Si j'ai déjà vu "Mission impossible : protocole fantôme" ? Deux fois, en fait...

Les derniers jours de l’année sont les plus épuisants. Un peu à cause des réveillons de Noël et du Nouvel An, bien sûr. Des nuits blanches, des fêtes, des gens à embrasser, du champagne à ingurgiter, et ne parlons même pas de l’indécence des victuailles. Mais la cerise sur le gâteau, c’est la course aux derniers films de l’année, une course qui ne s’arrête pas une fois les douze coups de minuit sonnés. Donoma, Le Cheval de Turin, Hell and back again… les films que je n’ai pas encore réussi à faire glisser sous mes yeux dans l’obscurité d’une salle de cinéma sont légions. Mais comme si cela ne suffisait pas, il faut que je me rajoute un peu plus de difficulté dans cet emploi du temps cinéphile qui commence à ressembler à un véritable casse-tête chinois.

La difficulté que je me suis ajouté, c’est que contre toute attente, je suis allé voir Mission impossible : protocole fantôme deux fois en l’espace de trois jours. Dans la même salle qui plus est. Non parce que le film de Brad Bird m’a particulièrement ébloui ou a trouvé une place parmi mes favoris de l’année… quoiqu’au rayon des films d’action hollywoodiens, je n’ai pas vu tant de meilleurs films que celui-ci en 2011, alignant les séquences d’adrénaline à un rythme stakhanoviste, propulsant constamment le spectateur au cœur d’une action menée à une allure remarquable, le tout parsemé de touches comiques délicieuses (merci Simon Pegg). Je suis sorti enchanté de cette première vision du quatrième épisode de la franchise hollywoodienne, bien que j’ai dérogé à mes habitudes de placement en acceptant de m’assoir au dixième rang, un rang qui même dans la plus grande salle de l’UGC Ciné Cité Bercy m’éloignait trop de l’écran à mon goût. Mais les deux amis qui m’accompagnaient ne semblaient pas chauds pour aller poser leurs fesses beaucoup plus bas, et c’est bien plus bas qu’il aurait alors fallu s’asseoir pour rester ensemble dans cette salle bien remplie.

Alors j’ai ronchonné, un peu, pour le plus grand plaisir de mes camarades qui s’amusaient de voir ma maniaquerie s’exprimer. Et étonnamment, la distance par rapport à l’écran ne m’a pas tant gêné, sûrement grâce à la taille de celui-ci, à un format cinémascope ouvrant l’horizon de l’écran, et peut-être aussi un peu parce qu’il y avait une plus forte matière à se faire du souci quelques rangs plus bas. Lorsque le premier flash a crépité dans la salle, je n’ai pas trop compris ce qui se passait, si j’avais raté quelque chose à l’écran qui aurait provoqué cet éclair de lumière. La seconde fois, j’ai repéré que cela provenait de la salle vers les premiers rangs sur le côté. La troisième fois, j’ai capté la scène : un spectateur se prenant en photo dans la salle. Oui oui, pendant le film. L’homme coupable de ce méfait a exécuté le geste quatre ou cinq fois en tout pendant le film.

Difficile de croire qu’aucun des spectateurs l’entourant n’ait réagi, pourtant, ça ne semblait pas bien agité dans ce secteur de la salle. Pas sûr que j’aurais résisté à l’envie d’envoyer voler son appareil si j’avais été assis à côté de lui. Mais de mon dixième rang, les flashes ne m’ont pas suffisamment gêné pour avoir envie de foncer revoir le film deux jours plus tard. Mon retour  quarante-huit plus tard dans la même salle, au même horaire, a juste tenu dans le fait qu’un pote australien avec qui j’allais au ciné ce soir-là (oui, celui-là même qui avait goûté aux joies de l’Orient-Express quelques mois plus tôt) mourait d’envie de voir les nouvelles aventures aux quatre coins du monde de l’agent Tom « Ethan Hunt » Cruise (on se croirait d’ailleurs de plus en plus dans James Bond avec ce nouveau Mission impossible), et les amis nous accompagnant ce soir-là ne l’ayant pas vus non plus, le film a fait le consensus. Préférant passer la soirée avec mes amis plutôt que faire bande à part seul dans une autre salle pour voir Killing Fields (que j’ai découvert deux jours plus tard sans grand enthousiasme), j’y suis donc retourné, cette fois calé au cinquième rang, trop près dans une si grande salle, mais cette proximité nous aura presque fourni l’effet Imax sans l’écran Imax. Et à aucun moment être si près ne m’aura gêné (ni mes compagnons de salle, plus étrangement), de l’apparition du nouveau logo Paramount (fêtant les 100 ans du studio hollywoodien avec panache) à la brume de Seattle clôturant le film.

