L'Etrange Festival a accueilli des monstres extraterrestres pour sa clôture

La lumière revient déjà, l’Étrange Festival est terminé. Cette année, j’ai plus profité de la manifestation que d’habitude : six longs-métrages au cours des dix jours de festival. Six longs-métrages allant du polar à l’horreur, du slasher à la SF. Six longs-métrages venus du Japon, de la Corée, de Hong Kong, de Serbie, de Suisse et de Grande-Bretagne. Dimanche soir se tenait la soirée de clôture au cours de laquelle on a eu droit à un petit speech du directeur du Festival et à un palmarès (rapide) consistant en un Prix Nouveau Genre remis à Buried (en salles en novembre), et en deux courts-métrages primés, d’un Grand Prix et d’un Prix du Public et projetés en préambule du film de clôture.

Le premier des deux courts, All flowers in time, récipiendaire du Grand Prix, était signé Jonathan Caouette, révélé il y a quelques années par l’étrange film / journal intime Tarnation. Un court sous l’influence évidente de David Lynch, étrange, rébarbatif et angoissant, une vraie curiosité interprétée entre autres par Chloë Sévigny. Le second court, One night, suit presque sans dialogues la nuit d’une poignée de jeunes femmes en boîte de nuit. Un moment débridé et plutôt drôle quelque part en Australie, détendant à merveille l’atmosphère après le court Lynchien précédent.

Mais ce qui nous réunissait tous ce soir-là, c’était évidemment le film de clôture, le très attendu Monsters. Sachant que je le verrai à l’Étrange Festival, je m’étais expressément coupé de toute bande-annonce du premier long-métrage signé de l’inconnu Gareth Edwards. Tout ce que je connaissais du film c’étaient une ou deux affiches, et un vague synopsis. Je ne saurais dire à quoi je m’attendais avec précision, mais une chose est sûre, je ne m’attendais pas à ce que nous a offert Monsters. Si, en fait, je pense que je m’attendais à un film fauché mais flippant et haletant.

Or, tout d’abord, si Monsters est un film fauché dans les faits, il ne l’est pas à l’écran. Voilà un film qui n’aurait coûté que 15.000 dollars à réaliser, et qui donne l’impression d’avoir bénéficié de plusieurs millions, tant l’univers visuel développé par Edwards et son équipe est bluffant. Ce qui est tout aussi bluffant, c’est la réussite du scénario dans sa volonté de créer une mythologie, un univers narratif fort et crédible. Six ans avant le début du récit, une sonde de la NASA ayant récolté des échantillons d’une vie extraterrestre récemment découverte s’écrase au Mexique. En quelques mois, une forme de vie extraterrestre se développe, et tout un pan du Mexique est placé sous quarantaine. Cette « zone infectée », soigneusement délimitée par des murailles immenses et des contrôles stricts, abrite des monstres géants. Un photographe américain cherchant à prendre des clichés non loin de la frontière avec la zone infectée, à San José, doit rapatrier aux États-Unis la fille de son patron.

Le cadre posé par Gareth Edwards est remarquable. A l’évidence tourné en décors naturels en Amérique Centrale, Monsters ne sent pas le chiqué. Chaque plan, chaque séquence est criante de vérité dans cet univers entre misère et chaos, suffisamment réaliste pour que l’on sente une société similaire à la nôtre, tout en y insufflant cette piqûre de science-fiction, ces immeubles en proie aux flammes, ces panneaux indiquant la zone infectée, ces reportages passant sur les écrans de télé. Cela peut sembler anodin, mais ce sont ces détails qui tissent la force d’un récit inscrit dans le surnaturel. Dès lors que ces bases sont solidement ancrées, le récit peut suivre son cours, l’adhésion du spectateur est acquise. La mienne l’était.

