Retour au ciné !! (il était temps...)

Ne pas aller au cinéma pendant dix jours. A première vue, rien d’exceptionnel. Ce n’est rien dix jours. Dix petits jours. Pourtant quand on a tendance à passer beaucoup de temps dans les salles obscures, comme je le fais, dix jours sans s’installer confortablement dans une salle pour se voir raconter une histoire sur grand écran, ces dix jours là peuvent paraître très longs. Et surtout créer un retard non négligeable lorsque l’on a l’habitude de voir quatre ou cinq films par semaine.

L’extension à 7 jours de la Fête du Cinéma, que j’ai pris pour habitude d’éviter pour contourner la foule, n’a pas aidé. Bien qu’en fin de compte, l’extrême beau temps semble avoir éloigné les français des salles cette semaine. Du coup ce week-end, après dix jours passés sans avoir une minute à accorder aux salles obscures, ce fût mission : rattrapage cinéma.
Malgré mon irrépressible envie de m’engouffrer dans une salle programmant Very Bad Trip, j’ai fait mon sérieux et accordé ma priorité aux films plus fragiles que la comédie surprise de l’été.

Mon retour en salles s’est donc effectué par le seul mauvais film vu au cours du week-end (sur six films, c’est un bon rendement !), Notorious B.I.G., biopic éculé de la légende du hip hop East Coast des années 90 Chris « Biggie Smalls » Wallace. Abattu à Los Angeles en 1997, le rappeur américain méritait certainement mieux qu’un film à sa gloire ne parvenant jamais à poser un regard fouillé sur la figure de Brooklyn. Le personnage est fatiguant et caricatural, et le regard du cinéaste George Tillman Jr. ne parvient pas à exister en dehors d’une succession de clichés typique du genre : la mort en ouverture, retour à l’enfance, récit plat, avec en prime une ridicule succession de passages obligés avant la mort annoncée : la rédemption envers la mère, l’ex, la fille… dans les deux minutes précédant l’assassinat à l’écran.

On était en droit d’attendre une radioscopie réaliste de la culture hip hop des années 90, ou un regard acerbe sur la rivalité du milieu, mais tout ceci n’est qu’effleuré avec lourdeur. Espérons que le jour où Hollywood se penchera sur le destin également funeste (et autrement plus intéressant) de Tupac Shakur, le travail aboutira à un film autrement plus ambitieux. Mais après tout, qu'attendre d'un film produit par la mère de Biggie Smalls et son producteur et ami de l’époque, Puff Daddy ?

Après ce travail bâclé, ce fût un plaisir d’assister au spectacle certes classique mais hautement maîtrisé de Jeux de Pouvoir. Un thriller politique qu’il est bien sûr difficile de ne pas comparer à ses aînés des années 70, ceux concoctés avec savoir-faire par Pakula, Pollack ou Lumet. Mais finalement, le film moderne de Kevin McDonald, inspiré de la série britannique « State of Play », n’a pas franchement à rougir de la comparaison. Exploration des arcanes du pouvoir à Washington, avec ses complots tortueux cachés derrière chaque colonne du Capitole, Jeux de Pouvoir est surtout un film sur l’état du journalisme en 2009. Un vibrant hommage au travail de journaliste à une époque où l’information n’a plus le même sens ni la même forme qu’il y a 30 ans.

On peut reprocher au film de ne pas viser une certaine grandeur auquel le genre pourrait pourtant se prêter, il n’empêche qu’il est un divertissement hollywoodien haletant et intelligent. Il est aussi servi par une interprétation de grande qualité, de Russell Crowe en vieux loup du journalisme, à Ben Affleck, jeune politicien plein d’avenir pris au cœur d’une machination politique.

