Revoir "Les moissons du ciel" sur grand écran...

Je me souviens précisément de la première fois que j’ai vu Les moissons du ciel de Terrence Malick. L’année 1999 commençait, et alors que sortait le premier film du cinéaste texan depuis 20 ans, La ligne rouge, ses deux perles méconnues des années 70 étaient de nouveau distribuées sur Paris, dans quelques salles art et essai de la capitale. Lorsque je dis « méconnues », j’entends « du grand public » bien sûr, car les cinéphiles connaissaient très bien Badlands (La balade sauvage) et Les moissons du ciel.

Pour ma part, en cette fin de siècle, j’avais 17 ans, étais déjà atteint d’un syndrome de cinémanie aigüe, et souffrais de grosses lacunes cinéphiles dès que l’on remontait au-delà de ma période d’existence. Du coup, lorsqu’en 1998 je lus pour la première fois un article sur le tournage de La Ligne Rouge qui disait en substance que tous les acteurs du cinéma américain étaient prêt à vendre père et mère pour tourner sous la direction du légendaire Terrence Malick, ma première réaction fut « Terrence qui ?? ». Inconnu au bataillon pour l’ado que j’étais et qui n’était même pas né lorsque le cinéaste fut récompensé du Prix de la Mise en scène à Cannes en 1979 pour Les Moissons du Ciel, son précédent film à l’époque.

Mais tout en soif de découvertes que j’étais, je mis un point d’honneur à voir les deux trésors inconnus de Malick lorsqu’à l’occasion de la sortie de La Ligne Rouge, ils firent leur apparition dans quelques salles. Je ne me souviens plus si c’était juste avant ou juste après avoir vu La Ligne Rouge. Si c’était avant, nul doute que l’enthousiasme général pour Malick, et la bande-annonce envoûtante de La Ligne Rouge, m’avaient motivé. Si c’était après, je ne me pose même pas la question, puisque la bataille de Guadalcanal à travers les yeux de Malick est immédiatement devenue un de mes films préférés (11 ans et quelques visionnages plus tard, il reste à mes yeux la quintessence du cinéma américain).

Je me souviens donc bien de la première fois que j’ai vu Les Moissons du Ciel. C’était à cette époque, ce début 1999, dans un cinéma du Quartier Latin. Était-ce le Grand Action ? Le Champo ? Il faudrait que je farfouille dans mes vieux tickets de cinéma pour retrouver précisément lequel… (pour Badlands, aucun doute, c’était au Ciné 104 de Pantin !). Je l’avais donc déjà découvert sur grand écran. Et depuis, je l’ai revu à la télévision. Pourtant pour rien au monde je n’aurais manqué la ressortie des Moissons du ciel, restaurées et flambant neuves (jetez un œil au bandeau illustrant mon blog…). D’autant que le Max Linder Panorama, ce grand écran si agréable et aux qualités techniques remarquables, le programmait.

Ainsi donc, onze ans plus tard, je les ai revues sur grand écran, et dans des conditions tout à fait optimales, ces Moissons. Ce tragique triangle amoureux planté dans un décor à la Edward Hopper, éclairé d’une lumière entre chien et loup sous le ciel texan. Richard Gere qui pour ainsi dire débutait par le summum de sa carrière (je soulignais récemment que son interprétation dans L’élite de Brooklyn était sa meilleure depuis celle des Moissons), Sam Shepard et sa présence magnétique, Brooke Adams avant qu’elle ne tombe dans l’oubli. Et des gueules. Toutes ces gueules de cinéma illustrant parfaitement l’Amérique début 20ème siècle, apparaissant fugacement devant la caméra.

Les films de Terrence Malick ont cela d’extraordinaire que chaque vision équivaut à une première fois. Chaque nouveau visionnage donne l’impression que l’on découvre le film. C’est un cinéma si sensoriel qu’il paraît nouveau à chaque fois que l’on pose les yeux dessus, de nouvelles émotions et de nouvelles sensations prêts à nous envahir. Ce sont ces images, par lesquelles la contemplation devient un art. Ces musiques, destinées à résonner à jamais en nous. Ces acteurs, qui jamais plus ne seront aussi magnétiques.

