Si j'ai déjà vu "Mission impossible : protocole fantôme" ? Deux fois, en fait...

Les derniers jours de l’année sont les plus épuisants. Un peu à cause des réveillons de Noël et du Nouvel An, bien sûr. Des nuits blanches, des fêtes, des gens à embrasser, du champagne à ingurgiter, et ne parlons même pas de l’indécence des victuailles. Mais la cerise sur le gâteau, c’est la course aux derniers films de l’année, une course qui ne s’arrête pas une fois les douze coups de minuit sonnés. Donoma, Le Cheval de Turin, Hell and back again… les films que je n’ai pas encore réussi à faire glisser sous mes yeux dans l’obscurité d’une salle de cinéma sont légions. Mais comme si cela ne suffisait pas, il faut que je me rajoute un peu plus de difficulté dans cet emploi du temps cinéphile qui commence à ressembler à un véritable casse-tête chinois.

La difficulté que je me suis ajouté, c’est que contre toute attente, je suis allé voir Mission impossible : protocole fantôme deux fois en l’espace de trois jours. Dans la même salle qui plus est. Non parce que le film de Brad Bird m’a particulièrement ébloui ou a trouvé une place parmi mes favoris de l’année… quoiqu’au rayon des films d’action hollywoodiens, je n’ai pas vu tant de meilleurs films que celui-ci en 2011, alignant les séquences d’adrénaline à un rythme stakhanoviste, propulsant constamment le spectateur au cœur d’une action menée à une allure remarquable, le tout parsemé de touches comiques délicieuses (merci Simon Pegg). Je suis sorti enchanté de cette première vision du quatrième épisode de la franchise hollywoodienne, bien que j’ai dérogé à mes habitudes de placement en acceptant de m’assoir au dixième rang, un rang qui même dans la plus grande salle de l’UGC Ciné Cité Bercy m’éloignait trop de l’écran à mon goût. Mais les deux amis qui m’accompagnaient ne semblaient pas chauds pour aller poser leurs fesses beaucoup plus bas, et c’est bien plus bas qu’il aurait alors fallu s’asseoir pour rester ensemble dans cette salle bien remplie.

Alors j’ai ronchonné, un peu, pour le plus grand plaisir de mes camarades qui s’amusaient de voir ma maniaquerie s’exprimer. Et étonnamment, la distance par rapport à l’écran ne m’a pas tant gêné, sûrement grâce à la taille de celui-ci, à un format cinémascope ouvrant l’horizon de l’écran, et peut-être aussi un peu parce qu’il y avait une plus forte matière à se faire du souci quelques rangs plus bas. Lorsque le premier flash a crépité dans la salle, je n’ai pas trop compris ce qui se passait, si j’avais raté quelque chose à l’écran qui aurait provoqué cet éclair de lumière. La seconde fois, j’ai repéré que cela provenait de la salle vers les premiers rangs sur le côté. La troisième fois, j’ai capté la scène : un spectateur se prenant en photo dans la salle. Oui oui, pendant le film. L’homme coupable de ce méfait a exécuté le geste quatre ou cinq fois en tout pendant le film.