Si bien que lorsque le film ne semble pas vouloir emprunter le chemin qu’on attend de lui, celui d’un film pressé et pressant, offrant de l’action, je ne l’ai pas rejeté. Si Monsters avait manqué sa mise en place, la lente errance que le récit adopte ensuite aurait pu renfrogner. Or la minutie apportée à l’univers visuel, malgré la restriction budgétaire, pousse à s’intéresser à cet angle inattendu choisi pour traiter d’un road movie en territoire ennemi et étranger. Le film avance, explore, accélère un peu pour mieux ralentir. Lorsqu’il devient clair que nos deux héros vont finir par devoir frayer en zone infectée, on s’attend à ce que le film bascule dans une course contre le danger, mais il n’en est rien. Edwards maintient son désir d’explorer la mythologie qu’il a bâtie et s’en servir pour aller plus loin qu’un film d’action. Drame social et romance tout autant que film d’aventure, Monsters flirte avec la métaphore politique, avec les inquiétudes migratoires, guerrières et écologistes de notre époque, pour s’affirmer en tant que film de SF original et intelligent.

Monsters sacrifie l’action pour ne pas se laisser enfermer par les limites d’un genre. En à peine plus d’une heure et demie, le film parvient à se renouveler plusieurs fois, à ne pas prendre les voies les plus visibles pour mieux s’enrichir. Le danger n’est pas prévisible, les monstres ne sont pas forcément monstrueux, et les possibilités deviennent infinies. Lorsque l’écran s’éteint, c’est une surprise. Une surprise par l’incroyable potentiel à aller plus loin. L’incroyable potentiel d’un scénario et d’un cinéaste qui auraient pu aller encore plus loin, non pas à la place de ce que le film est, mais au-delà de ce qu’il est déjà. J’aurais voulu qu’il continue. Qu’il ne s’arrête pas là. Mais pour cela, il lui aurait fallu 5.000, ou 10.000 dollars de plus peut-être ? Quand on pense que Michael Bay ne peut même pas mettre en boîte 3 minutes de film pour le même prix en faisant un Transformers, on se dit que l’argent est entre de mauvaises mains.

Monsters devrait sortir en décembre dans les salles françaises. Amateurs de SF sortant de l’ordinaire, diminuez vos attentes en action et cochez la date sur votre calendrier…

Ca existe les films de science-fiction suisses ?

Je suis un bon client pour la SF. Il est rare que je laisse passer un film du genre, d’autant qu’ils ne sont pas si nombreux sur grand écran. Même les films qui peuvent sembler faiblards sur les bords (voire bien au milieu) tombent généralement dans mes filets lors de leur passage en salles, que ce soit le blockbuster incontournable à la Star Trek ou l’indépendant discret à la Pandorum. L’Étrange Festival a prouvé par le passé le goût de ses programmateurs pour la science-fiction de qualité, et il m’était donc impossible de faire l’impasse sur le film de SF spatiale de l’édition 2010, avec en tête le souvenir d’avoir découvert dans ce même amphi du Forum des Images le beau Moon de Duncan Jones.

La curiosité du film choisi cette année pour succéder au voyage de Sam Rockwell sur la Lune, c’est sa nationalité. Suisse. Combien d’entre vous ont déjà vu un film de SF suisse, sincèrement ? Sans vouloir porter ombrage au pays de Jean-Luc Godard, il est cocasse de découvrir l’existence d’un film suisse s’aventurant dans l’espace. Bien sûr j’ai acheté ma place d’emblée pour cette rareté (déjà passée par Gerardmer) intitulée Cargo, d’autant que le synopsis était vraiment excitant : au 23ème siècle, la Terre n’est plus qu’un lointain souvenir pour l’Humanité. Notre belle planète bleue n’est plus habitable, trop polluée. A la place, les êtres humains se sont refugiés dans des stations spatiales surpeuplées, excepté ceux ayant les moyens de se payer une place sur Rhea, une distante planète accueillante pour l’espèce humaine.

