Un dernier Kevin Smith ? "Red State" à Panic Cinéma !

 Kevin Smith est-il en voie de retomber dans l’anonymat ? A une époque golden boy du cinéma indépendant américain, Silent Bob rame de plus en plus pour réaliser ses films et les (faire) distribuer. L’envie lui serait même passé selon ses propres dires, et s’il parvient enfin un jour à monter son film de hockey qui lui tient tant à cœur (« Hit Somebody »), ce pourrait bien être son dernier passage derrière la caméra. L’ex-enfant de l’écurie Weinstein, qui avait épaté son monde il y a 18 ans avec sa comédie fauchée Clerks, semble désormais préférer parler ciné aux quatre coins des Etats-Unis plutôt qu’en être un artisan. Les amateurs de « Méprise multiple » et « Dogma » dont je fais partie en auront certainement un pincement au cœur si cela s’avère vrai, mais en France, on ne peut que tristement constater que Kevin Smith n’est plus en odeur de sainteté depuis un petit moment, s’il l’a jamais été.

Si sa comédie policière oubliable avec Bruce Willis, « Top Cops », a eu sans difficulté les honneurs d’une sortie en salles (because Bruce Willis, sans doute…), ses deux autres films les plus récents ne peuvent s’en vanter. « Zack et Miri font un porno » avait un beau jour directement débarqué sur Canal +, quand le tout dernier film estampillé Smith, « Red State », va se retrouver dans les rayonnages à DVD des magasins spécialisés dans quelques semaines sans être passé par la case ciné. Pour un film à la réputation flatteuse et qui se trouvait parmi les préférés de Quentin Tarantino l’année dernière, c’est frustrant… même si depuis que Tarantino a annoncé qu’il considérait « Anything Else » de Woody Allen comme l’un de ses dix films préférés des années 2000, on se pose des questions sur les goûts du réalisateur de « Pulp Fiction »…

Heureusement, il s’est trouvé qu’une opportunité de voir ce fameux dernier film de Kevin Smith, Red State, s’est présentée à Paris. Ce sont les mecs de « Panic Cinéma ! », rarement à court de bonnes idées, qui ont décidé de programmer le film un samedi soir de mai, et la copie avait beau ne pas avoir l’air 100% officielle, découvrir un Kevin Smith sur grand écran est suffisamment rare en France ces dernières années pour se jeter sur une telle occasion. Parce que qu’est-ce que « Red State » ? Une plongée dans l’Amérique redneck comme on les aime de temps en temps. Trois lycéens d’un bled du sud des Etats-Unis qui se lancent dans une virée nocturne dans la perspective d’une partie à quatre avec une cougar en roulotte et qui se retrouvent malgré eux les otages sur le point d’être sacrifiés d’une secte religieuse extrémiste. Le genre qui aime envoyer elle-même au Diable les déviants sexuels.

Pour ceux qui connaissent le cinéma de Kevin Smith - qui se résume en général génialement à des dialogues denses et ancrés dans la contre-culture geek proférés par de jeunes glandeurs professionnels - la perspective de « Red State » équivaut presque à un saut dans l’inconnu pour le réalisateur de « Jay et Bob contre-attaquent ». Et l’énorme qualité du film, c’est bien qu’il est aussi imprévisible qu’un délire lynchéen. J’exagère, mais franchement à peine. Est-ce dû au noviciat de Kevin Smith dans le genre ou à son imagination féconde et fébrile, toujours est-il que Red State emprunte rarement les chemins que l’on attend de lui, changeant plusieurs fois de point de vue narratif en cours de film, zigouillant sans vergogne ses protagonistes, balançant des zestes de fantastique avant de les faire tanguer, avant de terminer par une séquence d’autant plus lynchéenne qu’elle emprunte un acteur de « Mulholland Drive ».

Red State est-il pour autant une bombe ? Pas évident. A force de changer d’angle et de brouiller les pistes, Kevin Smith finit par apparaître comme fébrile, et l’on en vient à se demander si le réalisateur sait vraiment ce qu’il fait avec son film. Sera-ce un film d’horreur… non. Un survival… non plus. Un thriller dans le milieu des sectes… non, pas franchement. Il ne faut surtout pas essayer de faire entrer « Red Sate » dans une case, car cela ne pourrait que lui nuire. Non, il faut prendre le film de Smith pour ce qu’il est. Une fantaisie survitaminée, surréaliste et un peu folle sur les bords. Une bonne soirée Panic Cinéma ! en somme. Et comme rien ne dit que « Hit Somebody » verra bien le jour, c’est agréable de pouvoir se dire « J’ai vu le dernier film de Kevin Smith sur grand écran ». En espérant tout de même le suivant.