C’est aussi cette obsession de Terrence Malick pour le bien et le mal. Pour la perte de l’innocence. Pour la profanation du bonheur et du paradis terrestre. Ses héros sont tiraillés entre le bien et le mal. Par eux la nature se trouve pervertie, même si souvent à leur corps défendant. Ils sont à la fois les pécheurs et les victimes. Dans le cinéma de Terrence Malick, dans Les Moissons du Ciel, le paradis existe, mais il est éphémère. L’homme finit toujours par le détourner de sa nature idyllique. Le titre original du film est d'ailleurs Days of Heaven, quelques jours de paradis...

Revoir Les moissons du ciel sur grand écran est un plaisir rare, le plaisir de voir le film à sa juste valeur, dans le seul endroit où la magnificence de l’œuvre éclate totalement. Les films de Terrence Malick nous font toucher du doigt, l’espace de quelques heures, quelques minutes, quelques instants, la sensation de paradis. C’est toujours trop court, mais ces quelques instants de plénitude valent tant d’heures d’autres films, que les déguster est un plaisir incandescent.

Il était une fois le plaisir de voir la Révolution selon Leone sur grand écran

Ne pas avoir vu certains des grands classiques du cinéma peut paraître lacunier aux yeux de certains pointilleux, mais les lacunes offrent l’instant de bonheur inaltérable qu’est le rattrapage en bonne et due forme. Pour Il était une fois la révolution, millésime 1971 de monsieur Sergio Leone, la bonne et due forme est proposée depuis le 21 octobre avec la reprise magnifiquement restaurée du long-métrage au Max Linder Panorama, une des plus belles salles et un des plus beaux écrans de la capitale.

Des six grands films de Sergio Leone (la trilogie de l’homme sans nom et la trilogie des « Il était une fois… »), Il était une fois la révolution est probablement le moins connu et apprécié à sa juste valeur aujourd’hui. Peut-être parce qu’il se situe dans un genre moins définissable que les autres, peut-être parce qu’à son casting ne figure ni Clint Eastwood, ni Henry Fonda, ni Robert De Niro, bien qu’en 1971 Rod Steiger était sans conteste une star, auréolé de son récent Oscar pour Dans la chaleur de la nuit.

Il serait pourtant temps que l’on admire l’avant-dernier film de Leone. L’action s’y déroule au Mexique en 1913. Si la révolution bat son plein dans le pays depuis quelques années, elle est loin des soucis de Juan Miranda, brigand rêvant de dévaliser la banque de Mesa Verde avec ses fils. Lorsque le destin met sur sa route un terroriste irlandais spécialiste des explosifs, il voit là le parfait complice pour enfin assouvir son vieux rêve. Mais au lieu de se trouver sur la piste de l’or, Miranda va malgré lui se trouver embarqué sur les chemins de la Révolution.

Il serait bien aisé de définir Il était une fois la Révolution comme un autre western spaghetti de Leone. On en trouve en effet très vite les ingrédients qui font notre régal. Le décor crasseux, ensoleillé et sableux ; la soif de l’or qui agite les personnages ; l’absence de morale qui caractérise ces derniers ; la musique de Morricone, emblématique et entêtante (shom, shom, shooooom). Pourtant Il était une fois la Révolution n’est pas un autre western spaghetti de Leone.

Le cinéaste italien, sans plonger son film dans l’épopée historique, ne se contente pas de laisser le contexte en arrière-plan. Mieux. En traitant de la Révolution Mexicaine des années 10, Leone trouve un sujet aux échos de son époque. La révolte du peuple face à la bourgeoisie était parfaitement d’actualité en ce début des années 70, ce soulèvement des masses face aux autorités trouvant un véritable écho à l’agitation mondiale de la fin des années 60. En faisant également de l’un de ses deux héros un révolutionnaire irlandais, Leone liait les révoltes des peuples de tous les pays, et pointait du doigt les conflits et ses dérives atroces de toutes nationalités.
Plus qu’aucun autre film de Leone, Il était une fois la Révolution est empreint d’un véritable discours politique et sociétal.