Le troisième film de cette journée de rattrapage (ça faisait longtemps que je n’avais pas fait trois films dans la journée) a confirmé la bonne tenue de la comédie française, Tellement proches. Je ne dirais pas que c’est une surprise, étant donné que ceux à qui l’on doit le film, le duo Eric Toledano / Olivier Nakache, sont déjà responsables de deux des meilleures comédies hexagonales de ces dernières années, Je préfère qu’on reste amis et Nos jours heureux. Mais il démontre assurément que l’on peut compter sur les deux compères pour offrir au genre comique en France un mélange de loufoquerie jouissive et de regard tendre rare de par chez nous.

Le fait qu’ils travaillent en duo apporte beaucoup au cinéma de Toledano et Nakache. Le film déborde de dialogues, situations et personnages truculents, offrant parfois un visage un peu brouillon et trop plein à l’ensemble, mais si réjouissant qu’on leur pardonne leurs excès.

Rendez-vous demain pour la suite de mon retour en salles…

Un week-end au ciné - Chapitre 4

Dans les jours qui viennent, je risque de passer de nombreuses heures dans les salles obscures pour cause de vacances parisiennes. Rien de tel que profiter, de temps à autres, de quelques jours tranquilles dans la capitale, et au détour des jours se brûler la rétine au plus près des écrans. Ce week-end, quatre longs-métrages m’ont attiré à eux, de l’évidence de saisir l’opportunité de découvrir un inédit asiatique à la comédie française dans toute sa splendeur. Entre les deux, un samedi réservant d’agréables surprises.

Vendredi soir, le centre culturel coréen organisait sa projection cinéphile mensuelle. Comme d’habitude accès gratuit et comme d’habitude, les bonnes places étaient chères de par la petite capacité de la salle (ne pas arriver en avance revient à accepter d’emblée d’être très mal placé). J’ai réussi à me caler au troisième rang (trop loin à mon goût) entre deux têtes, pour The show must go on, seconde réalisation du jeune cinéaste Han Jae-rim après la comédie romantique loufoque Rules of Dating datant de 2005. Sortie il y a deux ans dans sa Corée du Sud d’origine, cette comédie mafieuse suit les pérégrinations d’un sous-chef de la pègre locale, tiraillé entre ses obligations professionnelles et ses aspirations familiales.

Plus réussi dans l’approche comique que dans ses aspirations dramatiques, The show must go on, trop débraillé mais bouillant d’énergie, vaut avant tout pour la composition centrale de Song Kang-Ho, qui s’affirme de film en film comme l’un des tout meilleurs comédiens qui soit, toutes nationalités confondues. Sa présence en prêtre vampirisé dans le nouveau Park Chan-Wook fait saliver d’avance…

Samedi après-midi, direction l’inévitable UGC Ciné Cité Les Halles pour une double après –midi ciné, entamée par Erreur de la banque en votre faveur. A la base, ce genre de comédie frenchy n’est pas ma tasse de thé. D’autant que mon pote Michael a beau me claironner que leur scénario de La vérité si je mens 2 était un petit bijou, moi jusqu’ici le talent d’écriture de Gérard Bitton et Michel Munz ne m’avait vraiment pas impressionné. Tout comme leurs deux premiers films en tant que réalisateurs, Ah ! si j’étais riche ! et Le cactus, deux comédies classiques, pépères, et vite oubliées (surtout la première). Alors forcément, Erreur de la banque n’était pas vraiment sur mon radar. Mais voilà, si de mauvaises critiques ne m’empêcheront jamais d’aller voir un film que je désire voir, les bonnes en revanche peuvent faire naître, à défaut de désir, de la curiosité autour de certains films.

C’est ce qui est arrivé avec Erreur de la banque, les larges échos positifs, du public et de la presse, ont eu raison de mon manque d’enthousiasme, et m’ont poussé à rattraper mon retard. Et effectivement bien m’en a pris. Les aventures amicalo-boursières de Gérard Lanvin et Jean-Pierre Darroussin s’avèrent souvent jubilatoires, écrites avec un esprit comique indéniable, rythmées, fines, et peu avares en rebondissements et quiproquos tordants. Une belle preuve que la comédie franchouillarde peut ne pas être beauf.

