Un drôle de Symbol pour saluer Paris Cinéma

Mon Paris Cinéma s’est achevé lundi soir avec un dernier inédit japonais. Après la déception Hana de la veille, je comptais bien laisser l’ennui de côté avec Symbol, le genre de film au pitch barré qui laisse penser en entrant dans la salle « Ca passe ou ça casse ». Le film avait été programmé à la précédente édition de Deauville Asia, le Festival du Film Asiatique de Deauville, au printemps dernier. Je me souvenais avoir lu le sujet du film en regrettant de ne pouvoir aller en Normandie voir le film tant il semblait sûr qu’avec un sujet pareil, il y avait peu de chances qu’il sorte un jour dans les salles françaises. Peut-être à l’Étrange Festival ?

Grâce à la mise à l’honneur du cinéma japonais à Paris Cinéma, il ne m’a pas été nécessaire d’attendre éventuellement l’Étrange Festival. Symbol était à Paris cette semaine, et je ne l’ai pas manqué. Mais de quoi ça parle donc, vous impatientez-vous (et si ce n’est pas le cas, faites semblant au moins, pour le fun…) ?

Tenez-vous bien ce film japonais commence… au Mexique. Sur une route poussiéreuse et désertique, une voiture avec au volant une bonne sœur clope au bec fonce à travers ce décor purement américain. S’il n’y avait eu l’apparition du titre à l’écran, on aurait pu croire à une erreur de salle. Mais non, c’est bien Symbol qui démarre dans cette famille populaire d’un bled mexicain, avec des grands-parents qui s’engueulent, un gamin rêveur, et un drôle de catcheur. D’ailleurs les retardataires entrés en salle après l’apparition du titre à l’écran semblent déboussolés une fois installés dans leurs sièges. L’un d’entre eux sort même avant de revenir moins d’une minute plus tard, s’étant sans doute vu confirmé par une ouvreuse que oui, ce catcheur mexicain est bien l’un des personnages de Symbol.

Puis, alors que l’on se demande comment le scénario va bien pouvoir nous amener au pitch décrit dans le programme, nous y voilà sans prévenir. Tout à coup, on passe de la bonne sœur mexicaine à une pièce immaculée dans laquelle se réveille un japonais en pyjama. Quelques dizaines de mètres carrés, quatre murs blancs semblant monter jusqu’au ciel… et une protubérance sur l’un des murs. Intrigué, notre homme appuie dessus… alors de petits chérubins, des anges de statue sortent en riant des murs, nus, avant de tous redevenir invisibles… sauf pour ce qui est de leurs parties génitales. Tout à coup, le japonais en pyjama se retrouve avec des centaines de petits pénis caoutchouteux ornant les murs blancs. Et très vite, il se rend compte qu’en pressant l’un de ses pénis, quelque chose sort des murs immaculés. A chaque pénis, un nouvel objet. Et la sortie, elle est où ?

Lorsque cet emprisonnement est lancé, on se dit que le prologue mexicain était un leurre incongru, un peu comme le « Pendant ce temps, à Vera Cruz » de La Cité de la Peur, une fantaisie narrative. Et puis finalement non. Alors qu’on ne s’y attend pas, le réalisateur Hitoshi Matsumoto revient à cette famille mexicaine. Le film va ainsi osciller tout du long entre le catcheur « Escargot Man » (oui oui) au Mexique et l’homme en pyjama dans sa pièce à bites. Cette coexistence narrative est des plus étranges, mais fonctionne parfaitement, aussi bizarre que cela puisse paraître. Ce petit film loufoque tient étonnamment bien la route pendant 1h10 ou 1h15. Sans surprise, le sel du film tient principalement à la partie enfermée dans cette pièce blanche. Le mérite en revient à des trouvailles scénaristiques souvent hilarantes pour faire évoluer le récit dans cette impasse apparente, avec les découvertes du prisonnier, et bientôt ses stratagèmes pour sortir de sa pièce blanche. Il règne dans ce pan du film un esprit manga tout à fait réjouissant.

Ce qui est peut-être le plus important dans la réussite de toute cette partie, ce qui fait tenir le film, c’est la performance d’acteur. Hitoshi Matsumoto lui-même campe ce drôle de type enfermé, et sa prestation est tout bonnement hallucinante. Précis et physique, l’acteur / réalisateur arrache les fous rires tout du long… de ces 1h15. Malheureusement, Symbol dure un peu plus d’1h30, et le film s’écroule peu ou prou dans son dernier acte, ne parvenant pas du tout à trouver la prolongation finale de tout ce qui fait le sel de ce qui a précédé. Matsumoto finit par tourner en rond et tomber dans une sorte de trip métaphysique peu inspirée.

