« Drug War » : Johnnie To frappe fort mais revient en France par la petite porte

Où est passé Johnnie To ? Combien d’amateurs de cinéma hongkongais (et de cinéma tout court) se sont posé la question ces derniers temps ? Il y a tellement de films à voir chaque jour, qui plus est à Paris, que les mois peuvent filer avant que l’on se rende compte qu’un cinéaste aussi prolifique que Johnnie To n’est plus à la mode auprès des distributeurs français. Plus autant, tout du moins.

Souvenez-vous des années 2000, époque bénie si récente où nous avions droit à notre Johnnie To annuel en salles. « The Mission », « Breaking News », « Election », « Exilé »… C’était devenu un rendez-vous incontournable qui revenait tous les douze mois au même titre qu’un Woody Allen ou un Hong Sang-soo (dans des genres diamétralement opposés bien sûr), et le cinéaste était tellement ancré dans le paysage cinématographique contemporain, ses films s’arrêtant au passage par les compétitions cannoise ou vénitienne, que l’on aurait pu croire que les choses continueraient ainsi pour longtemps encore.

Et puis un jour, on se réveille en se rendant compte que les films de To se font moins présents dans les salles, menaçant de rester tout simplement absents des grands écrans hexagonaux. Depuis Vengeance au printemps 2009, il y a donc cinq ans, seul un film du réalisateur a eu droit à un passage sur grand écran en France, « La vie sans principes », il y a deux ans.

Johnnie To n’a pourtant pas arrêté de tourner, il suffit de jeter un œil sur IMDb pour confirmer qu’il tourne toujours un ou deux longs-métrages chaque année. Il continue et l’an dernier l’un de ses récentsfilms, « Drug War », est allé remporter le Grand Prix au Festival du Film Policier de Beaune, si bien qu’il a même été question un temps que celui-ci sorte en salles en France. Jusqu’à ce que son distributeur Metropolitan se ravise et décide finalement, à la tristesse cinéphile générale, de sortir le film directement en DVD il y a quelques jours. Cependant je suis un privilégié puisque quelques projections ont été organisées sur grand écran, et j’ai eu la chance d’assister à l’une d’entre elles.

L’opportunité de revoir enfin un film de Johnnie To en salle obscure était irrésistible, qui plus est le bien réputé « Drug War ». Le cinéaste hongkongais y suit un inspecteur des stups chinois tentant de mettre la main sur un gros trafiquant, en utilisant un des hommes de main de celui-ci qui s’est fait arrêter et risque la peine de mort. Sun Honglei et Louis Koo prêtent respectivement leurs traits au flic et au prisonnier collabo pour un film vient rappeler pourquoi on aime le cinéma de Johnnie To. Du cinéma puissant, à l’intrigue alambiquée et pourtant limpide qui laisse la part belle à la mise en scène. Avec comme point d’orgue un gunfight en pleine rue (avec une utilisation des voitures réjouissantes), où le jusqu’auboutisme des coups de feu échangés et des cadavres empilés confine au comique, alors qu’en permanence la maîtrise de l’espace dans le cadre de To nous explose à la figure.

Décidément, vivement le prochain Johnnie To sur grand écran…

L’Étrange Festival, 3ème jour : loups garous espagnols et fantômes chinois

Un rien peut me perturber une projection. Et parfois cela n’a rien à voir avec les autres spectateurs, rien à voir non plus avec les qualités de projection, non, parfois, ce n’est vraiment rien. Dimanche soir, pour la projection de « Games of werewolves » (en VO, "Lobos de Arga"), l’Étrange festival avait invité le réalisateur espagnol du film, Juan Martines Moreno, et son acteur principal Gorka Otxoa. Bon certes la grande salle 500 n’était même pas à moitié pleine, mais l’enthousiasme du cinéaste à l’idée de présenter son film dans « la capitale mondiale de la cinéphilie » comblait le vide. Après quelques mots sympas, une petite présentation du film, et quelques mots de l’acteur, le réalisateur nous annonça qu’il avait un petit cadeau pour nous avant de nous laisser regarder le film. Quelque chose qu’il avait l’habitude de faire lors des séances de  questions/réponses en fin de projection, mais puisqu’il n’y aurait rien de tel à l’issue de cette projection, il nous proposait de le faire sur le moment. Un petit quiz sur les films de loups garous qui vaudrait à deux personnes dans la salle un comic book tiré du film et la bande-originale pour accompagner.

Les films de loups garous ne sont pas ma spécialité, je ne m’attendais donc nullement à remporter l’un des deux cadeaux, me doutant qu’il y avait certainement assez de connaisseurs dans la salle pour se battre. Et puis boum, la première des deux questions tombe : « Quel acteur interprète le protagoniste du Loup-garou de Londres de John Landis ? ». Tout de suite, le visage de l’acteur se dessine dans ma tête, une ou deux mains se lèvent, je me dis que c’est plié. La première main répond Jack Nicholson (???), la seconde David McNaughton. La réponse est non aux deux. Je m’apprête à lever la main en me disant « Mais ils sont nuls ou quoi c’est… c’est… ». Et là, le blanc. Le vide intersidéral. Mais comment s’appelle-t-il déjà ! Mais c’est pas possible je ne connais que lui ! Il a joué dans « Le Grand Bleu » ! Dans « After Hours » ! Il a même réalisé la comédie romantique à la con avec Meg Ryan et Matthew Broderick à la fin des années 90 ! Ah mais bon sang c’est… c’est… Non ça ne vient pas. Ils filent le cadeau à celui qui a répondu David McNaughton, posent la deuxième question, l’homme aux sacs plastiques a la réponse et remporte son comic book et sa BO.

Et alors que le film commence. Je repense à l’acteur du « Loup-garou de Londres ». Comment s’appelle-t-il à la fin ? Sam… Non, ce n’est pas ça… Dan… non plus. David… Je ne sais plus. Et son nom de famille, ne finit-il pas en « -on » ? Non, en « -ell » je crois… Ça n’a pas quitté mon esprit pendant les trois premiers quarts d’heure du film. Tomas le jeune écrivain qui retourne dans le petit village  où il a passé son enfance, un village où pèse une malédiction et où sévit un loup-garou. Tomas ne sait pas que les villageois veulent le sacrifier au loup-garou pour mettre un terme à leur malédiction. Pourra-t-il s’en sortir ? J’essayais de consacrer pleinement mon attention à cette comédie horrifique qui me semblait parfaitement réjouissante, mais rien à faire, mon esprit revenait constamment à l’acteur du « Loup-garou de Londres ». Jusqu’à ce qu’enfin j’arrive à glisser cette obsession sous un tapis de mon cerveau, pour me plonger entièrement dans « Game of Werewolves », alors que la moitié du film s’était déjà envolé. Carlos Areces, l’acteur principal de « Balada Triste » d’Alex de la Iglesia, acteur in dans le cinéma espagnol actuel, tient l’un des rôles principaux du film et contribue à apporter de la joie à cette farce macabre rendant joliment hommage aux classiques du genre. Rires et sursauts se sont mêlés et ont finalement réussi à m’emporter.

Cela tombe bien parce que quelques heures plus tôt, j’étais tombé sur un os. Le premier à cette 18^ème édition de l’Étrange Festival. Le problème quand un festival commence sur les chapeaux de roue, c’est que la baisse de tension est presque inévitable. A voir au moins deux films par jour, à un moment ou à un autre, on est condamné à tomber sur du mauvais, il faut seulement espérer que cela arrive le moins possible. Du vraiment mauvais, pas de la simple déception comme Motorway la veille. En même temps il serait difficile à l’Étrange Festival de nous en vouloir de ne pas aimer un film lorsque Rurik Sallé qui introduit le film (celui-là même qui nous avait survendu Motorway) laisse entendre que le film n’est pas exceptionnel.

Ce film, ce mauvais film, c’est « A Chinese Ghost Story » de Wilson Yip, remake d’un classique du cinema HK des années 80, et remake qu’il est impossible de désigner autrement qu’en le qualifiant de parfaitement inutile. J’ai eu beau avoir un espoir que le film me plaise par le simple fait que l’homme qui m’avait survendu Motorway semblait ne pas être fan, mais non, pour le coup, il avait bien raison. Démons et chasseurs de démons s’affrontent dans un ballet qui n’a de fantastique que le genre, virevoltant devant la caméra mais désolant le spectateur. Désolant par son incapacité à faire naître la moindre étincelle de vie, désolant dans la mollesse de son récit, dans la fadeur de ses personnages, dans cet esthétisme qui ne prend pas et paraît laid même s’il ne l’est pas tant que cela.

