Le 16 mars est déjà passé par là...

Mercredi, c’est jour de sorties. Et en ce mois de mars chargé en films, je suis bien heureux de constater que j’ai déjà vu trois des sorties de la semaine (ouf, ça va me laisser le temps de voir toutes les sorties du 9 que je n’ai pas encore eu le temps de voir… et également d’ attraper Butch Cassidy et le Kid à la Filmothèque du Quartier Latin qui me file entre les doigts depuis plus de deux semaines…). Si cette semaine, l’attention populaire se tournera plus certainement vers World Invasion : Battle Los Angeles et Ma part du gâteau (et que d’autres se réjouiront de l’arrivée des nouveaux opus de Ken Loach et Manoel de Oliveira), il est donc trois films que j’ai déjà vus, qui ne manquent pas d’intérêt, et dont j’ai déjà blablaté sur l’Impossible Blog Ciné. Séance de rattrapage pour ceux qui seraient passé à côté de mes billets au moment où je les ai vus…

Ha Ha Ha, la délicieuse comédie de Hong Sang Soo, en ce moment à l’honneur à la Cinémathèque française. Un film vu l’année au printemps 2010 à la reprise des films d’Un Certain Regard, sélection cannoise dont le film a d’ailleurs remporté le Prix. Lire le billet.

The Silent House (La casa muda), un film d’épouvante chilien à la tension flippante et à la maîtrise technique bluffante, qui promet autrement plus d’angoisse que l’actuel Rite de Mikael Hafstrom désespérément plan-plan. Lire le billet.

Pollen, un film documentaire mi-animalier mi-écolo, qui lorsque je l’avais vu en projection test à l’automne dernier  était des plus étranges, casse-gueule et fascinant à la fois. Depuis, apparemment, ils ont engagé Mélanie Laurent pour la voix off. Ce qui devrait changer un des problèmes du film… que je détaille dans mon billet.

Cycle Toho à la Maison de la Culture du Japon de Paris... Tokyo tout flou !

Depuis début février et jusqu’à la fin du mois, la Maison de la Culture du Japon de Paris organise un cycle de films sur le thème « Toho : le rêve américain ». Le fameux studio japonais est mis à l’honneur à travers une série de films allant des années 30 au années 2000. Voilà plusieurs semaines que je regardais le programme en me disant « Allez quoi, ça serait bien que j’aille en voir un », et depuis quelque jours j’avais repéré dans cet agenda conséquent le film Always : crépuscule sur la troisième rue de Takashi Yamakazi, un des films les plus récents du cycle, datant de 2005.

Étonnamment, malgré la profusion de films régulièrement projetés là-bas, et mon intérêt certain pour le cinéma asiatique, je n’étais jamais allé voir un film dans la petite salle du rez-de-chaussée de la MCJP. J’étais curieux de voir à quoi ressemblait leur salle de projection, et ce fut une agréable surprise. Une salle de 120 places en profondeur avec un écran de belle taille et de sièges rappelant ceux de la Cinémathèque française. Pas mal pour une salle de Maison de la Culture. Pas mal du tout. Je me demandais également s’il y aurait du monde, les projections des films du cycle étant en accès libre (oui oui, gratuit !). On devait bien être 80 ou 85 présents pour Always, un film multiprimé au Japon il y a quelques années, adapté d’un manga.

Je dois bien avouer que vu la fraîcheur chronologique du film, et la qualité apparente de la salle, je ne me suis même pas posé la question de savoir si le long-métrage bénéficierait d’une projection de qualité. Oh le choc. J’aimerais n’avoir à parler que du film, mais je ne peux laisser de côté la qualité de la projection (à l'heure de la tragédie qui frappe le Japon, ça paraît tout de même futile comme choc, j'en suis bien conscient). Je ne saurais honnêtement pas vraiment dire d’où vient précisément le problème qui s’est posé. Mais il y avait manifestement un gros problème. Un film de 2005, bon la copie ne risquait pas d’être trop dégueulasse. Or dès que la lumière s’est éteinte, la première chose sautant aux yeux, à part la lumière verte de la sortie de secours qui était bien trop puissante (mais ça c’est une autre histoire), c’était l’image tressautante et un peu sale. Wouaouh. Moyenne la copie.