Avengers, quand même...

Il y a des films comme ça. La Terre entière veut les voir, la Terre entière va les voir, et la Terre entière veut savoir ce que son prochain en a pensé. The Avengers est de ces films. Je ne sais pas si j’en aurais parlé plus que cela dans ces pages s’il n’y avait pas ces échanges féconds et constants ces jours-ci à propos du film de Joss Whedon qui a tout de même attiré la bagatelle de 2 millions de français en première semaine d’exploitation, soit plus que Thor en a rassemblé au total, et même deux fois plus que le score final du pourtant emballant Captain America. Chacun dans son univers les membres des Avengers ont des résultats corrects au box-office français, mais ensemble, ils jouent plus dans la cour des Spiderman, champion des héros Marvel dans nos contrées (les résultats du box-office américain qui viennent de tomber, 200 millions de dollars de recettes sur ses trois premiers jours, record historique, confirme l’engouement mondial).

Et si le film a profité à plein de son lancement en pleines vacances scolaires, il pourra surtout compter sur un bouche-à-oreille enthousiaste pour caracoler en tête du box-office. Les applaudissements sont un bon signe. Les éclats de rire devant les facéties inattendues de Hulk, tout autant. De mon côté, si la curiosité était au rendez-vous pour découvrir The Avengers, l’excitation n’était pas aussi élevée qu’elle aurait pu l’être, ou aurait dû l’être. Peut-être parce qu’il commence à y avoir une certaine lassitude face aux héros Marvel, souvent deux films par an, peut-être parce que la bande-annonce du film manquait cruellement de punch et de surprise. Je me suis posé dans la salle en ayant lu les échos élogieux, mais en pensant tout de même que j’allais trouver cela sympathique, au mieux.

Pourtant il faut que je vous fasse une confession : j’ai pris mon pied devant Avengers. Joss Whedon m’a attrapé par le col et m’a propulsé à l’écran avec son équipe de super-héros en devenir et m’a régalé pendant plus de deux heures. Sa grande réussite, c’est d’avoir su trouver le ton juste. D’être aller chercher le fun, pur, simple, sans oublier pour autant l’intensité narrative. Oh bien sûr le film est parfois bien trop solennel, avec de légers débordements de droiture et de sentiments qui semblent un peu déplacés, mais ne vous fiez pas à la belle mais mélancolique photo qui illustre ce billet, l’aventure  prend le pas, l’humour se déploie, et un grand sourire béat se colle sur les visages (surtout lorsque Hulk s’énerve et s’en prend à tout ce qui passe sous son poing). Les nouvelles étaient décidément bonnes ce week-end.

Ce que j’ai pensé des Avengers de Joss Whedon ? “I have an army” – “We have a Hulk”. J’ai adoré.  

Une DeLorean ? Non, une ressortie en 3D !!

Avec l’avènement apparent de la 3D dans les mœurs cinématographiques, l’idée a commencé à trotter dans la tête de certains de faire profiter de cette technique certaines de leurs œuvres passées  par une conversion tardive. Est-ce une simple opportunité économique, un désir de faire découvrir certains « classiques » à une nouvelle génération ou une réelle envie artistique de pousser un film plus loin dans son esthétique et les sensations qu’il procure ? L’aspect économique, et la possibilité de faire des entrées avec un titre qui a fait ses preuves, est indéniable, surtout lorsque l’on constate que c’est le studio aux grandes oreilles qui s’est emparé avec le plus d’assiduité de cette vague de ressorties en 3D. « Le Roi Lion » et « La Belle et la Bête » y sont déjà passé (même si seul le premier est sorti en salles en France pour l’instant), et dans les mois à venir ce seront « Le Monde de Nemo » et « Monstres & Cie » qui seront du lifting.

Le cas de James Cameron diffère de celui de Disney. Le cinéaste qui avait dominé le monde avec Titanic en 1998 avait ensuite disparu de la circulation pour accoucher d’Avatar plus de dix ans plus tard, offrant au monde la nouvelle génération de la 3D relief pour le meilleur et pour le pire. Et alors qu’il prépare les suites à sa bataille spatiale écoloprévisible, Cameron a pris le temps de retourner vers son Titanic pour le convertir à la 3D. Et entre ses mains, cette conversion ressemble moins à une tentative de gratter un peu plus de fric aux spectateurs qui lui en ont déjà tellement donné qu’à un technicien s’amusant avec ses instruments et faisant étale de ce qu’il est possible de faire lorsque l’on s’emploie à bien utiliser le jouet qu’il a lui-même offert au cinéma. Peut-être parce qu’il a vu ces films convertis par les studios alors qu’ils n’étaient pas pensés à l’origine comme des films en 3D, et que ces conversions à la va-vite s’en sont nettement ressenti dans la qualité graphique des films en question, du « Choc des Titans » à « Green Hornet ».

