurs.

"Un état du monde et du cinéma" scrute l'intégration en Corée du Sud

Quoi, encore des films coréens ? Euh…. Oui. C’est comme ça, les festivals parisiens aiment le cinéma coréen, et j’avoue en être ravi. Après le Festival Franco-Coréen du Film en novembre dernier, le Forum des Images et sa manifestation « Un état du monde… et du cinéma » donne un coup de projecteur sur le pays d’Im Kwon Taek à travers une petite programmation intitulée « Corée : bouleversement d’une identité ».

Vendredi, deux films inédits dans les salles françaises étaient programmés : Hello, Stranger et Bandhobi. Chaque film avait comme thématique commune l’intégration dans la société coréenne pour un étranger, ou tout du moins le regard posé par les coréens sur celles et ceux qui ne sont pas leurs concitoyens. Un sujet universellement dans l’air du temps, à l’évidence.

Hello Stranger suit principalement trois personnages. L’un est un réfugié nord-coréen qui vient de sortir du centre d’intégration à la Corée du Sud par lequel passent les nord-coréens s’installant dans le sud ; un second est une conductrice de taxi elle aussi nord coréenne, mais intégrée au Sud depuis une décennie. Le dernier enfin est un vietnamien ne parlant pas un mot de coréen (enfin, presque), de passage dans le pays pour venir chercher sa petite amie qui, on le devine vite, a quitté le pays pour épouser un coréen.

Chacun de ces personnages devient à un moment ou un autre du récit le centre du film. En se penchant sur l’intégration des réfugiés du Nord dans la société coréenne, le réalisateur Kim Dong-Hyun touche à un sujet d’autant plus passionnant qu’il prend le parti d’en offrir deux visions, celle d’un petit nouveau, et celle d’une réfugiée installée de longue date. Au-delà de ce sujet passionnant, le réalisateur pêche par une trop grande errance narrative.

Il ne parvient pas à maîtriser le centre de son récit, se focalisant sur un personnage ou deux, laissant le troisième sur le bas-côté pendant plusieurs dizaines de minutes parfois, avant de renverser la vapeur et de changer point de focalisation, et ceci incessamment. Le film tire ainsi malheureusement en longueur, niant au récit toute possibilité d’emballer. Si les sujets abordés sont intéressants - le regard des sud-coréens sur les nord-coréens s’intégrant chez eux, et vice versa, l’exploitation d’étrangers venus de pays asiatiques en développement - ils perdent de leur force par l’incapacité du cinéaste à resserrer son intrigue et ses personnages. Dommage, car il recèle de belles choses, avant de s’enliser et de tourner un peu à vide.

Bandhobi est clairement un film plus réussi. Ce qui m’a surpris compte tenu que le précédent film du réalisateur Shin Dong-il était le fort déplaisant My friend and his wife, vu au Festival Franco-Coréen du Film cet automne. Bandhobi suit l’évolution de la relation, du mépris à l’affection, entre un immigré venu du Bangladesh, Karim, et une lycéenne coréenne solitaire, Min-Suh.

A travers ce couple assez improbable dans la société coréenne, Shin Dong-il s’intéresse au regard des coréens sur les étrangers, en particulier ceux venus d’un pays non occidental. La méfiance et l’incompréhension laissent rapidement la place à un racisme, parfois latent, souvent sans ménagement, de la part des coréens. Dans ce pays où la mixité est encore assez rare, où les étrangers sont presque invisibles en dehors de quelque touristes, la question de l’intégration est un sujet qui ira en grandissant.

Shin Dong-il le traite sous forme d’une comédie romantique sociale juste et sensible. Le cinéaste ne se contente pas de scruter en surface lorsqu’il se penche sur l’amitié qui se noue entre Karim et Min-Suh. Leur relation est aussi complexe que le cadre peu accueillant dans lequel ils évoluent, celui d’une société où l’on accepte mal qu’une jeune fille fréquente un étranger risquant d’être renvoyé chez lui un jour ou l’autre. Le film tire un peu en longueur sur la fin, mais on lui pardonne facilement, notamment grâce à un beau duo de comédien.

Bandhobi a récemment remporté le Grand Prix du Festival des Trois Continents à Nantes, peut-être sera-t-il distribué dans les salles françaises dans les mois à venir.

Lola, en philippin ça veut dire "grand-mère". Et bon film aussi.

L’homme qui tourne plus vite que son ombre était présent dans une salle parisienne mercredi soir. Plus exactement son œuvre la plus récente… quoi que quand on réalise plusieurs films par an comme Brillante Mendoza, cette désignation est vite dépassée. Le cinéaste philippin n’était pas là physiquement (probablement occupé à filmer les rues de Manille), mais Lola, son film présenté en compétition à la dernière Mostra de Venise était bien projeté au Forum des Images, dans le cadre du Festival « Un état du monde et du cinéma ».

En l’espace de trois films sortis dans les salles françaises ces deux dernières années, Mendoza s’est bâti une solide réputation auprès des cinéphiles français, qui ne pourra qu’être renforcée lorsque Lola sortira dans quelques mois. Un film du metteur en scène se reconnaît en quelques plans. Les rues de Manille, une caméra à l’épaule épousant le parcours d’un personnage à travers le bouillonnement de la ville. Ca y est, c’est sûr, on est chez Mendoza.

Le personnage que l’on attrape en cours de déambulation dans les rues de Manille est cette fois une grand-mère, accompagnée de son petit-fils. Ils se faufilent entre les passants sous un vent battant. Arrivés dans un coin bétonné où joue une bande d’enfants, ils s’arrêtent, et essaient d’allumer une bougie, qu’ils déposeront sur le sol. C’est à cet endroit, la veille, qu’un autre des petits-fils de la vieille dame a été mortellement poignardé.