Louis Koo, loin des polars contemporains de Johnnie To, fait ce qu’il peut, mais rien n’y fait. C’est un film déjà fatigué, déjà dépassé, déjà inutile, qui ne trouve un sursaut de vie que dans une réplique qui semble parfaitement déplacé mais a le mérite, enfin, de nous sortir de l’encéphalogramme désespérément plat (Louis Koo balance un mystérieux liquide à son ennemi « Tiens c’est de la pisse de vierge, ça fait des années que je la garde, c’est ma touche personnelle ! » que personne n’a vu venir). C’est la première et (et dernière j’espère) fois que je me demande, depuis le début du festival, ce qu’il est passé par la tête des programmateurs pour nous offrir un tel spectacle. Après cela, le niveau ne pouvait que remonter, et ce fut donc le cas avec les loups garous espagnols.

Et puisque l’on reparle de « Games of Werewovles », c’est alors que je passai le tourniquet du métro pour rentrer chez moi, à la fin de la journée, que le nom de l’acteur américain du « Loup-Garou de Londres » s’est enfin matérialisé dans mon esprit : Griffin Dunne ! Mais oui c’est cela, Griffin Dunne ! Comment ai-je pu occulter son nom pendant toutes ces heures ! Griffin Dunne… Et puis rentré chez moi, je suis allé sur IMDb, et je me suis rendu compte que le nom qu’attendait certainement le réalisateur était « David Naughton », que Dunne ne jouait pas le héros mais son pote. Bon sang, je me suis gâché la moitié d’un bon film pour rien. Enfin, même si cela avait été lui, je me le serais gâché pour rien. Je me disais aussi… je savais bien que je n’étais pas un spécialiste du film de loups garous !

L’Étrange Festival, 2ème jour : bagnoles HK et noir norvégien

Les attentes peuvent être trompeuses. Samedi, deux films étaient inscrits à mon programme de l’Étrange Festival 2012, l’un que je guettais avec impatience, l’autre qui n’était pas loin de m’être inconnu. Le premier des deux ouvrait la journée, 14h30, l’heure où les spectateurs de l’étrange sont sur les starting blocks pour une journée de plus au Forum des Images. Salle 300, l’homme aux sacs plastiques avance toujours incognito pendant que l’homme au chronomètre scrute la salle à la recherche de visages familiers. Il y a du monde qui s’est déplacé pour « Motorway », un polar HK signé Soi Cheang.

Je garde un fauteuil idéalement placé pour un ami, fauteuil convoité par cette spectatrice aimant applaudir que j’avais croisé à Paris Cinéma en juillet dernier. Le tempo est plutôt à l’excitation, Motorway oblige, même si la projection cale au démarrage. Après l’apparition du logo Media Asia, l’image se transforme en un nuage gris de mauvais augure. La salle se rallume. Après une minute écoulée, l’homme au chronomètre profite de cette interruption précoce pour aller saluer un de ses potes de la Cinémathèque, chronomètre toujours autour du cou pour le relancer dès que le film commencera à nouveau. Ce qui se produit trois minutes plus tard.

L’attente suscitée par Motorway s’est avérée presque vaine. A l’excitation s’est assez rapidement substituée la déception. Annoncé comme une petite bombe, le film n’est pas loin de provoquer les bâillements, faute de réelle ambition. En suivant une paire de flics à la dynamique jeune/vieux qui sont préposés à la route, et leur course pour mettre la main sur deux truands qui filent à toute allure, Soi Cheang ne parvient pas à franchir le cadre de l’attendu. Certes les courses automobiles sont filmées avec un certain panache, mais le film peine à afficher de la substance. Il nous fait tous les vieux coups du film mentor/élève, avec un sérieux bien trop appuyé lorsqu’il s’agit d’enseigner à prendre des virages ultra serrés dans des ruelles à angles droits. C’est tout juste si l’on ne se croirait pas dans un Karaté Kid de la bagnole dans certaines scènes, sans la moindre malice.

On s’amuse, un peu, Anthony Wong affiche une mine bonhomme qui est loin de justifier que le présentateur du film l’ait proclamé « Meilleur acteur du monde » (hum… dans le genre film survendu en préambule, chapeau), et Josie Ho fait trois ou quatre apparitions fantomatiques (on la préférait dans « Dream Home »…). Le fait que les conditions de projection n’étaient pas optimales, avec des plans saccadés tout du long et des trous sonores épisodiques, n’ont rien arrangé. Motorway figurait aisément dans le Top 3 des films que j’attendais le plus lors de cet Étrange Festival, mais les chances que je l’oublie rapidement sont réelles. Tout le contraire de « Headhunters ».

Il faut dire que le film norvégien avait pour lui un avantage non négligeable : mes attentes étaient inexistantes en ce qui le concernait. Bien sûr, j’en avais entendu beaucoup de bien, mais les films noirs scandinaves ne se trouvent pas vraiment dans mon giron cinéphile, et en plus de n’avoir vu aucune image du film, je savais à peine de quoi il retournait. J’avais donc bien tout à apprendre et découvrir de Headhunters. Et la découverte fut grande. Enthousiasmante. Ebouriffante. Je sais qu’il me reste encore de nombreux films à voir au cours de l’Étrange Festival, mais le niveau devra être élevé pour que je revoie quelque chose d’aussi bon.

Que dire ? J’aimerais tant en dire en même temps que rien du tout. Car s’il est une force qui caractérise Headhunters, c’est celle de balader le spectateur. De nous offrir un visage que le réalisateur va prendre un malin plaisir à déformer tout au long du récit, sans jamais nous laisser sur le bas-côté, nous entraînant toujours au plus près des personnages et de l’intrigue. Je ne peux rester muet au risque de ne pas faire naître l’étincelle de la curiosité. Le protagoniste, Roger, est chasseur de tête. Il est haut placé dans un cabinet de recrutement, a une grande maison, une femme magnifique, une vie proche de l’idéal. Mais Roger n’est pas que cela. Roger dérobe également des peintures à ses heures perdues.

C’est ainsi que l’on découvre Headhunters et son personnage principal, et ce point de départ que nous présente le réalisateur va vite être malmené, détourné, amplifié. Imaginez les ruelles de Hong Kong que nous fait parcourir à toute allure Motorway. C’est ainsi que l’on pourrait se représenter le scénario de Headhunters. Un dédale de possibilités, des routes qui se succèdent, chacune tranchant avec celle qui la précède. Un ballet narratif passionnant explorant tout le potentiel du film noir, arnaque, vol, manipulation, tromperies, méfiance, violence, mort. Avec une aisance insolente, le réalisateur pousse chaque pion de son scénario millimétré dans une direction inattendue, creusant toujours plus loin le sillon du retors, avec un savant dosage de réalisme et d’invraisemblable qui confère même au film un sens de l’humour délicieux.

Je ne sais pas ce que me réserve l’Étrange Festival dans les jours à venir, mais j’en suis désormais certain, j’ai bien fait de venir.

Au secours, j'ai un psychopathe à côté de moi dans la salle !

En Corée, lorsque vous achetez votre place de cinéma à la caisse, vous avez la possibilité de choisir votre emplacement exact dans la salle. Quel rang, quel fauteuil, tout devant, dans le fond, sur le côté, vous précisez, et le ticket qu’on vous édite vous placera précisément. A première vue, cela pourrait sembler une solution magnifique à un problème auquel un maniaque comme moi pense dès qu’il met les pieds dans un cinéma : être idéalement placé. Avec ce système, nul besoin de venir faire la queue une heure en avance devant la salle pour être sûr d’entrer parmi les premiers et avoir LE fauteuil convoité. Mais ça, c’est à première vue seulement.

Parce que quand on y réfléchit bien, choisir sa place à l’avance entraîne un inconvénient majeur : si l’on est situé juste à côté d’un emmerdeur, d’un bavard, d’un excité du smart phone ou d’une bande d’ados qui s’intéressent à tout sauf au film, on est coincé. J’y ai pensé il y a quelques jours à peine lorsque je suis allé voir « L’enfer des armes » de Tsui Hark au Festival Paris Cinéma. Ce jour-là j’avais commencé par aller voir le jubilatoire « Vulgaria » de Pang Ho-Cheung, chronique délirante d’un producteur de séries B à Hong Kong, rendez-vous immanquable pour qui a vu l’excellent « Dream Home » du même réalisateur. Après cet étalage d’humour gras, corrosif et sacrément malin, j’ai enchaîné avec l’éminemment sympathique bien que terriblement mineur « Starbuck », qui m’a permis de ne pas poireauter deux heures en attendant la séance du Tsui Hark. Mais les deux films s’enchaînaient de manière trop juste, et lorsque j’entrai en salle pour « L’enfer des Armes », le film commençait tout juste. Je me suis donc faufilé dans le premier rang qui venait et me suis installé.