Le cadre est posé. Notre héroïne est médecin. Elle embarque à bord d’un vaisseau dont l’équipage part construire une nouvelle station spatiale, à quatre années de distance. Pour un tel voyage, l’équipage est placé en cryo-sommeil. Seule une personne de l’équipage, à tour de rôle, prend une garde de huit mois, éveillé à bord du vaisseau. Mais alors que la destination n’est plus qu’à quelques semaines, notre toubib, de garde, a l’impression que quelqu’un d’autre est présent à bord…

L’ambition ne manque à l’évidence pas sur le papier. La première question, la grande question, c’était « A quoi peut bien ressembler un film de SF suisse ? ». L’instinct nous pousse à attendre un film quelque peu cheap, or la surprise est de taille. Cargo n’a pas à rougir d’une production hollywoodienne pour ce qui est de la qualité visuelle. Si ce n’était la langue germanique résonnant dans les couloirs du vaisseau, on pourrait se croire dans un film américain. Il est dès lors permis de se dire que l’on s’embarque pour un film vraiment intéressant, qui va pouvoir nous offrir une grande maîtrise visuelle avec potentiellement un point de vue et une direction originale – après tout on est dans un film suisse, ils ont forcément des choses différentes à dire les suisses !

La déception de Cargo vient contre toute attente du scénario. Le point de départ riche en possibilités cinématographiques - terre surpeuplée, abris de fortune dans l’espace, une riche planète de substitution à la Terre – n’est finalement pas exploité autrement que dans une direction attendue, quelque peu essoufflée par d’autres films, passés plus tôt et ayant déjà traité sujets similaires avec plus d’aplomb et d’originalité. Cargo nous sert un plat froid dans lequel on a déjà plus d’une fois planté nos fourchettes. Les réalisateurs Ivan Engler et Ralph Etter essaient de nous faire peur avec une présence inquiétante, sans grand suspense. Ils dénoncent les mensonges des grands de ce monde qui tentent de nous faire avaler des cachalots. Ils crient au danger du non respect écologique de notre planète. Mais tout cela manque de voix malgré les cris. Sans être mauvais, Cargo est décidément bien convenu.

Et me revoilà plongé un an en arrière, lorsque je marchais sur la Lune avec Sam Rockwell… Ca c’était de la grande SF.

Dream Home : du sang, du sexe et de l'humour à l'Etrange Festival

Après les déconvenues Mutant Girls Squad et No Mercy, je me suis rendu sans grande attente à la projection de Dream Home. La fournée 2010 de cinéma asiatique semblait déjà être un mauvais cru pour L’Étrange Festival. Et finalement, en m’y rendant sans attente, et sans même vraiment savoir ce que réservait le film de Pang Ho Cheung (ayant seulement survolé le synopsis du film d’un œil), la sympathique surprise est tombée : c’est bon !

Comment décrire en quelques mots Dream Home pour ceux qui aiment les formules rapides… Disons que c’est un slasher social. Le genre est assez rare pour faire du long-métrage une bizarrerie agréable. Quoiqu’ « agréable » soit un terme mal choisi, étant donné la souffrance (j’adore exagérer) que m’ont apporté les scènes gores du film (que voulez-vous, j’suis une p’tite nature moi). Disons donc plutôt que Dream Home est un slasher social bien fun. Car la souffrance était bien masquée par un esprit corrosif et absurde tirant régulièrement la cloche de l’amusement. On s’éclate, devant Dream Home.

Josie Ho, actrice principale et productrice du film, campe une jeune femme rêvant depuis sa plus tendre enfance de vivre dans un bel appartement avec vue sur la baie de Hong Kong. Mais la prolétaire qu’elle est a bien du mal à accéder à son rêve. Elle trime entre deux jobs et doit s’occuper de son père malade. Mais elle tient à ce vieux rêve. Elle y tient énormément. Elle y tient plus que tout. Elle est prête à tout pour assouvir son rêve. Surtout au meurtre.