Ce qui fait le sel du film, c’est aussi le duo improbable formé par ce mexicain égocentrique et cet irlandais exilé, qui rappelle d’autres personnages de l’œuvre de Leone, notamment le duo Charles Bronson / Jason Robards dans Il était une fois dans l’Ouest et celui de Clint Eastwood / Eli Wallach dans Le bon, la brute et le truand. Leone aime à associer un mystérieux charismatique avec un bandit débraillé, amoral et bonhomme. Il pousse dans Il était une fois la révolution l’association plus loin que d’habitude, approfondissant la relation entre les deux hommes aux caractères opposés. Juan et John deviennent amis par la force des choses, en pointillé, dans le non-dit. Transformant presque le film en buddy movie inattendu, dense, épique, poignant.

Si l’on admire Leone, c’est pour l’ambition de son sujet. Si l’on aime son film, c’est parce qu’il affectionne plus que jamais ses personnages, les propulsant héros de la Révolution sans jamais les glorifier, dessinant avec force et simplicité leur humanité. Rod Steiger et James Coburn y sont magnifiques. Quel régal qu’un tel film sur grand écran…

Guide du cinéphile parisien : mes salles préférées de Paris

A chacun ses préférences. Que ce soient les films, les artistes, les villes, les destinations de vacances ou les réalisateurs de westerns, tout le monde dresse un jour ou l’autre une liste de préférences. Au cinéma il en va de même : on a tous une salle préférée.

Confort de la salle, taille de l’écran, qualité du son, les critères d’appréciation d’une salle sont divers et variés. En exclusivité mondiale (lol), je vous dévoile celles qui sont mes 5 salles de cinéma préférées de Paris. J’ai fréquenté presque toutes les salles de la capitale, même si pour certaines, il y a quelques années que je ne m’y suis rendu (essentiellement des salles Gaumont). Roulement de tambour…

Salle 1 de l’UGC Ciné Cité Les Halles

Voir un film au 4^ème rang de la salle 1 des Halles (le plus au centre possible de la rangée) est à mon sens la plus extraordinaire des façons de voir un film. Le seul défaut est qu’en été, la salle est trop climatisée. Même si 200 personnes font la queue devant vous, il y a fort à parier que les meilleures places seront encore libres le temps que vous entriez en salle (certains croient encore que c’est au fond de la salle qu’on est le mieux placé ! Si c’est votre cas, avancez un peu, cela changera votre perception des films). Dans le même cinéma, la salle 10 est également délicieuse, même si pour le coup, il vaut mieux entrer dans les premiers dans la salle pour être parfaitement placé.

Mon plus grand souvenir dans cette salle : Le Nouveau Monde de Terrence Malick. Je me souviens, faisant la queue d

ans ce long couloir menant à la salle, le cœur battant la chamade : « Je vais voir le nouveau Malick ! Je vais voir le nouveau Malick ! » Et en sortir hypnotisé.

Grande salle de l’UGC Normandie

Si je pouvais, je verrais tous les films dans la grande salle de l’UGC Normandie. Vestige de la grande heure du cinéma sur les Champs-Élysées, cette salle de près de 900 places est un régal. Un grand rideau à l’ancienne qui cache l’écran, une salle circulaire et vaste, des rangées parfaitement espacées, des sièges profonds et confortables. Un frisson me parcourt à chaque fois que je gravis les marches qui mènent à cette salle.

Mon plus grand souvenir dans cette salle : Le Seigneur des Anneaux - Les Deux Tours : faire la queue une heure à l’avance le jour de la sortie pour savoir ce qui va advenir de Frodon et Aragorn.

