L'impossible blog ciné

Showeb, pour le plaisir des bandes-annonces

2012-02-03T19:16:00.000+01:00

Depuis plusieurs semaines, Le Film Français, l’hebdomadaire des professionnels du cinéma, mettait au point dans le plus grand secret (pas tant que ça, mais j’aime la formule) un évènement qui permettrait de bâtir un pont entre les distributeurs de films et les acteurs du web ciné, journalistes de sites spécialisés et blogueurs. Une rencontre à la manière des conventions de distributeurs à première vue, où ceux-ci dévoileraient leur line-up des longs-métrages à venir sous forme de teasers, bandes-annonces, extraits et images de films en cours de production.

Je me suis tâté devant l’opportunité de participer à ce premier Showeb, puisque c’est ainsi que l’évènement a été baptisé. Tâté, parce que la ligne éditoriale de mon blog, si tant est que j’en ai une, n’est pas forcément compatible, dans la nécessité, avec ce type de rencontre. Je ne suis pas un blog de critiques, très peu de news, et encore moins de concours et autres deals avec distributeurs. Mon blog est le journal de bord de mes aventures cinéphiles, avec bien sûr quelques extras qui me font plaisir de temps en temps. Il y en a des tonnes, des blogs qui entrent plus évidemment dans la ligne de mire des distributeurs, alors devais-je vraiment m’y rendre, à ce Showeb ?

Mais ce qui compte plus qu’une compatibilité, au final, c’est l’envie. Avais-je besoin pour mon blog d’aller à la rencontre des distributeurs ? Pas spécialement, même si un peu de visibilité ne fait jamais de mal. Avais-je envie de me faire plaisir, de me poser dans la grande salle du Publicis avec d’autres passionnés pour aller découvrir pendant plus de deux heures des bandes-annonces de films à venir dans les semaines ou les mois à venir ? Avais-je envie de découvrir des images exclusives que je ne verrais peut-être pas de sitôt sur le web ou en salles ? Oui. Le geek en moi, qui lorsqu’une nouvelle bande-annonce que j’attendais impatiemment arrive en ligne, éteint toutes les lumières, tire les rideaux et la regarde religieusement en jubilant d’enfin la découvrir, avait fortement envie de se trouver au Publicis pour le Showeb.

Alors j’y suis allé, j’ai donné mon nom à l’entrée, j’ai eu droit à mon badge, à ma confiscation de portable et à ma clause de confidentialité à signer, à mes lunettes 3D pour la présentation Disney, et je me suis confortablement calé dans ma salle 1 adorée du Publicis. J’ai salué quelques connaissances, constaté que certains blogueurs se connaissaient déjà bien et formaient de vraies bandes, et le défilé de distributeurs a commencé, chacun amenant dans sa besace son lot d’images plus ou moins excitantes, plus ou moins fraîches, plus ou moins exclusives, de Studio Canal à Disney en passant par Pathé, Universal, Gaumont et le petit poucet Diaphana. Le représentant de ce dernier nous a gratifié du discours le plus mémorable de l’évènement, proposant un discours sur la nature des relations entre distributeurs et sites web / blogs d’une franchise séduisante (à l’image d’un line-up qui fait envie).

Si la bande-annonce du Québecois Star Buck a déclenché les applaudissements et l’extrait hilarant des Kaïras offert par Gaumont a secoué la salle de spasmes de rires, il y a eu de beaux moments projetés à l’écran, de la bande-annonce du prochain Wes Anderson déjà appréciée sur le web, Moonrise Kingdom, à un montage célébrant les 100 ans du studio Universal, entre autres. Et si le long exposé de Disney est en partie frappé du sceau de la confidentialité (il faut dire que le studio a bien joué le jeu du Showeb, avec des films présentés très, très en amont de leurs sorties), il est un moment de la présentation du studio aux grandes oreilles qui n’a pas eu besoin d’être exclusif pour me faire frissonner : la scène d’ouverture du Roi Lion projeté en 3D relief (qui sortira en salles en avril), me faisant l’espace de quatre minutes replonger en enfance et retrouver les sensations mêmes que j’avais éprouvées en 1994 lorsque l’enfant de 13 ans que j’étais avait découvert le film sur l’écran du Grand Rex. Et cela, je l’ai découvert, vaut toutes les exclusivités du monde.

Alors oui, on aurait aimé que plus de distributeurs participent, que ce soit du côté des majors ou des indépendants, on aurait aimé avoir droit à plus d’exclusivités, la plupart de ce qui nous a été montré étant déjà visible sur le web, on aurait aimé voir du cinéma asiatique teasé, mais ce premier pas a été apprécié. Et le prochain Showeb sera attendu. Ah oui, et j’allais oublier, avec une bande-annonce pareille, Cloclo va cartonner. Le Marsupilami, c’est moins sûr.

Les nominations aux Oscars et César en treize remarques

2012-02-02T00:01:00.000+01:00

Tous les ans, la dernière semaine de janvier met aux aguets ceux qui comme moi suivent avec curiosité la saison des récompenses. L’Académie des Oscars, puis celle des César, ont toutes deux annoncé les nominations pour les cérémonies qui se tiendront à la fin du mois. Tous les ans, je guette cette liste de films, d’acteurs, de réalisateurs, de techniciens, destinés à être récompensés, opinant (voire me réjouissant) pour les nominations qui me semblent justes et me désolant d’en voir d’autres laissées sur le bas côté. L’année 2012 ne déroge pas à la règle, et que ce soit du côté des Oscars ou des César, satisfaction et regrets se mêlent allègrement. Et comme les satisfactions nous paraissent des évidences, on retient plus facilement les erreurs. Quoi qu’il en soit, voici les treize choses que je retiens de cette semaine de nominations (non, je ne suis pas superstitieux)…

Terrence Malick a ses fans (sauf chez les pros des effets spéciaux)

Après la Palme d’Or glanée à Cannes, je m’attendais plus à voir The Tree of Life nommé au César du Meilleur Film Étranger qu’à l’Oscar du Meilleur Film. Pourtant, Terrence Malick est présent dans la compétition reine des Oscars, et se paie même le luxe d’être nommé dans la catégorie Meilleur Réalisateur. En revanche, les pros des effets spéciaux n’ont pas eu l’audace de distinguer le film, lui préférant des blockbusters plus classiques.