Dream Home n’est pas un slasher gentiment linéaire. Il faut s’accrocher pour coller les morceaux (le jeu de mots n’était pas voulu). Le récit est éclaté sur plusieurs époques qui se juxtaposent sans cesse. On navigue entre 2007, 2004, 1997 et 1991, pas spécialement dans cet ordre-là. Chaque époque de la vie de l’héroïne a son importance. Chaque époque pose la pierre qui l’amènera à la situation dans laquelle elle se lance et s’empêtre en 2007. En 2007, elle trucide à tout va. Et pour comprendre pourquoi cette jeune femme qui pourrait sembler si douce et docile se réveille en machine à étouffer, égorger, découper, étriper, voire énucléer (désolé si vous mangiez), Pang Ho Cheung prend un malin plaisir à brouiller les lignes du temps.

Le défaut majeur du film, c’est qu’en faisant cela, il brouille également les cartes de la personnalité de son héroïne. Du coup on a du mal à accepter les facettes contradictoires de la jeune femme. D’une scène à l’autre, elle peut se montrer tantôt femme docile, tantôt tueuse implacable. Sa détermination est toujours contrebalancée par une naïveté qui l’empêche d’apparaître comme un personnage crédible. Ce trait serait rédhibitoire si l’on n’était pas de toute façon dans un slasher ayant de grands moments de fantaisie. Notamment lorsque l’on se trouve en 2007 au cours de cette nuit d’horreur et de sang. Le massacre perpétré est constamment désamorcé par un humour jouissif, de la partie de jambes en l’air se terminant dans le sang à ce type éventré qui semble incapable de mourir, trimballant ses boyaux en mains à travers l’appartement pour grappiller quelques minutes de vie supplémentaire (je me suis déjà excusé auprès de ceux qui mangent ?).

Pang Ho Cheung a également l’intelligence de mettre son récit et son talent de réalisateur (la mise en scène fait preuve d’un soin remarquable) au service d’un discours social fin et amusant. Face à la crise du logement à Hong Kong et la flambée des prix de l’immobilier, cette quête désespérée de standing pour une femme vivant dans la simplicité depuis toujours la rend sympathique malgré ses actes. Et si on faisait ça à Paris ? Un massacre dans un bel immeuble pour faire baisser le prix des apparts ? On y réfléchit et on en reparle ?

L'Étrange Festival sort son film choc : A Serbian Film

Alors voilà, c’était cela, le fameux A Serbian Film. C’était cela le film dont je regrettais presque (je dis bien presque) ces derniers jours d’avoir acheté une place pour sa projection (disons exceptionnelle) lors de L’Étrange Festival. Je m’étais décidé à y aller parce que j’avais lu ici ou là qu’il s’agissait du film électrochoc de l’année. Surtout choc. Et ma curiosité, cette belle et parfois traitresse curiosité cinématographique qui est la mienne, m’avait donc poussé une semaine avant la projection de A Serbian Film à aller acheter une place au Forum des Images.

En fait d’une place, j’en ai pris quatre, entraînant dans mon sillage trois autres curieux. Le Forum des Images et son équipe avait été bien briefé sur le caractère sulfureux du film. Dans le hall, des affichettes dans tous les coins, alertant les spectateurs potentiels sur A Serbian Film : « Attention », « Choquant », « Scènes à caractère violent », « Strictement interdit aux moins de 18 ans », quelques préventions du genre. Et pour ceux qui n’auraient pas aperçu ces mots, les employés aux caisses avaient eux aussi un petit speech préparé : « Vous savez que c’est un film dur hein ? On nous a bien dit de prévenir. C’est interdit aux moins de 18 ans il paraît que c’est super choquant, à un autre festival y a des gens qui ont fait des malaises devant le film ».