Je suis justement allé voir en salles les conversions en 3D du Roi Lion et de Titanic à deux jours d’intervalle. Pour le premier, ce fut plus un soudain élan de nostalgie que j’avais ressenti en janvier dernier au Showeb lorsque j’avais découvert la scène d’ouverture en 3D au Publicis, une scène qui m’avait procuré d’inattendus frissons et qui m’avait fortement donné envie de redécouvrir le classique moderne de Disney sur grand écran. Parce que c’est le dernier Disney de Noël  que j’avais vu au Grand Rex en entrant dans l’adolescence, parce que je l’avais vu et revu en vidéo jusqu’à ce que je me sente un peu trop vieux pour le faire, et pour en avoir envie. J’aurais aimé le voir en VO, pour une fois, entendre la voix perfide de Jeremy Irons et celle rassurante de James Earl Jones, mais je n’ai pas eu le choix, ce fut en VF, dans une salle remplie de gamin commentant le film, voire vomissant pour une gamine qui ne semblait même pas avoir 3 ans et qui était assise le rang derrière moi. Le genre de condition de projection que l’on veut oublier et qui n’est pas loin de gâcher un film. Je reviendrai bientôt dans un autre billet sur les enfants au cinéma, la digression serait trop longue ici.

Aller voir Titanic en 3D au cinéma ne relevait en revanche pas pour moi de la nostalgie. Si j’ai bien vu le film de Cameron au cinéma en janvier 1998, je ne l’avais jamais revu depuis, et je ne le compte pas parmi mes grands films cultes, aussi imposant et historique soit-il. Pour le coup, connaissant la maîtrise de la 3D de Cameron, revoir le film aux 20 millions d’entrées sur grand écran était plus une curiosité cinéphile, car s’il y a bien quelqu’un capable de sortir une conversion 3D intéressante, c’est certainement le réalisateur d’Avatar. Mais finalement, lorsque le film commence, lorsque l’on plonge avec Bill Paxton vers l’épave, lorsque celle-ci reprend vie, lorsque Leonardo DiCaprio détale dans les coursives ou que Kate Winslet découvre les merveilleux salons du fameux paquebot, on oublie la 3D, et un double saut dans le temps nous happe.

Le premier, c’est celui qui nous renvoie malgré tout vers ce jour de 1998 où le Titanic a repris vie pour la première fois. L’adolescent de 17 ans que j’étais avait coulé avec les passagers dans l’immense salle 1 des Halles, je m’en souviens encore nettement. Kate Winslet était une jeune actrice britannique montante, Leonardo DiCaprio était l’idole absolu des jeunes filles de la Terre entière… Allez voir Titanic, c’était presque comme aller voir Twilight aujourd’hui, le public féminin s’était approprié le récit du naufrage pour les beaux yeux de Leo et s’évanouissait à chacune de ses apparitions.

Mais à le revoir aujourd’hui, il est indéniable qu’aussi nunuche que peut être le film de Cameron, avec sa scène de sexe pudique dans la moiteur d’une voiture et avec ses déclarations d’amour trop démonstratives (le mec est quand même en train de mourir de froid en plein milieu de l’Atlantique et sait que dans quelques minutes, c’en sera fini de lui, et il a tout de même le culot de dire « Monter sur ce bateau est la plus belle chose qui me soit jamais arrivé », faut y aller mollo sur le trémolo les gars…), Titanic est un rouleau compresseur d’efficacité narrative. Un grand récit épique et dramatique de plus de trois heures qui nous emporte et ne nous relâche que le temps de ces brefs instants too much. Rétrospectivement, on ne peut que constater la brillance du casting, tant Winslet et DiCaprio sont devenus deux des meilleurs acteurs de leur génération. Il est difficile de ne pas se prendre au jeu et de ne pas se laisser happer, au cours de cette nouvelle vision sur grand écran, par ce second saut dans le temps, celui qui nous envoie en 1912  dans l’Atlantique Nord. Revoir Titanic au cinéma, c’est se perdre entre les époques, celle qui nous est contée, celle que les sensations du film nous rappellent, et l’instant présent.