Sur le chemin du cinéma, j’aurai au passage croisé, planté dans la station, en mode attente (de quoi, je n’aurais su dire), l’homme aux sacs plastiques. En T-shirt et pieds nus dans ses chaussures de toile en ce 30 décembre. Fidèle à lui-même en somme, exactement comme lorsque je suis retombé sur lui trois jours plus tard au Cinéma du Panthéon pour une projection mémorable. Mais ça, c’est une histoire qui vaut un billet à elle seule…
Ah oui, et Bonne Année, au fait.

Footloose, ou les super-pouvoirs de Dennis Quaid sur moi

Les obsessions collent à la peau, et peuvent vous pousser vers des films que dans d’autres circonstances, vous n’auriez sûrement pas approchés. Cela m’est arrivé le week-end dernier. Une obsession plus aussi soutenue qu’avant mais tout de même assez vivace pour m’entraîner au Publicis un dimanche soir à 21h30, qui plus est un 25 décembre, en pleine période où je cours après les derniers films potentiellement importants de 2011, et où chaque projection devient précieuse. Mais j’assume. Pas de souci. Je le dis. Regardez, je l’écris même sur ce blog. Oui, je suis allé voir le remake de Footloose un dimanche soir à 21h30 sur les Champs-Élysées juste parce que je n’aime pas rater un film dans lequel joue Dennis Quaid.

Oui je sais, ce n’est même pas la peine de me le dire, j’en suis pleinement conscient, Dennis Quaid n’est pas le meilleur acteur du monde. Moi-même, un de ses grands fans, je le pense. Celui qui croit que les obsessions portent sur les meilleurs confond obsession et admiration. Quoi que  je l’admire le père Quaid, forcément. Mais je suis pleinement conscient de ses défauts, ses limites, et du fait qu’il y a de plus grands acteurs dans les environs. Je vous raconte cela aujourd’hui, alors que j’ai certainement pris du recul par rapport aux heures paroxystiques de ma fascination pour l’acteur, donc ce n’est finalement pas le fan obsessionnel qui parle.

Ce qui est drôle c’est que je ne me souviens même plus quel film a ouvert le compteur de mon rapport à Dennis Quaid. Ou même si c’est un film précis ou une conjonction de longs-métrages. C’était à la fin des années 90, cela j’en suis certain… et en jetant un œil à sa filmographie, je serais tenté de penser que cela date de 1998 ou 1999, quand Quaid était au creux de la vague et ne tournait pas ses meilleurs films. Peut-être en avais-je en même temps découvert de plus vieux à la télé, ceux de sa grande époque, L’étoffe des héros, L’aventure intérieure, The Big Easy… toujours est-il que depuis 2000, je n’ai jamais raté un film dans lequel figurait Dennis Quaid au cinéma. Parfaitement, même les nanars comme Les cavaliers de l’Apocalypse ou Une famille 2 en 1. Et ce dernier n’était sorti qu’en VF aux Montparnos, et c’est là-bas que je l’ai vu. A une époque j’achetais même tous ses films en DVD, particulièrement ceux qui ne sortaient pas en salles en France, mais aujourd’hui je ne me vois pas acheter Soul Surfer, son film chrétien sur la jeune surfeuse s’étant fait mangé un bras par un requin qui vient de sortir directement dans les bacs.

Qu’est-ce que je m’éparpille moi ce soir. Je n’avais pas l’intention d’écrire un billet sur mon obsession, passée ou présente, pour Dennis Quaid. Pas aujourd’hui en tout cas. Je voulais me contenter d’écrire quelques lignes sur Footloose. Si si, je vous assure, il y avait quelque chose à dire sur Footloose, aussi improbable cela puisse-t-il paraître. Oh bien sûr pas sur les qualités cinématographiques du film, qui s’avèrent finalement vite limitées, non non, je voulais parler de tout ce qu’un tel film parvenait, entre les mailles d’un divertissement banal, à distiller sur l’Amérique. Je voulais parler de la fascination culturelle qui pouvait découler de la vision d’un film sur une bande d’adolescents qui en 2011 se rebellent contre une Amérique coincée dans un puritanisme anachronique. Je me serais bien vu m’enflammer pour tout ce qu’il peut y avoir de jubilatoire à lire entre les lignes d’un film aussi inoffensif que ce Footloose cuvée 2011.