Mais finalement, les déchets de la pellicule sont allés en s’amenuisant au fur et à mesure que le film avançait. Non, le plus gênant tenait en deux autres points. Le premier, un son pourri. Ca en faisait presque mal aux oreilles tellement il crachait, et tellement la musique semblait sortir d’un tourne-disque un chouia rayé. Aïe aïe aïe, ça ne sentait pas bon. Le second point, malheureusement, était la mise au point. Brouillonne, pour le moins. Les personnages ne semblaient jamais vraiment nets, et les sous-titres presque illisibles. Un spectateur du rang devant moi, qui était en bout de rangée, s’est levé au bout de quelques minutes, à l’évidence pour aller dire à quelqu’un de la MCJP qu’il y avait un gros souci de projection, car 2 ou 3 minutes plus tard, une tentative de mise au point était faite depuis la cabine. En vain. Le projectionniste n’a pas réussi à obtenir une image correcte. Est-ce de sa faute, de celle du matériel de la salle, de la qualité originelle de la copie (qui après le départ inquiétant avait l'air bonne, finalement), je n’en sais rien, mais le résultat c’est que tout le film a été projeté avec une image peu agréable à regarder ou à écouter, et il ne fait aucun doute que s’il ne s’était agit d’un film rare dans une salle obscure française, je me serais levé et barré. Certains spectateurs étaient d'ailleurs surpris d'apprendre que le film datait de 2005, ils ont dû le croire bien plus vieux à cause de cela...

Mais le film n’a pas dû être souvent projeté en France, et ne le sera pas énormément à l’avenir (surtout avec cette copie !). Je suis donc resté avec un mal évident à me plonger dans le film dans ces conditions. Mais cela ne m’a tout de même pas empêché d’apprécier Always : sunset on the third street. Le film s’ouvre à l’aube de l’été 1958 à Tokyo. Une jeune fille de la campagne monte dans la capitale pour son premier emploi, qu’elle croit être dans une grande entreprise automobile comme secrétaire. Or lorsqu’elle arrive sur place, elle découvre qu’elle a en fait été engagée dans un petit atelier de réparation automobile de quartier, et qu’elle va devoir mettre la main dans le cambouis. A travers son arrivée, c’est la vie de ce quartier populaire à l’ombre de la Tour de Tokyo en construction que l’on découvre. Une petite rue de commerçants vivant dans leurs boutiques, d’enfants insouciants, et de souvenirs de la guerre treize ans après sa fin.

La grande réussite de Always, c’est de faire vivre ce quartier et ses habitants. Le réalisateur instaure un vrai climat de proximité entre les spectateurs et les personnages. Il les aime ses personnages, et cela se sent, grâce à quoi nous aussi on les prend vite en affection. Pour leur côté théâtral et excessif, pour la nostalgie empreinte de douceur qu’ils représentent, pour cette joie teintée d’amertume qui parcourt le film. Takashi Yamakazi appuie parfois un peu trop les émotions (et cette fin n’est pas ce qu’il y a de plus réussi), mais la force qu’il parvient à imprimer au récit se détache tout de même. La famille est au cœur du film, surtout celle que l’on se choisit. Celle que la petite campagnarde découvre en la famille qui l’accueille, et celle que le gamin abandonné trouve en cet écrivain raté qui le fait rêver. Ce regard sur les familles pas comme les autres nourrit le film.