Dans cette salle de l’Orient Express où j’ai revu Titanic, les tremblements de RER et les bruits de tuyauteries faisaient partie du naufrage, et les lunettes 3D collées sur le nez n’ont fait que renforcer l’immersion dans les allées du paquebot et la chute vers le fond de l’océan. Étais-je en 1912, en 1998 ou en 2012 ? Était-ce juste l’effet du retour en salles devant ce film ou un véritable effet 3D ? Quelle que soit la réponse, l’expérience valait d’être vécue.

Les Muppets sur grand écran ? Pas pour tout le monde…

Cela a commencé par une déception. L’annonce que non, finalement, le nouveau film des Muppets qui avait créé l’événement aux Etats-Unis (et un peu partout dans le monde) à l’automne dernier, orchestré par Jason Segel et Nicholas Stoller (son réalisateur de « Sans Sarah rien ne va »), ne sortirait pas en salles en France. Disney l’a un temps envisagé avant de préférer le servir directement en DVD en cette première semaine de mai. Pourquoi diable ont-ils choisi de priver la France de Kermit ? Ont-ils oublié qu’ici aussi, toute une génération de spectateurs a grandi avec Miss Piggy et sa bande de marionnettes ? Ont-ils cru que c’était trop américain ? Quoi qu’il leur soit passé par la tête, ils ont à l’évidence mal pensé, et j’ai râlé plus d’une fois ici ou là sur Internet pour pester contre ce destin de direct-to-dvd réservé aux Muppets.

Jusqu’à ce qu’une blogueuse réponde à l’une de mes jérémiades par un « Bah, t’es pas invité à la projo spéciale qui a lieu au Publicis la semaine prochaine ? ». Euuuuh… non. Et voici qu’en deux temps trois mouvements, mes fesses étaient posées au sixième rang de la grande salle du Publicis, assistant à un tirage au sort pour gagner des peluches Muppets et autres goodies. Si j’aurais aimé racketter les gamins repartis avec les peluches Fozzie ou Animal, je n’en ai finalement rien fait, jouant en fin de compte le mec civilisé. Après tout, c’était pour le film que nous étions tous là (mouais, mouais…), même s’il était projeté en version française à mon grand désarroi.

Une fois tous les goodies distribués, un court-métrage « Toy Story » fut projeté en préambule, dans son doublage québécois – mais aucun accent local en vue, seulement quelque vocabulaire faisant se soulever le sourcil gauche et une prononciation de Buzz ressemblant plus à Bozz. Ce dernier, prisonnier d’un soir dans un fast-food, participait à une réunion de jouets anonymes jetés à la poubelle, et confirmait une fois de plus que Pixar s’y connaît autant en court qu’en long-métrage.

Mais ce sont bien les Muppets qui étaient les stars de la soirée. Kermit et sa bande se voyaient appelés à la rescousse par un nouveau Muppet qui apprenait par hasard en visitant les vieux studios Muppets désaffectés qu’un magnat sans scrupule était sur le point de s’en emparer et de les raser… à moins que les Muppets puissent s’acquitter des 10 millions de dollars qui leur permettraient de récupérer leur ancienne propriété. Kermit part alors sur les routes pour réunir la bande et monter un spectacle servant à lever des fonds. Après des années sans voir les Muppets, je me demandais si les aventures des marionnettes les plus célèbres de la planète me parleraient encore. Je craignais encore plus que la VF me gâche un peu le plaisir, non pas pour les voix des Muppets, mais pour celles des « vrais » acteurs, Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper et quelques autres, et surtout pour les numéros musicaux. Les gens de Disney auront-ils traduit et doublé les chansons, comme ils le font pour leurs films d’animation ? Malheureusement oui.