The Artist bénéficie d’autant d’amour des deux côtés de l’Atlantique

Dix. C’est le nombre de nominations que le film de Michel Hazanavicius récolte des deux côtés de l’Atlantique. Et contre toute attente, c’est peut-être aux Oscars que le film a le plus ses chances, favori qu’il est dans bon nombre de catégories, dont Meilleur Film, Meilleur Réalisateur et Meilleur Acteur. En France, tout est encore flou.

Jonah Hill sera pour les 50 prochaines années (et au-delà !) un « Academy Award nominee ». Dingue.

J’adore Le stratège. S’il ne s’est pas trouvé dans mon Top 15 de mes films préférés de l’année, il s’en est fallu de peu. Mais des six nominations amplement méritées que le film de Bennett Miller a décroché aux Oscars, celle du Meilleur Acteur dans un seconde rôle décernée à Jonah Hill laisse assez perplexe, tant la qualité de l’acteur est plus d’avoir opté pour un contre emploi que pour avoir délivré une performance véritablement remarquable. On aurait préféré voir Albert Brooks pour Drive dans cette catégorie…

Les américains se sont trompés de Jessica Chastain

Non, il n’y a pas plusieurs Jessica Chastain. L’actrice a suffisamment prouvé ces neuf derniers mois qu’elle est unique et remarquable à chacune de ses apparitions à l’écran. Mais que l’Académie, entre tous les rôles qu’a incarné Chastain, ait choisi de mettre en avant celui de La couleur des sentiments plutôt que celui de The Tree of Life ou Take Shelter déçoit. Un tout petit peu.

Intouchables ne souffre pas du syndrome des Ch’tis

Il y a trois ans, Dany Boon et Pathé se désolaient de voir le raz-de-marée public Bienvenue chez les Ch’tis absent des nominations aux César, hormis pour une nomination au César du Meilleur Scénario (tiens tiens, ça me rappelle un film nommé cette année…). Cette année, Intouchables décroche lui neuf nominations, dont Meilleur Film, Meilleur Réalisateur et Meilleur Acteur (pour lequel sont nommés François Cluzet et Omar Sy). S’est-on souvenu de l’embrouille ? Bof, c’est tout simplement qu’Intouchables est un meilleur film que celui de Boon.

Tintin est un incompris

Il n’y a pas eu de meilleur film d’animation cette année que Les aventures de Tintin de Steven Spielberg. Il n’y a pas eu plus virevoltant et exaltant. Pourtant Tintin, s’il est nommé aux Oscars pour la musique de John Williams, est absent de la catégorie qu’il aurait dû écraser de sa grandeur. La motion-capture aurait-elle fait peur aux pros de l’animation ?

Le César du Meilleur Film étranger vaut plus que l’Oscar du Meilleur Film en langue étrangère (même si c’est sûrement le même film qui va les remporter !)

Un jour, il faudra que l’Académie des Oscars se penche sérieusement sur la catégorie du Meilleur Film en langue étrangère, qui reflète rarement ce qui se fait de mieux hors des États-Unis. Les contraintes semblent trop grandes pour choisir le fameux film, quand les César sont plus ouverts et affichent une compétition autrement plus excitante. Même si le jour J, Une séparation pourrait bien se voir récompensé des deux côtés de l’Atlantique.

Les américains n’ont pas cédé aux sirènes d’Harry Potter

Certains petits malins pariaient, ou espéraient, que le dernier volet de la saga Harry Potter parviendrait à se glisser dans les nommés à l’Oscar du Meilleur Film. Ils ont eu tort, et le film n’a eu droit qu’à des considérations techniques. Ouf !

Que sont les chansons devenues ?

A une époque, l’Oscar de la Meilleure Chanson avait l’occasion de départager des morceaux à l’impact réel dans la psyché du public, au cours d’une compétition riche. Mais les chansons au cinéma n’ont peut-être plus autant la cote (comme le rappelait Fun, Culture & Pop il y a quelques temps), et cette année, seules deux d’entre elles sont nommées. Aux César, c’est la jeune catégorie du Meilleur Film d’animation qui se montre faible, l’Académie allant même chercher des courts-métrages pour compléter les nominations…

Drive est décidément mieux considéré en France qu’aux États-Unis

En mai, Drive avait hérité avec évidence du Prix de la mise en scène au Festival de Cannes. Quelques mois plus tard, le film a connu une carrière décevante aux États-Unis, quand elle fut éclatante en France (plus d’1,5 millions de spectateurs). Et en février, alors que les Oscars boudent honteusement le film (seulement une nomination pour l’Oscar du Meilleur montage sonore, sérieusement ??), les César nomment le film de Nicolas Winding Refn au César du Meilleur Film étranger. La France sauve l’honneur du film.

13 nominations pour Polisse… dont sept d’interprétation (dont 3 pour le second rôle masculin ??) ?!

Qu’est-il passé par la tête des votants aux César ? Je ne vous cacherai pas que le fait que Polisse domine les débats est déjà en soit une déception, mais c’est surtout devant la répartition des nominations du film que mon sourcil gauche se dresse : sept nominations aux acteurs et actrices du film ??? Parmi celles-ci, trois pour le César du Meilleur second rôle masculin, annexant du même coup plus de la moitié des nominations possibles dans la catégorie ? Je croise les doigts pour que Bernard Le Coq en Chirac ou Michel Blanc en conseiller politique rafle la mise (ce dernier surtout)… même si Joey Starr est favori. Heureusement que Maïwenn n’a pas eu droit elle aussi à sa nomination pour son rôle dans le film (on aurait touché au ridicule). Par contre elle a tout de même décroché une incompréhensible nomination au César du Meilleur Scénario original.