Étant moi-même un peu en retard, je pensais être tranquille sur mon bout de rang. Mais c’est là qu’il est arrivé. Lui. Le psychopathe (bon d’accord le terme est exagéré, mais quand on tue une projection, on est un peu psychopathe quand même non ?). Casquette vissée sur le crâne, imper qu’il ne quittera pas du film, il est arrivé cinq bonnes minutes en retard et s’est posé à l’entrée de mon rang, à deux fauteuils de moi. Entre lui et moi, un seul siège vide. A le voir comme ça, il ressemblait à un spectateur anonyme, la cinquantaine, très vite plongé comme moi dans le film, la Director’s Cut du fameux film de Tsui Hark, une version pas loin d’être épouvantable, un DVD alternant séquences de qualité DVD et séquences de qualité VHS. Très moche à voir, mais le film de Tsui Hark est suffisamment puissant pour dépasser le désagrément. D’autant qu’en fait de désagrément, la qualité de l’image s’est vite avérée superficielle, quand je me suis rendu compte que le bonhomme qui s’était installé à côté de moi était un spectateur très… comment dire… démonstratif. « Trop » serait le superlatif le plus approprié.

Les murmures qu’il a vite commencé à exprimer ne m’ont pas préparé à la déferlante qui suivit pendant le film, une déferlante redéfinissant complètement l’idée que l’on peut se faire d’un spectateur qui se croit seul, ou chez lui, bien que je le soupçonne de n’avoir à aucun moment proférer ses commentaires à mauvais escient. Je pourrais tricoter des paragraphes durant sur ce que nous a réservé ce spectateur hors du commun pendant la projection. Mais rien ne sera plus parlant qu’une retranscription – aussi fidèle que possible – de ses saillies verbales les plus mémorables. Il ne s’est pas passé une minute, au cours du film, sans que l’on ait eu droit à l’expression orale de ce qui lui passait par la tête. Je dis « on » parce qu’il ne murmurait pas ses interjections, il les parlait le plus naturellement du monde, quand il n’était pas à quelques décibels de les crier. Je suis loin d’être le seul à en avoir profité, et il est temps que vous aussi vous en profitiez. Décidément, après "The Killer" et "Guilty of Romance", les séances sont mouvementées à Paris Cinéma... Voici donc un florilège loin d’être exhaustif (il en a tant dit, j’ai oublié la plupart) des commentaires entendus à tout bout de champ pendant « L’enfer des armes », la plupart du temps adressés aux personnages du film, parfois à lui-même :

« Vas-y, cours ! »

« Allez, sauve-toi ! »

«  Oh l’enculé !! »

« Bill Gates ! Bill Gates !! Bill Gates !! Bill Gates !!!” (de plus en plus fort, en voyant apparaître un acteur américain à l’écran, je n’ai toujours pas compris cette saillie… est-ce le nom de l’acteur ou celui-ci lui rappelait-il le fameux entrepreneur ?)

« C’est quoi, c’est du formol ?....... Ah non, c’est de l’acide !!! »

« Elle ressemble à Virginie Ledoyen c’est marrant ! » (parlant de l’actrice principale du film)

Et ma saillie préférée, sortie de nulle part, hurlée lors d’une scène où deux personnages se bastonnaient à l’écran : « Vas-y frappe dur Ben Hur !!! ».

Alors qu’à un moment, il a perdu le fil de ce qui se passait à l’écran, il s’est même tourné vers moi pour me parler : « Excusez-moi, ils ont tué l’Amerloque là ?? ». Je ne pus que hocher la tête, bouche bée. Tout ceci n’est qu’un petit fragment, le plus mémorable, de ce que mon voisin a balancé tout au long du film. Il a également régulièrement essayé de répéter certaines répliques en cantonais, phonétiquement, ce qui avait l’air de l’amuser. J’aurais aimé me souvenir de plus, mais il y en avait tant, dont un grand nombre étaient inintelligibles. Et le pire, c’est que je ne lui en voulais même pas franchement. Pas autant que si cela avait été un couple inattentif discutant d’autre chose que du film, ou un ado envoyant des SMS à tout bout de champ, ou un mec prenant mon fauteuil pour son paillasson. Lui, c’était à l’évidence un cinémaniaque, un vrai, et c’est sa passion qui s’exprimait si bruyamment, aussi inconvenant cela puisse-t-il paraître. C’est incontrôlable. Qui suis-je pour lui dire que son amour incontrôlable des films n’est pas convenable. Il ne comprendrait pas. Il ne changerait pas. Il prendrait peut-être même mon intervention pour une incitation au dialogue…

Je me contenterai donc d’espérer tomber le moins souvent possible sur lui… En France, on a le luxe de pouvoir choisir sa place directement dans la salle, contrairement à la Corée, qui a le luxe de ne pas faire la queue. A chaque luxe ses avantages et ses inconvénients.

"The Killer" de John Woo sur grand écran, enfin ! Enfin... presque...

Cette projection du film culte de John Woo, « The Killer », au cinéma Les Trois Luxembourg dans le cadre du Festival Paris Cinéma fut des plus étranges. Assurément, elle restera comme l’une des plus frustrantes de ma vie. Si le retard du projectionniste m’a permis de profiter d’une conversation amusante entre deux spectateurs qui ne se connaissaient pas, il a surtout été le signe avant-coureur d’une séance… pas catastrophique mais presque. En préambule aux déboires de la projection proprement dite, je ne peux m’empêcher de retranscrire la conversation entendue alors qu’installés dans la salle, nous attentions le lancement du film. Un spectateur assis presque juste derrière moi en interpela un autre assis derrière lui (belle symétrie n’est-ce pas ?). Les amateurs de John Woo (et par extension, de Johnnie To) apprécieront.

« Vous l’avez déjà vu ? (parlant de The Killer)

- Oui il y a longtemps mais jamais au ciné.

- Vous savez, il est sorti en France qu’en 95 mais il date de 89.

- Oui oui, je sais…

- Il a mis du temps à cause de la censure, en France ils trouvaient ça trop violent. Là c’est la version courte qui passe. Parce que vous savez il y a une version  longue qui existe, avec plus de fusillades et de sentiments.

- D’accord…

- Et vous aimez John Woo alors ?

- Pas les derniers, mais les autres oui.

- Oh vous avez pas aimé « Trois Royaumes » ?

- Ah si c’est l’exception celui-là. La version longue est vraiment bien.

- Wouah vous avez vu la version longue ? C’est comment ?

- Les personnages sont beaucoup plus développés. Dans la version cinéma on sentait bien que c’était tronqué, là c’est nettement meilleur.

- Et votre John Woo préféré, c’est quoi alors ?

- Bah, The Killer je pense…

- Ah oui, mais y a « A toute épreuve » aussi. Mais c’est vrai que « The Killer » c’est celui qui l’a fait connaître à l’étranger.

- Malheureusement oui… après il est allé faire ses films aux États-Unis…

- Ah bon vous n’aimez pas ses films américains ? Volte/Face ?

- Bon y a Volte/Face… mais le reste…

- Windtalkers vous l’avez vu ?

- Non celui-là je l’ai pas vu… juste des bouts à la télé…

- Oh il est génial celui-là Windtalkers faut que vous le voyiez ! Et vous avez vu Mission Impossible 2 ?

- Ah oui je l’ai vu, c’est vraiment pas terrible…

- Ah non moi j’adore !!! Et « Chasse à l’homme ?

- Oui il y a quelques années… c’est efficace disons.

- Moi j’ai vu la Director’s Cut sur Internet elle est super !

- Ah bon je savais pas qu’il y en avait une.

- Bah si vous voulez, vous allez sur Internet, vous tapez « Hard Target » c’est le titre américain, « Director’s Cut » et « Deleted Scenes ».

- Ah mais il n’existe pas un montage de la director’s cut ?

- Si mais je sais plus comment je l’ai vu… Ah et sinon vous l’avez vu « Une balle dans la tête » ? Celui-là aussi j’aimerais voir la Director’s Cut. Au départ le montage de John Woo durait 4 heures, mais la censure trouvait ça trop long, mais c’est son film le plus personnel. Avec « Le syndicat du crime ». Et « The Killer ».

- Tiens sinon y a pas une nuit Johnnie To à Paris Cinéma en ce moment ?

- Peut-être… en fait j’aime pas trop Johnnie To. J’ai vu « The Incident », son dernier, c’était pas mal mais sinon…

C’est à peu près à ce moment-là, alors que notre fan de John Woo nous inventait le titre d’un Johnnie To, que les choses ont commencé à bouger dans la salle. J’aurais dû me douter qu’un dialogue aussi spontané, passionné et néanmoins drôle annonçait une séance pas comme les autres. J’aurais aimé que le souvenir mémorable qui restera associé à cette projection le soit pour des raisons artistiques. Cela aurait dû être le cas. Imaginez donc, ma découverte de « The Killer » de John Woo avec tant d’années de retard, sur grand écran et en 35mm ! L’hommage de John Woo à Jean-Pierre Melville et son Samouraï, ça allait être grandiose, forcément. Ce fut ubuesque et frustrant. Surtout frustrant.