Voir Jason Segel parler en VF, c’est déjà peu agréable, mais assister à un rap de Chris Cooper avec une voix française qui ne lui convient pas du tout, c’est encore pire. Et frustrant tellement même dans un mauvais doublage, la séquence est mémorable et hilarante. Mais mes critiques à l’encontre du film s’arrêtent là. Bien sûr, la naïveté souvent étalée par le scénario est franchement kitschouille, mais dans la mesure où « Les Muppets » est un film familial s’adressant notamment aux enfants, il est difficile de vraiment faire cette reproche… Car à côté de cela, le film déborde d’une énergie et d’un humour communicatifs, et parvient à retrouver ces autoréférences constantes qui pouvaient parsemer le show à sa grande époque, notamment à travers les « papys Muppets ». Sous leur impulsion et au-delà, le scénario s’amuse à lancer des clins d’œil au spectateur en commentant l’évolution du film. « Oh non, le film sera plus court que prévu si cela continue comme ça ! ». Quand les petits peuvent s’émerveiller du premier degré, un autre niveau de lecture s’offre ainsi aux cinéphiles pour s’amuser autrement, au même titre que le défilé de stars le temps d’une micro scène souvent, de Mickey Rooney à Neil Patrick Harris en passant par Whoopi Goldberg, Alan Arkin, Emily Blunt ou Jack Black – qui a droit lui à un rôle plus costaud bien que non crédité au générique.

L’aventure du nouveau film des Muppets a donc commencé par une déception en France. Et cela sera ainsi pour tous ceux qui espéraient le voir sur grand écran. Au moins ceux qui le découvriront en DVD pourront découvrir directement le rap de Chris Cooper en VO !

Le cinéma d'horreur pakistanais, vous connaissez ?

Il est des lieux que le cerveau a du mal à associer avec certaines notions. Comme… la chaleur en Antarctique, ou la joie de vivre en Corée du Nord. On ne peut pas dire que ce soit des rapprochements qui se font automatiquement, et même s’il est facilement possible de les accoler, ça n’en fait pas forcément des vérités. Au cinéma aussi il y a des rapprochements qui ne sont pas évidents sur le papier, mais qui eux pour le coup deviennent des réalités indiscutables une fois qu’ils sont à l’écran, aussi farfelus soient-ils.

Mais qu’est-ce qu’il raconte celui-là ?! Ne mentez pas, j’en ai clairement entendu un marmonner cela devant son ordinateur. Ces jours-ci, le Forum des Images programme un cycle de films sur la forêt, et au sein de ce cycle les équipes du Forum se sont associés à 1kult pour mettre au point une semaine spéciale sur les films qui font peur prenant pour cadre la forêt. Un beau programme quand on sait que les bois sont un cadre qui sied particulièrement à l’horreur, et cela se retrouve dans les films programmés dans le cadre de cette semaine, allant de Mario Bava au Projet Blair Witch en passant par Evil Dead. Le Forum des Images accueillant tous les ans L’Étrange Festival, il est facile d’miaginer qu’une ou deux curiosités bien sympas puissent se cacher dans la programmation.

That’s a bingo, selon les mots de Hans Landa. Car en ouverture de la semaine forêt flippante (terme pas le moins du monde officiel, mais tellement adéquat), on ne nous proposait rien moins qu’un film gore pakistanais, Hell’s Ground, ou en VO Zibahkhana (ça claque hein ?). Non non, vous avez bien lu, un film gore pakistanais. Pour ceux qui préfèrent une dénomination plus scientifique, disons que c’est un mix entre le slasher et le film de zombies. Tout droit venu du Pakistan, donc. Je ne sais pas quel est le degré de votre curiosité au cinéma, mais chez moi il est plus aiguisé que les talons de Paris Hilton, alors quand je lis dans le programme du Forum des Images : « Le premier film gore Pakistanais », un inédit datant de 2008, mes antennes cinéphiles se dressent et mes jambes me mettent rapidement dans la direction des festivités.

Direction donc le Forum des Images, où les cinéphiles amateurs d’étrange s’étaient réunis en nombre, des têtes régulièrement croisées à la Cinémathèque, au Forum bien sûr, mais aussi à Panic Cinéma !, comme ce Phil Siné qui comme moi n’aurait raté Hell’s Ground, slasher zombie pakistanais, pour rien au monde. La bonne idée de la programmation, c’est de ne pas s’être contenté de cette folie asiatique, et d’y avoir adjoint en préambule deux courts-métrages indéniablement jouissifs. Le premier, canadien, « The legend of Beaver Dam », montre de jeunes scouts se faire attaquer par un dégénéré psychopathe lors d’une nuit autour d’un feu de camp en forêt. Le second, apparemment portugais, et magnifiquement titré « Banana Motherfucker », relate une attaque de bananes tueuses dans la jungle sud-américaine où s’aventure une équipe de tournage. Ces deux courts délicieux furent une mise en bouche joyeuse à la star de la soirée, Hell’s Ground.