Pater est là, c’est énorme ! Mais où est Vincent Lindon ?

Le beau film d’Alain Cavalier, la proposition de cinéma la plus folle de l’année, aurait pu être oublié aux César comme il a été oublié au Palmarès Cannois. Il n’en est rien. Pater concourt pour le César du Meilleur Film et celui du Meilleur Réalisateur, et l’on se prend seulement à regretter, après ces nominations qui me réjouissent, que Vincent Lindon soit absent de la compétition des acteurs.

L’ordre et la morale n’a droit qu’à une petite nomination. Même pas pour la mise en scène de Kassovitz.

Le web et la presse a bruissé ces derniers jours du coup de gueule de Mathieu Kassovitz devant sa quasi absence aux César, n’ayant droit qu’à une nomination dans la catégorie Meilleur scénario adapté. Le cinéaste a probablement été des plus maladroits dans son coup de gueule, mais il est à n’en pas douter des plus justifiés tant L’ordre et la morale méritait mieux (et quitte à ne lui donner qu’une seule nomination, il aurait mieux valu le faire concourir à celui de Meilleur Réalisateur, mais il semble que l’Académie ne fasse pas de différence entre la qualité d’un film et celle d’une mise en scène, les nominations Meilleur Film / Meilleur Réalisateur étant l’exact reflet les unes des autres…)

Et sinon, où est Donoma ?

Mother's Day : la fête des mères avant l'heure à Panic Cinéma !

2012-01-31T01:22:00.000+01:00

Voilà des semaines - disons-le, des mois - que je n’avais pas mis les pieds à « Panic Cinéma », ce rendez-vous hebdomadaire du Nouveau Latina prisé des amateurs de séries B, de séries Z, d’inédits rares ou de classiques, de nanars et de plaisirs coupables. La fois précédente, il me semble que c’était pour l’inédit The Fall de Tarsem Singh. Samedi dernier, c’est également pour un film récent que j’ai renoué avec la séance nocturne du Latina (désormais avancée à 22h alors qu’on l’a connue en séance de minuit).

Ma journée m’avait déjà conduit devant deux films, le documentaire souvent drôle et passionnant Freakonomics, et le polar vénéneux Millenium, les hommes qui n’aimaient pas les femmes. Le puceau que j’étais de l’univers de Stieg Larsson, n’ayant ni lu les livres ni vu les adaptations suédoises, s’est régalé de l’œuvre de David Fincher, dense, brute et étonnamment touchante (la faute à une paire de personnages finement écrite, et à un duo d’acteurs, Rooney Mara et Daniel Craig, les incarnant à la perfection jusqu’à une scène finale apportant une étonnante émotion). Une jolie mise en bouche pour aller se frotter à Mother’s Day au Nouveau Latina.

J’ai connu la salle de la rue du Temple plus remplie, à croire que Darren Lynn Bousman, qui à lui seul a réalisé près de la moitié de la saga Saw, n’a pas tant de fans que cela (et après tout est-ce étonnant…). Ce n’est pas pour le CV du réalisateur que les amateurs se retrouvaient devant son film en ce samedi soir, même si les raisons ne manquaient vraisemblablement pas. Le fait qu’il s’agissait du remake d’un film d’horreur musical délirant de la bande Troma, ou le plaisir de retrouver en tête d’affiche Rebecca de Mornay, entourée pour l’occasion de quelques têtes connues comme Jaime King, Frank Grillo ou Shawn Ashmore (le Ice-Man des X-Men !). Il y avait aussi l’exclusivité d’une telle projection, le film étant montré au même moment ce soir-là au Festival International du Film Fantastique de Gérardmer, ainsi que nous l’a révélé Fred Garcia, présentateur du soir. C’est ce dernier d’ailleurs qui a fait de l’homme aux sacs plastiques une des stars de la soirée.

C’est une des certitudes des soirées de « Panic Cinéma ». Tomber sur Plastic Man (je m’évertue à l’appeler « l’homme aux sacs plastiques » alors que tout le monde l’a officiellement super-héroïsé avec cette appellation anglo-saxonne que je vais finir par adopter). En arrivant devant nous pour lancer le film, le MC du soir a salué le sol en nous précisant « Pour ceux qui ne le verraient pas, notre ami Plastic Man est assis par terre au premier rang ». Ce dernier, soudain embarrassé par tant d’attention, s’est alors levé et a filé dans l’escalier situé à côté de l’écran, pour se diriger vers les toilettes vraisemblablement, mais surtout pour se cacher. La présentation terminée, de là où j’étais, j’ai vu Plastic Man (pour l’occasion, comme à son habitude, fraichement vêtu, simple T-shirt manche longue et espadrilles aux pieds) vouloir retourner à sa place, mais la lumière ne s’étant pas encore éteinte, il patientait dans l’ombre, comme gêné de devoir entrer sous la lumière des projecteurs, préférant faire profil bas. Dès que la lumière s’est tamisée, il est redescendu s’asseoir par terre, à son premier rang fétiche.

Rien que pour ce genre de petit moment touché d’une grâce cinémaniaque, j’adore les soirées Panic Cinéma. Celle-ci fut même l’occasion d’enfin croiser la route de Phil Siné que je ne connaissais jusqu’ici qu’à travers sa Cinémathèque et avec qui j’ai pu échanger mes impressions au sortir de la salle. Dialoguer à propos du plaisir pris devant ces frangins braqueurs prenant une maison en otage, bientôt rejoints par leur maman pétrie d’amour pour ses fistons à qui elle a enseigné la nécessité de protéger la famille envers et contre tous. Tous, en l’occurrence, c’est ce groupe d’amis pris en otages, divisé entre ceux qui veulent se défendre et ceux qui pensent qu’il est préférable de suivre à la lettre ce que demande la famille de psychopathes qui les tient en joue.