Le second film de la journée a lui aussi prouvé quelque chose. Il a prouvé que Zac Efron n’attire pas que des adolescentes surexcitées de 14 ans pour son film 17 ans encore. Car à mon grand étonnement, dans la grande salle 6 des Halles, samedi à 18h10, point de midinettes à l’horizon pour crier leur amour au nouveau beau gosse hollywoodien, mais plutôt un public de 20/30 ans, probablement attiré comme moi par le pitch à échos très 80’s, à savoir un homme insatisfait par la tournure qu’a pris sa vie qui se voit offrir la chance de retrouver ses 17 ans. Il y a du Big et du Peggy Sue s’est mariée dans l’idée de base de cette comédie, le second film de Burr Steers après le méconnu mais non moins réussi Igby sorti il y a quelques années.

Non, il ne s’agit pas d’un High School Musical 4, bien heureusement. Si 17 ans encore manque certes grandement de subversion et de trouvailles réellement novatrices, le pitch est plutôt bien exploité et Efron, au-delà de son statut d’idole des adolescentes, tient plutôt bien son rôle. Mais surtout le film a dans sa manche un atout indéniable qui fait tout son sel : Thomas Lennon, second couteau hilarant plus connu pour être la tête d’affiche de la série et du film Reno 911. Le comédien campe ici le meilleur ami geek jusqu’au bout des ongles qui arrache des fous rires à chacune de ses apparitions, entre oreilles de Spock, sabres laser et parlé elfique. Il n’y a donc aucune honte à aller voir 17 ans encore. Si vous voulez une dernière caution de coolitude, Leslie Mann, femme et égérie de Judd Apatow, le roi de la comédie US in, y tient le premier rôle féminin.

Le week-end ciné s’est achevé dimanche en beauté, dans l’incontournable salle 1 des Halles, qui programmait OSS 117 : Rio ne répond plus. Il y a trois ans, OSS 117 : Le Caire, nid d’espions avait convaincu public, critiques et professionnels (via les Césars), révélant les grandes qualités de comédien de Jean Dujardin, et surtout le talent immense de Michel Hazanavicius et son co-scénariste Jean-François Halin, qui revisitaient la comédie d’aventures « à la française ». Le succès a engendré cette suite au décor brésilien tout aussi jouissive. Plus qu’une suite, il s’agit véritablement d’une nouvelle aventure, dans le même ordre d’idée qu’un nouveau James Bond n’est pas la suite du précédent (sauf dans le cas du plus récent bien sûr).

OSS 117 a pris une quinzaine d’années et se voit envoyé en mission au Brésil en 1968 pour retrouver un ancien Nazi faisant chanter la France du Général. Plus benêt, arrogant, pathétique, misogyne, condescendant et raciste que jamais, Hubert Bonisseur de la Bath nous offre un festival de rire. Les dialogues écrits au couteau, la caricature toujours plus forcée d’une certaine France, Hazanavicius nous régale de bout en bout (malgré quelques longueurs lorsque l’on passe quatre minutes sans un fou rire). Son film est peuplé de clins d’œil, de gimmick (mention spéciales aux chinois apparaissant à chaque coin de rue de Rio pour venger un frère, un père ou un cousin trucidé dans la séquence d’ouverture) et de private jokes si riches qu’on en sort avec l’impression d’en avoir raté la moitié à cause des spasmes de rires.

Dujardin ne s’est pas encore montré convaincant en dehors des habits de l’espion français, mais dans ce costume, il est rayonnant, faisant montre d’un talent comique immense, dans sa gestuelle et son sens du rythme.

Et puis franchement, ouvrir son film sur une chanson de Dean Martin, et le conclure, sous le ciel de Rio, par « Everybody Loves Somebody », du même Martin, ne peut qu’être la marque d’un long-métrage remarquable. Vivement une troisième aventure (en Chine ?) !