En nous présentant le film, Guillaume Perrin d’1kult nous a dit une chose avec laquelle je ne suis pas le moins du monde d’accord : que Zibah Khana n’était pas un nanar, qu’il n’y avait pas une once de cynisme, que c’était premier degré et qu’il fallait en profiter et ne pas hésiter à se marrer. Si j’ai été tout à fait d’accord pour en profiter et rire un bon coup, je me pose en porte-à-faux pour ériger le film en monument du nanar qu’il est. De deux choses l’une, soit le film est effectivement sincère de la première à la dernière image, sans cynisme aucun, et alors c’est un nanar pur et dur, soit le réalisateur pakistanais manie avec dextérité le second degré et nous a concocté une parodie assumée souvent réjouissante. Peut-être y a-t-il un peu des deux à la fois, mais une chose est sûre, la gaudriole était de mise devant Hell’s ground, ou la virée de deux filles et trois garçons de la jeunesse d’Islamabad qui filent en douce à un concert de rock, et pour cela empruntent une petite route campagnarde maudite où les disparitions sont légions.

Là où le film fait fort, c’est qu’il se permet de jouer sur deux tableaux de l’horreur, le slasher, avec ce tueur sanguinaire sur lequel vont tomber les jeunes et qui va rivaliser de folie pour tenter de la massacrer, et le film de zombie, donc une incursion plus politique/écolo dans le récit (la condition des zombies n’est-elle pas la faute d’hommes et de femmes de pouvoir qui n’ont pas fait ce qu’il fallait ?). Car dans cette même région où sévit le tueur, une rivière polluée contamine les habitants et les transforme en zombies. Et bien sûr, nos pauvres amis de la ville vont tomber sur eux aussi.

Maintenant attention, si vous êtes des puristes du film d’horreur sérieux et flippant, si vous n’êtes pas adeptes de la curiosité et du ridicule pas forcément volontaire, passez votre chemin. Car Hell’s Ground fait bien plus rire que flipper. Il faut voir le mec choisir de descendre voir tout seul ce qui a mordu son pote qui a la jambe bien amoché. Il faut voir les filles trouver normal que leur ami qui s’est fait mordre la jambe ait le teint blafard, les cernes noires, et bave et crache un liquide vert fort peu orthodoxe. Il faut voir celui qui se fait plus de souci pour l’état du van que pour leurs vies après qu’ils ont croisé un groupe de zombies dégueulasses cherchant à les attaquer. Et il faut tout simplement voir le tueur à la burqa que sa mère considère comme une fille, et appelle comme telle.

En moins d’1h20, le spectacle de ce film rare est vite terminé. Je ne sais pas quand il me sera donné une autre occasion de voir un film gore Pakistanais, mais je suis déjà bien content d’en avoir vu un. Un feu de camp entre scouts, des bananes tueuses, des zombies pakistanais... Il y a des soirées comme ça…

Le Festival de Cannes a annoncé son programme...

… et comme tous les ans, je l’ai guetté avec curiosité, même si je ne vais toujours pas sur la Croisette (un jour… c’est ce qu’on dit non ?). Comme tous les ans j’attendais que certains noms et titres tombent, en vain. Comme tous les ans certaines évidences et habitudes ont pointé le bout de leur nez. Comme tous les ans, des incongruités et surprises ont heureusement réussi à se faufiler au milieu des films dont la présence était tellement attendue que l’annonce de leur titre n’a pas fourni la même excitation que d’autres alors qu’ils le méritaient tout autant. C’est cela, l’annonce de la sélection du Festival de Cannes.

J’ai espéré à peine secrètement que les noms de Terrence Malick, Wong Kar Wai, Paul Thomas Anderson ou Park Chan Wook soient prononcés, et ils ne l’ont pas été. Et si l’on pourrait craindre qu’un Festival de Cannes où ces noms ne figureront pas au profit de ceux de Zac Efron, Robert Pattinson et Kristen Stewart soient un mauvais cru, en y regardant de près il se pourrait bien que non, malgré tout.

Bien sûr à Cannes, tous les ans, on aimerait que ce ne soient pas forcément toujours les mêmes noms qui reviennent. Michael Haneke, Abbas Kiarostami, Ulrich Seidl, Walter Salles, Carlos Reygadas, Ken Loach, David Cronenberg, Jacques Audiard ? Bien sûr ça ne sent pas la grande originalité. Et même quand un nom n’évoque rien, comme celui de Sergei Loznitsa, en se penchant dessus on reconnaît celui du réalisateur de My Joy, venu représenter l’Ukraine dans cette même compétition il y a deux ans. Mais c’est cela Cannes, un formidable vivier de cinéastes aguerris à la course à la récompense cinématographique suprême, un vivier qui côtoie d’autres réalisateurs découvrant les enjeux de la quête de la Palme pour la première fois.