Inutile de préciser que la soirée ne va pas se dérouler sagement et que le sang va couler en abondance. On retrouve bien, dans ces dilemmes moraux posés aux personnages qui doivent jouer avec leur vie et surtout avec la vie d’autrui, le réalisateur d’une large partie des films Saw. Il s’amuse à pousser ses héros dans leurs retranchements et à faire jaillir, pas toujours au second degré, l’absurde. Il les pousse tellement loin parfois qu’on n’est jamais loin du nanar, mais dans son exploration de ce que l’être humain devient lorsqu’il est mis sous pression, et des failles qui peut découler au sein d’un groupe en apparence soudé, Mother’s Day amuse grandement. Un film qui avait définitivement sa place à une séance de Panic ! Cinéma.

Peut-être était-ce de cela que discutait Plastic Man avec un ami qui est peut-être aussi omniprésent que lui dans les salles obscures, puisque je l’ai reconnu comme le spectateur ayant fait comme moi il y a quelques semaines le doublé Sweetgrass / The Terrorizers… où j’avais également croisé Plastic Man. Décidément, on finit toujours par se retomber dessus. Même si je ne suis pas sûr qu’ils me reconnaissent aussi facilement que je les reconnais eux…

Que faire lorsqu'on arrive en retard au cinéma ? Pas ça...

2012-01-26T00:17:00.000+01:00

Les spectateurs sont-ils capables d’assumer leur retard dans une salle de cinéma ? C’est une chose qui devrait être innée chez tout individu qui se respecte, une évidence héritée d’une longue lignée ancestrale de spectateurs, transmise de génération en génération dans l’ADN. Un instinct naturel qui s’enclencherait dès lors que l’on met les pieds dans une salle et que les lumières sont déjà éteintes, le film déjà entamé, les autres spectateurs déjà bien calés dans leurs fauteuils et plongés dans le long-métrage projeté. Ca devrait être une évidence mais ce n’en est pas une, pas pour tous en tout cas. Et il suffit d’un mauvais spectateur pour que l’équilibre soit brisé. Ou en l’occurrence, une spectatrice cette semaine.

Il y a quelques mois, c’était un couple de vieux qui me sortaient d’un Il était une fois en Anatolie déjà entamé. En ce vendredi après-midi de janvier, ce fut une jeune femme qui a étalé aux yeux d’une partie de la salle son irrespect et son égocentrisme. Et de tous les spectateurs de la salle, c’est moi qu’elle a choisi de gêner tout particulièrement, moi le maniaque incorrigible qui se laisse facilement déconcentré par les désagréments provoqués par mes co-spectateurs.

Nous étions dans la salle 10 de l’UGC Ciné Cité des Halles pour L’amour dure trois ans de Frédéric Beigbeder. C’était un vendredi en fin d’après-midi, deux jours après la sortie du film, et dans cette grande salle, la partie centrale n’était pas loin d’être pleine, mais il y avait encore largement de quoi s’asseoir sur les côtés sans avoir à descendre au premier rang. Moi, j’étais assis au septième ou huitième rang (il faut bien cela pour la salle 10), en plein milieu de la rangée de fauteuils. A ma gauche, une place libre où j’avais entreposé manteau, sac, courses des soldes, écharpe, bouteille d’eau, la totale quoi, mais une fois que le film commence, les chances devraient être nulles qu’un spectateur vienne réquisitionner la place quand il en reste encore tant ailleurs.

Pourtant ce jour-là, ce fauteuil libre où j’avais innocemment entreposé mes affaires a donc fait une envieuse… arrivée près de six ou sept minutes en retard. Les lumières avaient eu le temps de s’éteindre, les logos UGC et Europa Corp de défiler à l’écran, et le film de faire déjà un bout de chemin. Je ne sais pas vous, mais moi dès que la lumière s’éteint et que les logos dansent sur l’écran, je suis en mode spectateur et je me trouve illico presto plongé dans le film qui commence. Si par malheur, j’arrive à ce moment-là en salles, j’attrape le premier fauteuil qui vient sans déranger les spectateurs déjà installés et plongés dans le film.

Mais non, madame est entrée plusieurs minutes après le lancement du film, a scruté le centre de la salle, a repéré la place libre à côté de moi, a fait se lever toute la gauche de mon rang et s’est plantée devant moi en me disant « Pardon ». Pas un pardon penaud et désolé, un « pardon » signifiant « dégage tes affaires que je m’y mette ». Non mais je rêve ou quoi ? Me voilà tout à coup tiré hors du film et prié de me grouiller de remballer tout ce qui traîne pour que la princesse arrivant comme une fleur s’installe là où elle veut, n’en déplaise à tous ceux de mon rang qui comme moi étaient déjà dans le film (sans compter ceux de derrière qui ont vu notre rang se lever et leur boucher l’écran pour la laisser passer). J’ai rarement proféré autant de grossièretés dans une salle de cinéma. A mesure que je me détachais de l’écran pour faire une place à madame, je grognais des mots pas très doux à l’intéressée qui avait l’air de s’en foutre royalement. Résultat, elle m’a foutu de mauvais poil (ça m'arrive) et j’étais incapable de rentrer dans le film. Elle était toute contente d’avoir décroché une des meilleures places de la salle en arrivant en retard, qu’à cela ne tienne si c’était à nos dépens, nous autres spectateurs un brin pointilleux qui préférons arriver à l’heure pour être bien placés.

Elle aurait pu, elle aurait dû se faire toute petite en arrivant en se calant sur le premier fauteuil vacant. Que voulez-vous, on sait se conduire avec respect dans une salle de cinéma ou on ne le sait pas. Quand l’homme qui s’est installé juste devant moi s’est assis, avant le début de la séance, il m’a dit « Dites-moi si je vous gêne ». Si vous connaissez la salle 10 des Halles, vous saurez qu’il n’y a aucun souci à se faire d’un éventuel spectateur assis devant vous. « Vous pourriez mesurer 20 centimètres de plus, vous ne me gêneriez pas » lui répondis-je, amusé. Ma voisine retardataire n’était pas de la même trempe de spectateur.