Lorsque la lumière se rallume, la porte est grande ouverte pour la suite, qui fut tournée deux ans plus tard et que le cycle Toho programmera dans quelques jours. Si le courage d’affronter de possibles sons crachotant et images floues se fait en moi, il n’est pas impossible que j’aille découvrir ce qu’il advient des habitants de cette fameuse « troisième rue »…

Rire et sexe à toute heure pour spectateurs oisifs

Que faire lorsque l’emploi du temps de la journée est vide, que les vacances touchent à leur fin et qu’on a des films en retard ? Une excursion en salles obscures paraît indispensable. C’était déjà le programme de la veille, mais j’avais enchaîné deux films sombres. Tous deux très bons, mais tous deux très noirs : Avant l’aube et Santiago 73 : post-mortem. Le lendemain j’avais donc envie de rire. Après tout c’est encore les vacances, il ne faudrait pas trop plomber l’ambiance, quand même.

Ca tombe bien parce qu’en ce mardi 8 mars, j’avais un film immanquable sur mes tablettes : Halal, Police d’état. Immanquable en ce jour, car il semble que le lendemain, le film serait invisible sur Paris (il ne passe plus qu’Pathé Wepler sur Paris intramuros). La nouvelle comédie écrite et interprétée par Eric et Ramzy ne semble pas s’être transformée en succès du moment auprès du public parisien, malgré les excellentes critiques dont le film a joui dans la presse. Ce sont d’ailleurs ces critiques enthousiastes qui m’ont motivé, car je dois bien avouer que les films d’Éric et Ramzy, ce n’est pas trop ma came. Je suis loin de les avoir tous vus, mais ce que j’en ai vu m’a toujours convaincu que les deux compères ne sont pas les plus grands comiques de leur génération. Loin de là.

Mais bon, il faut bien leur laisser une nouvelle chance de temps en temps, et vu que j’avais zappé Seuls Two, la lecture de la critique de Libération, où Didier Péron va jusqu’au dithyrambe en comparant l’humour du duo au meilleur de la comédie américaine, m’a finalement donné envie d’aller jeter un œil à Halal Police d’État. Il m’aura finalement fallu trois semaines pour y aller, moins par doute que pour attendre un ami désireux de le voir mais n’ayant finalement pas trouvé le temps. Tant pis pour lui, moi j’ai saisi la dernière chance de le voir sur grand écran. Et plutôt qu’une des petites salles de l’Orient Express, qui ont leur charme bien à elles (haha), j’ai opté pour une belle salle de 200 places à Bercy, à 11h30. Semaine du matin en semaine pour une comédie d’Éric et Ramzy dont le public est plutôt ado… résultat, on n’était même pas dix pour suivre les aventures parisiennes du duo de flics algériens Nerh-Nerh et Le Kabyle, loin d’avoir inventé l’eau chaude et mandatés pour prêter main forte à la police française sur une affaire de serial killer à Barbès.

Avec les six ou sept autres spectateurs calés dans le fond de la salle, j’avais l’impression d’avoir le film pour moi tout seul, et au début ça m’a un peu fait peur. Je ne me souviens pas avoir ri pendant le premier quart d’heure du film, en fait. Ca sentait déjà la daube à la Double Zéros à plein nez. Et puis finalement, petit à petit, je me suis mis à rire. Des gags commençaient à faire mouche. L’esprit absurde de l’entreprise prenait nettement mieux que sur leurs précédents films. Je n’irais pas jusqu’à m’enflammer comme Péron dans Libé, mais force est de constater qu’Eric et Ramzy ont fait des progrès. L’un des points essentiels est qu’il parvienne à rendre leurs personnages sympathiques, ce qu’ils ont habituellement bien du mal à faire. Chez eux, débile rime trop souvent avec horripilant, ce qui pose problème.

Mais ici, entre les « blédards » posant pour leur calendrier, le concierge d’hôtel tendance Norman Bates, l'enlèvement extraterrestre qui imprime un accent français et les chinois qui s’appellent Cohen, les gags pullulent, et souvent dans le bon sens. Bon d’accord, ça pullule dans tous les sens, et plus d’une fois ça tombe à plat. Mais comparé aux précédentes aventures cinématographiques d’Eric et Ramzy qui tombaient constamment à plat, il y a du mieux.