Difficile de croire qu’aucun des spectateurs l’entourant n’ait réagi, pourtant, ça ne semblait pas bien agité dans ce secteur de la salle. Pas sûr que j’aurais résisté à l’envie d’envoyer voler son appareil si j’avais été assis à côté de lui. Mais de mon dixième rang, les flashes ne m’ont pas suffisamment gêné pour avoir envie de foncer revoir le film deux jours plus tard. Mon retour  quarante-huit plus tard dans la même salle, au même horaire, a juste tenu dans le fait qu’un pote australien avec qui j’allais au ciné ce soir-là (oui, celui-là même qui avait goûté aux joies de l’Orient-Express quelques mois plus tôt) mourait d’envie de voir les nouvelles aventures aux quatre coins du monde de l’agent Tom « Ethan Hunt » Cruise (on se croirait d’ailleurs de plus en plus dans James Bond avec ce nouveau Mission impossible), et les amis nous accompagnant ce soir-là ne l’ayant pas vus non plus, le film a fait le consensus. Préférant passer la soirée avec mes amis plutôt que faire bande à part seul dans une autre salle pour voir Killing Fields (que j’ai découvert deux jours plus tard sans grand enthousiasme), j’y suis donc retourné, cette fois calé au cinquième rang, trop près dans une si grande salle, mais cette proximité nous aura presque fourni l’effet Imax sans l’écran Imax. Et à aucun moment être si près ne m’aura gêné (ni mes compagnons de salle, plus étrangement), de l’apparition du nouveau logo Paramount (fêtant les 100 ans du studio hollywoodien avec panache) à la brume de Seattle clôturant le film.

Sur le chemin du cinéma, j’aurai au passage croisé, planté dans la station, en mode attente (de quoi, je n’aurais su dire), l’homme aux sacs plastiques. En T-shirt et pieds nus dans ses chaussures de toile en ce 30 décembre. Fidèle à lui-même en somme, exactement comme lorsque je suis retombé sur lui trois jours plus tard au Cinéma du Panthéon pour une projection mémorable. Mais ça, c’est une histoire qui vaut un billet à elle seule…
Ah oui, et Bonne Année, au fait.

Quand le spectacle est autant dans la salle qu'à l'écran...

Drôle de journée au cinéma. Lorsque je me suis réveillé samedi matin, le seul plan du jour était d’aller voir le nouvel Harry Potter avec des amis à la séance de midi, histoire d’éviter la foule. J’étais loin de penser que j’allais m’embarquer pour un petit marathon de trois films qui auraient tous pour point commun d’être projetés dans une salle agitée de soubresauts qui en énerveraient plus d’un. Mais depuis que je tiens ce blog, j’arrive à prendre les désagréments avec le sourire en me disant « Au moins, ça fera un billet marrant à écrire sur l’IBC ». Samedi je me suis trouvé dans trois salles où le spectacle était autant dans la salle qu’à l’écran. Et je vais me faire un plaisir de vous raconter ce qui s’est passé.

La journée cinéma a donc commencé avec le 7ème film adapté de la saga littéraire écrite par J.K. Rowling, Harry Potter et les reliques de la mort, 1ère partie, réalisé par le même David Yates qui avait signé les deux précédents opus. Je ne suis pas un fan inconditionnel des Harry Potter, et y vais avec plaisir sans l’impatience excitée des toqués du sorcier à la cicatrice. Mais je sais bien qu’en se rendant aux nouvelles aventures d'Harry Potter en première semaine d’exploitation, on se retrouve avec une salle risquant de rassembler beaucoup d’ados. Hors en faisant fi de ce facteur, je sais que je m’expose aux spectateurs que j’abhorre le plus en ce bas monde. Il n’y a pas de pires spectateurs que ces boutonneux évoluant en meutes pour lesquelles les sorties ciné sont une occasion pour les garçons de faire les kékés devant les filles, pour les filles de s’éclater entre copines, et tant d’autres combinaisons que c’en est flippant. Pire que les vieux qui parlent ou les gamins qui posent des questions, les ados.

Et ceux-ci étaient bien au rendez-vous samedi midi à l’UGC Ciné Cité Bercy. En quelques instants, mes amis et moi étions encerclés. Devant nous, cinq ou six copines partageant un seau de pop corn qui ne sera définitivement vidé qu’à 20 minutes de la fin du film. A ma droite, un couple d’ados avec un autre seau de pop corn. Et derrière ? Encore cinq ou six adolescentes, celles-ci sans pop corn mais avec un gros potentiel pour se faire remarquer comme j’allais le constater au cours du film. En même temps il faut bien avouer que si ce septième Harry Potter avait fait partie des bons crus, j’aurais moins entendu les filles de derrière.