J’aurais aimé finir mon Paris Cinéma 2010 sur une note finale enthousiasmante comme elle semblait pouvoir l’être avec Symbol. Dommage, cela s’est joué à 20 minutes près. Heureusement, pas de quoi me décourager de revenir l’année prochaine pour l’édition 2011 !

Avec Hana, on s'ennuie ferme au temps des samourais !

Un inédit de 2006 réalisé par Kore-Eda Hirokazu dans le programme de Paris Cinéma ? Immanquable bien sûr ! Enfin, ça c’était avant de le voir, car le réalisateur japonais de ces incontournables que sont (entre autres) After Life, Nobody Knows, Still Walking ou le récemment sorti (et déjà malheureusement quasi invisible dans les salles alors qu’il est magnifique) Air Doll, nous a bien eu. Son film en costume planté dans le Japon du 18ème siècle m’a scotché de sommeil à mon siège dans la salle 12 du MK2 Bibliothèque.

Et pour le coup, il n’y a guère eu d’espoir : l’illusion est tombée presque immédiatement, car le cinéaste s’est englué dans son récit éclaté et difficile à suivre dans les premières minutes de Hana. Nous sommes au 18ème siècle, un temps de samouraïs et de vengeance. Ca tombe bien car de vengeance il en est beaucoup question dans Hana. Le problème c’est qu’on en parle énormément sans jamais l’accomplir, la vengeance, et très vite, on finit par s’emmêler les pinceaux, entre le jeune samouraï qui veut venger la mort de son père mais ne sait pas bien se battre et les vieux samouraïs qui campent dans le coin pour fomenter la vengeance de leur maître assassiné.

Il y a de l’humour, certes. De la tension oui. De la romance dans l’air ? Absolument ! Des personnages hauts en couleurs ? Oui, il y en a bien quelques uns. Tadanobu Asano fait même une apparition trop brève de trois scènes. Non, Kore-Eda Hirokazu n’a décidément rien oublié… sauf qu’en n’oubliant rien, il a tout foiré. Le réalisateur nippon semble tellement avoir à cœur de blinder son film de passages obligés, de sous-intrigues, de complots et de bavardages souvent inutiles, qu’il tisse en fin de compte un film très soporifique… qui (à l’aide !!) dure plus de deux heures (et croyez-moi, on a l’impression que cela dure même plus de trois heures…).

Heureusement que depuis sont venus Still Walking et Air Doll… sinon on jurerait que ce bon cinéaste file un mauvais coton. Allez, plus jamais ça, monsieur Kore-Eda !

The Housemaid, le cinéma coréen se remake en avant-première

Il est des films à propos desquels les débats passionnés sont recherchés et désirés, ces conversations à bâtons rompus qui animent si souvent les échanges entre amateurs de films. Des films qui abasourdissent, des films qui choquent, des films qui émeuvent, des films qui agacent. Des films qui ne laissent pas indifférents. Im sang Soo a déjà signé de tels films, que ce soit son évocation claustrophobe de l’assassinat du Président Park Chung-Hee dans The President’s Last Bang ou son adaptation du célèbre roman Le Vieux Jardin.

En s’attelant à un remake d’un classique du cinéma coréen vieux de 50 ans, on pouvait légitimement attendre de lui un film remuant avec force les avis cinéphiles. Présenté en compétition au dernier Festival de Cannes, The Housemaid n’a pourtant pas déchaîné les passions, qu’elles soient positives ou négatives, de la part des festivaliers, critiques ou professionnels. Le gastronome en cinéma coréen que je suis ne pouvait pas pour autant rater l’occasion de voir le film d’Im Sang Soo plus de deux mois avant sa sortie en salles à la rentrée prochaine.

Paris Cinéma a fait fort cette année en programmant dans les avant-premières la plupart des films primés sur la croisette en mai, de la Palme d’Apichatpong Weerasethakul au Grand Prix de Xavier Beauvois en passant par le Prix du Scénario de Lee Chang Dong. The Housemaid a beau n’avoir pas été récompensé, la manifestation parisienne a tout de même programmé le film au MK2 Bibliothèque. Projection à laquelle j’ai assisté en compagnie de la plupart des amateurs de cinéma coréen de la place parisienne, et d’une flopée de coréens résidents dans la capitale française.