J’aurais tout de même parlé au passage du personnage du meilleur pote très plouc mais très drôle campé par le jeune Miles Teller qui n’était pas loin d’être bouleversant dans Rabbit Hole il y a quelques mois. Je n’aurais pas mentionné grand-chose d’autre pour souligner l’apport cinématographique du film.  J’aurais intitulé mon billet « Footloose : abysse cinématographique mais fascination culturelle », certains auraient pensé que je refaisais le coup de mon billet sur Roland Emmerich, à savoir voir midi à quatorze heures, et, et… Et non. Finalement j’ai commencé à parler de Dennis Quaid, et j’ai dérivé. Et maintenant, Footloose n’est plus dans l’air du billet. Ce n’est peut-être pas plus mal. Dennis Quaid m’a peut-être empêché d’écrire n’importe quoi. Et à la place m’a fait écrire un billet sur le billet que je n’ai pas écrit… Même moi je m’y perds. Aaaah, si seulement ce cher Dennis n’avait pas joué dans Footloose, je n’en serais pas là. C’est d’ailleurs sûrement le moment d’espérer que son prochain film à sortir en France sera d’un autre calibre. Cela m’évitera bien des désagréments, non ?

Hollywood se découvre une passion pour le passé

Mais que se passe-t-il à Hollywood ? L’usine à rêves qui oublie trop souvent l’art au profit du dollar semble avoir un caillot coincé dans le ciboulot qui l’empêche de penser et agir comme elle en a l’habitude. Pensez donc. Quels sont les deux films qui attirent le plus l’attention en cette fin d’année dans les couloirs de Tinseltown, à côté d’un Mission Impossible : protocole fantôme qui surprend son monde en s’affirmant comme le succès du box-office de Noël ? Deux films qui s’avèrent des aimants à nominations et récompenses et qui se font flatter aux quatre coins du pays… Deux films qui ont pour point commun de porter aux nues l’héritage cinématographique et de remettre les années 20 et 30 à la mode : The Artist et Hugo Cabret.

Le succès du premier est une aberration magnifique. Un film muet en noir et blanc d’origine française prenant pour cadre le Hollywood des années 20, tourné à la manière d’un film de l’époque. Avec pour star Jean Dujardin et Bérénice Bejo, deux comédiens hexagonaux dont les américains doivent avoir le plus grand mal à prononcer le nom (ne parlons même pas de celui du réalisateur Michel Hazanavicius). The Artist aurait pu n’être qu’un film de niche avec de jolies critiques qui auraient fait parler de lui quelques semaines et auraient ensuite été noyées dans la saison des Oscars sous les machines américaines à attirer les prix, les films de Steven Spielberg, Stephen Daldry, David Fincher ou Alexander Payne.

Mais la noyade médiatique n’a pas eu lieu. C’est l’inverse qui s’est produit. Si les films américains ont squatté de plus hautes places au box-office (quoique pour la plupart des places décevantes), l’attention d’Hollywood n’a jamais quitté The Artist depuis sa sortie en novembre. Harvey Weinstein, qui distribue le film aux États-Unis via The Weinstein Company, s’est assuré de faire du film d’Hazanavicius l’un des évènements de l’automne et un sérieux candidat aux Oscars. Et plus les semaines passent, plus ce statut s’affirme, le film engrangeant de semaine en semaine plus de prix et de nominations, récompenses des critiques, Golden Globes, Independent Spirit Awards, Screen Actor’s Guild et j’en passe.

Le film français muet en noir et blanc, qu’Hollywood aurait en temps normal balayé d’une pichenette, est devenu le chouchou de la communauté cinéphile et professionnelle du 7^ème Art américain. Et si pour le moment sa présence dans les charts américain reste modeste, si les distinctions continuent à affluer, il y a des fortes chances que le film d’Hazanavicius entre dans le cercle fermé des films français ayant réussi à s’affranchir du carcan dans lequel les films étrangers sont presque toujours enfermés au box-office américain. Le succès américain du film pourrait même rejaillir sur la carrière du film en France, où le film ressortirait très certainement en salles si d’aventure les nominations aux Oscars pleuvaient sur The Artist dans quelques semaines, pour s’ajouter aux 1,5 millions de spectateurs déjà séduits de ce côté-ci de l’Atlantique.