Dans le genre qui part dans tous les sens, Halal Police d’État n’est pourtant pas le plus fou que j’ai vu ce jour-là. Toujours en recherche d’humour, je suis ensuite allé poser mes fesses dans la grande salle du Balzac pour Rio Sex Comedy de Jonathan Nossiter. Voilà longtemps que je ne m’étais pas trouvé dans la belle salle du Balzac. D’ailleurs je n’étais pas allé au Balzac depuis l’été dernier, lorsque j’avais découvert la petite « salle de luxe » du cinéma pour City of Life and Death. Eh bien le mardi à 14h, il n’y a pas grand monde au Balzac non plus. Dans la grande salle de 300 places (à vue de nez), comme pour Halal Police d’État quelques heures plus tôt, nous étions à peine dix à nous répartir aux quatre coins de la salle.

A l’origine j’étais un peu hésitant pour Rio Sex Comedy. Une comédie franco-américano-brésilienne à Rio avec des couples explorant leur vie sexuelle (ainsi que ça en avait l’air) par le réalisateur du documentaire Mondovino, j’étais hautement craintif. Mais l’esprit festif qui semblait régner dans le film, plus la présence au générique du trop rare Bill Pullman, ont attisé ma curiosité. Et je crois bien que le terme technique en vigueur dans l’appréciation d’un film décrivant le mieux ce que j’ai ressenti devant Rio Sex Comedy est : je me suis éclaté. Excusé le langage très élaboré, mais il convient à merveille. Rio Sex Comedy est un film totalement foutraque. Totalement. Les personnages sont inconstants, les intrigues partent dans tous les sens, et le film est trop long… non vraiment, vu d’en haut, le film ne ressemble souvent à rien. Mais c’est pourtant bien cette confiture étrange à saisir qui fait tout le charme de Rio Sex Comedy. C’est un joyeux bordel dans lequel il fait bon être spectateur.

Pullman incarne l’ambassadeur américain qui prend la tangente dans une favella pour se trouver une nouvelle vie, Charlotte Rampling la chirurgienne plastique qui déconseille ses clientes de passer sur le billard, Fisher Stevens un drôle d’américain qui fait visiter les favellas aux touristes et est amoureux d’une belle indienne qui se rêve star de telenovela… Les personnages sont tous assez fous et inattendus, et ils vivent en osmose avec l’esprit coloré du film. C’est absurde, c’est cliché, c’est sexy. Et surtout c’est jubilatoire. Le cocktail est étonnant et réjouissant. Les craintes se sont évaporées.

Je ne suis pas écrivain, ou une drôle de rumeur...

Quand j’ai commencé ce blog il y a un peu plus de deux ans, je ne pensais pas que j’aurais un jour à écrire le billet que je suis sur le point d’écrire. J’ai commencé ce blog pour raconter mes aventures de spectateur dans les salles de cinéma parisiennes. Mes rencontres incongrues, mes projections perturbées, mes coups de cœur ciné. Sans plus de légitimité qu’aucun autre bloggeur, à savoir une passion pour le cinéma qui remonte à mon adolescence et au-delà.

Je n’ai jamais cherché à me faire passer pour ce que je ne suis pas, je n’ai jamais prétendu en savoir plus que les autres (bon sauf si vous pensez que Lars Von Trier est le plus grand cinéaste qui soit, là je ne peux rien pour vous, haha), et surtout je n’ai jamais fait mon snob, ni sur mes goûts cinématographiques, ni sur ce que j’écris.

Si j’écris ces quelques lignes aujourd’hui, c’est que j’ai découvert il y a quelques jours par l’entremise d’une personne lisant mon blog une « interview » présente sur un autre blog. Cette « interview » a été mise en ligne en novembre dernier, et très franchement, si personne ne me l’avait montrée, je ne sais pas si je l’aurais un jour découverte. J’ai appris que si l’on tape mon nom sur Google, c’est cette interview qui figure parmi les premiers résultats (et même LE premier résultat apparemment). Parce qu’il s’agit d’une interview que j’aurais donnée. Je dis bien « j’aurais », car non, je n’ai pas donné d’interview à ce blog dont je n’avais jamais entendu parler.