Mais voilà, la première partie des Reliques de la mort est un tout petit Potter, au scénario bâclé et mal rythmé qui ne laisse aucune chance au film. Les ellipses servant à tourner plus rapidement les pages du bouquin évitent ce qui pourrait être de vraies bonnes séquences (une bataille aérienne de sorciers !!) pour se concentrer sur un mollasson triangle Harry/Hermione/Ron courant seul pendant les deux tiers du film, sans personnages secondaires forts qui caractérisent habituellement les films Harry Potter. La galerie de personnages n’est pas exploitée, préférant balader le trio de jeunes sorciers de forêts en forêts avec une intrigue bien mince (alors il faut trouver un médaillon, une fois celui-ci trouvé il faut trouver un moyen de le détruire, et une fois le moyen trouvé il faut trouver l’instrument qui permettra cette destruction… pfff). Il semblerait qu’avoir scindé la dernière adaptation en deux films n’était qu’un prétexte à ramasser plus de fric et à ne pas tuer tout de suite la poule Potter aux œufs d’or, car le doute n’est pas permis : il n’y avait pas de quoi faire un épisode de 2h25 avec ce film. Ce qui déçoit cruellement après la qualité étonnante du sixième volet.

On tombe même bien bas avec une scène de danse absolument ridicule entre Harry et Hermione, sous une tente, dans la forêt. Une scène si ridicule que la salle en a ri aux éclats (ou était-ce parce que les autres la trouvaient véritablement drôle ??), et que l’adolescente placée derrière moi s’est tout à coup crue dans son salon et s’est mise à commenter la séquence pour ses copines. « Ah nan mais ils sont trop ridicules là ! Ils dansent pas en rythme c’est n’importe quoi ! Nan mais ils dansent trop vite ! ». Un petit quart d’heure plus tard (ou était-ce une heure ? j’ai perdu la notion du temps dans ce film…), Harry doit plonger dans un lac gelé pour récupérer une épée. Et allez, on enlève le froc et le haut, et voilà notre Harry en caleçon devant une salle médusée et grondant d’excitation (souvenez-vous, majorité d’adolescentes). Un mec à poil dans la forêt pour des gamines excitées, non nous ne sommes pas dans Twilight, mais on s’y croirait presque. Ma voisine de derrière s’est pour l’occasion de nouveau lancée dans une série de commentaires de salon : « Naaaan, il va pas y aller ! Il est fou moi j’irais pas ça doit être glacé ce truc ! [Harry plong dans l’eau] Naaaaaan il le fait !!!!! ». Au moment où je m’apprête à lui lancer un petit « Ta gueule » bien placé, elle se tait, me coupant dans mon élan.

Lorsque le générique surgit à la fin et que les lumières se rallument, ma petite voisine de derrière n’attend pas une seconde pour balancer « J’ai trop kiffé. Je les kiffe tous de toute façon. Je crois que je kifferais tous les films jusqu’à la fin ». Moi ce que je retiendrai surtout de cette spectatrice c’est une chose qui n’a pas semblé gêner ses copines qui n’ont jamais moufté à ma grande surprise. Car moi, pendant tout le film, je n’ai pas arrêté de l’entendre roter. Oui, vous avez bien lu. Oh bien sûr, pas à gorge déployée. C’étaient des éructations contrôlées, bouche scellée avec échos caverneux. Un son inimitable et parfaitement reconnaissable, que la jeune fille n’a cessé d’essayer de retenir tout au long du film. Toutes les 8 ou 9 minutes, ce bruit si étonnant résonnait dans mon dos. Ce serait ça, l’effet Harry Potter sur les adolescentes ?