Ce qui est étrange, c’est que l’un des plus sérieux candidats aux mêmes récompenses aux États-Unis est un film qui comme The Artist  semble parfaitement anachronique à l’heure Hollywoodienne. Hugo Cabret de Martin Scorsese. Le cinéaste new-yorkais est un habitué, ces dernières années, des récompenses et de la course aux Oscars, et même de flirts très prononcés avec les cimes du box-office, alors trouver le titre de son dernier film parmi les longs-métrages les plus appréciés de l’année au Pays de l’Oncle Sam n’est pas si étonnant que cela. Ce qui l’est en revanche, c’est de découvrir le film qu’a concocté Scorsese : alors que l’on nous annonçait un grand film populaire de Noël, Hugo Cabret s’avère être un film très personnel aux allures d’hommage au cinéma et à ses racines. Un grand film cinéphile qui déclare l’amour de Scorsese pour le patrimoine cinématographique et la nécessité de faire tout ce qui est en notre pouvoir pour le préserver.

Assurément le film en déconcertera plus d’un. Et penser qu’un studio hollywoodien, en l’occurrence Paramount Pictures, a pu offrir à Martin Scorsese 170 millions de dollars sur un plateau d’argent pour qu’il réalise un film sur l’importance de la conservation des films est proprement hallucinant. Car plus qu’un film populaire de Noël, c’est bien là ce qu’est Hugo Cabret, une déclaration d’amour au vieux cinéma trop vite oublié, et à ceux (ou en l’occurrence, celui, Georges Méliès) qui les premiers ont œuvré pour faire de cet art le plus populaire du siècle dernier. Soit Scorsese les a bien berné sur ses intentions, soit Paramount est le studio Hollywoodien le plus couillu et ambitieux qui soit (serait-ce un peu des deux ?). Si les responsables du studio ont un jour cru qu’ils tiendraient là un grand succès et qu’ils reverraient la couleur de leur argent, ils ont été bien naïfs. Mais cela fait du bien de savoir qu’il est encore possible de passer entre les mailles du filet, et qu’un beau film comme Hugo Cabret puisse exister (même si une fois de plus, je me serais bien passer de la 3D - étonnamment mal adaptée au film, n’est pas Spielberg qui veut finalement).

Et voici donc qu’Hugo Cabret et The Artist, ces deux films hautement improbables, déchaînent les passions de l’usine à rêves. A l’heure des suites à foison et des adaptations de comic book par dizaines, un peu de fraîcheur fait un bien fou, aussi vieux jeu soit-elle, même si c’est plus pour amasser des récompenses que pour attirer les foules. Après tout, qui sait ce que sera le véritable potentiel de tels films, une fois que les plus prestigieuses récompenses leur seront décernées ?

Concernant mes films préférés de l'année...

Lorsque les derniers jours de l’année s’amorcent, c’es l’heure des comptes et des bilans, même pour les cinéphiles. C’est une période excitante et délicieuse où l’on se prend de passion pour la liste de nos films favoris de l’année écoulée, où l’on débat avec son voisin du film le plus important de l’année, où l’on rit gentiment du goût de tel blogueur qui s’est entiché d’un film que l’on a trouvé minable et où l’on regrette d’avoir raté telle perle lorsqu’on la voit apparaître dans les Tops de plusieurs magazines. Et avant d’amener la discussion avec d’autres, de tels classements amènent d’abord un débat avec soi-même, tiraillé que l’on peut être entre plusieurs films pour un nombre limité de places dans le si convoité Top.