Je suis né avec Indiana Jones

2012-01-23T23:26:00.001+01:00

Je suis né en novembre 1981. A l’époque, les spectateurs français venaient de rencontrer sur grand écran Indiana Jones pour la première fois. Il avait débarqué un jour de septembre et avait enthousiasmé plus de six millions de spectateurs. Lorsque j’ai grandi, l’archéologue aventurier créé par Steven Spielberg et George Lucas est devenu un de mes héros hollywoodiens favoris, si ce n’est LE favori. J’ai regardé encore, et encore, et encore les films en vidéo, usant les VHS et le magnétoscope jusqu’à épuisement, partant aux quatre coins du monde avec Indy, rêvant que plus tard, moi aussi je parcourrais le monde et chasserais les trésors en faisant se pâmer les filles.

Trente ans plus tard, mon quotidien ressemble finalement assez peu à celui dont je rêvais en regardant les aventures d’Indiana Jones sur ma télé (à ma grande surprise ! - cependant je suis encore jeune, je ne perds pas espoir !), mais ma passion pour l’aventurier et ses pérégrinations archéologiques sont intactes. Trente ans plus tard, la Cinémathèque Française rend hommage à Steven Spielberg en programmant l’intégralité de son œuvre, dont ce film qui a le même âge que moi, le premier des Indiana Jones. Trente ans plus tard, voici que s’est donc présentée l’occasion de découvrir sur grand écran Les Aventuriers de l’Arche Perdue.

Les séquences emblématiques du film se bousculaient dans ma mémoire tandis que je faisais la queue près de quarante-cinq minutes en avance (il faut bien ça pour être sûr d’avoir les meilleures places…). Le boulet rocailleux dévalant la grotte de la scène d’ouverture aux trousses de notre aventurier préféré... Le nazi se brûlant la main sur le médaillon de Marion... Le « Love you » inscrit sur les paupières de l’étudiante... La chambre égyptienne grouillant de serpents... Indy dégainant son flingue plutôt que son fouet face au bad guy armé d’un sabre… Et tant d’autres encore. L’excitation, dans cette file d’attente, était aussi intense que si j’étais sur le point de découvrir un nouveau film de Terrence Malick ou Bong Joon-Ho.

Christophe Gans était dans la queue lui aussi, aussi curieux que nous tous de voir la première aventure d’Indiana Jones dans la belle salle Henri Langlois de la Cinémathèque. Lorsque les portes se sont ouvertes et que les premiers spectateurs se sont installés, l’excitation était palpable à la capacité des cinémaniaques probablement habitués des lieux à se crêper le chignon à peine installés, comme ceux du premier et second rang ayant vite fait monter le ton (l’un alpaguant l’autre en lui balançant un « Vous êtes alcoolisé ?! » ayant été peu apprécié par l’incriminé…). Mais lorsque la lumière s’est éteinte et que le logo (cuvée 1981) de la Paramount est apparu à l’écran, la tension est retombée, et tous les spectateurs de la salle ont retenu leur souffle en découvrant les premières images. La copie n’était pas exceptionnelle, mais c’est le fait de le voir (enfin !) sur grand écran qui comptait plus que tout. Le voir ici, à la Cinémathèque, entouré d’admirateurs de toujours réagissant aux mêmes instants que moi, riant, sursautant et jubilant en tempo, laissant le pouvoir d’Indiana Jones prendre possession de nos corps de cinéphiles transis d’amour pour le personnage culte.

A l’époque, Steven Spielberg écrivait une page historique du cinéma d’aventures et Harrison Ford entrait définitivement dans la légende des acteurs charismatiques. Et trente ans plus tard, le charme opère toujours. Le cœur palpite, le souffle est court, les rires fusent. Trente ans plus tard, ceux qui sont nés en 1981 peuvent se féliciter d’avoir vu le jour la même année qu’Indiana Jones, aventurier de l’Arche perdue. Moi le premier.

Les yeux d'Aïssa Maïga

2012-01-19T00:03:00.000+01:00

C’était un lundi soir aux Halles. Je venais de prendre ma place pour Une nuit de Philippe Lefebvre et devant la demi-heure qui me restait avant le début de la séance, j’avais décidé de flâner dans le forum. Tout s’est passé très vite, lors de mon retour vers le cinéma une fois la demi-heure presque écoulée.

J’étais déjà passé plus tôt devant le Forum des images et une petite foule commençait alors déjà à s’y amasser. A l’évidence, une soirée spéciale, une avant-première, quelque chose se tramait. Lorsque je repassai donc finalement devant, en route vers Une nuit qui m’attendait au bout de l’allée, je me frayai un chemin entre les invités sapés plus classes les uns que les autres (« C’est sûr, y a de l’avant-première dans l’air ma parole… »), lorsque le temps s’est suspendu quelques instants qui dureront des heures dans ce billet et dans mon souvenir.

J’étais là, juste en face de l’entrée du Forum lorsque mon regard fut attiré par l’acteur Eriq Ebouaney. Ah tiens je le connais, lui, pensais-je alors, et tandis que je commençais à chercher dans un recoin de ma mémoire son nom, une jeune femme qui se trouvait entre lui et moi, de dos, s’est retournée et a planté son regard dans le mien, sourire aux lèvres. La scène a eu beau ne durer que deux secondes tout au plus, elle s’est déroulée au ralenti, le temps que je remarque ces yeux de braise se posant sur moi, le temps que je reconnaisse ceux de la magnifique Aïssa Maïga, que mon cœur fasse un bond dans ma poitrine en la reconnaissant, et qu’il en fasse un deuxième en réalisant qu’Aïssa et moi étions en train d’échanger un regard d’une intensité digne de Steve McQueen et Faye Dunaway dans L’affaire Thomas Crown. Le temps est ainsi resté suspendu jusqu’à ce que je passe devant elle et qu’elle se retourne vers ses camarades. Dans les secondes qui suivirent, j’avais réussi à me persuader que le regard qu’elle m’avait lancé était plein de désir, à l’évidence, et belle et sculpturale qu’elle était dans sa robe de soirée, nul doute que d’autres auraient été déstabilisés d’avoir perçus le désir chez mademoiselle Maïga.