A force d’insister, j’ai fini par douter. J’ai quand même pris les places bien sûr, mais en rentrant chez moi, je suis allé jeter un œil à la bande-annonce sur Internet et survolé quelques échos. Et là, j’ai eu un sacré mouvement de recul. Du glauque, du glauque, du glauque. Du snuff movie, des hangars est-européens, des viols, de la torture… « NOOOOOOOOON, j’ai pas envie d’aller voir ça !!! Mais pourquoi ai-je attendu d’acheter ma place pour regarder des images du film !! Pffffffff… ». Voilà en gros ma réaction à la bande annonce. Toute la semaine précédant la projection, la méfiance ne m’a pas quitté.

Et vendredi, l’heure de A Serbian Film a sonné, et le verdict est tombé : mouais. Ce grand terme scientifique pour exprimer ses sentiments et son ressenti. Mouais. On suit donc un ancien acteur de films pornos, désormais marié et père d’un petit garçon, qui accepte de signer un contrat auprès d’un producteur mystérieux, qui lui promet un film porno transcendant le genre, mais dont il ne doit pas connaître le scénario. Ce qui intéresse notre héros, c’est uniquement le nombre de zéros sur le chèque, qui lui permettra de vivre à l’abri du besoin pour plusieurs décennies. Mais il ne sait pas dans quoi il s’embarque.

Ce dans quoi il s’embarque, sans grande surprise pour qui a entendu parler du film, c’est un snuff movie, un film dans lequel on viole et on tue réellement. Si un tel sujet avait à la base peu de chances de me séduire (il faut bien reconnaître que ce n’est pas un sujet « séduisant »), le traitement choisi par le réalisateur n’arrange rien. Une fois le héros lancé dans le snuff movie, alors que jusqu’ici la tension montait, tout à coup le récit, le suspense et l’intensité dramatique retombent en même temps lorsque la structure narrative se contente d’un flash forward « Trois jours plus tard », à la suite duquel nous verrons les évènements écoulés entre temps en plusieurs flashbacks. Dès lors, toute la dangerosité que l’on sentait poindre dans la première partie du film ne se fait plus jamais vraiment sentir. Elle n’est plus, et toute la place est désormais occupée par le sensationnalisme, le glauque (encore), et une violence que je ne peux m’empêcher de trouver gratuite.

Le scénariste, présent à la projection pour une séance de questions/réponses avec le public à l’issu du film, avait beau justifier le ton l’extrême violence physique de ce film en parlant d’une métaphore de la jeunesse serbe et de l’héritage du conflit yougoslave, difficile de vraiment en être convaincu devant un viol de bébé, des viols incestueux, et de la nécrophilie abjecte. J’ai d’ailleurs un peu de mal à interpréter les applaudissements de la salle (archi bondée, des spectateurs étaient même assis dans les escaliers) devant certaines de ces séquences abominables. Sürement pas de la satisfaction en tout cas (j'espère ?).

Alors voilà, c’était cela, le fameux A Serbian Film. C’était un film à voir, peut-être. Un film choc, sûrement. Un film toc, aussi.

No Mercy, ou comment Alejandro Jodorowsky m'a survendu un polar coréen quelconque

Après la mise en bouche amusante de la veille, les choses sérieuses commençaient dimanche à L’Étrange Festival grâce à la carte blanche à Alejandro Jodorowsky. L’artiste chilien, maître en divers domaines dont le cinéma (El Topo et La Montagne sacrée entre autres), a choisi pour le Festival quelques films de genre qu’il apprécie particulièrement et bonne surprise, l’un des films retenus se trouve être un polar coréen inédit dans les salles françaises, sorti au début de l’année en Corée du Sud, No Mercy.

Jodorowsky lui-même s’est fendu d’une présentation du long-métrage qui affichait presque complet. Et le bougre nous l’a bien vendu, comme il s’y était déjà employé dans le programme du festival. Mais là, devant les 500 spectateurs que nous étions, Alejandro a laissé parler son enthousiasme de plus de 80 printemps avec accent sud-américain à la clé pour nous convaincre que nous étions partis pour une claque comme les coréens en ont le secret. Le présentateur de luxe est même allé jusqu’à dire que No Mercy était supérieur à Oldboy dans le genre, une comparaison forte quand on sait à quel point les amateurs de cinéma de genre portent haut le film de Park Chan-Wook dans leur cœur.