Alors que l’on arrive à Noël, ces listes fleurissent partout, dans les journaux, dans les magazines, sur les sites et blogs partout sur le web. Chacun a son mot à dire et je n’aime rien tant que découvrir ce que chacun a bien pu retenir de l’année écoulée. Et c’est souvent à celui qui dégainera le premier… mais dégainer le premier n’a jamais été mon envie, mon premier souci au moment de constituer ma traditionnelle liste des films préférés de 2011 étant plutôt d’attendre que l’année soit finie, et avec elle l’assurance d’avoir vu tous les films que je souhaitais voir en salles. Certains peuvent se lancer plus tôt car ils fréquentent assidûment les projections de presse, d’autres ont peur d’être anachronique en publiant leur classement en janvier, et d’autres encore se disent que les chances qu’un grand film sorte dans les derniers jours de décembre sont minces.

Pour ma part, je suis au regret d’annoncer aux impatients qu’il y a encore une bonne douzaine de films à l’affiche ou sur le point de l’être que j’ai envie de voir avant d’arrêter mon Top. J’ai vu suffisamment de grands films, au fil des ans, qui sortaient dans les derniers jours de l’année pour savoir que la fin de l’année peut toujours cacher un film méritant de figurer parmi les meilleurs de l’année. Des exemples ? Les chats persans, Tetro, Le bon, la brute et le cinglé, Gone Baby Gone, Master and Commander, la trilogie du Seigneur des Anneaux, Les Autres, Incassable, The Fountain ou Ma vie sans moi sont tous sortis, leurs années respectives, dans les deux dernières semaines de décembre, et ont pour la plupart figuré dans mes Tops annuels.

Je m’en voudrais de laisser de côté un film de cette ampleur pour une simple envie pressante de mettre en ligne mon Top au plus vite. Alors en attendant je déguste les films qui me restent à voir, je coche, je raye, et au passage, j’acquiesce ou conteste les choix des autres. En espérant bien qu’ils seront là eux aussi dans deux semaines pour s’offusquer de mes choix, les applaudir, ou en débattre. Des indices ? Non ! Mais vous vous doutez tout de même bien que Le gamin au vélo ou Polisse n’y figureront pas…

Non aux Chipmunks, oui au Havre ! Enfin...

Le mercredi, c’est jour de sortie, et en ce 21 décembre 2011, la sortie évènement du jour, c’était Alvin et les Chipmunks 3. J’en frémissais d’impatience. Je comptais les jours depuis le moment où mes yeux s’étaient pour la première fois posés sur cette bande-annonce folle et hilarante dans laquelle les écureuils au timbre crispant échouaient sur une île déserte et entonnaient avec une classe folle « Bad Romance » de Lady Gaga. Chaque fois que je les apercevais chanter dans la bande-annonce, mon cœur battait la chamade et mes rires étaient incontrôlables. Voilà le film qui manquait à l’année 2011, enfin il arrivait.

Quand je vois que c’est Alvin et les Chipmunks 3 qui est – aisément  – arrivé en tête des démarrages sur Paris/Périphérie le jour de sa sortie, devançant La délicatesse et A Dangerous Method, je me dis qu’il y a des gens qui doivent réellement penser ce que j’ai écrit dans le premier paragraphe, aussi fou que cela puisse paraître. Personnellement, chaque vision de la bande-annonce me hérissait le poil et me faisait remuer la tête en un signe irrépressible de négation. A chaque fois, que j’entendais Alvin et ses copines entonner le fameux tube de Lady Gaga, et surtout que j’entendais les rires amusés fusant dans la salle, je perdais un peu plus espoir en l’humanité. Quand je pense que le film a fait presque autant d’entrées à la séance de 14h que L’ordre et la morale sur toute sa première journée à Paris…

Vous l’aurez compris, je ne suis pas allé voir Alvin et les Chipmunks 3 le jour de sa sortie (je n’irai aucun autre jour non plus, au passage…). En lieu et place, je suis allé voir Le Havre d’Aki Kaurismäki en compagnie d’un camarade cinéphile bordelais de passage à Paris, après des hésitations dues à nos projections respectives des jours derniers (« J’ai pas vu le Polanski », « Ah mais moi je l’ai vu, par contre j’ai pas vu le Cronenberg », « Ah bah celui-là c’est moi qui l’ai vu »). Le Havre a été le consensus satisfaisant les deux parties qui avaient peur qu’à la fin il faille se rabattre sur Alvin et les Chipmunks. Au pire on serait retourné voir Drive… On aurait dû retourner voir Drive.