Mais les auteurs de ce blog ont beau ne m’avoir jamais rencontré ou contacté, ils ont réalisé une interview d’un certain David Tredler qui écrit un blog intitulé « L’impossible blog ciné ». Mon blog. Pourtant non, ce n’est pas moi. Il suffira à quiconque me connaît un minimum de lire le chapeau de l’interview où l’on apprend que j’ai 43 ans pour comprendre qu’il s’agit là d’une supercherie (désolé les gars, j’en ai 29).

Une fausse interview pourrait m’amuser, il paraît que j’ai le rire facile. Le problème c’est que l’interview me fait un peu passer pour un connard qui ne se prend pas pour de la merde. « Je suis écrivain et pas bloggeur » dit l’interviewé. Euuuuuuuuuh, d’accord les gars, marrant votre fausse interview, sympa. Les fausses interviews de personnalités publiques, je connaissais, mais les fausses interviews de bloggeur pour les faire passer pour des cons, j’avoue, vous innovez, grave. La moindre des choses quand on décide de réaliser ce genre de canular, c’est de prévenir l’intéressé à un moment ou à un autre nan ? J’ai bien laissé un commentaire sur l’interview, mais cela fait plusieurs jours, et il n’a toujours pas été validé (je vais pas vous manger les gars, vous savez je mords pas et je suis assez sympa comme mec, vous pouvez sortir de votre cachette)…

Alors voilà, si par hasard, au fil de votre navigation, vous tombez sur l’interview d’un David Tredler de 43 ans qui se prétend écrivain sur son blog L’impossible blog ciné, ce n’est pas moi. C’est vrai que je n’écris pas de critiques, c’est vrai que j’écris seul mon blog, et c’est vrai que Belphégor est une daube, mais le ton snobinard n’est pas de moi, et certainement pas ce qui est écrit. Ca m’a un peu énervé, un peu amusé, j’hésite. Drôle d’histoire quand même. Je m’en voudrais presque d’avoir à en parler et à me justifier dessus. Mais je préférais clarifier les choses. Au cas où le doute existait. Et si vous aussi vous tenez un blog, attention, votre identité est peut-être en danger...

James Franco, Danny Boyle et les pompiers

Il y a quelques jours c’était la désolation : James Franco n’est pas invincible. L’homme qui touche à tout (même à General Hospital !) ne serait donc pas capable de tout faire avec talent. Présenter les Oscars était manifestement hors de sa portée. Tout à coup l’acteur qui m’avait explosé de rire dans Délire Express et transporté d’émotion dans Harvey Milk se révélait médiocre. Un peu plus et j’en aurais même oublié la trempe de l’acteur. Heureusement que 127 heures est là.

Le nouveau film de Danny Boyle sort à point pour balayer les doutes et interrogations concernant James Franco. Le survival en plein « canyonland » fait exploser les aptitudes d’acteur de Franco. Quasiment seul devant la caméra de Boyle pendant tout le film, le bras coincé et ne pouvant bouger, l’acteur américain nous fait vivre avec une intensité sans pareille, dans l’effort et la souffrance, dans les larmes et les joies, le cauchemar d’un homme dont la seule issue pour se sortir d’une randonnée potentiellement mortelle se révèle vite être l’auto-amputation. Et lorsqu’on n’a même pas un couteau suisse sur soi, la tâche est immense.

Depuis sa première projection au Festival de Toronto en septembre dernier, l’histoire vraie d’Aron Rolston avait la réputation de faire vivre cette odyssée immobile avec un réalisme perturbant, poussant quelques spectateurs au malaise devant pareil spectacle. Ce genre de bouche-à-oreille paraît souvent un peu exagéré. Pourtant le week-end dernier, devant 127 heures, alors que Franco venait de parvenir à s’arracher le bras à l’écran, une femme a fait un malaise dans la salle où je me trouvais, et les pompiers ont dû intervenir - aussi discrètement que possible - pendant que le dernier acte du long-métrage se jouait. Surréaliste. J’avouerais tout de même que malgré la dureté de la séquence, on a vu bien pire au cinéma, et qu’il faut être une âme bien sensible, ou pas du tout au courant du sujet du film, pour se laisser tromper et s’évanouir. Même si habituellement, on ne voit pas ce genre de séquences dans un film connu pour être tiré d’une histoire incroyablement vraie.