Le Max Linder Panorama

Salle historique des Grands Boulevards, le Max Linder est un cinéma à salle unique. Si la devanture ne paie pas de mine, étroite et presque anonyme au côté d’un petit théâtre, la salle est, elle, impressionnante. J’ai découvert ce cinéma assez tard, lorsqu’il fût le seul de Paris à programmer Casshern, l’ovni SF japonais, en 2005. Par réflexe, je m’étais alors installé à l’orchestre de cette salle qui comporte 3 niveaux. Erreur, tant l’écran est immense et l’orchestre bas par rapport à celui-ci.

Depuis, chaque fois que je rends au Max Linder, je m’installe au premier balcon (le deuxième rang est idéal), faisant parfaitement face à cette toile blanche géante, courbe, qui nous plonge dans le film dès que les lumières s’éteignent.

Mon plus grand souvenir dans cette salle : Electric Shadows, un drame chinois inédit vu lors du Panorama du Cinéma Chinois de Paris, en septembre 2007.

Salle Henri Langlois de la Cinémathèque Française

La Cinémathèque a toujours été un cadre particulier pour voir ou revoir un film, mais que ce soit à celle des Grands Boulevards ou à celle de Chaillot, le confort et la qualité des salles laissait à désirer. La nouvelle Cinémathèque, située dans le Parc de Bercy, a corrigé cette caractéristique. Les salles sont désormais fantastiques, et en particulier la salle Henri Langlois, la plus grande. Large, profonde, dotée de sièges spacieux espacés de façon à offrir un confort optimum aux spectateurs, la salle Langlois permet de profiter du film où que l’on soit placé dans la salle (bon j’ai jamais testé le fond…), même sur les côtés. L’endroit idéal pour voir des classiques ou de vieux films méconnus sur grand écran.

Mon plus grand souvenir dans cette salle : La master-class donnée par William Friedkin lors de la rétrospective qui lui était consacrée. Pour ce qui est des films, Seuls les Anges ont des Ailes, lors de la rétrospective Howard Hawks.

Le Grand Rex

Je ne suis pas un inconditionnel de la plus célèbre salle parisienne, au passage la plus grande d’Europe avec plus de 2000 places. Mais voir un film en « Grand Large » est sans équivalent. Seul le balcon y est ainsi accessible pour cet écran qui se déroule du plafond. On a beau être serré sur les sièges du balcon du Grand Rex, l’écran Grand Large nous plonge presque littéralement dans le film. Sensations garanties.

Mon plus grand souvenir dans ce cinéma : H2G2 en avant-première, en VO (je précise parce qu’en général au Grand Rex, c’est de la VF !). En grand large, l’aventure spatiale était décuplée.

Mentions spéciales : Salle Henri Langlois du Grand Action, Salle 1 du Publicis Cinémas, salles 21 et 23 de l’UGC Ciné Cité Bercy, Grande salle du Pathé Wepler, grande salle de L’Arlequin, grande salle du Cinéma des Cinéastes.

Mention spéciale des salles infréquentables que je ne peux m’empêcher de fréquenter : l’UGC Orient-Express. Trop chaud, trop bruyant, trop mal agencé, mais programmation unique de sorties techniques. Et on finit presque par lui trouver du charme, à ce petit cinéma du dernier sous-sol des Halles !

Jodhaa Akbar : Bollywood festoie sur les Grands Boulevards

Le 20 juillet 2002, dans la salle 21 de l’UGC Ciné Cité Les Halles, à la séance de 10h du matin. Voici la réponse à la question « Quand suis-je tombé sous le charme du cinéma de Bollywood ? » (Non, je ne baratine pas, j’ai retrouvé le ticket).