Le Havre fait partie de ses films que je suis allé voir poussé par une critique unanime depuis le Festival de Cannes, où beaucoup s’étaient étonné de voir le film oublié par le jury au moment de décerner le Palmarès. Mercredi 21 décembre, les critiques étant tout aussi élogieuses pour saluer l’œuvre de Kaurismäki, le doute n’était pas permis, Le Havre était un des films immanquables de la semaine, si ce n’était pas tout simplement LE film immanquable de la semaine (aurais-je le temps à un moment d’aller revoir L’irlandais avec des sous-titres ?). Je me souviens encore de la projection pénible de L’homme sans passé, mais je me suis laissé convaincre, un peu comme Le gamin au vélo au printemps dernier, lorsque mon aversion pour le cinéma des Dardennes n’avait pas fait le poids face à la conscience cinéphile. Parfois, je ferais mieux de laisser cette bonne conscience en veilleuse et suivre mon instinct, Le Havre me l’a indubitablement rappelé.

La vérité c’est que la bande-annonce m’avait déjà un peu refroidi, mais que je ne me suis pas laissé décourager, pensant que celle-ci pouvait être mensongère. Pourtant j’aurais dû reconnaître certains signes dans celle-ci, notamment le jeu d’acteurs. Mon Dieu, le jeu d’acteurs du Havre. Kati Outinen qui campe la femme du héros, Marcel, homme d’âge mur et vivotant avec son épouse dans un taudis populaire du Havre lorsqu’il tombe sur un garçon clandestin se cachant de la police. Kati Outinen, comédienne finlandaise, muse du cinéaste, qui passe l’intégralité du film à tenter de sortir ses répliques en français de la manière la plus intelligible possible (de façon quasi phonétique la plupart du temps), au détriment de toute notion d’interprétation. André Wilms, dans une sorte d’emphase théâtrale dans son jeu qui confine au surréalisme (est-ce voulu ?), tout comme le jeune garçon. Seul Darrousin, plus premier degré que les autres, s’en tire honorablement.

Et que dire de la tentative (ratée) de Kaurismaki d’accoupler le cadre havrais contemporain avec une atmosphère désuète sortie des années 80 ayant la grise mine (dans l’ambiance) de ses films finlandais ? Si ce n’était le thème, le cadre politique, et les accessoires tels les téléphones portables, on se croirait à l’évidence au début des années 80. Cette stylisation ne prend pas, et couplée à la direction d’acteurs en roue libre, propulse le film dans les méandres de l’ennui, malgré une mise en scène et une direction artistique réussies. Certes le cinéaste finlandais tient son discours sur la place de l’émigré dans la société occidentale, et on lui en est gré, mais lorsque le discours est parasité par un non-sens cinématographique, il devient difficile de se prendre de passion. A l’évidence les critiques y sont parvenus, pas moi. Et j’ai préféré André Wilms, succinctement grandiose d’absurde, en allemand alcoolique dans Americano de Mathieu Demy. Il faut dire que ce film-là pouvait également compter, outre un récit teinté d’une douce mélancolie, sur la présence gracieuse et affolante de Salma Hayek en strip-teaseuse attachante. Peut-être si la Salma d’Americano avait fait un caméo dans Le Havre…

Un film coréen dans le flou et l'ennui

Les films coréens se font si rares dans les salles obscures françaises qu’ils sont tous de vrais petits évènements pour ceux qui comme moi en raffolent. Si 2011 ne restera pas dans les annales comme l’année où un flot de films coréens s’est déversé dans les cinémas français, décembre met tout de même les bouchées doubles en nous proposant deux films coréens à l’affiche, quand seuls trois films de la même nationalité étaient sortis depuis le début de l’année. Et si j’avais déjà vu Oki’s movie à la Cinémathèque lors de la rétrospective Hong Sang Soo, il me restait à voir Entre chien et loup, un inédit du cinéaste Jeon Soo-il datant de 2005. Je n’allais tout de même pas le rater.