Un week-end au ciné - Chapitre 3

Si mon week-end a essentiellement consisté en une fête d’anniversaire familiale dans le sud de la Seine-et-Marne, j’ai eu le temps d’attraper deux films samedi avant de partir, et même si je l’ai déjà vu il y a plus d’une semaine, il n’est jamais trop tard pour aborder la transposition live sur grand écran de Dragonball.

Je fais partie de la génération qui a grandi avec le dessin animé d’Akira Toriyama comme œuvre de culte, me délectant dans mes années 80 natales des aventures du petit Goku et ses amis, puis plus tard du grand Goku (et toujours ses amis). Avec les potes, on en parlait à la récré, on regardait religieusement les épisodes ensemble et on se prenait pour ces héros japonais. Il est bien sûr arrivé un âge où j’ai décroché, mais la TNT aidant, j’ai depuis revu avec plaisir quelques épisodes à la télé. Et gardé avec curiosité un œil sur ce vaste et surréaliste projet hollywoodien couvant depuis quelques années à la Cité des Anges : confier à des acteurs le soin d’incarner Tortue Géniale, Bulma et les autres.

Le projet étai casse-gueule d’entrée de jeu, malgré la présence à la production du fou chinois Stephen Chow. Le résultat est, faut-il s’en étonner ?, un bon gros nanar. Les ficelles scénaristiques sont absolument grossières (jusqu’à la séquence post-générique aussi détectable que Chuck Norris au milieu d’une bande d’Aztèques), les effets spéciaux souvent risibles, et les dialogues… inénarrables.

Ces défauts étaient tant attendus qu’ils auraient été pardonnés si le scénariste s’était donné la peine de respecter l’œuvre de Toriyama et du même coup les fans de la première heure de Dragonball. Malheureusement ce n’est pas du tout le cas. La mythologie des personnages est contorsionnée, dénaturée, trahie. Le scénariste nous pond une histoire qui n’a plus grand-chose à voir avec les origines de Goku. Et dire qu’ils comptent éventuellement en faire d’autres (films !), et ont laissé entendre que la suite pourrait se raccrocher à de véritables épisodes du dessin animé… cela semble peut probable vu l’origine tout à fait différente qu’ils ont tissé pour le protagoniste.

Il est possible, pour apprécier ce Dragonball made in Hollywood, de se marrer à moitié devant Chow Yun-Fat en Tortue Géniale ou d’apprécier la beauté de l’actrice qui incarne Chi-Chi (Jamie Chung), mais il faut avouer que c’est bien peu.

Ouf, le programme de samedi a été bien plus réjouissant, et a commencé par une surprise de taille : Ron Howard serait en fait un bon réalisateur. C’est du moins ce que l’on est en droit de penser après avoir vu Frost/Nixon, la transposition ciné de la pièce de théâtre remarquée de Peter Morgan, qui déjà mettait face-à-face Michael Sheen et Frank Langella dans les rôles respectifs de l’animateur de talk show britannique David Frost et l’ancien Président des États-Unis d’Amérique Richard Nixon, dans ce récit de la préparation (et le déroulement) d’un légendaire (pour les américains) affrontement télévisuel enregistré quelques années après la démission de Nixon suite à l’affaire du Watergate.

Faiseur Hollywoodien par excellence, Richie Cunningham a réalisé quelques honnêtes divertissements (Apollo 13, Backdraft, Willow) et quelques sombres daubes que je ne nommerais pas (mais y en avait une où Audrey Tautou jouait la descendante de Jésus quand même !). Avec Frost/Nixon, Howard signe, haut la main, son meilleur travail de metteur en scène. Plus que les dessous du Watergate et de l’implication de Nixon dans le scandale, dont on se contrefout complètement, c’est dans l’examen minutieux de toute une mécanique que le film s’avère une vraie réussite.
Mécanique de la mise en place médiatique, mécanique de l’implication humaine dans une démarche collective raillée, et bien sûr mécanique d’un face-à-face entre deux hommes que tout semble opposer, mais qui se trouvent confrontés à une problématique commune : de l’issue de la joute filmée dépendra leur avenir.