Sans grande attente, on ne peut pas parler de déception. Peut-être Im Sang Soo aurait-il signé une œuvre plus intéressante sur le sujet de l’asservissement et des relations maître / esclave au sein de la société contemporaine s’il ne s’était pas attaché à un remake, mais plutôt à une vraie création. Son Housemaid se trouve tel quel un peu bancal. Rappel pour ceux qui ne connaitraient pas le sujet, il s’agit d’une jeune femme rentrant au service d’une riche famille comme gouvernante et nounou. La famille en question est un jeune couple (riche bien sûr) déjà parents d’une petite fille ravissante et attendant des jumeaux pour très bientôt. Rapidement, notre servante va entamer une liaison avec le maître de maison.

En sortant de la salle, je me sentais mitigé à propos de The Housemaid, et plus de 24 heures plus tard, cela n’a pas changé. Il y a toujours de belles choses dans le film d’Im Sang Soo, une mise en scène glacée notamment, mais le scénario manque de tenue, à chaque fois que l’on croit qu’Im tient quelque chose, il n’exploite pas et tente autre chose, ailleurs avec ses personnages. Le sujet est fort, mais il s’oriente dans l’attendu, un attendu qui le pousse parfois au n’importe quoi (le dénouement en est la parfaite illustration).

C’est dommage, car la scène d’ouverture – qui scénaristiquement n’a pas grande utilité mais ça ce n’est pas grave – était une mise en bouche particulièrement alléchante, sorte de prise de pouls de la ville coréenne la nuit, laissant augurer de quelque chose qui ne viendra jamais. Il y a aussi ce personnage de la gouvernante en chef de la maison, cette ajuma sexagénaire qui guide l’héroïne dans la maison de ses nouveaux maîtres. C’est le personnage le plus réussi du film, le mieux écrit, dont l’ambiguïté a un vrai sens, dont les atermoiements sont tout à fait palpables, et qui offre à son interprète Yoon Yeo-Jeong l’occasion de faire montre d’un grand talent (la comédienne était également à l’affiche à Cannes cette année de l’hilarant Ha Ha Ha de Hong Sang-Soo).

Certains se satisferont peut-être de découvrir la jolie Jeon Do-Yeon (Prix d’interprétation à Cannes il y a trois ans pour Secret Sunshine) dans un rôle fort peu habillé, et si je ne fait pas la fine bouche moi-même, j’aurais tout de même préféré sortir de la salle convaincu par le film.

Un aperçu asiatique de la compétition de Paris Cinéma...

Les années où le pays mis à l’honneur à Paris Cinéma ne me botte pas des masses, j’attache une attention toute particulière aux films de la compétition. Des films indépendants d’horizons variés, qui côtoient les avant-premières cannoises vers lesquels nous sommes tous un peu attirés. Chaque année est l’occasion de fureter et découvrir de beaux petits films (Aaaaaah, Old Joy de Kelly Reichardt, il y a quelques années…). Cette année, avec tous ces films japonais mis en avant qui me tendent les bras, je n’ai pas assez de temps pour me pencher avec autant de soin que je le voudrais sur les films en compétition.

Je n’ai le temps que pour deux d’entre eux, en fait, et ces deux films je les ai vus l’un après l’autre mercredi soir. Le croirez-vous, l’un est japonais, l’autre coréen ! Le premier s’intitule Sawako Decides et est réalisé par le jeune cinéaste Yuya Ishii (qui présentait également un deuxième film au festival, dans le cadre du focus sur le nouveau cinéma japonais, To walk beside you). Pour être rapide et caricatural, on pourrait appeler le film une comédie sociale féministe. La Sawako du titre a fui cinq ans plus tôt son patelin natal pour Tokyo, où elle n’a jamais su garder un mec, et n’a pas trouvé mieux qu’un job d’assistante où son patron la traite comme une moins que rien.

Alors lorsque son père, qui dirige une compagnie d’emballage de coquillage, se trouve au plus mal, et que son petit ami du moment, viré avec une gamine sur les bras, veut absolument qu’ils rentrent chez elle et qu’ils reprennent en main l’entreprise familiale, Sawako se laisse entraîner. Il faut dire que Sawako a un trait de caractère particulier. Elle est résignée. Elle pense que quoi qu’il arrive, dans le monde ou dans sa vie, elle n’y peut pas grand-chose. Alors elle laisse les choses se faire, sans tenter de prendre une quelconque emprise dessus.