Jeon Soo-il, pour ceux qui ont du mal à le remettre, est le réalisateur de deux films déjà sortis en salles dans l’Hexagone ces dernières années, l’an passé Destination Himalaya, et auparavant celui qui l’a révélé, La petite fille de la terre noire. D’ailleurs un cinéma parisien semble être décidé à devenir la salle fétiche du réalisateur coréen, puisque comme pour Destination Himalaya en 2010, l’Espace Saint-Michel est le seul lieu cinéphile de la capitale où Entre chien et loup était visible à sa sortie. Je me souvenais encore parfaitement de la séance de Destination Himalaya l’an passé dans la salle du sous-sol du cinéma, avec ce couple franco-américain ronflant dans mon dos et cette femme rouspétant contre un bruit qui la dérangeait (une anecdote que je me plais encore régulièrement raconter…)…

Mais pour ce nouveau film de Jeon Soo-il - qui date en réalité de 2005, les films de ce réalisateur ont une nette tendance à sortir en France avec quelques années de retard – c’est la salle du premier étage qui m’a accueilli. Une salle où je me souvenais également avoir vu Treeless Mountain, un autre drame coréen, quelques années plus tôt. L’Espace Saint-Michel aime décidément le cinéma coréen. Enfin, je m’éparpille. Si le cinéma coréen a été rare dans les salles françaises en 2011, il avait jusqu’ici été passionnant, de l’humour délicieux de Ha Ha Ha à la tension sombre de The Murderer, en passant par la noirceur explosive de J’ai rencontré le Diable. Mais force est de constater que les films coréens de décembre sont moins emballants que leurs prédécesseurs, Entre chien et loup encore moins que Oki’s movie.

Pour tout dire, c’est l’ennui qui a dominé la projection du film de Jeon Soo-Il, qui lorgnait finalement presque du côté de Hong Sang Soo dans la thématique. Un cinéaste criblé de dettes quitte Pusan quelques jours pour un impératif familial en province. En chemin, il tombe sous le charme d’une fille du coin à qui il va assidûment faire la cour. Ne se croirait-on pas chez Hong Sang Soo ? Seulement voilà, Jeon Soo-il n’est pas Hong Sang Soo (même si j’en connais quelques uns qui oseraient dire que c’est une qualité !), et ses histoires de famille, de séduction, d’alcool et de deuil ne prennent finalement jamais vraiment forme. Le film tourne en rond comme le personnage féminin le fait dans la neige.

Cette déception eût pu presque être un soulagement, si les craintes de début de projection concernant mes voisins de derrière s’étaient confirmées. Ceux-ci, deux personnes âgées, un homme et une femme, étaient assis juste derrière moi dans la salle. Lorsque la lumière s’est éteinte et que le générique d’ouverture du film a commencé, ils ont eu une conversation plutôt incongru que je vous retranscris ici :

(elle) « Bah non, j’arrive pas à lire.

(lui) – T’es sûre ? Attend que ce soit le film et que les sous-titres apparaissent.

(après quelques minutes, la première scène dialoguée apparaît, et avec elle des sous-titres)

(elle) – Bah non c’est tout flou, j’arrive pas à lire c’est sûr.

(lui) – Eh bah voilà ce que c’est que d’oublier ses lunettes. Alala ! »

Tout à coup, une peur s’est emparée de moi. Et s’il allait passer tout le film à lui lire les sous-titres ?! La chose m’était arrivée en décembre 1998 à l’UGC Rotonde lorsqu’une mère s’était mise à lire les sous-titres du film Au-delà de nos rêves (avec Robin Williams en mort découvrant un paradis tout peinturé, vous vous souvenez ?) pour son enfant. Hors de question que cela se reproduise. Et cela ne s’est pas reproduit. Non parce que je me suis retourné pour leur intimer de se taire, mais parce que la vieille dame, dans un moment de dignité par lequel elle a gagné mon respect éternel (n’ayons pas peur de l’emphase), a alors dit à celui qui devait être son époux : « Bon bah tant pis, je vais regarder les images au moins ». Une phrase qui n’a l’air de rien mais qui à une époque où les gens jouent avec leurs casque de motos ou font tout un tas de choses bruyantes qui vous rendent fous, ce geste de sacrifice qui devrait nous être à tous naturel, revêt une grandeur d’âme sans nom.

Alors tant pis si finalement, le film m’a déçu et ennuyé, car la découverte qu’il y encore des spectateurs pour qui le respect des autres importe plus que son confort personnel vaut bien un film chiant.

Chérie, où j'ai mis ma clé anglaise, j'ai des mangeuses de pop-corn à dézinguer !?