Sorti de la salle, séparé de mes amis partis voguer vers d’autres eaux, et avec deux heures libres devant moi, j’ai regardé s’il n’y avait pas un film commençant dans le quart d’heure qui pourrait m’intéresser. J’ai décroché le gros lot avec Date Limite, que je n’avais toujours pas vu et qui me promettait une bonne tranche de rire après la déception Potter. La projection de la nouvelle comédie de Todd Phillips, qui a connu un succès inattendu l’an passé avec le délirant Very Bad Trip, fut surtout émaillée de mes rires. Quiconque est déjà allé au cinéma avec moi sait que lorsque l’humour est à mon goût, je peux être… comment dire… très expressif. Et comme j’ai le chic pour rire de choses qui ne font pas forcément rire tout le monde… il arrive que les autres spectateurs soient surpris. Mes voisines de devant en ont fait le constat devant Date Limite. Phillips réussit un nouveau road movie débridé qui reprend parfois un peu trop facilement des ficelles de Very Bad Trip pour le récit et les gags mais s’avère tout de même franchement hilarant à plusieurs reprises. Et j’imagine très bien que les deux ados devant m’ont vite catalogué dans la catégorie « Mec bizarre » lorsqu’elles se sont tournées vers moi alors que j’étais pris de spasmes assez incontrôlables de rire et que je me tapais la tête contre mon siège (non je ne suis pas un monstre).

Mais ce qui m’a fait rire aussi à cette séance de Date Limite, c’est une fuite d’eau qui avait lieu dans la salle. Non non, pas une fuite d’eau inopinée, mais une fuite d’eau qui était déjà en cours avant que la séance ne commence. Un goutte-à-goutte tombait du haut plafond sur un petit groupe de sièges au fond de la salle. Sur le coup, en entrant je n’avais pas remarqué. J’ai tendance à descendre directement vers le 5ème ou 6ème rang, et ce qui se passe au 12ème rang m’importe peu. Mais là, je me suis à un moment tourné pour voir s’il y avait du monde, et j’ai alors vu dans le reflet des lumières des gouttes tomber du plafond sur des sièges couverts de sacs plastiques. Ahurissant. Avec autour, des spectateurs qui s’apprêtaient à passer tout le film avec le bruit du goutte-à-goutte et pour certains, ceux qui se trouvaient derrière la fuite, l’eau traversant l’écran dans leur champ de vision. Si la salle avait été pleine, je les aurais peut-être plaints, mais là, il y avait largement assez de places libres pour qu’ils se redéployent ailleurs, où l’herbe était plus sèche.

Après un repas pour me remettre de ces deux premiers films et une tentative improvisée (et avortée, devant le monde) de voir le Raiponce de Disney au Grand Rex en VO, j’ai terminé ma journée ciné à 22h, devant l’Espace Saint-Michel, à attendre dans le froid que les portes s’ouvrent pour la séance de Destination Himalaya de Jeon Soo-il, réalisateur de La petite fille de la terre noire. A cette heure-là, dans cette salle-là, les spectateurs sont épars. Trois coréens quinquas ayant l’air un peu éméchés s’arrêtent pour regarder l’affiche, s’amusant de voir à l’affiche à Paris ce petit film coréen qu’ils ne connaissent peut-être pas (mais reprennent leur chemin pour remonter le Boulevard Saint-Michel.

Je vous ai gardé le meilleur pour la fin. Mieux que les ados parlant et rotant, mieux que la fuite d’eau pendant le film, j’ai rencontré pour vous, samedi soir, une cinémaniaque vivant un grand moment de solitude. Elle était placée juste devant moi et mon amie. Nous attendons tous que le film commence. Juste derrière nous, un couple de sexagénaires discute en anglais, elle avec un accent new-yorkais, lui un accent français. Tout à coup la lumière s’éteint, le générique de début commence, le couple de derrière continue à parler. Ma cinémaniaque, plus toute jeune elle non plus, décolorée rousse, lance un « CHUT » puissant leur étant clairement destiné. Effet de silence immédiat. Mais quelques instants plus tard, c’est un couple de trentenaires qui entre en salle en parlant (l’entrée se fait juste à côté de l’écran), et à peine ont-ils le temps de mettre un pied dans la salle et de constater que le film commence que notre cinémaniaque qui a clairement pris le contrôle de la salle leur crie « Vous pouvez vous taire s’il-vous-plait ! ». Les deux ne mouftent pas et se calent le rang devant elle, sur la droite.