Contre toute attente, Ron Howard filme cette bataille qui se joue dans des chambres d’hôtels et des salons avec plus que les simples ressorts du suspense hollywoodien dont il a coutume (et ne venez pas me vanter les qualités de son agaçant Un homme d’exception comme un exemple de son ambition !). Les personnages auxquels il s’attache sont croqués avec une justesse remarquable, dans leurs défauts autant que leurs qualités. Les décors souvent minimalistes (dus à l’origine théâtrale du matériau sans doute) sont parfaitement exploités, rendus lieu d’étouffement pour ces personnages qui rêvent de grandeur mais doivent se contenter de l’enfermement pour espérer retrouver les spotlights de la gloire, que ce soit ceux du show-biz ou de la politique.

Grimages et mimétismes sont rarement les traits d’une interprétation qui attisent mon admiration, c’est donc moins dans le Nixon de Frank Langella, par ailleurs excellent, que dans le David Frost de Michael Sheen que j’ai trouvé mon plaisir de spectateur. Sheen tisse un Frost qui au-delà de sa bonhomie forçant la sympathie se révèle souvent insaisissable, à la fois sûr de lui et angoissé, flamboyant et pathétique. Le comédien britannique ne devrait pas tarder à se voir nommé aux Oscars , dans les années qui viennent, après avoir été placé dans l’ombre d’Helen Mirren dans The Queen, et maintenant Langella dans Frost/Nixon.

Anecdote de spectateur : vu à l’UGC Ciné Cité Bercy, Frost/Nixon a attiré Michaël Youn et sa compagne qui se sont placés juste devant moi. S’ils n’ont pas l’effronterie d’une Maïwenn Le Besco, impossible de ne pas remarquer qu’ils ont bien du mal à complètement oublier leur Blackberry, même le temps d’un film…

Dernière projection du week-end, le documentaire de Fabienne Godet Ne me libérez pas, je m’en charge, consacré à l’un des anciens taulards les plus célèbres de France, Michel Vaujour. Ce dernier s’est fait un nom moins pour les exploits qui l’ont conduit au trou que pour son étonnante capacité à s’évader. Vaujour a presque toujours réussi à se libérer par ses propres moyens du carcan carcéral, parfois sans bruit, souvent avec panache comme lors de sa spectaculaire évasion, dans les années 80, de la prison de la santé… en hélicoptère.

Ses exploits évasifs pourraient en faire un héros de cinéma hollywoodien, mais ce qui a véritablement intéressé la réalisatrice, ce sont les pensées de Vaujour. Ce que l’homme a absorbé et appris de toutes ces années en prison (plus de deux décennies tout de même !), dont une longue période en isolement total. Ne me libérez pas, je m’en charge, c’est une plongée dans les réflexions de Vaujour, dans le conscient et l’inconscient d’un ancien prisonnier qui a tout connu derrière les barreaux, et a au fil du temps appris à prendre du recul. Ce documentaire, bien souvent un simple témoignage en gros plan de Vaujour, est l’un des plus saisissants longs-métrages consacrés à la vie en prison, et ses conséquences pour les personnes y ayant vécu longuement, dans des conditions extrêmes. Sans que jamais la caméra s’y pose.

Un week-end au ciné - Chapitre 2

Après quelques semaines pendant lesquelles je me suis rendu avec parcimonie dans les salles obscures, ce week-end a marqué mes retrouvailles avec le cinéma, au rythme régulier qui est le mien.