Le retard pris par la projection aurait été oublié, finalement, si rien n’avait contrarié les deux heures suivantes. Le film démarra avec une vingtaine de minutes de retard, c’est fatigant mais lorsque c’est pour un film comme The Killer, on oublie l’attente dès lors que le film commence et l’on se plonge dans les exploits sanglants et néanmoins héroïques de Chow Yun Fat en tueur à gages qui a le sens de l’honneur et de la justice. Mais après des années d’attente, c’est donc la frustration qui a triomphé. Malgré une copie un peu fatiguée mais tout à fait acceptable, le film nous a transporté moi et mes congénères spectateurs 1h30 durant, au-delà de certains tics du cinéma d’action des années 80 qui peuvent aujourd’hui prêter à sourire (les mecs qui font des roulés boulés à tout bout de champ que ce soit pour tirer ou se déplacer, c’est bon). Et puis tout à coup, la tuile. La grosse tuile.

Le final du film commence, le dernier quart d’heure, la dernière bobine. Un son étrange retentit, l’image tressaute. Un bourdonnement incessant se faire entendre et remplace les dialogues. Les sous-titres s’affichent dans le mauvais sens et sont illisibles. Le film continue, mais il est impossible pour nous de le suivre. Cela dure ainsi trois ou quatre minutes, jusqu’à ce que le projectionniste, prévenu par un spectateur, interrompe la projection et rallume la lumière. J’en entends déjà certains dire « Il faut qu’il repasse toutes les scènes qu’on a raté quand ce sera réparé ». Mais c’était une remarque bien trop optimiste.

La réalité s’est faite jour quelques instants plus tard, lorsque le projectionniste est entré dans la salle : « Bonjour, comme vous avez pu le constater, il y a un problème avec la copie du film. Ce n’est pas de notre fait, elle nous a été fournie comme ça, la dernière bobine est montée à l’envers. Je vais faire mon possible pour essayer de réparer ça pour les prochaines séances (le film était programmé toute la journée aux Trois Luxembourg et notre séance était la première de la journée)… mais je suis vraiment désolé, on ne peut pas vous projeter la fin du film maintenant ».

De grands soupirs se sont alors fait entendre, des « Mais on fait comment alors ? », des demandes de remboursements et des « Mais comment ça se termine ?! » à quoi le projectionniste a délicatement répondu « Ça finit mal je crois, ils meurent tous ». Des spectateurs donnèrent plus de détails, mais je ne les entendais déjà plus. Je suis remonté vers le monde extérieur frustré, agacé, triste, j’ai croisé les autres spectateurs faisant la queue pour se faire rembourser. Je les ai dépassés sans un regard. Mon rêve de découvrir « The Killer » sur grand écran venait de s’écraser dans la dernière ligne droite et mourir. 

"High Noon" ou la solitude solidaire de spectateurs esseulés

C’est un moment redouté dans la vie d’un spectateur. Non, pas se retrouver assis à côté d’un adolescent tenant un énorme seau de pop-corn. Quoique. Non, pas non plus oublier sa carte illimitée chez soi… quoique… également. Bon d’accord, les moments redoutés dans la vie d’un spectateur assidu sont nombreux dans une salle de cinéma, mais celui auquel j’ai été confronté au Festival Paris Cinéma est autre : assister à une projection en présence d’un cinéaste venu spécialement de l’autre bout du monde et constater que nous ne sommes qu’une petite poignée dans une grande salle pour l’accueillir. C’est un moment quelque peu honteux de s’avérer si peu dans une salle qui pourrait contenir tant de spectateurs et entendre cet écho caractéristique au moment des applaudissements lorsque la personne venue présenter son film entre en salle.

Cette mésaventure m’était déjà arrivée il y a quelques mois pour la venue d’Alexander Payne à Paris pour l’avant-première de « The Descendants ».  C’était déjà au MK2 Bibliothèque, exactement dans la même salle. Pourtant le Festival Paris Cinéma s’était jusqu’ici paré d’une jolie fréquentation au MK2 Bibliothèque à chaque séance, alors je m’imaginais qu’il en serait de même pour « High Noon », l’un des films projetés dans le cadre de la mise à l’honneur de Hong Kong. Un premier film réalisé en 2008 par une jeune femme (même pas 25 ans à l’époque), Heiward Mak, et projeté en soirée.

Pourtant à 21h passées, quand les portes de la salle s’ouvrirent et que nous nous installâmes (c’est classe le passé simple), nous n’étions qu’une petite trentaine  de curieux – dont l’ami blogueur Phil Siné qui accepta de se poser en ma compagnie au 5^ème rang. Quelques heures plus tôt à peine, nous étions encore moins nombreux au cinéma Les Trois Luxembourg pour « Made in Hong Kong », mais la salle était plus petite et le réalisateur n’était pas présent. Je vis deux cinéastes d’ailleurs ce soir-là car en sortant de « Made in Hong Kong » rue Monsieur Le Prince, je tombais presque nez-à-nez avec Yuen Woo Ping qui s’apprêtait à donner une masterclass dans la salle que je venais de quitter.

Mais je m’éparpille. Où en étais-je ? Oui, les rangs trop vides de la salle 12 du MK2 Bibliothèque. Losque Bastien Meiresonne arriva tout joyeux pour nous présenter Heiward Mak et l’un des comédiens de « High Noon », nous fîmes tous bonne figure, le présentateur de la soirée le premier qui nous recommanda de rester en fin de projection pour discuter avec la réalisatrice et son acteur, en précisant « Déjà qu’on n’est pas nombreux… », mais avec une bonne humeur qu’il espéra communicative (ce fut le cas).

« High Noon » nous emporta ensuite 1h50 durant dans une exploration fougueuse de l’adolescence hongkongaise. Une bande d’amis lycéens faisant les 400 coups dans et hors les murs de l’école, au grand désespoir des profs et des parents. Cet esprit fougueux bat le chaud et le froid sur le film, si enthousiaste et jeune qu’il parvient régulièrement à emporter l’adhésion, osant passer de la comédie au drame avec défi, au risque de beaucoup trop s’éparpiller sur la longueur. Heiward Mak part dans tous les sens, appuie excessivement sur la pédale de la stylisation et nous laisse quelque peu fatigués. « High Noon » est un film plein d’excès entre rires et larmes qui dénote finalement beaucoup avec « Made in Hong Kong » vu plus tôt, un film plus sobre et maîtrisé, plus sage aussi mais non moins pourvu de sensibilité. Deux regards sur la jeunesse HK montrant l’un (Made in Hong Kong), à l’heure de la rétrocession, la fin des rêves et des illusions quand l’autre (High Noon) s’attache au difficile passage vers la maturité alors que la rétrocession est consommé mais a laissé des traces dans les rapports humains.

A l’heure de voir « High Noon », nous étions donc une trentaine assis ce qui en soi, déjà, semblait bien trop peu pour l’occasion. Mais lorsque le film s’acheva, seule la moitié des spectateurs resta pour la rencontre avec la réalisatrice et l’acteur du film. En me retournant sur mon siège, je constatai avec déception qu’au-delà du 6^ème rang, la salle était complètement vide. Seuls restaient une quinzaine de spectateurs répartis donc sur les premiers rangs.

Heureusement, malgré la gêne évidente, qui en tout cas était ressentie du côté spectateurs, le silence ne demeura pas longtemps et la conversation eut bien lieu, s’attachant à la jeunesse hongkongaise, à la violence, aux acteurs amateurs ou à la voix de fausset du producteur Eric Tsang. Malencontreusement, la traduction de la conversation avec l’interprète se faisait à partir de l’anglais (les interprètes français/chinois devaient être mobilisés dans d’autres salles ?), ce qui entraîna quelques quiproquos et difficultés dans l’échange, ajoutant parfois un peu à la gêne.

Difficile d’imaginer que la réalisatrice et l’acteur de « High Noon » ne furent pas déçus par le manque de curiosité des spectateurs français pour leur film, à découvrir la poignée que nous étions. Qu’ils se rassurent, nous nous sommes sentis aussi déçus et gênés qu’eux. Quelque part dans leur moment de solitude, ainsi face à nous, ils ont pu compter sur notre solidarité. Nous aussi, nous nous sentions seuls dans cette salle.

Hong Kong prend Paris d'assaut !