Mais ma fidélité et ma détermination à voir Une nuit, le beau film de Philippe Lefebvre, m’ont éloigné d’Aïssa, qui j’en étais certain devait se morfondre de me voir ainsi m’éloigner d’elle. Je ne la voyais déjà plus, mais elle devait avoir le cœur brisé de me voir ainsi m’éloigner sans un mot. Certains tenteront de me raisonner et de me faire croire que je n’ai été qu’un visage dans la foule pour elle, qu’elle m’a oublié aussi vite qu’elle m’a aperçu. Hum hum… maintenant que vous me le dites… bon d’accord je me suis peut-être un peu emballé sur cette histoire. Bon d’accord, sûrement. Mais c’est ainsi que je me remémorerai de l’anecdote lorsque je repenserai à Une Nuit (très bien, au passage), ou que je reverrai Aïssa Maïga au cinéma. Ce regard au milieu de la foule…

Balade vers le premier film de Spielberg à la Cinémathèque

2012-01-17T15:05:00.000+01:00

Steven Spielberg. Un nom qui à lui seul évoque un imaginaire cinématographique riche comme peu de cinéastes peuvent se targuer d’avoir créé. Une filmographie Hollywoodienne presque sans équivalent, dont on a tous vu une bonne partie au fil des ans. Je fais partie d’une génération qui a grandi en considérant Spielberg comme le grand réalisateur américain de son temps. Celui dont le nom est synonyme de Hollywood par essence. Celui dont il fallait voir les films pour être à la page, que ce soit ceux qu’il réalisait ou ceux qu’il produisait. Celui dont on regardait les films en boucle sur le magnétoscope, jusqu’à ce que la VHS rende l’âme.

Combien de ses films ont ainsi égayé la télévision du salon dans mon enfance et mon adolescence ? Combien de fois ai-je regardé Indiana Jones et le Temple maudit en cachant mes jeunes yeux lorsque la scène du sacrifice arrivait et que le cœur était arraché ? Combien de fois ai-je cauchemardé que les dinosaures revenaient à la vie ou que les requins me guettaient dans l’Atlantique ? Si Spielberg est un cinéaste de l’enfance par les thèmes de ses films (d’une large partie en tout cas), c’est aussi le cinéaste de mon enfance. Alors qu’une rétrospective intégrale lui est consacré en ce moment à la Cinémathèque Française, je me suis demandé quel était donc le premier de ses films que j’avais vu au cinéma. Ai-je vu sur grand écran à l’époque Indiana Jones et la Dernière Croisade ? Peut-être Always ?

Le plus vieux dont je me souvienne avec certitude, j’en ai déjà parlé dans les pages de ce blog, c’est Hook, ou la revanche du Capitaine Crochet. Le seul que je n’ai pas vu au cinéma depuis, c’est La Liste de Schindler, en même temps j’avais douze ans à sa sortie, pas forcément l’âge idéal pour être le spectateur d’un drame sur la Shoah de plus de trois heures en noir et blanc. Voici donc que la Cinémathèque Française m’offre (façon de parler, mon porte-monnaie va devoir parler) ces jours-ci de pouvoir découvrir sur grand écran les films de Spielberg que je n’ai vu qu’à la télé, et si je le souhaite de revoir aussi les autres. Donc de pouvoir ressentir ce que procure le fait de voir les films qu’il a réalisés avant Hook dans une salle de cinéma (bon Rencontres du 3ème Type, je l’ai déjà vu deux fois au cinéma, je pourrai m’en passer).

Mais avant de partir sur les traces de l’Arche perdue avec Indiana Jones ou d’appeler la maison avec E.T., il est un film qui me tenait particulièrement à cœur de voir : le seul long-métrage réalisé par Spielberg que je n’avais jamais vu, ni en salles ni à la télé, son tout premier (si l’on considère Duel comme un téléfilm) : The Sugarland Express. Ce millésime 1974 avait pour héroïne une toute jeune Goldie Hawn faisant évader son mec de prison pour qu’ils aillent récupérer leur bébé confié à une famille d’accueil, avec un flic en otage et toute la police du Texas leur collant aux basques.

Dans le hall de la Cinémathèque, je croisai l’homme au chronomètre, et si la grande salle Langlois n’était pas loin d’afficher complet, je m’étonnais de ne pas y trouver l’homme aux sacs plastiques (il devait être en salle Franju !). En découvrant le film, je me rendis compte que je connaissais à peine son pitch. Un an avant de créer le blockbuster d’été avec Les dents de la mer, Spielberg gambadait à travers le Texas avec ses fugitifs, qui au lieu d’être des criminels à abattre comme c’était régulièrement le cas dans le cinéma de l’époque (Badlands, au hasard...) n’étaient que de grands adolescents peu conscients de leurs actes et embarqués dans une cavalcade dont ils ont du mal à garder le contrôle (quoi qu’on pourrait résumer ceux le parcours de ceux qui tuent de la même façon…).

Déambulation plus comique que tragique à travers la campagne texane, The Sugarland Express se teintait de mélancolie lorsque la réalité policière rattrapait ce couple idéaliste et naïf qui n’était pas armé pour aller jusqu’au bout de leur quête folle.

Alors c’est comme ça, que tout a commencé avec Spielberg… Bien pensé, drôle, fin et très ancré dans son époque, Sugarland Express a beau être des moins célèbres films de son réalisateur, il n’en est pas moins une œuvre consciente et ludique qui laissait présager une belle carrière. Même si une carrière comme celle de Spielberg défie l’imagination et que personne probablement ne se doutait à l’époque que ce jeune réalisateur de moins de 30 ans deviendrait le plus populaire de sa génération. Mon voyage à travers la carrière de Spielberg ne fait je l’espère que (re)commencer à la Cinémathèque. Je m’y baladerai encore quelques fois, c’est certain…

Mes films favoris de 2011 sont...