Le film se déroule alors tranquillement. Un premier acte calme, zen, une déambulation d’un coréen à travers monts et vallées rocailleuses d’Himalaya, en silence. Ca y est, très vite, mon couple de sexagénaire, dans mon dos, perd pied. J’entends monsieur sombrer dans une série de ronflements peu discrets qui me fait me retourner, ce qui le réveille aussitôt. Le film trouve son rythme en confrontant notre héros coréen à une népalaise à laquelle il n’arrive pas à avouer qu’elle est veuve, que ce mari qu’elle attend ne reviendra pas de Seoul où il est mort en tentant d’échapper à la police. C’est Choi Min-Sik, l’acteur de Oldboy, qui incarne ce coréen qui s’installe alors tel un vacancier chez la veuve en attendant de trouver les mots pour lui avouer la vraie raison de sa présence. J’ai beau me plonger sans peine dans cette belle rencontre, mon sexagénaire replonge lui dans les ronflements, ce qui amuse d’autres spectateurs mais m’agacent d’autant plus que je constate que sa compagne est elle aussi en plein sommeil. Mais heureusement, mes protestations le réveillent, et il ne sombrera plus.

Le spectacle aura finalement lieu devant moi, avec ma fausse rousse de cinémaniaque. La scène, je la vois venir, mais elle est tellement énorme que je n’y crois pas. A l’écran, Choi Min-Sik se repose dans un lit, la caméra est fixe sur lui. Un bruit d’instrument se met alors à résonner sur notre droite. A l’évidence, le son provient de l’enceinte perchée sur le mur droit, mais notre cinémaniaque rousse, absorbée par le sommeil de Choi Min-Sik, et ne voyant aucun instrument de musique à l’écran, remue sur son siège. Je la vois au bout de quelques secondes se pencher en avant et regarder du côté des trentenaires retardataires, qu’elle a à l’œil depuis le début du film car ils ont une nette tendance à se murmurer des choses à l’oreille pendant le film. C’est énorme, elle ne va pas le faire !? Mais si, elle le dit. La cinémaniaque balance sèchement à ces voisins de devant « Vous pouvez arrêter avec votre bruit là ?! », à quoi le mec lui répond, évidemment, tout aussi sèchement « C’est dans le film ! ». Je ne peux résister, j’ai un petit pouffement de rire. Le plan fixe se fait alors mouvant, et la caméra se tourne vers la droite, révélant un vieil homme jouant d’un instrument qui émet ce son si particulier. J’aurais voulu voir la tête de ma cinémaniaque lorsqu’elle comprend son erreur. Je l’entends simplement émettre un léger « Oh… ». Toute la salle l’avait entendu balancer sa remarque, et toute la salle émet alors un petit ricanement.

La passion l’aura aveuglée, difficile de lui en vouloir. Mais nul doute que cette scène l’aura plongée dans un grand embarras : on ne l’a alors plus entendue de tout le film. Il n’est jamais trop tard pour rencontrer une nouvelle cinémaniaque que la maladresse rend touchante, et avec elle s’est achevée cette longue et presque folle journée dans les salles, que les mésaventures ont rendue encore plus savoureuse. Les rencontres sont infinies dans les salles de cinéma parisiennes.

Un week-end au ciné - Chapitre 3

Si mon week-end a essentiellement consisté en une fête d’anniversaire familiale dans le sud de la Seine-et-Marne, j’ai eu le temps d’attraper deux films samedi avant de partir, et même si je l’ai déjà vu il y a plus d’une semaine, il n’est jamais trop tard pour aborder la transposition live sur grand écran de Dragonball.