Et cette année, c’est du côté des anglo-saxons qu’il faut chercher les petits nouveaux. Lee Daniels, révélé par le médiocre Precious il y a trois ans, présente « Paperboy ». Les australiens Andrew Dominik (L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford) et John Hillcoat (The Proposition, La route) s’intéressent tous deux aux criminels avec respectivement « Killing them softly » et « Lawless ». Wes Anderson, qui ne se contentera pas d’ouvrir le festival avec « Moonrise Kingdom ». Et Jeff Nichols, vainqueur l’an passé de La Semaine de la Critique, promu en compétition pour « Mud » avec Matthew McConaughey et le génial gamin de Tree of Life. J’aurais aimé que Cannes aille chercher d’autres coréens que les sempiternels (et non moins passionnants) Hong Sang-Soo et Im Sang-Soo (ils ne sont pas frangins, Sang Soo c’est leur prénom), oui. Mais deux coréens en compétition, je ne cracherai pas non plus dessus.

Que retenir d’autre de cette compétition ? Assurément les retours en force de Leos Carax, Matteo Garrone et Thomas Vinterberg. Du côté des étonnements, qu’aucune femme cinéaste ne soit en compétition cette année, ni par ailleurs aucun premier film. Hors compétition, l’extase hollywoodienne n’est pas de mise lorsque l’on constate que c’est Madagascar 3 qui a été choisi… heureusement qu’un Takashi Miike sera là en séance de minuit, une comédie musicale qui plus est (« Ai to makoto ») !

Chez la petite sœur de la compétition reine, Un Certain Regard, le fils de Cronenberg, prénom Brandon, présentera son premier long-métrage (« Antiviral ») face à des pointures comme Lou Ye (« Mystery »), Pablo Trapero (« Elefante blanco »), Koji Wakamatsu (« 11.25 The Day he chose his own fate ») ou Xavier Dolan, qui avec son très attendu « Laurence Anyways » n’a pas vu les portes de la compétition s’ouvrir à lui, deux ans après son magnifique Les amours imaginaires déjà présenté à Un Certain Regard.

Claude Miller, décédé il y a quelques jours, aura l’honneur postum de clore le festival avec son dernier film, « Thérèse D. ». Un chant du cygne qui je l’espère fermera un grand festival. Car même si je ne vais pas à Cannes, je le vis et le guette comme si j’y étais. D’autant que les films d’Un Certain Regard et des sections parallèles passeront à Paris dès que la manifestation aura baissé le rideau sur la Croisette. Alors forcément, maintenant, j’attends avec impatience la sélection de la Semaine de la Critique et de la Quinzaine des Réalisateurs…

Le cinéma allemand n'a pas la cote

Si Intouchables est le plus grand succès de l’année au box-office allemand, toutes nationalités confondues, avec plus de 7 millions de spectateurs, le cinéma allemand ne bénéficie pour autant pas de la même cote d’amour de ce côté-ci du Rhin. Goodbye Lenin ! et La vie des autres avaient bien en leur temps fait se bousculer les spectateurs français, mais ceux-ci se font moins ardents pour le cinéma germanique ces temps-ci. C’est du moins le raccourci que je pourrais faire d’un épisode que je viens de vivre dans une salle de cinéma.

Quand je me demandais il y a quelques temps si certains spectateurs choisissaient au hasard les films qu’ils allaient voir en salles, j’en ai eu ce week-end une preuve manifeste. Quelques jours plus tôt, j’avais dressé la liste des films à l’affiche qui me faisaient envie, et lorsque j’en ai compté 22, j’ai failli tourner de l’œil devant la tâche titanesque qui s’offrait à moi. Vingt-deux ! Après en avoir rapidement rayé un, le fou, fascinant et décontenançant Bellflower, en allant le voir au St-Lazare Pasquier dans une morne salle de cinq spectateurs (dont une nana décrochant son téléphone pour répondre à un appel juste au moment où le film commençait, tout ce que j’aime…), j’ai attaqué tôt le samedi ma course aux films.