Le titre du film s’avère très vite un énorme spoiler. On passe plus d’une heure en compagnie d’une jeune femme charmante mais tout fait incapable de prendre des décisions sur sa vie et préférant se laisser mener par les autres… alors forcément, il n’est pas difficile de savoir où Ishii va nous emmener. Mais ce n’est pas bien grave. L’essentiel, c’est que le long du chemin, le réalisateur nous présente des personnages cocasses empêtrés dans notre société. Cette société en crise à l’échelle globale, cette société où tout se répercute partout, et l’où on ne sait trop de quoi l’avenir sera fait. Tiens, c’est étonnant finalement à quel point le cadre et le fond ne sont pas si éloignés de Solanin, vu le week-end dernier. Certes le ton est radicalement différent, mais en fin de compte, on se reconnaît dans les deux tableaux. Preuve s’il en était de la lucidité de ces films. Même si au passage, je dois bien avouer que j’ai failli piquer du nez à plusieurs reprises devant Sawako Decides.

Pendant le film, je pensais sincèrement que la fatigue était plus fautive que l’œuvre en elle-même, mais juste après j’ai donc enchaîné avec La rivière Tumen, et là point de paupières lourdes me faisant lutter à chaque instant pour ne pas somnoler. Pourtant sur le papier, il semblait plus facile de se sentir fatigué devant le film coréen que devant le film japonais. A la comédie féministe a ainsi succédé un drame social prenant pour cadre un petit village chinois situé à la frontière de la Corée du Nord. Entre la Chine et la dictature de Kim Jong-Il, c’est un fleuve qui fait office de frontière naturelle. Un fleuve gelé en hiver, sur lequel traversent des nord-coréens cherchant à fuir le régime stalinien.

Dans ce village vit un grand-père avec ses deux petits-enfants. Elle est une jeune femme muette, lui est un garçon d’une douzaine d’années. Comme tout le monde dans ce petit village chinois, ils sont imprégnés de culture coréenne, jusqu'à parler la langue (sous une forme très locale tout de même). Et lorsque des nord-coréens demandent de l’aide après avoir franchi illégalement la frontière avec la police chinoise et l’armée coréenne aux trousses, ils leur ouvrent leur porte.

Vous conviendrez que le pitch de La rivière Tumen est moins entraînant sur le papier que Sawako decides. Si vous ajoutez à cela le retard du Festival, qui nous a fait poireauter debout un bon quart d’heure de plus devant la salle, les ingrédients auraient pu être réunis pour définitivement me plonger dans le sommeil après les phases intermittentes du film japonais précédent. Pourtant ce petit film coréen m’a tenu en haleine et en éveil pendant 1h30. Aucun étourdissement ou ronflement devant ce poignant drame humain.

Contée avec force sobriété, cette histoire de peuples déracinés, d’immigration clandestine, d’hommes, de femmes, et surtout d’enfants, amenés à être confrontés à la détresse humaine, souvent avec pudeur, ne commet aucune faute. D’un point de vue formel, c’est une maîtrise totale. Mise en scène élégante, décor subjuguant, difficile de ne pas être happé par le récit. Sur le fond, le réalisateur signe là semble-t-il une histoire très personnelle à laquelle il parvient à insuffler une vérité et une émotion brutes. Il tisse des personnages naviguant hors de tout manichéisme, confrontés à la difficulté de juger les hommes avec acuité.

C’est l’histoire d’une frontière derrière laquelle on ne sait trop ce qu’il s’y passe, tout en ne le devinant que trop bien. C’est l’histoire d’enfants trop jeunes pour comprendre toute la complexité d’un monde, tout en étant bien obligés de naviguer dans ses eaux troubles. C’est l’histoire d’un lieu extraordinaire et pourtant si banal. C’est l’histoire d’un film plein de courage qui laisse un goût amer. Un film qui devrait sortir dans les salles françaises à la fin de l’été, le 25 août. Notez-le bien.