Je fais partie de la génération qui a grandi avec le dessin animé d’Akira Toriyama comme œuvre de culte, me délectant dans mes années 80 natales des aventures du petit Goku et ses amis, puis plus tard du grand Goku (et toujours ses amis). Avec les potes, on en parlait à la récré, on regardait religieusement les épisodes ensemble et on se prenait pour ces héros japonais. Il est bien sûr arrivé un âge où j’ai décroché, mais la TNT aidant, j’ai depuis revu avec plaisir quelques épisodes à la télé. Et gardé avec curiosité un œil sur ce vaste et surréaliste projet hollywoodien couvant depuis quelques années à la Cité des Anges : confier à des acteurs le soin d’incarner Tortue Géniale, Bulma et les autres.

Le projet étai casse-gueule d’entrée de jeu, malgré la présence à la production du fou chinois Stephen Chow. Le résultat est, faut-il s’en étonner ?, un bon gros nanar. Les ficelles scénaristiques sont absolument grossières (jusqu’à la séquence post-générique aussi détectable que Chuck Norris au milieu d’une bande d’Aztèques), les effets spéciaux souvent risibles, et les dialogues… inénarrables.

Ces défauts étaient tant attendus qu’ils auraient été pardonnés si le scénariste s’était donné la peine de respecter l’œuvre de Toriyama et du même coup les fans de la première heure de Dragonball. Malheureusement ce n’est pas du tout le cas. La mythologie des personnages est contorsionnée, dénaturée, trahie. Le scénariste nous pond une histoire qui n’a plus grand-chose à voir avec les origines de Goku. Et dire qu’ils comptent éventuellement en faire d’autres (films !), et ont laissé entendre que la suite pourrait se raccrocher à de véritables épisodes du dessin animé… cela semble peut probable vu l’origine tout à fait différente qu’ils ont tissé pour le protagoniste.

Il est possible, pour apprécier ce Dragonball made in Hollywood, de se marrer à moitié devant Chow Yun-Fat en Tortue Géniale ou d’apprécier la beauté de l’actrice qui incarne Chi-Chi (Jamie Chung), mais il faut avouer que c’est bien peu.

Ouf, le programme de samedi a été bien plus réjouissant, et a commencé par une surprise de taille : Ron Howard serait en fait un bon réalisateur. C’est du moins ce que l’on est en droit de penser après avoir vu Frost/Nixon, la transposition ciné de la pièce de théâtre remarquée de Peter Morgan, qui déjà mettait face-à-face Michael Sheen et Frank Langella dans les rôles respectifs de l’animateur de talk show britannique David Frost et l’ancien Président des États-Unis d’Amérique Richard Nixon, dans ce récit de la préparation (et le déroulement) d’un légendaire (pour les américains) affrontement télévisuel enregistré quelques années après la démission de Nixon suite à l’affaire du Watergate.

Faiseur Hollywoodien par excellence, Richie Cunningham a réalisé quelques honnêtes divertissements (Apollo 13, Backdraft, Willow) et quelques sombres daubes que je ne nommerais pas (mais y en avait une où Audrey Tautou jouait la descendante de Jésus quand même !). Avec Frost/Nixon, Howard signe, haut la main, son meilleur travail de metteur en scène. Plus que les dessous du Watergate et de l’implication de Nixon dans le scandale, dont on se contrefout complètement, c’est dans l’examen minutieux de toute une mécanique que le film s’avère une vraie réussite.
Mécanique de la mise en place médiatique, mécanique de l’implication humaine dans une démarche collective raillée, et bien sûr mécanique d’un face-à-face entre deux hommes que tout semble opposer, mais qui se trouvent confrontés à une problématique commune : de l’issue de la joute filmée dépendra leur avenir.