L’exploration cinéphile a commencé le samedi après-midi (à l’UGC Ciné Cité Les Halles pour changer…) de fort belle manière avec Welcome de Philippe Lioret. Ce dernier, s’il n’est pas encore un grand nom du cinéma hexagonal, commence à esquisser les traits d’une carrière des plus intéressantes. Ses deux précédents films avaient même connu de beaux succès au box-office, L’équipier et surtout Je vais bien, ne t’en fais pas, dont l’émotion avait conquis près d’un million de spectateurs et avait valu un César chacun à Kad Mérad et Mélanie Laurent.

Welcome est bien parti, non seulement pour séduire le public français, mais également pour valoir un véritable respect à la fois professionnel, critique et plus généralement sociétal à Lioret. Il s’agit d’un film fin et puissant ayant déjà fait couler beaucoup d’encre en raison de sa prise de position à l’encontre d’une loi condamnant les français aidant les personnes en situation irrégulière. Au-delà de son sujet fort, Welcome est un beau morceau de cinéma, portrait de deux hommes dont la rencontre et l’amitié improbable emporte les cœurs (prouvant au passage une nouvelle fois à quel point Vincent Lindon est un excellent comédien). Un des plus beaux films français de ces derniers mois.

Enchaîner avec un second film juste derrière n’est pas chose aisée, encore moins lorsqu’il s’agit de voir un film comme La vague, drame allemand ayant connu un énorme succès au box-office d’outre-Rhin l’année dernière, et traitant d’un sujet délicat. Le film se penche sur un professeur qui, dans le cadre d’une semaine thématique dans un lycée, pousse ses élèves à expérimenter de façon vivante ce qu’est une autocratie. La classe va très vite se prendre au jeu de cette simulation de dictature. Bien trop.

Un sujet fort, choc, et facilement casse-gueule qui rappelle un autre succès allemand d’il y a quelques années, L’expérience. La Vague, sans surprise, se révèle un film au potentiel sociologique élevé mais à la mise en œuvre quelque peu… délicate. Le problème est qu’avec un tel sujet, on sent le dérapage inévitable, et qu’ici il est si flagrant, si incontournable, si prévisible, qu’il est difficile de se sentir bousculé intellectuellement et moralement par un film qui se contente de réaliser ce qu’on attend de lui. Attention, il le fait bien, mettant en avant de belles qualités, mais pour un résultat au final qui ne marquera pas les mémoires.

Ma journée de samedi s’est achevée au Forum des Images, marquant mes retrouvailles avec ce lieu cinéphile des Halles où était programmé, dans le cadre d’une « Nuit Fantastique », un inédit coréen récemment primé à Fantasporto et présenté à Gérardmer, Hansel & Gretel. Une relecture moderne (et plus coréenne bien sûr) du classique conte pour enfant.
Dans cette transposition, un jeune homme a un accident de voiture au beau milieu d’une forêt. Il est secouru par une jeune adolescente qui l’amène chez elle dans sa maison au fond des bois, où l’accueillent son frère, sa sœur, et leurs parents. Une famille idéale dans une demeure semblant sortie d’un conte. Mais peu à peu, ce parfait tableau va s’effriter, et l’invité se transformer en captif.

Plastiquement fascinant, baigné de couleurs irréelles, Hansel et Gretel, bien que classique dans le fond, offre un spectacle fantastique entremêlant le chaleureux et le glaçant avec aisance. Il est malheureusement peu probable que le film sorte un jour en salles en France. Pour la petite histoire, le Forum des Images, s’il a été magnifiquement rénové par ailleurs, offre une grande salle presque conservée à l’identique, si ce n’est un renouvellement des fauteuils.

Le lendemain dimanche fut une journée inattendue en matière de films. D’abord parce que je me suis résigné à aller voir La journée du 15 août, comédie italienne qui ne me tentait guère mais qui était la seule solution pour voir un premier long-métrage avant d’aller voir celui que je voulais vraiment voir, la série B Les Passagers.