Malheureusement, force a été de constater, deux heures plus tard, que Jodorowsky nous a bien trompés. Il nous a survendus le film, qui est au final l’exact opposé de ce qu’il voulait nous faire croire: No mercy n’est qu’un ersatz de Oldboy. Une pâle copie qui, loin de le surpasser, ne fait que reproduire son thème et ses effets sans jamais parvenir à transcender le modèle. A la sortie du film, un de mes camarades de visionnage a sorti « No mercy, c’est Oldboy produit comme un épisode des Experts. Oldboy produit par Jerry Bruckheimer et réalisé par Michael Bay, l’action en moins ». Je ne serais pas allé chercher une comparaison par là, mais force est de constater qu’on n’en est pas loin.

Le corps d’une jeune femme est retrouvé près d’un estuaire. Une jeune flic à peine sortie de l’académie assiste les inspecteurs sur l’enquête, tout heureuse de pouvoir côtoyer un de ses anciens professeurs, le Docteur Kang, médecin légiste de son état, sur une enquête. Ce dernier va se trouver au cœur de l’affaire lorsqu’il va découvrir que le tueur tient sa fille en otage et menace de la supprimer si le professeur ne l’aide pas à échapper à la justice.

Il apparaît bien vite qu’il y a une raison précise au chantage exercé sur le légiste de la part du tueur, enfoui dans le passé de l’homme, un passé qu’il devra fouiller en même temps que les policiers enquêtent sur le meurtre. Une course contre le temps et les dissimulations similaires à celle d’Oh Dae-su dans Oldboy. Lorsqu’on a compris que le réalisateur Kim Hyeong-Joon a pris le film de Park Chan-Wook pour modèle, le scénario nous balade sans franchement nous happer, ni tout à fait nous surprendre, malgré le joli minois de l’actrice de dramas Han Hye-Jin et la présence de Seol Kyeong-Gu, plus sérieux que dans Haeundae (autrement connu ici sous le titre The Last Day) mais moins intense que dans Oasis de Lee Chang-Dong.

J’aurais vraiment voulu me prendre une claque devant No Mercy comme je m’étais pris une claque devant Oldboy ou The Chaser, comme me l’avait promis Alejandro Jodorowsky. Sa passion pour le film était communicative, jusqu’à ce que le visionnage nous révèle la supercherie. Certes il n’a pas été aidé par un problème technique survenu en cours de projection : au bout d’1h40 de film environ (qui dure un peu plus de deux heures en tout), nous avons été privés de sous-titres pendant cinq minutes. Pas de bol, il semblait évident que l’absence de traduction écrite intervenait exactement à un moment crucial ou des clés de l’intrigue étaient révélées. Mais pour la majorité de la salle, ces clés se sont évanouies dans la barrière de la langue. Pour ma part, l’incident m’a fortement agacé et déconnecté du film bien après que le sous-titrage ne réapparaisse miraculeusement, plombant le film un peu plus.

Heureusement la projection n’était pas en 35mm, sans quoi l’absence de sous-titres aurait probablement duré au moins le temps d’une bobine. Et j’ai beau avoir fait des progrès en coréen ces dernières années, et comprendre la langue mieux qu’un français lambda, retirez-moi les sous-titres sans prévenir et mes lacunes se font jour. Mais même sans cet incident, No Mercy n’aurait pas fait forte impression, j’en ai bien peur.

Décidément L’Étrange Festival 2010 démarre mollement. Vivement que le sentiment change. Prochaine étape, Dream Home mercredi soir.