Si la tension est telle pendant le film que les âmes sensibles en tombent dans les pommes, c’est aussi parce que derrière la caméra, Danny Boyle insuffle une vivacité idéale pour nous accrocher au récit statique, faisant oublier sa surestimée incartade indienne Slumdog Millionaire, qui avait réussi à duper son monde en devenant un film adoré de tous et raflant tous les Oscars. Aujourd’hui je me demande encore ce qu’on peut bien trouver à ce film surexcité qui se passe près de la moitié du temps sur le plateau de « Qui veut gagner des millions ? » avec en son cœur un couple pas crédible pour un sou. Mais c’est un des traits de Danny Boyle, d’être capable d’enchaîner un grand film après une œuvre mineure, comme il l’avait fait précédemment en signant le fabuleux Sunshine après l’éphémère Millions (en même temps on pourrait se dire que c’est l’inverse et qu’après un grand film, il enchaîne une petite daube, mais allez, soyons positif…).

En attendant de découvrir si le prochain long-métrage du british Boyle sera ou non une chiure de mouche, on pourra se fendre la poire cet été devant le prochain James Franco, Your Highness (qui devrait s’intituler Votre Majesté en France), réalisé par David Gordon Green et co-interprété par Danny McBride. Oui oui, l’équipe gagnante de Délire Express. J’en suis déjà tellement hilare que je pourrais m’évanouir.

Shanghai sortira-t-il un jour ?

Cette semaine, les spectateurs français vont voir débarquer dans leurs salles Le Rite, un film d’exorcisme avec Anthony Hopkins. Pourtant le réalisateur suédois Mikael Hafström, chef d’orchestre de ce film qui ne devrait pas faire de grandes vagues - ni au box-office ni dans les cœurs - a réalisé un film il y a plus de trois ans qui attend toujours de sortir en France et aux États-Unis. Celui-ci, Shanghai, réunit devant la caméra une brochette d’acteurs internationaux qui ferait saliver d’envie bon nombre de producteurs cherchant à réaliser un film de prestige. John Cusack, Gong Li, Chow Yun-Fat, Ken Watanabe, David Morse, Franka Potente, Jeffrey Dean Morgan. Il y a plus dégueu comme distribution.

Le film prend place dans la cité chinoise alors que le monde est en train de basculer dans la Seconde Guerre Mondiale. Cusack y incarne un américain retournant à Shanghai pour rendre visite à un ami, mais y découvre que celui-ci a été assassiné. Dans cette Chine sous occupation japonaise, l’américain va tenter de faire la lumière sur la mort de son ami.

Le film a été tourné à l’été 2008, il y a bientôt trois ans et si presque toute l’Asie y a eu droit en 2010, la plupart des pays d’Occident attendent encore que le film arrivent à eux. Une fresque mêlant mystère et Histoire dans le Shanghai des années 40 avec de tels acteurs qui n’arrive pas à sortir, il est où le problème ?

Le problème c’est que le film est estampillé The Weinstein Company. La fameuse Weinstein Company. Et le problème de la Weinstein Company, c’est que ces dernières années, la faillite n’est jamais loin, les recettes souvent catastrophiques, et que du coup, un film ayant pour distributeurs les frangins Weinstein a plus de chance de rester un p’tit moment dans un tiroir que de sortir en salles comme il se doit. Et parmi les films souffrant le plus du bon vouloir des Weinstein, Shanghai fait bonne figure. C’est bien simple, le film est régulièrement annoncé dans le calendrier des sorties (américaines) depuis près de deux ans maintenant, souvent à l’automne, mais en mars 2011, on l’attend toujours. En tout cas, moi, je l’attends toujours.