Contre toute attente, Ron Howard filme cette bataille qui se joue dans des chambres d’hôtels et des salons avec plus que les simples ressorts du suspense hollywoodien dont il a coutume (et ne venez pas me vanter les qualités de son agaçant Un homme d’exception comme un exemple de son ambition !). Les personnages auxquels il s’attache sont croqués avec une justesse remarquable, dans leurs défauts autant que leurs qualités. Les décors souvent minimalistes (dus à l’origine théâtrale du matériau sans doute) sont parfaitement exploités, rendus lieu d’étouffement pour ces personnages qui rêvent de grandeur mais doivent se contenter de l’enfermement pour espérer retrouver les spotlights de la gloire, que ce soit ceux du show-biz ou de la politique.

Grimages et mimétismes sont rarement les traits d’une interprétation qui attisent mon admiration, c’est donc moins dans le Nixon de Frank Langella, par ailleurs excellent, que dans le David Frost de Michael Sheen que j’ai trouvé mon plaisir de spectateur. Sheen tisse un Frost qui au-delà de sa bonhomie forçant la sympathie se révèle souvent insaisissable, à la fois sûr de lui et angoissé, flamboyant et pathétique. Le comédien britannique ne devrait pas tarder à se voir nommé aux Oscars , dans les années qui viennent, après avoir été placé dans l’ombre d’Helen Mirren dans The Queen, et maintenant Langella dans Frost/Nixon.

Anecdote de spectateur : vu à l’UGC Ciné Cité Bercy, Frost/Nixon a attiré Michaël Youn et sa compagne qui se sont placés juste devant moi. S’ils n’ont pas l’effronterie d’une Maïwenn Le Besco, impossible de ne pas remarquer qu’ils ont bien du mal à complètement oublier leur Blackberry, même le temps d’un film…

Dernière projection du week-end, le documentaire de Fabienne Godet Ne me libérez pas, je m’en charge, consacré à l’un des anciens taulards les plus célèbres de France, Michel Vaujour. Ce dernier s’est fait un nom moins pour les exploits qui l’ont conduit au trou que pour son étonnante capacité à s’évader. Vaujour a presque toujours réussi à se libérer par ses propres moyens du carcan carcéral, parfois sans bruit, souvent avec panache comme lors de sa spectaculaire évasion, dans les années 80, de la prison de la santé… en hélicoptère.

Ses exploits évasifs pourraient en faire un héros de cinéma hollywoodien, mais ce qui a véritablement intéressé la réalisatrice, ce sont les pensées de Vaujour. Ce que l’homme a absorbé et appris de toutes ces années en prison (plus de deux décennies tout de même !), dont une longue période en isolement total. Ne me libérez pas, je m’en charge, c’est une plongée dans les réflexions de Vaujour, dans le conscient et l’inconscient d’un ancien prisonnier qui a tout connu derrière les barreaux, et a au fil du temps appris à prendre du recul. Ce documentaire, bien souvent un simple témoignage en gros plan de Vaujour, est l’un des plus saisissants longs-métrages consacrés à la vie en prison, et ses conséquences pour les personnes y ayant vécu longuement, dans des conditions extrêmes. Sans que jamais la caméra s’y pose.

Coeur d’encre : y a-t-il un projectionniste dans la cabine ?

Aller au cinéma plusieurs fois par semaine revient à accepter cette variable qui vient régulièrement titiller les maniaqueries cinéphiles de tout un chacun (en l’occurrence moi) : les projections ne sont pas exemptes de problèmes techniques. Il y a les problèmes techniques majeurs, comme l’incident déjà évoqué il y a quelques semaines d’une bobine en VF se glissant au milieu d’un film en VO, ou bien l’alarme incendie se déclenchant en plein milieu du film (pour Le sourire de Mona Lisa à l’UGC Ciné Cité Bercy il y a quelques années, heureusement le film était moyen)… Et les problèmes mineurs.