Plongée dans Paris Cinéma avec un beau film japonais

Quand il a été annoncé que l’édition 2010 de Paris Cinéma mettrait à l’honneur le Japon, j’ai senti que cette nouvelle édition monopoliserait une large part de mon attention entre le 3 et le 13 juillet. Et c’est bien parti pour, en effet. Cela me rappelle au bon souvenir de l’édition 2006 de la manifestation qui mettait à l’époque en lumière le nouveau cinéma coréen, et m’avait ainsi permis de me plonger avec une soif difficile à étancher dans la cinématographie de ce pays qui m’est depuis devenu familier. Que vaudra donc le focus sur le cinéma japonais dans ce Paris Cinéma 2010 ? Un premier élément de réponse est tombé.

Le premier film à m’avoir attiré dans ses filets s’intitule Solanin, et alors même que le film n’est que l’entame du festival pour moi, j’ai déjà tendance à penser qu’à moins d’une sélection d’une très, très grande qualité, ce premier film sera l’un des meilleurs que je verrai au cours des jours à venir. A la base pourtant, dimanche soir, je devais aller voir Dog Pound de Kim Chapiron. Mais lorsque samedi matin, je me suis attelé à faire mon planning pour Paris Cinéma, en épluchant le programme du festival et lisant les synopsis de chaque film projeté, Solanin a accroché mon regard, et le seul moyen de le voir était d’y aller dimanche soir. J’ai donc convaincu mon amie de changer notre fusil d’épaule et d’aller voir le film japonais au MK2 Bibliothèque (j’avoue qu’elle ne fut pas difficile à convaincre).

Chose rare, ce qui m’a attiré à lecture du synopsis de Solanin est exactement ce que j’ai aimé dans le film. Bien souvent un film se révèle différent de ce que l’on attendait, pour le meilleur ou pour le pire, mais Solanin a su m’offrir ce qui me plaisait dans son thème. A savoir qu’il a su être un film semblant s’adresser directement à moi, parisien de 28 ans, en parlant pourtant d’une bande d’amis japonais à peine plus jeunes que moi.

Les héros de Solanin sont dans la deuxième moitié de leur vingtaine. C’est principalement un couple, Meiko et Taneda, qui vit ensemble à Tokyo aujourd’hui. Ce sont des jeunes gens de leur temps, un temps de crise mondiale où, ayant finis leurs études et étant entrés dans le monde du travail, ils ne savent pas trop ce que l’avenir leur réserve. Ils ont un job alimentaire, des hobbys qu’ils aimeraient peut-être transformer en moyen de gagner leur vie, mais ils n’en sont pas sûr. Meiko démissionne de son boulot, et encourage Taneda à se consacrer à son groupe de musique, ce groupe qu’il a commencé sur les bancs de la fac mais qu’il n’a jamais su faire décoller.

Premier film d’un jeune cinéaste, adapté d’un manga, Solanin sait parler de ses contemporains, de ses semblables, de son époque, avec une justesse de ton qui se pose rapidement. Empreint des doutes de notre génération et de notre époque, Solanin est une balade amère et mélancolique dans les méandres d’une société qui ne promet aucun avenir. C’est une génération d’indécis qui ne sait pas à quelle sauce elle sera mangé demain, et apprend à accepter de vivre au jour le jour. De profiter de ce que la vie offre de bonheurs quotidiens pour digérer l’acceptation que les rêves sont parfois trop grands, les épaules pas assez solides, et la perspective d’avenir, un grand flou peu engageant.

L’histoire de Meiko, Taneda et leurs amis, c’est l’histoire d’un grand nombre de jeunes gens d’aujourd’hui, qu’ils soient japonais, français, australiens ou je ne sais quelle nationalité encore. Solanin est clairement un film générationnel qui risque de ne pas autant parler à un ado de 15 ans ou un quinqua à quelques années de sa retraite. Eux pourront s’arrêter sur les défauts du film, comme sa longueur (2h06) ou sa tendance à appuyer un peu sur le larmoyant. Mais personnellement je ne tiens pas rigueur à Miki Takahiro de ces défauts. Certes j’ai eu peur, à l’entame du dernier acte du film, par la tournure prise par le film, avec le décès de l’un des personnages de la bande d’amis, mais en ne perdant pas de vue son discours sociétal, le réalisateur parvient à retomber sur ses pattes et à faire accepter ses faiblesses, à l’image du parcours chaotique des filles et garçons auxquels il s’attache.