2012-01-13T01:12:00.001+01:00

Comme chaque année, j’ai attendu la dernière minute pour revenir sur mes films préférés de l’année écoulée. J’ai attendu d’avoir le courage d’enfin voir Le Cheval de Turin notamment, pour finalement voir le film hongrois rejoindre au contraire la liste des mauvais élèves de 2011. Si 2011 aura été une année riche sur le plan cinématographique, avec l’avènement du numérique, l’essoufflement de la 3D (en même temps que son appropriation par de grands cinéastes), la palme d’or à Malick, l’Apocalypse comme thème central de nombreux films importants et Virginie Efira qui continue son bonhomme de chemin sur grand écran (Mmmmm… quelque chose me gêne dans cette phrase), elle aura aussi été éprouvante en tant que cinéphile, avec ce ballet ininterrompu de sorties de films qui rend difficile l’accomplissement de tous les désirs de spectateur.

J’ai beau aller au cinéma un peu plus que la moyenne des spectateurs, il y a eu des semaines où j’ai cru que je ne parviendrais jamais à voir tout ce envers quoi mon cœur battait. Je pense à toi, Bienvenue à Bord, et à toi, Croisière (oui la thématique de la croisière était presque aussi importante que celle de l’Apocalypse en 2011), mais aussi plus sérieusement à des films comme les récents Black Blood ou Hell and Back again qui ont semblé concourir à celui qui serait le plus rapidement inaccessible dans les salles parisiennes. Mais j’ai tout de même vu suffisamment vu de films de France, de Corée, des États-Unis, d’Espagne, du Japon, de Grande-Bretagne, d’Australie, du Canada, de Chine, d’Argentine, d’Iran, de Belgique, du Chili, du Kirghizstan, du Danemark, du Mexique, de Pologne, d’Allemagne, de Colombie, de Norvège, du Liban, d’Irlande, d’Autriche, d’Uruguay, de Turquie, de Taïwan et d’Israël pour retenir quinze films qui m’ont par-dessus tout enchanté.

Quinze cette année ? Oui, quinze, plutôt que vingt l’année précédente, je me restreins pour rendre ces quinze films encore plus spéciaux à mes yeux, et aux vôtres. Quinze films de six nationalités, quinze films criant la joie, l’admiration, le rire, la douleur, la colère, l’amertume ou la beauté. Quinze films qui ne sont pas que de bons films, mais des films qui resteront longtemps en moi. Alors, curieux ?

1. Drive

En début d’année, il ne figurait même pas parmi mes films les plus attendus de l’année. Peut-être parce que les réalisateurs et acteurs s’étaient passés le projet de main en main, et que je m’attendais à une œuvre plus calibrée et standard. Comment ai-je pu penser cela de NicolasWinding Refn ? Il n’y a rien de standard dans Drive. C’est une pépite qui m’a explosée au visage, m’emplissant de sensations brutes, secouant mes instincts et prouvant qu’il ne faut décidément jurer de rien lorsqu’on s’assoie dans une salle de cinéma. L’évidence de l’année.

2. Les aventures de Tintin : le secret de la Licorne

Ma curiosité était totale pour ce Tintin cinématographique tant attendu, mais je me serais contenté d’un bon divertissement rendant hommage à Hergé. C’était sans compter sur la maestria de Spielberg, et son ambition. Le cinéaste ne s’est pas contenté de bien ficeler Tintin. Il s’en est servi pour mitonner le film d’aventures hollywoodien le plus jouissif depuis des années. Jamais la 3D n’avait pris autant de sens, jamais la motion capture n’avait été si éblouissante. Mais c’est l’aventure le moteur du film, une aventure de tous les instants, sans répit, emballante et épuisante, totale. Le plaisir pur que m’a procuré le film est sans équivalent ces dernières années.

3. Submarine

La plus belle surprise de 2011. Deux mois avant sa sortie, je ne savais même pas que le film existait. Ca avait l’air sympa, j’y suis allé. J’en suis ressorti dans le même état que lorsque je vois un film de Wes Anderson, tiraillé entre une mélancolie profonde et un bonheur intense. Courant d’ami en ami pour leur dire qu’il y avait un film absolument beau, drôle, tendre, amer ,immanquable à voir. Un petit film venu de la grisaille galloise en plein cœur de l’été parisien. Un film qui parle de la vie, de l’amour, de la mort, du cinéma. De moi aussi.

4. The Tree of Life

Mon film le plus attendu de ces trois dernières années, c’était lui. J’ai compté les mois, les jours, les heures. Les minutes. Par quel miracle le film ne m’a pas déçu, c’est un mystère, même s’il m’a forcément un peu déçu, sinon il se trouverait en première place certainement. Mais The Tree of Life fait partie d’un petit groupe de longs-métrages cette année qui ont fait un pari : être un objet cinématographique inconnu, une expérience unique, pleine, sensorielle, réfléchie. Parfois trop, certainement, mais Malick n’a pas son pareil pour nous transporter dans un monde cinématographique fascinant.

5. Black Swan

Quand on parle de sensoriel… J’essaie d’imaginer à quoi aurait pu ressembler un film comme Black Swan si Darren Aronofsky ne s’était pas trouvé derrière la caméra. Aurais-je été si tourmenté, si malmené, et pourtant si hypnotisé par ce sombre ballet cinématographique ? Certains films sont des épreuves à surmonter, et Black Swan en fut une qui m’a parfois poussé dans mes retranchements, mais j’y ai puisé une force accablante et réjouissante. Je n’écoute plus « Le Lac des Cygnes » de la même façon depuis.

6. Incendies

L’année dernière déjà, un film québécois s’était imposé avec évidence parmi mes films favoris de 2010. Les canadiens ont remis ça dans un style très différent, avec ce film qui a concouru pour l’Oscar du Meilleur Film en langue étrangère pour une bonne raison. Un drame humain, sur l’héritage familial et son poids difficile à supporter, qui m’a joliment bouleversé en tout début d’année et ne m’a pas quitté à mesure que l’année déroulait ses films. Rendez-vous dans un an pour féliciter un film québécois de plus ?