Cette semaine, le nouveau Jason Statham est sorti, ça s’appelle « Safe », et je ne serais pas étonné que le film ressemble à peu de choses près à tout ce qu’a fait Jason Statham ces dernières années. Est-ce vraiment un mal, difficile à dire, chaque génération a ses stars du cinéma d’action, et cette génération-ci semble devoir s’accommoder de compter le britannique parmi les têtes d’affiche du genre. Statham pètent les gueules des salauds par dizaines, et il est indéniable qu’il doit beaucoup à l’influence du cinéma d’action asiatique à Hollywood aujourd’hui. Si le cinéma HK n’avait pas pris d’assaut la scène internationale il y a quelques années, si le savoir-faire HK ne s’était pas exporté, si Tsui Hark, Ringo Lam et d’autres n’avaient pas tenté une aventure américaine, le cinéma d’action occidental aurait certainement un tout autre visage aujourd’hui, et Statham n’aurait peut-être pas la carrière qu’il a aujourd’hui (même si avouons-le, sa carrière n’est pas franchement glorieuse).

Si je parle cinéma d’action, c’est parce que depuis quelques jours, le Festival Paris Cinéma, édition 2012, a pris ses quartiers dans la capitale, et fête pour l’occasion son dixième anniversaire. Ce qui fait la particularité et l’attrait numéro 1 de Paris Cinéma, c’est que chaque année un pays différent est mis à l’honneur avec des dizaines de films de toutes époques, pour que les novices fassent une grande découverte nationale et que les amateurs comblent leurs lacunes. L’Asie a souvent eu l’honneur de ces mises en lumières, et si je me souviendrai longtemps de la spéciale Corée en 2006, parce qu’elle m’a indirectement ouvert les portes de ce pays et de sa culture, le Japon avait lui aussi eu droit à cet honneur, il y a deux ans.

Cette année, pour les dix ans du Festival, les organisateurs ont choisi Hong Kong. L’histoire cinématographique locale est suffisamment riche pour nourrir un tel coup de projecteur qui va encore durer quelques jours pour mon plus grand bonheur. Je ne fais pas partie de ces grands spécialistes du cinéma HK, mais je suis tout de même un amateur passionné par le genre, et à ce titre il est hors de question que je ne profite pas à fonds de la programmation de Paris Cinéma. Et si j’ai ouvert ce billet sur le cinéma d’action, c’est parce que le premier film pour lequel je me suis déplacé au Festival est un vieux Jackie Chan. Non, pas « un » vieux Jackie Chan, mais bien son premier rôle emblématique alors qu’il n’avait pas encore 25 ans.

Jackie Chan n’est pas un inconnu à Paris Cinéma puisqu’il y a quelques années déjà, le Festival avait invité l’acteur chinois pour lui consacrer une rétrospective dont j’avais bien profité et où j’avais pu découvrir sur grand écran « Le Marin des Mers de Chine », « Police Story » ou le moindre « Opération Condor » (j’en avais même profité pour me faire dédicacer par Jackie himself un bouquin que j’ai qui lui est consacré, mais non je ne fais pas le fanboy…).

Jackie Chan fait partie de ces figures du cinéma d’action avec lesquelles j’ai grandi. Quand j’étais ado, on se regardait entre potes les exploits cinématographiques de l’acteur en VHS, avant qu'il ne vienne s'aventurer à Hollywood (certains diraient "s'égarer", mais il y a tout de même tourné une poignée de films réjouissants). Ce qui m’émerveillait à l’époque, et qui m’émerveille toujours quand je revois ses films, c’est cette grâce comique que l’acteur insufflait dans ses combats et cascades. Jackie Chan ne se contentait pas de faire du kung-fu, ses combats étaient une vraie chorégraphie, il embrassait complètement l’environnement de ses scènes, ne faisait qu’un avec tout ce qui lui tombait sous la main. Voir un Jackie Chan, c’était autant voir de la castagne qu’assister à une démonstration visuelle et comique.

Alors forcément, armé de ces souvenirs, je n’ai pas pu m’empêcher de résister au plaisir de voir « Drunken Master » sur grand écran à Paris Cinéma, un des tous premiers Jackie Chan réalisé par le maître Yuen Woo-Ping (par ailleurs invité du Festival), même si c’était une projection vidéo qui ne bénéficiait donc pas d’une grande qualité d’image. Pendant un moment, je me suis même demandé si c’était bien « Drunken Master » que j’allais voir, car si le programme officiel du festival annonçait bien ce titre, lorsque je prenais ma place au MK2 Bibliothèque où se déroule une partie des projections, le ticket était imprimé « Déchaînés du Karaté » (alors que le titre français officiel est « Le Maître Chinois »), un titre pour le moins… comment dire… incongru ?

Mais ce fut bien « Drunken Master », ce fut bien Jackie Chan et son air juvénile, ce furent bien les chorégraphies incroyables de Yuen Woo-Ping, et ce fut bien un spectacle à la hauteur de mon amour du cinéma de Jackie Chan. Pour la génération qui a droit à Jason Statham en star du cinéma d’action, Jackie Chan ne représente peut-être que ce chinois ringard ayant joué dans le dernier « Karaté Kid », dans « Rush Hour 3 » et « Kung Fu Nanny ». C’est bien dommage, et il faut espérer qu’un jour, elle tombe sur un vieux Jackie Chan, même par hasard. Paris Cinéma ne fait que commencer, mais avec Hong Kong à l’honneur, les promesses sont grandes.

Gong Li, es-tu là ?

Je me souviens lui avoir souhaité son anniversaire dans l’un de mes billets, et l’avoir citée dans la première de mes chroniques évoquant « Pourquoi j’aime le cinéma ». Oui, je crois que l’on peut dire que j’ai une histoire avec Gong Li. Bien sûr elle vous dira le contraire. Elle vous jurera ses grands dieux qu’il n’y a rien entre nous. C’est donc à moi de le dire. Oui, il y a quelque chose entre Gong Li et moi. Alors forcément, lorsque j’ai appris il y a quelques jours qu’elle serait de passage à Paris cette semaine, mon cœur a bondi. Quoi ?! Gong Li à Paris ?! Ces jours-ci ?! Et c’est maintenant que vous me prévenez ?!

Quel est donc cet étrange lien qui me rapproche de Gong Li ? Ai-je le souvenir du moment où Gong Li est devenu GONG LI ? L’actrice majeure, celle qui fascine par le jeu et renverse par la beauté ? Non, c’est idiot, mais moi qui me vante d’avoir une bonne mémoire cinématographique, je ne me rappelle plus quand le déclic a eu lieu. Fut-ce en découvrant « Épouses et Concubines » à la télévision ? « Adieu ma concubine » au cinéma à la mort de Leslie Cheung ? Je ne sais plus. Mais un jour elle est entrée telle une bourrasque dans mon panthéon cinématographique et s’est installée là, silencieuse, belle à se damner, pour ne plus bouger.

Les acteurs et actrices asiatiques ont cela de fascinant qu’ils sont plus rares, que les Français bien sûr, mais également que les Américains ou Anglais. Les films de ces derniers sortent presque tous au cinéma, et les acteurs eux-mêmes viennent régulièrement faire la promotion de leur dernier long-métrage à Paris. Gong Li a beau être une des plus grandes actrices asiatiques, ses films sont rares, et ceux qui nous parviennent le sont encore plus (je crois que l’on peut définitivement abandonner l’espoir de la voir dans Shanghaï…). A quand remonte le dernier film à être sorti en salles en France ? Mon dernier souvenir d’elle sur grand écran me semble être « La Cité Interdite »...

Je ne me faisais donc guère d’illusion quant à la possibilité qu’un jour ma route croise celle de l’ex-égérie de Zhang Yimou. Déjà qu’il ne m’est donné de voir un de ses films qu’une fois tous les trois ou quatre ans, alors la voir elle, en chair et en os… Et c’est ainsi qu’un jour de mai 2012, je découvre par hasard sur Internet que la seconde édition du Festival du Cinéma Chinois en France commençait le 14 mai, et que Gong Li, en qualité de marraine de la manifestation et interprète principale du film faisant l’ouverture, serait présente lors de l’inauguration, ce lundi 14 mai. A Paris. Sur les Champs-Élysées. Au Gaumont Marignan.

Mais bien sûr, je ne l’appris que trop tard. Bien sûr, j’étais déjà pris ce soir-là, ou du moins le croyais-je. Je ne fis donc aucun effort pour essayer de m’incruster dans les rangs du Gaumont Marignan. Bien sûr, ma soirée s’annula au dernier moment, et il s’avéra que finalement, j’aurais pu essayer de jouer des coudes.