Mutant Girls Squad lance mon Étrange Festival 2010

Chaque année, à la rentrée, c’est le rendez-vous incontournable. Le festival qu’il ne faut pas manquer lorsqu’arrivent les premiers jours de septembre. Pendant que les stars défilent à Venise (oui, non, ce n’est pas de la Mostra que je parlais…), à Paris, on s’engouffre dans Les Halles pour s’installer au Forum des Images où L’Étrange Festival prend ses quartiers pendant près de dix jours. L’année dernière, j’avais arrêté mon choix sur trois films : le western australien The proposition, l’aventure féodale japonaise Goemon, et l’évasion lunaire Moon. Ces deux derniers sont par la suite sortis directement en DVD, et en ce qui concerne Moon, c’est une honte indicible tant le premier film de Duncan Jones est un bijou de science-fiction comme on en voit peu.

Enfin, laissons l’édition 2009 dernière pour se concentrer sur l’édition 2010. Que je ne trouve pas 2 ou 3 films me faisant me pourlécher les babines à l’avance, cela n’arrive jamais avec L’Étrange Festival. Cette année ne fait pas exception, et mon programme se décline déjà en six films. Un japonais, un coréen, un chinois, un serbe, un suisse, et un britannique. L’éclectisme géographique est total !

J’ai donc ouvert mon Étrange Festival samedi soir à 22h, entourés de geeks fans de cinéma fantastique japonais, avec Mutant Girls Squad. Ambiance étrange (ça tombe bien) pour cette projection, présentée par un type qui semblait être de la rédaction de Mad Movies et était tout enthousiaste à l’idée de voir le film avec nous (eh oui car il ne l’avait pas vu !), espérant qu’on serait plus, qualitativement parlant, du côté du génial Machine Girl plutôt que du pourri Samourai Princess (ce sont ses mots, moi je ne les ai pas vus ces films, le genre n’est pas ma spécialité).

Ce que je regrette, c’est que ce gars de Mad Movies ne soit pas revenu à la fin de la projection pour nous révéler si finalement Mutant Girls Squad était à ranger du côté des ratés du genre ou des perles. Pour le profane que je suis, le film s’est apparenté à un bon gros nanar. Une série Z cheap faisant passer un film de Uwe Boll pour une superproduction à 100 millions de dollars (je parle du budget bien sûr, pas de la qualité du film). Le film suit le destin d’une lycéenne nipponne qui découvre du jour au lendemain qu’elle n’est en fait qu’à moitié humaine. Son père est en effet un HILKO, une race présente sur Terre bien avant les hommes, dotée de pouvoirs (et d’attributs) hors du commun. Elle est alors recrutée par d’autres HILKO pour défendre leur cause contre ces humains qui cherchent à les anéantir.

Et c’est parti pour 1h30 d’effets spéciaux ridicules, de dialogues bidons, de mise en scène grossière, et d’intrigue écrite à l’arrache. Bien sûr, l’ensemble est tellement hallucinant de pauvreté qu’il s’en dégage un charme certain par moments, un charme qu’étaient à l’évidence venus chercher les spectateurs connaisseurs présents dans la salle 500 du Forum des images, qui n’ont pas arrêter d’applaudir le film 1h30 durant. Sont-ce les têtes qui explosent, les bras katanas, les fesses agrémentées d’une tronçonneuse (si si) qui les ont rendus ainsi hystériques ? Sûrement, et ce n’est pas méchant (même si parfois un peu long, notamment lorsque notre héroïne dézingue des humains pendant 10 minutes avec monotonie).

Cela m’a rappelé qu’à l’édition 2005 de l’Étrange Festival, j’avais vu le sympathique Cutie Honey d’Hideaki Anno, moins cheap et autrement plus réussi. Quel que soit mon avis, la salle a chaudement applaudi Mutant Girls Squad. Tant mieux pour eux, mais pour moi, l’entame du Festival 2010 a donc été laborieuse quoiqu’originale. Demain, rendez-vous avec un polar coréen…