Ce n’est pas que je sois un inconditionnel de Mikael Hafström, dont je n’ai vu jusqu’ici que le déjà oublié Dérapages avec Jennifer Aniston et Vincent Cassel mais, petit a, les fresques en costumes c’est mon dada, petit b, moi ces acteurs-là je veux les voir sur grand écran, et petit c, Gong Li. La rareté de l’actrice chinoise au cinéma, et sa propension ces dernières années à n’apparaître que dans des productions occidentales décevantes (Mémoires d’une Geisha, Miami Vice, Hannibal Lecter) n’enlèvent rien à sa grâce et son talent. Celle que j’ai découverte dans Épouses et Concubines pour ensuite l’admirer dans Adieu ma Concubine ou 2046 fait partie de ces acteurs (actrices) dont la simple présence au générique d’un film rend ce dernier intrigant, attirant, irrésistible. Et la rareté de Gong Li décuple l’attente de ce film que le distributeur semble préférer maintenir caché dans son grand chapeau.

Mais j’en ai vu d’autres. Je sais me montrer patient. Et je me dis que le succès rencontré par les Weinstein avec Le Discours d’un Roi, ses Oscars et ses recettes exponentielles au box-office, tout cela va bien renflouer les caisses et, qui sait, pousser les frères à se pencher sur le cas Shanghai, et m’offrir d’enfin découvrir le film sur grand écran. Parce que si j’attends que sorte en France le remake chinois de Ce que veulent les femmes dans lequel elle reprend le rôle d’Helen Hunt, je risque d’attendre longtemps…

Alors c'est ça, les Oscars...

Je me suis toujours demandé à quoi ressemblait la cérémonie des Oscars. Ce que faisait la grande communauté du cinéma américain chaque année en ce dernier week-end de février (ça n’a pas toujours été à cette période-là) pendant que moi, bien calé sous ma couette hivernale, j’enlaçais traditionnellement Morphée et ses doux bras. Eh non, malgré mon addiction au cinéma, je ne m’étais jamais penché en live sur les Oscars… la faute à une diffusion nocturne dans la nuit du dimanche au lundi sur une chaîne cryptée que je n’ai jamais possédée.

Chaque année, je regardais nos Oscars à nous, les Césars, et chaque année j’entendais et lisais ici et là que la cérémonie française était les Oscars du pauvre, le cérémonial sans le show à l’américaine, les récompenses dans une ambiance engoncée. J’en étais sûr depuis toujours, les Oscars, ça devait être autre chose que les Césars. Plus punchy, plus drôle, plus fou.

Vendredi soir j’étais bien sûr attiré par la même curiosité annuelle par les Césars. Charmé sans être conquis par le numéro d’Antoine de Caunes en maître de cérémonie. Amusé par les sketches parcourant la soirée. Énervé par la victoire d’Anne Alvaro et son César de la Meilleure Actrice dans un second rôle. Déçu par la défaite de Raphaël Personnaz, mais consolé par un beau discours d’Edgar Ramirez. Surpris par la Meilleure Actrice Sara Forestier. Parieur sur la robe débordée de Leïla Bekhti (eh non, aucun sein ne s’est dévoilé !). Heureux pour la reconnaissance du Polanski.

Mais ce week-end, j’avais déjà la tête aux Oscars. Car cette année, j’allais voir pour la première fois la cérémonie Hollywoodienne, en direct live sur Canal+, du long tapis rouge étoilé aux alentours de minuit à l’Oscar du Meilleur Film aux premières lueurs du jour (même si à cette époque de l’année, à 6 heures du mat’, il fait encore nuit !).

Alors c’est quoi, les Oscars ? Du moins, les Oscars 2011, puisque je n’ai pas de point de comparaison et que je ne m’avancerai pas à généraliser à partir d’une unique cérémonie… C’est déjà deux heures et demie de tapis rouge. Deux heures et trente minutes à regarder les stars faire leur arrivée, trouver leur chemin jusqu’à l’entrée du Kodak Theater de Los Angeles, serrant des mains, claquant des bises, posant devant les appareils, et répondant aux questions des journalistes entourant le fameux tapis.