J'en ai jalousé des acteurs (Gaspard Ulliel en tête...), J'en ai rêvé, des rencontres. Lundi 14 mai, c'était hier. Gong Li est peut-être encore ici, quelque part dans une rue de Paris. J'ai manqué une chance de la rencontrer. Le coeur n'y est même plus d'aller au Festival, si ce n'est pour la possibilité de la voir sur grand écran (et encore, dans un remake chinois de "Ce que veulent les femmes" avec Andy Lau dans le rôle de Mel Gibson, ce n'est pas franchement excitant...). A vous, organisateurs ou attachés de presse du Festival du Cinéma Chinois en France, communiquez mieux autour de l'évènement la prochaine fois. Et aux autres festivals susceptibles d'inviter Gong Li, surtout, surtout, lorsque ce jour arrivera... pensez à moi.

L'Etrange Festival : vampires américains et tueur hongkongais

Jeudi 8 septembre, cinquième jour à explorer les couloirs du Forum des images et à chercher la place idéale dans la grande salle 500 pour les films de L’Étrange Festival. Après avoir un temps hésité à aller voir un Bollywood semblant bien délirant intitulé Endhiran, mon choix s’est finalement porté sur un film de vampires américain pour débuter. Stake Land nous est annoncé comme une version vampirisée de La Route de John Hillcoat. Une idée intrigante et prometteuse.

Il s’agit de l’odyssée, à travers des États-Unis ravagés, d’un chasseur se faisant appelé Mister et d’un jeune garçon qu’il a sauvé de ces monstres ayant fait leur apparition partout dans le monde. Le duo progresse sur les routes en direction d’un éventuel Eden annoncé au nord, vers le Canada, un lieu froid où ces vampires (qui ne ressemblent pas tant à des suceurs de sang qu’à un croisement avec des zombies) seraient absents. Mister et Martin, le jeune garçon, s’apprivoisent en silence dans ce décor post-apocalyptique sur les routes duquel ils se feront des compagnons de route à l’espérance de vie limitée.

La comparaison avec La Route, le film ou le merveilleux bouquin de Cormac McCarthy, est effectivement incontournable, malheureusement bien vite aux dépens du film de Jim Mickle, trop familier pour apparaître comme autre chose qu’une (toute) petite série B sympatoche, peuplé d’acteurs manquant de charisme et de personnages franchement fades. La plus grande surprise tient vraisemblablement dans l’irruption à l’écran de Kelly McGillis en bonne sœur, loin, très loin du sex-symbol qu’elle a été dans les années 80 (même en plissant fortement les yeux, rien ne rappelle l’instructrice de Top Gun). Au-delà de cette invitée « de luxe », Stake Land se traîne bien trop en longueur (il semble durer au moins deux heures, ce qui est loin d’être le cas) et offre un dénouement, non pas ridicule mais insatisfaisant et un brin maladroit.

Le film a tout de même pour lui de bien se tenir visuellement malgré le petit budget, et est surtout bercé d’une voix off joliment utilisée, ce qui est suffisamment rare pour être souligné. Ce film si mineur aura au moins eu le mérite de m’assoiffer d’un cinéma plus audacieux, ce qu’il m’a été donné de voir quelques heures plus tard ce même jour avec Revenge : a love story du chinois Wong Ching Po.

Comme Super la veille, Revenge : a love story n’était programmé qu’une fois au cours du festival. Je n’aurais pas été surpris d’être assis dans une salle bondée pour l’occasion, mais si l’homme aux sacs plastiques était lui bien présent au rendez-vous (il l’était déjà la veille pour Super et plus tôt pour Stake Land…), tout le monde ne s’était pas donné le mot pour venir voir ce polar made in HK. Tant pis pour eux, ils ont raté l’un des tous meilleurs films du festival (affirmation bien sûr exagérée puisque je suis loin d’avoir tout vu). Est-ce là une surprise, pas totalement puisque le long-métrage est produit par Josie Ho et Conroy Chan, à qui l’on devait déjà l’excellent Dream Home, découvert l’an passé à L’Étrange Festival 2010.

En guise d’ouverture, on apprenait qu’aucune actrice chinoise n’avait voulu se glisser dans la peau du personnage principal féminin, une jeune femme simple d’esprit victime d’un viol trop graphique à l’écran pour que les comédiennes de l’Empire du Milieu ou de Hong Kong veuillent s’y frotter. C’est donc à une actrice japonaise de cinéma porno, Sora Aoi, que le réalisateur Wong Ching Po a confié le rôle. L’anecdote justifie probablement l’interdiction aux moins de 16 ans, les femmes enceintes éventrées de leurs bébés que l’on voit au début du film en étant certainement une raison supplémentaire.

Mais l’important n’est pas dans la nationalité de l’actrice ou dans le sang versé au début du film. L’important, c’est que Revenge : a love story démonte la narration attendue du polar. Il commence comme un thriller avec des flics courant après un tueur sadique tuant des femmes d’inspecteurs enceintes de la manière décrite plus haut. En ce premier acte, on croit que les héros du film seront ces flics pourchassant ce tueur en série particulièrement froid et sanguinaire. C’est alors que le scénario opère un virage à 180°.

En remontant les pendules du temps, il offre le négatif de cette histoire, faisant de celui qui sera tueur en série le protagoniste du récit. Les rapports s’inversent, notre vision des personnages et des enjeux sont altérés, le thriller sanguinolent se transforme en une exploration de la vengeance. En brouillant les pistes narratives, le réalisateur nous montre que la notion manichéenne dépend du point de vue que l’on adopte. Son regard sur la vengeance dans la société devient un regard sur l’art narratif, une exploration de la manipulation que peut représenter une histoire racontée. Le réalisateur s’écarte du thriller violent pour offrir un film à plusieurs niveaux de lecture. Mais si l’on peut s’amuser de cette parabole cinématographique, c’est le polar pur qui marque, mécanique implacable qui se déroule sous nos yeux. Le tueur devient jeune homme fébrile, les flics héroïques deviennent répugnants, et la vengeance se met en marche.

Le film porte un titre qui peut sembler générique, « Vengeance, une histoire d’amour », il correspond pourtant parfaitement au film, dans lequel un grain de sable peut devenir une montagne. Le dénouement déroute quelque peu, entre une séquence très maladroite, manquant de faire tressaillir ce film impressionnant, et une autre assez ambigüe rappelant l’interrogation flottant sur le dernier plan de The Murderer. Mais derrière la maladresse, la conclusion morale se fait jour… La vengeance appelle toujours une autre vengeance.

Source Code, Bon à tirer, Detective Dee... c'est moi ou il y a plein de bons films en ce moment ?!

Il y a deux types de vacances. Celles pour lesquelles je prends un billet d’avion pour le bout du monde, et celles pour lesquelles je me contente de mon pass navigo pour profiter de Paris en toute liberté. Au moment où j’écris ces lignes, il ne me reste plus que quelques heures avant le retour à la réalité professionnelle. Mais les douze jours qui viennent de s’écouler entre le repos et les larmes m’auront permis d’épancher ma soif de cinéma en beauté. Après plusieurs semaines où les films marquants se comptaient sur les doigts d’une main, mes quelques jours de vacances ont pris le pouls d’une qualité cinématographique en hausse ces derniers jours.

Sont-ce les tristes circonstances de ces derniers jours qui m’ont fait apprécier avec plus de facilité ce que les films avaient à m’offrir, ou est-ce une réelle hausse de la qualité, je manque de recul pour m’en convaincre, mais le fait est que j’aime presque tout au cinéma en ce moment. Et parce que ça m’a fait du bien, moi qui n’ai pas l’habitude de chroniquer tous les films que je vois, je vais aujourd’hui faire l’effort d’avoir un mot pour tous les films que j’ai vus ces derniers jours. Bien sûr je ne m’épancherai pas sur les qualités de Rabbit Hole, le beau film de John Cameron Mitchell, puisque j’en ai parlé hier. Tout comme j’en ai profité pour évoquer Le Chaperon Rouge (ouf, un des rares mauvais films vus ces derniers jours).

Bon, le sans-faute n’a pas non plus été réalisé, puisque Scream 4 et Mon père est femme de ménage m’ont finalement laissés sur ma faim, le premier par abus d’effets de style saoulant, le second par une sympathie trop légère qui ne mène au bout du compte nulle part. Parlons des autres films, plutôt. Parlons de Source Code, le tant attendu second film de Duncan Jones, qui avait ébloui avec son premier essai Moon, et confirme ici qu’il est l’un des jeunes cinéastes les plus ambitieux et élégant en matière de science-fiction. Il propulse avec Source Code Jake Gyllenhaal dans une course contre la montre, le faisant revivre inlassablement les mêmes huit minutes dans la peau d’un autre afin d’élucider un acte terroriste.