Mardi soir était ma dernière chance de voir Cœur d’encre en VO sur Paris. Vu les résultats au box-office du film de Iain Softley, il semble que je suis l’un des rares à m’être soucié de voir ce film d’aventures flirtant avec l’heroic fantasy. Mais depuis ma tendre enfance où ma sœur et moi regardions en boucle Princess Bride de Rob Reiner, je garde toujours un œil sur les films du genre, promettant péripéties extraordinaires dans des mondes fantastiques.

Surtout que Stardust de Matthew Vaughn a récemment prouvé qu’il était possible de réaliser un passionnant film d’heroic fantasy qui ne soit pas adapté de Tolkien. Cœur d’encre n’est finalement pas du niveau de Stardust, probablement un peu (beaucoup ?) parce que, comme Les Chroniques de Spiderwick l’année dernière, au lieu de nous entraîner dans un monde fantastique, le récit fait entrer des éléments d’un univers fantastique dans notre monde bien réel.

La balade au côté de Brendan Fraser, qui interprète un homme ayant le pouvoir de faire venir à la vie les personnages et décors des livres qu’il lit, s’avère tout de même sympathique, principalement grâce au comédien britannique Paul Bettany, que l’ont n’avait plus vu sur les écrans français depuis sa performance en Silas dans le pathétique Da Vinci Code de Ron Howard (mais je lui pardonne tout depuis son interprétation inspirée du docteur Maturin dans Master & Commander). Il campe ici un lâche mais attachant jongleur bloqué dans un monde qui n’est pas le sien.

Mais je m’éloigne de l’anecdote effleurée plus haut. Le petit problème technique qui m’est arrivé pendant la projection de Cœur d’encre m’était déjà arrivé lors d’autres projections, dans d’autres cinémas que l’UGC Ciné Cité Bercy, où je me trouvais mardi soir.

Lorsqu’un projectionniste cadre mal, le projecteur pointe un peu trop haut ou un peu trop bas sur l’écran, et on se retrouve avec un léger décalage : en l’occurrence, le projecteur pointait trop haut mardi soir, et il y avait donc quelques centimètres au bas de l’écran qui n’appartenait pas à la partie inférieur du plan projeté, mais à la partie supérieure ! Le haut du ciel apparaissait en bas de l’écran !

Au début du film cet écart était à peine visible, d’autant plus que beaucoup de scènes étaient sombres. Mais au fur et à mesure de la projection, l’écart s’est un peu plus creusé, jusqu’à être nettement visible tout le long du bas de l’écran. Une évolution renforcée par plus de séquences où brillait un ciel lumineux qui se trouvait d’autant plus visible au bas de l’écran.

Mon problème c’est que j’ai trop tendance à me focaliser sur ce genre de petits incidents techniques jusqu’à ne plus voir que cela… D’autant que j’étais assis en plein milieu de ma rangée en bas de la salle et que je me voyais mal perturber la rangée entière et remonter pour aller signaler le problème et rater 3 minutes du film, ce qui m’aurait encore plus gêné !

Il y a plus de deux ans déjà, un problème de son très léger pour une oreille peu pointilleuse m’avait déjà gâché ma seconde vision de The Host, dans ce même UGC Ciné Cité Bercy. J’avais quitté la salle pour leur signaler le problème, résultat j’avais perdu 5 minutes du film et ils s’étaient montrés incapables d’arranger cela en cours de route (les employés d’UGC défilaient dans la salle pour tendre l’oreille, mais m’avaient appris en fin de projection qu’il allaient essayer de régler le problème pendant l’interséance).

Au final je n’ai donc pas quitté mon siège pendant Cœur d’encre, me disant qu’à un moment ou un autre le projectionniste, s’il y en avait un, remarquerait le décalage et arrangerait cela. Ce qu’il fit effectivement, 7 ou 8 minutes avant la fin du film ! Il ne faudra pas qu’ils s’étonnent, à Bercy, s’ils me voient moins souvent à l’avenir…