Pendant que la famille cherche à réunir de l’argent afin de se payer un cercueil pour l’enterrement, une autre grand-mère entre en scène, celle de l’assassin. Celle-ci ne peut pas voir son petit-fils comme un meurtrier, et va s’évertuer à le faire sortir de prison, malgré son acte.

Chez Mendoza, les personnages changent, mais la ville reste la même, et le style demeure inimitable. Il y a quelque chose de proprement fascinant dans l’aisance cinématographique du réalisateur philippin, film après film. Cette fluidité imparable dans le récit et la mise en scène. Comme un fleuve qui coule sans obstacle, aimant les plans-séquences et connaissant peu le sens du mot ellipse. Le cinéma de Mendoza est une invitation à plonger dans le quotidien de Manille, sans filet, avec cette impression inaltérable que nous faisons partie du décor tout autant que ce qui apparait à l’écran.

La caméra glisse sur ces maisons, ces rues encombrées, ces visages criant de réalisme, nous poussant à nous interroger sur la place du vrai et du faux. Où commence la fiction, et où rejoint-elle la réalité. Si j’ai ressenti nettement moins fortement Lola que Kinatay ou Serbis, force est de constater que Mendoza perpétue sa capacité à sonder sa ville, ses habitants, et sa société. Violence tellement ancrée dans le quotidien qu’elle ne surprend plus, système D à tous les étages, de la rue aux institutions, possibilité de tout acheter avec un peu d’argent, même la liberté d’un homme qui a commis un homicide… Le regard de Mendoza est aigu, avec un mélange de chaleur et de désabusement totalement iconoclaste. Un sentiment de joie de vivre se disputant constamment avec un malaise profond, peignant probablement par là les paradoxes de la société philippine.

Si pour la première fois j’ai ressenti un peu d’ennui devant un film de Mendoza, j’en suis tout de même sorti admiratif de la richesse du regard posé... et toujours aussi curieux devant cette langue qui mélange allègrement le vocabulaire local avec des bribes d’espagnol et d’anglais incongrus.

L'Australie sauvage et armée à l'Etrange Festival

L’étrange Festival, deuxième. Avec un peu de retard, mon compte-rendu de la manifestation (déjà close) continue… Après le clinquant Japon féodal, direction les antipodes, avec un film que l’on croyait oublié (pour l’Hexagone). Car si le western australien The Proposition est bien inédit chez nous, et ne sortira en salles qu’en décembre, il date de… 2005 ! Peut-être doit-on ce soudain intérêt français pour ce film à la sortie imminente du nouveau film de son réalisateur, John Hillcoat, dont la très attendue transposition de « La Route » sortira dans quelques semaines. Quelle que soit la raison de cette sortie tardive, on s’en réjouit, car elle est amplement méritée.

Le western, genre immédiatement associé à l’imaginaire hollywoodien, réserve parfois de belles surprises hors des frontières américaines. Oubliez un instant la conquête de l’Ouest, et projetez-vous « Down Under » comme ils disent, à la fin du 19ème siècle. L’Australie est toute fraîche pour les européens exilés sur cette terre sauvage où l’ordre a bien du mal à régner. Deux des frères Burns, redoutables criminels insaisissables, sont attrapés par le Capitaine Stanley, représentant de l’ordre d’un coin paumé. Mais celui-ci s’intéresse plus au troisième frère Arthur, le leader de leur gang, qui vit caché dans la montagne. Il passe alors un marché avec Charlie, un des deux frères arrêtés. S’il tue son sanguinaire frère aîné avant Noël, son jeune frère sera épargné et relâché.

The Proposition ressemble assez peu à un western traditionnel - si tant est qu’une telle chose existe encore de nos jours - malgré un énorme gunfight en ouverture qui met notre instinct sur une mauvaise piste. En réalité, le film de Hillcoat a plusieurs facettes. La première, la plus réussie, est offerte par le rôle du Capitaine Stanley, campé par l’anglais Ray Winstone. Un personnage qui de prime abord semble être une ordure de première, pourri jusqu’à la moelle, alors qu’au fil du film, malgré son aspect rustre, il va peu à peu s’affirmer comme le personnage apportant le plus d’humanité au récit (malgré lui tout de même). En défendant avec force le jeune Burns contre les vautours de la ville, il agit plus par peur des représailles que par conviction humaniste.

La seconde facette du film, plus risquée mais trouvant un parfait équilibre avec l’autre, est celle d’un western tendant plus vers le naturalisme. Il s’agit du personnage de Charlie Burns, interprété par Guy Pearce. Un criminel ayant quitté son frère aîné par dégoût pour les actes de ce dernier, et forcé de le tuer pour sauver son plus jeune frère. Cette quête, elle se fait dans le désert, la montagne, les paysages grandioses, sans pour autant chercher la contemplation. Si ce versant du film lorgne vers un western style Jeremiah Johnson ou L’Assassinat de Jesse James (réalisé par le compatriote australien Andrew Dominik), l’âpreté et la violence demeurent.

Elles demeurent tant et si bien que le film offre un goût de pessimisme profond dans son exploration de l’âme humaine, d’une noirceur évidente sous l’œil de sa caméra envers les hommes et femmes qui ont bâti l’Australie de l’époque. Si l’on ne peut s’empêcher parfois de penser à l’Australia de Baz Luhrman (tourné après) pour ses espaces et certains personnages (ou le rôle miroir de David Wenham), on est loin de l’image plus politiquement correct de la superproduction hollywoodienne.

A quelques semaines de la sortie de La Route, The Proposition montre en tout cas à quel point John Hillcoat est un cinéaste bien choisi pour porter à l’écran le chef-d’œuvre littéraire de Cormac McCarthy, auquel les adjectifs âpre et noir collent aussi parfaitement.