Comme avec Moon auparavant, Jones surprend en poussant son film plus loin que ce qu’on attend de lui, s’intéressant tout autant aux questions éthiques et morales de notre société qu’à l’efficacité de son action. Le film court en ne choisissant pas la voie de la facilité, bousculant les attentes quitte à dérouter dans son dénouement. Il y en a deux qui bousculent eux aussi, d’une autre façon, ce sont les frères Farrelly avec leur opus Bon à tirer (B.A.T.), dans lequel les frangins à qui l’on doit les cultissimes Mary à tout prix et Dumb & Dumber (entre autres, bien sûr), ne reculent devant rien. Ils lâchent les brides de la réserve pour s’épancher dans le burlesque pur, osant le scabreux jusqu’au-boutiste comme au temps de leur gloire dans les années 90. Ils écorchent le modèle moral de la famille prisée par la comédie américaine pour la confronter à l’infantilité masculine et la tromperie féminine.

Ces dernières années, les frères Farrelly sont tombés dans l’oubliette du box-office aux États-Unis, et si une fois de plus Bon à tirer est resté dans les limbes du business, les réalisateurs sont parvenus à dynamiter d’humour la pellicule, aidé par un duo Owen Wilson / Jason Sudeikis qui distille un mélange de candeur puéril et d’énormité hilarante qui fait mouche. Mes voisins de salle doivent encore se rappeler de mon rire explosif. Mais les américains n’ont pas l’apanage du rire en ce printemps. Stéphane Kazandjian réussit un petit tour de force avec Moi Michel G Milliardaire Maître du Monde, un faux documentaire qui se plait à tourner en dérision l’ultra-libéralisme via un faux personnage plus vrai que nature (hum… Jean-Marie Messier…), Michel Ganian, grand patron représentant à la perfection le capitalisme moderne, self made man pas si self made que ça, qui autorise un documentariste gauchiste à le suivre partout pour en tirer un film. La farce est grande, François-Xavier Demaison et Laurent Lafitte d’une complicité parfaite, et le cadre économique planté le fruit d’un travail monstrueusement bien fait. Le film est une comédie délicieusement inattendue.

Au rayon bonne surprise, je plaide coupable devant Devil de John Erick Dowdle, éreinté par tous mais qui m’a malgré tout fait marcher. La faute en revient certainement à la patte Shyamalan, cinéaste qui tombe peu à peu au fond du gouffre mais ici producteur et auteur qui parvient à retrouver un peu de ce qui a fait le sel de ses meilleurs films, à savoir un sens du récit qui happe l’attention du spectateur avec cette histoire de cinq étrangers qui se trouvent bloqués dans un ascenseur qui pourrait bien se révéler être la dernière demeure de quatre d’entre eux... Certes il ne s’agit pas là d’un film d’épouvante majeur, mais il applique une narration posée à un concepte efficace, ce qui rend le film tout à fait prenant. Bien sûr pour ce qui est du récit, pour qui aime plus alambiqué il faut plus certainement se tourner vers Road to Nowhere.

Premier film de Monte Hellman en plus de vingt ans, ce film indépendant américain ne se complait pas dans une idée classique du récit, préférant l’éclater, le tordre, jouer avec pour mieux tromper le spectateur. En cela il rappelle assez fortement le cinéma de David Lynch, poussant la confusion jusqu’à l’angoisse et cette sensation que le fantastique pourrait s’introduire. Il s’agit du récit d’un tournage, un film sur le cinéma et la création donc, dans lequel on ne sait jamais vraiment ce qui est vrai de ce qui ne l’est pas. Hellman s’intéresse à la dualité des êtres et fait ainsi un gros clin d’œil à Mulholland Drive de Lynch, qui reste tout de même intouchable pour la sensualité, la terreur et le mystère. Baran Bo Odar regarde lui du côté de la Corée.

Le jeune cinéaste suisse signe avec Il était une fois un meurtre, récemment récompensé au Festival du Film Policier de Beaune, un polar empruntant largement à Memories of Murder de Bong Joon-Ho. Je n’ai pas lu d’interviews d’Odar, mais pas besoin de sa confirmation pour voir dans son film une filiation avec le chef d’œuvre coréen. Comme lui, son film commence dans un champ de blé dans les années 80. Comme lui, ses flics se heurtent à un tueur insaisissable dans une province campagnarde, voyant leurs vies chamboulées et leur force mentale balayée par cette course dans le vide. En choisissant de montrer d’entrée de jeu au spectateur le visage des meurtriers, le réalisateur ne cherche pas à jouer la carte du suspense conventionnel. Il appuie sur les codes moraux, jonglant avec la fine ligne de l’humanisation de pédophiles. Il en fait trop, sûrement, mais son ambition explose à l’écran et impressionne, à défaut de forcer l’admiration.

Admiration est un terme que j’emploierai en revanche volontiers pour qualifier Detective Dee : le mystère de la flamme fantôme. Tsui Hark, que l’on n’avait plus vu sur un grand écran français depuis Seven Swords, livre un morceau de cinéma virtuose, fringant et emballant. Son film, c’est Sherlock Holmes au temps de la Dynastie Tang, lorsque la jubilation du cinéma investigateur se métisse avec la flamboyance des wu xia pian. Il offre un spectacle mêlant le fantastique et l’épique, où le cinéma redevient un plaisir d’enfant, où l’écran projette les rêves de nos esprits. Le réalisateur hongkongais rend ses lettres de noblesse au cinéma d’aventures, lorsqu’il est question de plaisir pur à partager, s’amusant même au passage à caresser la censure dans le sens du poil en laissant le pouvoir triompher sur la rébellion, alors que le film en filigrane se plait à dresser un portrait manipulateur, tricheur et meurtrier de ce même pouvoir. Tsui Hark laisse éclater la parabole politique, offrant plusieurs degrés de lecture, promettant à ceux qui ne jurent que par l’évasion deux heures éclatantes, et à ceux aimant que leurs méninges soient mises à contribution un film où il est possible de décrypter un portrait on ne peut plus moderne de la Chine, derrière cette enquête sur de mystérieuses morts au 10ème siècle de notre ère, alors qu’une régente contestée est sur le point d’accéder au trône d’Impératrice.

Le seul vrai reproche que je pourrais formuler à l’encontre de Detective Dee, c’est l’emploi peu convaincant de la HD numérique, certainement plus souple pour le cinéaste mais qui ne met pas en valeur la flamboyance que l’on attend du film.

Merci Duncan Jones, les Farrelly Bros., Tsui Hark et les autres, d’avoir contribué à égayer mes vacances parisiennes.

Souvenir… Quand "Charlie’s Angels" s’est transformé en "In the mood for love"

Automne 2000. Voilà quelques mois que la vie des amateurs de cinéma parisiens a été bouleversée par l’arrivée sur la capitale de la carte illimitée d’UGC. Cet étrange petit objet qui ressemble à une carte magnétique comme une autre est le sésame qui est en train de chambouler nos habitudes de cinéphiles. Plus besoin de se lever trop tôt le dimanche pour attraper la séance du matin moins chère. Entre payer une place plein tarif à 45 francs (oui à l’époque, on compte encore en francs), avoir le tarif réduit des matinées à moitié prix, et payer 98 francs par mois pour voir les films que l’on veut quand on veut, le choix est vite fait quand on a l’habitude de voir trois films par week-end (même le nul en math que j’étais n’a pas mis longtemps pour s’en rendre compte).

A l’automne 2000 donc, j’étais encore en phase d’apprivoisement de ma carte illimitée. Je ne voyais pas encore beaucoup plus de films qu’avant, et je commençais seulement à frayer hors des sentiers battus du cinéma français et anglo-saxon. En 1999, les films que j’avais vus qui n’étaient ni en langue française, ni en langue en anglaise se comptaient sur les doigts d’une main, c’est dire à quel point j’étais peu aventurier. En 2000, j’en ai vu huit, un léger mieux était en route.

Quand on devient toqué de quelque chose au fil du temps, on fini toujours par se demander quand, comment, par quoi cela a commencé, et si je me suis déjà posé la question il y a quelques mois « Le premier film c’était quoi ? », il m’est aussi arrivé de me demander « Les films qui ont le plus compté, c’étaient lesquels ? ». Ceux qui ont fait que les blockbusters et les films populaires n’ont plus suffi. Ceux qui ont déclenché quelque chose en moi. Lé réponse ne peut pas se résumer à un film. Du moins si c’est le cas je ne m’en souviens pas. Le processus a probablement été inconscient et dans une certaine mesure, lent. Il y aura eu les films français et américains qui ne ressemblaient pas aux films français et américains avec lesquels on grandit le plus facilement. Mais l’ouverture à une autre langue que la nôtre et que celle d’Hollywood est un pas fait vers un autre monde cinématographique (du calme sur les grandes phrases emphatiques, du calme).