J’ai jeté mon dévolu sur le discrètement sorti Pour lui, un film allemand ayant partagé le Prix Un Certain Regard à Cannes l’année dernière avec Arirang de Kim Ki-Duk (quand sortira-t-il celui-ci ?!) et contant la vie d’une famille moyenne apprenant que l’un d’entre eux, le père, est atteint d’une tumeur au cerveau qui ne lui laisse que quelques mois à vivre. Pour des raisons logistiques quant à mon enchaînement de films, c’est aux Cinq Caumartin, près de la Gare Saint-Lazare encore, que je suis allé voir le film, un petit cinéma agréable où je me souviens avoir découvert A propos d’Elly d’Asghar Farhadi. Si j’ai écrit plus haut que le cinéma allemand manque de popularité auprès du public français ces temps-ci, ce n’est pas parce que nous étions peu nombreux à cette séance de 11h du matin. Quoi que nous n’étions effectivement pas nombreux. S’il y avait bien quelques spectateurs à s’être levés tôt en ce samedi matin, ils semblaient surtout se diriger vers Les Adieux à la Reine de Benoît Jacquot.

Non, ma phrase concernant la popularité du cinéma allemand en France tient à une remarque faite dans la salle par un des trois spectateurs partageant la salle avec moi devant Pour lui (vous voyez qu’on n’était tout de même pas bien nombreux…). Certes j’avais déjà eu droit à une drôle de remarque de la caissière, qui alors que je demandais ma place pour Pour lui à la séance de 11h50 me la donna en me précisant « Mais, vous êtes en avance ». Ah bon ? Bah, ce n’était pas gênant après tout puisqu’il s’agissait de la première séance de la journée et que je pouvais tout de même entrer en salle directement. Je regardai malgré tout l’heure en quittant la caisse… 11h47. 11h47 pour 11h50, c’est arriver en avance ? Cela explique peut-être beaucoup de choses sur le problème des séances mal espacées à propos desquelles je m’énervais l’autre jour, non ?

Quoi qu’il en soit donc, je me trouvais dans cette petite salle 5. Un chiffre qui résume le nombre de rangées de fauteuils contenues dans la salle, cinq. Les trois autres spectateurs m’ont rejoint au tout début des publicités… et parmi eux, deux, donc, ont semblé entré là par hasard, un homme et une femme qui semblaient être des amis se retrouvant. Après les salutations d’usage « Alors comment ça va toi ? », elle lâcha une question à son camarade : « Bon alors c’est quoi le film qu’on va voir ? ». Je n’entendis pas la réponse, mais aurais pourtant bien voulu, car après avoir entendu la remarque suivante, j’aurais aimé savoir si l’homme savait lui exactement dans quel film il s’embarquait.

La remarque en question intervint après la diffusion à l’écran de la bande-annonce du film L’amour et rien d’autre : « Pfff, un film allemand ! Ca me viendrait pas à l’idée d’aller voir un film allemand moi ». Okayyyyyyy… je dois bien avouer que là, un drôle de sourire s’est dessiné sur mon visage. Son ami n’ayant pas réagi à la remarque, soit lui-même ne savait pas vraiment ce qu’était Pour lui, le film qu’ils étaient venus voir comme moi en ce samedi matin, soit il n’osait pas annoncer à celle qui venait de proférer cette sentence la nationalité du film qui nous intéressait précisément en ce jour.

J’aurais voulu voir sa tête lorsque Pour lui a commencé. J’ai eu le son de sa réaction, mais pas l’image, dommage. Lorsque le générique d’ouverture a affiché des mots et noms allemands, j’ai entendu un premier « Euuuuuuh » dans mon dos. Puis les personnages ont commencé à parler, et là, ce sont les pouffements de rire qui ont éclos : « Pfffpfffpffff !! C’est allemand ? C’est un film allemand ?? Pffff pffff… naaaaan ! ». Là, je dois avouer que j’ai eu peur. Allait-elle être une de ces spectatrices (ou spectateurs) qui pourrissent un film en manifestant à destination de tous leur mécontentement ? Les goujats de cette sorte, ça existe… mais la chance était avec moi, et malgré sa désaffection annoncée pour le cinéma allemand cette spectatrice à l’évidence très ouverte d’esprit (haha) a su contenir son aversion, et malgré un ou deux bavardages discrets, a su faire profil bas malgré la déception. Il faut dire que devant un film aussi abrupt, dur, fort et émouvant que Pour lui, difficile de faire un numéro.

En revanche, la spectatrice du Saint-Lazare Pasquier qui a éhontément décroché son téléphone alors que le film commençait pour dire « C’est urgent là ? Je peux pas te rappeler dans deux heures, je suis au cinéma là ? »… celle-là… Qui a dit que les multiplexes avaient l’apanage des spectateurs irrespectueux ?