Une belle entame de festival donc, qui donne soif quant aux jours à venir…

Breathless : l'émotion à coups de poings

A un mois de mes vacances en Corée, je commence à avoir quelques points essentiels à finaliser (l’hébergement n’étant pas des moindres). Mais en ces premiers jours de juillet, je peux toujours compter sur le Festival Paris Cinéma pour m’offrir un moyen agréable de préparer mon séjour au bout de l’Asie : voir un film coréen inédit, qui plus est en présence de son réalisateur et interprète principal. Un tout petit film d’auteur provoquant un étonnant déluge de sensations et d’émotions, et laissant, comme suggéré par le titre, à bout de souffle. Au lieu de vous parler des derniers films vus en salles le week-end dernier, je ne peux résister à l’irrépressible envie de vous parler de ce film…

Il y a trois ans déjà, Paris Cinéma avait eu l’excellente idée de mettre à l’honneur le cinéma coréen, donnant l’occasion d’un festin cinéphile difficile à égaler pour qui aime les films issus du Pays du Matin Calme. C’est dans la compétition internationale que figure cette année Breathless, première réalisation du comédien Yang Ik-Joon. A mille lieues des comédies et films d’action dans lesquels l’acteur s’est illustré, Breathless est un film qui ne peut que sortir de ses tripes, fait avec un budget que l’on devine minime mais déployant une force que l’argent n’achète pas.

L’histoire est celle de Sang-Hoon, petite frappe approchant de la trentaine qui gagne sa vie en récupérant des dettes non remboursées auprès de simples citoyens, souvent à l’aide de ses poings. C’est aussi l’histoire de Yeon-Hee, lycéenne peu passionnée par les études qui, depuis le décès de sa mère, fait office de maîtresse de maison auprès de son frère aîné et de son père. La rencontre entre Sang-Hoon, ultra violent crachant son venin à quiconque croise sa route, et Yeon-Hee, adolescente à fort caractère malmenée chez elle, va sensiblement bouleverser la vie de chacun.

Ce qui est passionnant dans le cinéma coréen, c’est que malgré l’attente que l’on développe autour (si l’on s’y intéresse), malgré l’apparente simplicité que l’on semble percevoir dans l’intrigue et les personnages de certains films, comme on peut le ressentir au premier abord avec Breathless, les lieux communs explosent, la facilité est contournée, et le résultat final (au choix) perturbe, choque, émeut, transporte. Breathless, malgré ses moyens limités et des ramifications entre les personnages si clairement établis qu’elles semblent promettre peu d’alternatives à un plan tout tracé, est sans conteste de ces films.

Le misérabilisme social pourrait guetter à chaque séquence. La détresse humaine pourrait être appuyée jusqu’au pathos le plus dégoulinant. La violence physique pourrait verser dans l’apologie jouissive. Pourtant de ces caractéristiques denses, Yang Ik-Joon tire une substance admirable, une galerie d’êtres humains meurtris, les héros en tête, mais également des seconds rôles tous justes, gamin sans père, gangster efféminé, pères fantomatiques.

La richesse de Breathless est de se nourrir de ce qui fait la force inimitable du cinéma coréen, la rupture de tons constante notamment, et de l’associer à un style vif, brut, parfois quasi-documentaire, proche du cinéma social européen, qui pousse constamment le film en avant. Le cinéaste explore chaque aspect de ses deux protagonistes, ne se contentant jamais de les montrer sous un seul visage. Il n’y a pas de problématique simpliste dans le rapport des personnages à la violence, qui est au cœur du film. Sang-Hoon n’est pas une brute sanguinaire sans relief. Justifier et adoucir ainsi ses actes n’est pas le but du réalisateur. Il affine le cogneur déblatérant les insultes à tout va, mais jamais ne le lave de son côté obscur.

Les opposés semblent indissociables sous l’œil de Yang. Violence et bonté ne sont pas incompatibles, mais en aucun cas elles ne sauraient suffire à expliquer ou définir un personnage et ses actions. Drame tragi-comique, Breathless s’affranchit de sa condition de tout petit film d’auteur (Yang est interprète principal, scénariste, réalisateur, producteur et monteur du film), portant un grand coup émotionnel aux yeux et au cœur, faisant coexister sa nette rudesse avec des touches d’allégresse et de douceur (la musique, aérienne, fait penser à du Sigur Ros).

Prix du Jury et Prix de la Critique au dernier Festival du Film Asiatique de Deauville, Breathless devrait sortir dans les salles françaises en décembre prochain.