La première surprise a été que contre toute attente, la comédie italienne m’a séduite. N’en attendant rien de particulier, je me suis trouvé à rire et à me prendre d’affection pour cette petite bande de mamies laissées sur les bras d’un quinqua romain un peu dépassé par les évènements. Le film est court, à peine 1h15, les personnages sont croqués de manière à nous faire jubiler devant les tribulations en huis clos de ces vieilles dames (en particulier la mère du protagoniste, bourgeoise jusqu’au bout des ongles). Une excellente surprise.

La surprise (moins bonne) du jour - mais en fut-ce vraiment une ? - résida dans la médiocrité des Passagers de Rodrigo Garcia. Une série B aux accents surnaturels sur les rescapés d’un crash aérien et la psy qui les suit. Mes espoirs ne volaient pas haut, mais certainement pas aussi bas qu’un scénario creux et qu’une mise en scène mollassonne. Le dernier tiers du film a beau insuffler un semblant d’intrigue fantastique, un semblant de vie et de remuant, le décrochage s’était déjà fait.

Anne Hathaway, Patrick Wilson, David Morse, Andre Braugher, mais que font ces bons acteurs dans un film si vide ? Et d’abord, qu’en a pensé le barbu du premier rang, cinémaniaque hantant souvent les salles obscures et déjà vu la veille au soir au premier rang de la projection d’Hansel et Gretel ? Mystères…

Un week-end au ciné - Chapitre 1

Je manque de temps pour rendre compte pleinement de tous les films que je vois. Plutôt que de me contenter de sélectionner un film au hasard de mes goûts et humeurs, voici une tentative différente : raconter mon week-end (ou ma semaine) ciné régulièrement, ce qui ne m’empêchera pas à chaque fois que l’envie m’en prend de mettre en lumière un film me tenant particulièrement à cœur (ou me gonflant profondément !). Et comme ça vous aurez une idée de ce que je pense de (presque) tous les films que je vois, toujours agrémenté des petites anecdotes de visionnage.

Essayons donc. D’autant que ce week-end de février a été fructueux en films, avec pas moins de six excursions en salles. La première eut lieu vendredi au MK2 Quai de Seine, à la découverte de Doute, le premier film de John Patrick Shanley depuis Joe contre le volcan en 1990. Un bail. Depuis, Shanley s’est fait dramaturge avec la pièce « Doute » contant l’affrontement entre une nonne revêche et un prêtre progressiste dans l’Amérique des années 60.

Shanley attire dans les filets de ses dialogues savoureux Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams et Viola Davis. Quatre comédiens qui, fait rarissime, se trouvent tous nommés aux prochains Oscars, Streep en tant que Meilleure Actrice et les trois autres en Meilleurs seconds rôles. Et à la vision du film, on se demanderait presque pourquoi, tant le talent des acteurs et les dialogues bien sentis ne servent qu’un scénario et une mise en scène propres et attendus. Rien de révolutionnaire.

Au moins y a-t-il le plaisir du jeu, ce qu’on peut difficilement accorder aux Seigneurs de la Guerre, vus le lendemain à l’UGC Ciné Cité Les Halles. Le film chinois, « le plus gros succès de tous les temps en Asie » selon la campagne de promo, s’avère une indéniable déception pour qui (comme moi) s’attendait à une épopée flamboyante. Peter Chan, déjà responsable du raté Perhaps Love, tricote comme il peut cette succession de scènes guerrières sans attrait, manquant de lier les intrigues géopolitiques à l’action. Quand on sait que le film a bénéficié de pas moins de huit (!!!) scénaristes, on ne s’étonne pas du méli-mélo trop formaté qui se dégage de l’ensemble, malgré un dernier acte plus intéressant pace que plus nuancé et osé.

Du coup je n’en veux pas le moins du monde au mec un peu allumé se trouvant au deuxième rang qui a passé le film à s’exclamer et se marrer devant le spectacle. Il n’avait pas tout à fait tort.