Dans Super de James Gunn, Rainn Wilson, justicier du quotidien, revêt son costume de super-héros ordinaire et se munit de sa clé anglaise fétiche pour aller méchamment corriger un mec doublant sans vergogne la file d’attente au cinéma. Il le fracasse avec une violence jouissive exprimant la colère qui peut nous habiter lorsque des spectateurs laissent tout civisme de côté, oublient le respect d’autrui, et piétinent votre sacro-sainte passion pour la salle obscure. C’est excessif, mais cela reflète parfaitement la lassitude qui peut gagner certains d’entre nous lorsque l’on tombe dans une salle sur quelqu’un pour qui le cinéma n’est qu’une distraction comme les autres qui ne nécessite pas plus de retenue que si l’on allait encourager son équipe favorite au stade ou que l’on regardait Nouvelle Star à la télé.

J’ai un défaut qui ne veut décidément pas se dissiper, je déteste l’inattention des autres au cinéma. Si vous lisez régulièrement ce blog, vous vous en êtes certainement déjà rendu compte. Je fais passer cela pour un défaut, même si au fond de moi je pense (je sais) que le défaut c’est l’inattention des autres. Et lorsque l’inattention passe par du bruit, j’en ferais presque un ulcère. Samedi, mes nerfs ont été mis à rude épreuve. Déjà quelques jours plus tôt, un mangeur dechips avait testé ma patience. Mais samedi, c’était un degré encore supérieur d’agacement, un degré encore supérieur de connerie humaine incarnée… et multipliée par quatre.

Pourtant avec un film d’auteur français produit par Sylvie Pialat, je me croyais à l’abri d’un public irrespectueux du film et des spectateurs. Mais non, Dernière Séance ne m’a pas protégé d’une bande d’adolescentes qui se sont installées juste derrière moi et mes amis avec chacune un seau de pop-corn et une envie de voir un film d’horreur bien sanglant. Seulement voilà, Dernière séance ne répond pas tout à fait aux critères que les demoiselles attendaient d’un film qui tranche, avec ses allures de cinéma d’auteur à plusieurs niveaux de lecture. Je les entendais dans mon dos, et compris vite qu’elles avaient choisi le film en lisant le synopsis, soit l’histoire d’un cinéphile travaillant dans un cinéma de quartier provincial qui se métamorphose une fois la nuit tombée en tueur en série.

J’aimerais pouvoir vous dire sincèrement ce que j’ai pensé du film de Laurent Achard, mais mon attention a été tellement détournée de l’écran tout au long de Dernière Séance que j’en suis sorti en ne sachant trop ce que j’avais réellement pensé du film. Car près d’une heure et demie durant, j’ai du me retenir de ne pas tomber moi-même dans la violence. J’ai réfréné des pulsions de meurtre qui m’assaillent dès qu’un spectateur me pourrit un film par son comportement égoïste et stupide. Le genre de sentiment qui vous donne envie d’attraper une clé anglaise, de vous retourner et de chercher le calme par le sang.

Les quatre filles en questions parlaient, beaucoup. Tapaient des pieds dans les fauteuils, souvent. Chantaient même, occasionnellement. Et surtout, prenaient plaisir à le faire quoi qu’en pensent le reste de la petite salle, si petite que tout le monde a pu allègrement profiter de leur présence, et pas seulement le mec se retournant constamment pour tenter de leur faire comprendre qu’elles n’étaient pas devant leur télé (oui ça c’est moi). Malheureusement, plus je me retournais, plus elles étaient contentes de se faire des ennemis, et pouffaient encore plus de rire. Ma seule victoire serait passée par l’échange de mots violents et le lancer de clé anglaise dans la tronche, exactement ce qu’elles attendaient. Alors rien. J’ai pris sur moi. J’ai laissé mon sang bouillir dans mes veines. J’ai laissé mes tempes cogner, mes poings se serrer, ma mâchoire se crisper.

Non, je ne sortirai pas la clé anglaise. Non, je ne sortirai pas la clé anglaise (bon d’accord, je ne suis pas Crimson Bolt, je n’en ai pas). Elles n’ont même pas eu la décence de quitter la salle. Elles l’ont quittée en même temps que les autres, au générique de fin, amusée de voir une dernière fois la haine dans mon regard. J’ai eu l’impression que le film m’aurait agacé si j’avais été pleinement attentif, mais peut-être l’impression était-elle biaisée par la noirceur de mes pensées pendant la projection. La prochaine fois, c’est sûr, j’aurai une clé anglaise avec moi. Au cas où.