Je passerai sur les vents pris sur le tapis rouge par Didier Allouch, un des rares journalistes ciné sachant faire son boulot à la télé, même si aux Oscars, ça ne se voit pas, et sur Laurent Weil (lui par contre…) et ses deux invités Gilles Lellouche et Jean-Paul Rouve. Ce qui m’intéressait, c’est ce qui allait se passer à l’intérieur du Kodak à l’instant où James Franco et Anne Hathaway allaient pénétrer sur la scène pour présenter la cérémonie.

Une partie de l’excitation qu’il y avait à découvrir ces Oscars 2011 tenait justement dans ce duo de présentateurs inédit. Franco et Hathaway succédaient à une tradition de professionnels du rire (Steve Martin & Alec Baldwin, Jon Stewart, Billy Crystal, Chris Rock…) ou à des showmen nés (Hugh Jackman), ce qui constituait donc un choix étonnant.

Franco, qui s’est révélé ces dernières années un touche-à-tout fascinant, acteur intense chez Gus Van Sant, comique chez David Gordon Green, apprenti cinéaste à la fac, écrivain en herbe, artiste exposé, et même acteur de soap, pouvait être LA star de la soirée.

Or s’il y a bien une chose à retenir du déroulement de ces Oscars 2011, c’est à quel point l’acteur s’est révélé un piètre host. Rigide, détaché, sans une once de bagou ou d’étincelle, Franco a traversé la soirée tel un fantôme, incapable d’insuffler le moindre rythme, le moindre humour, la moindre présence sur scène. A ses côtés, Anna Hathaway s’est débattue comme elle a pu, certainement consciente que son partenaire d’un soir passait complètement à côté de son rôle, mais elle n’a pu sauver à elle seule les meubles. Waouh. Après cela, plus personne ne pourra critiquer la présentation des Césars en comparant la chose avec le show à l’américaine des Oscars, sous peine de se voir rétorquer « Enfin bon, ce n’était pas pire que les Oscars 2011 présentés par James Franco ». Nullissime le Jimmy. A le voir s'amuser avec son iPhone sur scène, c'était à se demander s’il ne l’a pas fait exprès. Les américains y réfléchiront à deux fois avant de critiquer la verve méchamment drôle de Ricky Gervais, autrement plus enthousiasmante aux Golden Globes…

Du coup, il faut bien l’avouer, cette molle présentation a bien plombé la soirée. Il aura fallu s’en remettre à une apparition scénique de Billy Crystal, à un classique sketch d’insertion des présentateurs dans les films nommés (même en France on sait le faire, ça), ou à un beau montage vidéo annonçant les dix films en compétition pour l’Oscar du Meilleur Film, pour prendre du plaisir à regarder la cérémonie. C’est assez maigre. Finalement, LE moment inoubliable de la soirée, celui qui permet de dégager un véritable élan classe à cette 83ème cérémonie de remise des Oscars, c’est l’intervention sur scène de Kirk Douglas, qui du haut de ses 94 printemps s’est révélé plus drôle, vivant et inattendu que Franco et Hathaway réunis. Il a beau avoir du mal à articuler et un physique à faire peur les enfants derrière lequel on a du mal à discerner l’homme qu’il a été, Kirk Douglas était bien le plus grand au Kodak Theater.

Autour de lui, les prix se sont succédé, tous attendus, sans surprise sinon peut-être l’Oscar du Meilleur Réalisateur, inexplicablement remis à Tom Hooper pour le trop lisse Discours d’un Roi lorsqu’il eût été plus méritant de le donner à David Fincher pour son époustouflant The Social Network ou à Darren Aronofsky pour l’électrisant Black Swan. Ah oui, et remettre deux Oscars pour Alice au Pays des Merveilles, furent-ils techniques, était bien inutile.

C’était cela, les Oscars 2011, le glamour gâché par l’ennui… Je reviendrai sans doute puisque James Franco ne reviendra pas, lui, c’est sûr.