Cette déception m’a également aidé à apprécier Ce que pensent les hommes dans la foulée, la comédie romantique de Ken Kwapis alignant un casting féminin monstre (Jennifer Aniston, Jennifer Connelly, Scarlett Johansson, Drew Barrymore). Cette observation légère des relations homme/femme passe étonnamment bien compte tenu de sa durée (2h10) et n’en déplaise à certains, offre le beau rôle au mal-aimé Ben Affleck qui a fait applaudir toutes les spectatrices d’une salle 1 bondée des Halles, dans un grand geste romantique visiblement très apprécié.

Samedi soir, si je m’attendais à ce que la Saint-Valentin occupe de nombreux cinéphiles, il n’en fût rien. Dernière chance de voir Rescue Dawn lors de la rétrospective Werner Herzog à Beaubourg, la vaste salle 1 du Centre Pompidou se trouvait pleine à craquer pour découvrir cet inédit du cinéaste allemand qui traite sous forme de fiction une histoire qu’il a déjà racontée il y a 10 ans dans un documentaire : l’histoire de Dieter Dengler, pilote de l’armée de l’air américaine abattu au-dessus du Vietnam en 1965 et fait prisonnier dans la jungle par les Vietcong. Sans conteste le meilleur film vu ce week-end, Rescue Dawn est à la fois film de guerre, film de prison et survival. Herzog conte cette terrible tranche de vie avec un mélange d’âpreté et de poésie qui est souvent sa marque, à la façon d’un Terrence Malick européen (un bon cran en dessous tout de même niveau féerie visuelle).

Porté par un Christian Bale toujours aussi solide et bluffant, le film d’Herzog confirme surtout, pour ce qui est de l’interprétation, ce que je soupçonnais et qui vient de m’être donné de constater : Steve Zahn a un grand potentiel dramatique sous sa moue comique.

Dimanche, mon excursion cinéphile se déplace sur les Champs-Élysées. D’abord à l’Élysée Lincoln, petit cinéma Art et Essai à la programmation toujours aussi goûteuse, et qui est cette semaine l’une des rares salles à passer La petite fille de la terre noire, drame sud-coréen ayant remporté le Grand Prix au dernier Festival du Film Asiatique de Deauville. L’héroïne en est une petite fille de 8 ou 9 ans s’occupant de son grand frère ayant l’esprit d’un enfant de 3 ans, et de son père, travailleur des mines au chômage et malade, en pleine dérive.

Sobre, attachant, La petite fille de la terre noire rappelle le cinéma de Lee Chang-Dong (Oasis, Secret Sunshine), maître du cinéma mélodramatique coréen moderne, le lyrisme en moins. Avec une comédienne haute comme trois pommes admirable. A la sortie du film, je tombe sur un de ces cinémaniaques que je croise régulièrement dans l’un ou l’autre des cinémas de Paris. Aujourd’hui, c’est celui que j’appelle « l’homme aux sacs plastiques », habillé toute l’année comme si on était en été, à savoir en ce mois de février en T-shirt et espadrilles aux pieds, portant toujours avec lui un sac en plastique plein de je-ne-sais-quoi.

Mais je n’ai pas le temps de m’attarder pour voir s’il a lâché la Cinémathèque où je le vois habituellement pour la séance suivante du film coréen, car les héros de Push m’attendent dix minutes plus tard au Publicis, en haut des Champs. Tout l’intérêt de cette histoire de « on est des gens pas ordinaires avec des super pouvoirs et on vit parmi vous sans que vous le sachiez mais on est pourchassé par le gouvernement américain qui veut faire de nous des machines de guerre alors on se planque à Hong Kong » (on reprend son souffle), réside dans le cadre, Hong-Kong. La ville bouillonnante de Chine offre une atmosphère intéressante au film, assez divertissant mais pas le moins du monde transcendantal.

Voilà pour ce qui est de mon week-end ciné. Ce n’est pas encore cette semaine que j’ai eu le temps de voir L’étrange histoire de Benjamin Button. La semaine prochaine peut-être ?