Mon côté passionné et maniaque me force à me demander à quelle époque j’en ai eu marre d’entendre parler français et anglais. Et voilà pourquoi j’en reviens aujourd’hui à ce fameux jour d’automne 2000. 18 ans au compteur, une envie de films qui va grandissante. Avec ce sésame illimité en main, je me sens plus libre, plus aventurier, et plus curieux. Je me mets à aller voir au cinéma la violence de Medellin en espagnol dans La vierge des tueurs. Des danois amorphes et étranges dans Chansons du deuxième étage (bon, celui-là, j’ai regretté l’aventure). Des taïwanais dont la vie s’étend sur trois heures à l’écran dans Yi Yi.

Mais à l’automne 2000, si je m’ouvre un peu plus au monde qu’à l’accoutumée, je n’en demeure pas moins attiré par le cinéma Hollywoodien, et en un certain jour de décembre, je me suis rendu lors d’un après-midi oisif à l’UGC Ciné Cité Bercy pour aller voir à quoi ressemblait la transposition sur grand écran de la série culte 70’s « Drôles de Dames », rebaptisée Charlie’s Angels, le titre original de la série. Le film était déjà sorti depuis quelques semaines, et lorsque j’arrivai au cinéma, je découvris en demandant une place pour le film de McG que j’avais mal lu les horaires pour celui-ci, et que le film passait en alternance avec un autre, et qu’à l’heure choisie, c’était l’autre film qui passait.

L’autre film, c’était In the mood for love. J’ai sûrement poussé un soupir. Sûrement oui. J’ai hésité, oh oui j’ai sûrement hésité. Je me souviens très bien ce que je craignais du film. Ce n’était pas tant le fait que le film soit hongkongais qui me gênait, après tout j’avais vu un film taïwanais quelques semaines plus tôt. C’était plutôt que je me souvenais bien de cette bande-annonce langoureuse, de l’ambiance années 60 qu’elle annonçait, et je me souvenais surtout très bien que ma mère avait fortement attendu le film, et qu’elle en était revenue enchantée et intarissable sur les robes de Maggie Cheung. Et quand on est un mec de 18 ans, on n’a pas forcément envie d’aller voir le film à propos duquel sa mère s’extasie sur les costumes féminins. Non, vraiment pas. Ce n’était pas l’idée que je me faisais d’une petite sortie ciné détente avec moi-même. Moi je voulais voir Drew Barrymore, Lucy Liu et Cameron Diaz botter des fesses en combinaisons sexy. Merde.

Mais là c’était impossible. Et comme je venais de faire 45 minutes de métro pour venir au cinéma, et que j’avais déjà vu à peu près tout ce qui m’y intéressait, si je voulais voir un film, celui qui commençait et que je n’avais pas vu, c’était celui de Wong Kar Wai. Alors tant pis. J’ai pris ma place pour In the mood for love. Si je pouvais revoir le moi d’il y a 11 ans, je lui ferais un grand high five. Je l’embrasserais pour le remercier d’avoir laissé ses préjugés de côté pendant deux heures pour entrer dans cette salle. Quand je regarde en arrière, je vois ce plan B de spectateur comme une des projections marquantes du cinéphile en devenir que j’étais. En terme de choc cinématographique, que j’avais déjà connu en nombre jusque là, In the mood for love se pose parmi les plus mémorables, les plus importants de ma modeste vie de spectateur.

Je me souviens de la langueur des plans. De la moiteur de l’atmosphère. Je me souviens de cette musique, lancinante à souhait. Qu’il était classe, Tony Leung, dans ses costumes, clope au bec. Qu’elle était discrètement sublime, Maggie Cheung, oui, dans les robes que ma mère affectionnait tant. Qu’il était beau, cet amour muet et indicible, murmuré entre les pierres d’Angkor. J’en avais sûrement déjà vu, de grands films romantiques, mais à cette époque-là, je ne les cherchais pas. Celui-ci je ne l’ai pas plus cherché, mais peut-être m’a-t-il trouvé avec plus de force qu’aucun autre jusqu’ici, même si Sur la route de Madison avait balisé le terrain (il faudra que je vous raconte celui-là aussi).

Il y a dix ans, je ne voyais pas 10 films par an tournés dans une autre langue que le français ou l’anglais. L’année dernière, j’en ai vu 85. Certes je ne voyais pas autant de films il y a une décennie, mais je n’en voyais pas huit fois moins, loin de là. In the mood for love n’est peut-être pas LE film qui en est la cause. Mais il a joué un rôle prépondérant dans le cinéphile que je suis devenu, sans l’ombre d’un doute. Et aujourd’hui encore, je râle régulièrement pour dire que Luc Besson et son jury cannois de l’époque auraient mieux fait de remettre la Palme d’Or à Wong Kar Wai plutôt qu’à Lars Von Trier et son Dancer in the Dark…

Dream Home : du sang, du sexe et de l'humour à l'Etrange Festival

Après les déconvenues Mutant Girls Squad et No Mercy, je me suis rendu sans grande attente à la projection de Dream Home. La fournée 2010 de cinéma asiatique semblait déjà être un mauvais cru pour L’Étrange Festival. Et finalement, en m’y rendant sans attente, et sans même vraiment savoir ce que réservait le film de Pang Ho Cheung (ayant seulement survolé le synopsis du film d’un œil), la sympathique surprise est tombée : c’est bon !

Comment décrire en quelques mots Dream Home pour ceux qui aiment les formules rapides… Disons que c’est un slasher social. Le genre est assez rare pour faire du long-métrage une bizarrerie agréable. Quoiqu’ « agréable » soit un terme mal choisi, étant donné la souffrance (j’adore exagérer) que m’ont apporté les scènes gores du film (que voulez-vous, j’suis une p’tite nature moi). Disons donc plutôt que Dream Home est un slasher social bien fun. Car la souffrance était bien masquée par un esprit corrosif et absurde tirant régulièrement la cloche de l’amusement. On s’éclate, devant Dream Home.

Josie Ho, actrice principale et productrice du film, campe une jeune femme rêvant depuis sa plus tendre enfance de vivre dans un bel appartement avec vue sur la baie de Hong Kong. Mais la prolétaire qu’elle est a bien du mal à accéder à son rêve. Elle trime entre deux jobs et doit s’occuper de son père malade. Mais elle tient à ce vieux rêve. Elle y tient énormément. Elle y tient plus que tout. Elle est prête à tout pour assouvir son rêve. Surtout au meurtre.

Dream Home n’est pas un slasher gentiment linéaire. Il faut s’accrocher pour coller les morceaux (le jeu de mots n’était pas voulu). Le récit est éclaté sur plusieurs époques qui se juxtaposent sans cesse. On navigue entre 2007, 2004, 1997 et 1991, pas spécialement dans cet ordre-là. Chaque époque de la vie de l’héroïne a son importance. Chaque époque pose la pierre qui l’amènera à la situation dans laquelle elle se lance et s’empêtre en 2007. En 2007, elle trucide à tout va. Et pour comprendre pourquoi cette jeune femme qui pourrait sembler si douce et docile se réveille en machine à étouffer, égorger, découper, étriper, voire énucléer (désolé si vous mangiez), Pang Ho Cheung prend un malin plaisir à brouiller les lignes du temps.

Le défaut majeur du film, c’est qu’en faisant cela, il brouille également les cartes de la personnalité de son héroïne. Du coup on a du mal à accepter les facettes contradictoires de la jeune femme. D’une scène à l’autre, elle peut se montrer tantôt femme docile, tantôt tueuse implacable. Sa détermination est toujours contrebalancée par une naïveté qui l’empêche d’apparaître comme un personnage crédible. Ce trait serait rédhibitoire si l’on n’était pas de toute façon dans un slasher ayant de grands moments de fantaisie. Notamment lorsque l’on se trouve en 2007 au cours de cette nuit d’horreur et de sang. Le massacre perpétré est constamment désamorcé par un humour jouissif, de la partie de jambes en l’air se terminant dans le sang à ce type éventré qui semble incapable de mourir, trimballant ses boyaux en mains à travers l’appartement pour grappiller quelques minutes de vie supplémentaire (je me suis déjà excusé auprès de ceux qui mangent ?).

Pang Ho Cheung a également l’intelligence de mettre son récit et son talent de réalisateur (la mise en scène fait preuve d’un soin remarquable) au service d’un discours social fin et amusant. Face à la crise du logement à Hong Kong et la flambée des prix de l’immobilier, cette quête désespérée de standing pour une femme vivant dans la simplicité depuis toujours la rend sympathique malgré ses actes. Et si on faisait ça à Paris ? Un massacre dans un bel immeuble pour faire baisser le prix des apparts ? On y réfléchit et on en reparle ?