Il s’agissait de Lagaan, le premier film issu de Bollywood à sortir en salles en France. J’avais mis près d’un mois à me décider (le film était sorti fin juin), tergiversant à la perspective de me retrouver coincé devant une comédie musicale indienne de plus de 3 heures, qui plus est avec pour cadre principal une partie de cricket dans l’Inde du 19ème siècle. Ma curiosité cinéphile l’avait finalement emporté, et bien m’en avait pris.

Quiconque n’a jamais assisté à un tel spectacle ne peut qu’avoir les plus grandes peines à imaginer la surprise et les sensations ressenties devant un film comme Lagaan, ou plus tard Devdas ou La Famille Indienne. Lagaan a suffi à me convaincre de ne jamais manquer un rendez-vous Bollywoodien lorsqu’il se présentait à Paris. Le problème, c’est qu’après un léger engouement de quelques petits distributeurs français, notamment Bodega Films, entre 2002 et 2006, période qui vit donc débarquer dans les salles hexagonales Lagaan, puis Devdas, La Famille Indienne, New York Masala, Swades, Veer Zaara, plus un ou deux autres dispensables, l’intérêt semble être retombé.

Depuis plus de deux ans maintenant, aucune production de Bollywood n’est sortie en salles en France, pendant que nos voisins britanniques se régalent régulièrement des dernières apparitions à l’écran de Shah Rukh Khan, Rani Mukherjee, Preity Zinta ou Aishwarya Rai.

En cet automne 2009, c’est donc un évènement immanquable que nous ont concocté Bodega Films et le Max Linder Panorama, en mettant sur pied trois projections exceptionnelles de Jodhaa Akbar, la nouvelle réalisation d’Ashutosh Gowariker, dont le premier film n’était autre que… Lagaan.

Après avoir raté les deux premières projections, en octobre et novembre, celle du 28 décembre était ma dernière chance, et je ne l’ai pas manquée !
Interprété par une des grandes stars masculines du moment, Hrithik Roshan, et la divine Aishwarya Rai, Jodhaa Akbar n’est pas, contrairement à ce qu’on pourrait attendre d’un film Bollywoodien, une comédie musicale. C’est une fresque historique, épique, romantique et dense (3h25 tout de même). Les quelques numéros musicaux du film ne sont pas des morceaux chantés à proprement parlés, mais plutôt des rêveries en voix off, plus classiques et tendant moins vers cette kitscherie si charmante.

Ce trait renforce grandement la dramaturgie de l’histoire qui nous est contée, celle de Jalaludin Mohammad Akbar, empereur Moghol du 16ème siècle, musulman, ayant pris pour épouse la princesse Rajpoute Jodhaa, de confession hindoue, afin d’unifier l’Hindoustan sur lequel il régnait. Cette union allant à l’encontre des traditions ne plut pas à tout le monde, et Jodhaa Akbar conte les prémisses de cette union, les alliances et complots fomentés dans le but de rompre le fragile équilibre en résultant, et l’irrésistible et inattendu amour qui naquit au sein de ce couple mixte improbable.

Ashutosh Gowariker est de ces cinéastes indiens qui parviennent à manier les conventions de Bollywood pour servir un propos moins rose et kitsch que la plupart des productions locales (Swades était déjà un film trempant particulièrement dans le social), se penchant ici sur des figures historiques lui permettant de parler de la cohabitation entre Islam et Hindouisme au sein du peuple indien.

Certes cette approche ne permet pas à Jodhaa Akbar d’atteindre l’envolée lyrique et bouleversante d’un Veer Zaara, mais la fresque de Gowariker n’en demeure pas moins un film remarquable dont la durée ne fait qu’ajouter au plaisir vécu devant cette parade guerrière et amoureuse flamboyante.

Aaaah… si seulement les distributeurs et exploitants donnaient une nouvelle chance à Bollywood pour séduire le public français ailleurs que sur les rayons des vendeurs de DVD ! Je ne voudrais pas attendre deux ans de plus pour vibrer de nouveau devant un tel spectacle sur grand écran ! Car quoi qu’on en dise, un film issu de Bollywood n’a aucun équivalent au monde.