7. Pater

Mon film français de l’année, contre toute attente. Jamais de la vie je n’aurais imaginé il y a un an que celui-ci serait le nouveau film d’Alain Cavalier, un film mi-documentaire mi-fiction qui se veut essentiellement un dialogue entre Vincent Lindon et le cinéaste. Pourtant le voici, ce grand film politique, ce passionnant portrait d’homme et d’acteur, cette œuvre défiant la notion même de film, brouillant les lignes de la fiction et de la réalité avec une ingéniosité, un naturel et une cocasserie absolument incroyables. Du cinéma libre et unique.

8. La guerre est déclarée

Décidément, la vitalité du cinéma français m’aura surpris cette année. Une vitalité que j’ai trouvée dans La guerre est déclarée, une course contre la mort de deux parents qui veulent à tout prix sauver leur enfant de la maladie, un hymne à la vie intense, qui se permet le luxe de jouer avec l’héritage de la Nouvelle Vague pour mieux s’en détourner. Par son étrange mélange de légèreté et de sérieux, par son utilisation essentielle de la musique et son rythme émotionnel, La guerre est déclarée est le film le plus « pop » de l’année.

9. Ha Ha Ha

Cela fait si longtemps que j’ai vu Ha Ha Ha que j’aurais presque pu l’oublier dans ce Top. Mais c’était sans compter l’empreinte que m’a laissé le bijou d’Hong Sang Soo, son meilleur film depuis son chef-d’œuvre Turning Gate. Comme bon nombre de grands cinéastes, le coréen a ses thèmes chers que l’on retrouve de film en film. Mais avec Ha Ha Ha, Hong Sang Soo se paie surtout le luxe d’un humour qui fait rage, une douceur exquise qui dépeint ses compatriotes, et surtout lui-même, avec un savoir-faire qui ravit. Un enchantement.

10. J’ai rencontré le Diable

« Enchantement » n’est en revanche probablement pas le premier mot qui vient à l’évocation de J’ai rencontré le Diable. J’en entends même d’ici clamer des « beurk », refusant au film de Kim Jee-Woon toute perspective. Pourtant son voyage au sein de la noirceur humaine porte une estocade à la bienséance et à la droiture avec une maîtrise visuelle absolument ébouriffante. C’est un conte sombre mais on ne peut plus réfléchi sur la violence. Troussé d’une main de maître. J’en connais qui dédaignent le cinéaste, mais pour ma part, plus je vois ses films, plus il s’impose comme un cinéaste coréen de valeur.

11. Rabbit Hole

Au rayon des beaux films américains passés inaperçus ou presque dans les salles, Rabbit Hole figure en grande position. Pourtant dans le secret de ceux qui l’ont vu se cache un drame délicat et bouleversant sur le deuil. Un film qui préfère la finesse et la sobriété aux grands violons, une voie totalement inattendue de la part de John Cameron Mitchell après le très sexuel Shortbus. Ceux qui ont raillé Aaron Eckhart cette année pour Battle Los Angeles n’ont sûrement pas vu sa belle performance dans Rabbit Hole…

12. Minuit à Paris

La magie au cinéma, cela existe, et Woody Allen nous en a fourni une preuve admirable avec Minuit à Paris. Un touriste américain en vadrouille sur les bords de Seine, un saut dans le passé inexplicable, et des nuits joyeuses dans le Paris des années 20 au côté d’Hemingway et Dali. Voilà le programme que nous avait concocté Woody pour son premier film 100% parisien, et un vent de grâce souffle sur les pérégrinations d’Owen Wilson. Comme dans ses meilleurs films, le new-yorkais nous transporte, nous fait rire et nous fait retomber amoureux de notre capitale. Un moment de cinéma magique.

13. Une séparation

Si j’ai découvert Asghar Farhadi il y a deux ans avec A propos d’Elly, c’est bien en 2011 que la puissance du cinéma de l’iranien m’a frappé. Si La fête du feu, vu en reprise, m’a confirmé tout le bien que je pensais de lui, c’est bien Une séparation qui a marqué de son empreinte l’année. Un regard perçant sur la société contemporaine iranienne, coincée entre modernité et tradition, entre la rigueur sociétale et l’envie de liberté. Une plongée aussi intense qu’un film à suspense dans les mœurs iraniennes, un film qui prend aux tripes et vous relâche convaincu que vous avez vu un film important. Ce qu’Une séparation est, à n’en pas douter.

14. L’ordre et la morale

Le retour de Mathieu Kassovitz au cinéma français était d’autant plus attendu que le réalisateur de La Haine s’attelait là à un film hautement politique promettant de faire du bruit. Le résultat a dépassé mes espérances, effaçant en l’espace de deux heures une décennie médiocre pour Kassovitz réalisateur. Le français a su concilier le film d’action à l’Histoire et frapper un grand coup avec un film conscient et engagé porté par une mise en scène implacable. De tels films de Kassovitz, j’en veux plus.

15. Senna / Shame

J’ai dit quinze films ? Je triche. J’ai retourné la question dans ma tête cinquante fois, et impossible de les départager et d’en laisser un sur le carreau. Les tours de piste d’Ayrton Senna m’ont autant marqué que la tournée des bars de Michael Fassbender pour lever des filles. Le documentaire a su trouver une forme et un ton hautement cinématographique, avec ses drames, ses montées de tension et son suspense. C’est une grande épopée dramatique flamboyante. Le second film de Steve McQueen est une plongée renversante dans le monde l’addiction, de ses meurtrissures et de l’incapacité à s’en défaire. Deux portraits d’homme si différents et pourtant chacun bouleversant de vérités.

Et les pires films de 2011 sont...

2012-01-10T00:23:00.001+01:00

Avant de nommer mes films préférés de 2011, il est traditionnel de pointer du doigt les ratés de l’année, ces films qui m’ont donné l’impression que je gâchais quelques heures de ma vie que j’aurais pu occuper à des projections plus palpitantes. Pour certains d’entre eux, je suis le premier fautif, masochiste que j’ai été à aller vers des films dont il était évident que les qualités seraient inexistantes avant même de mettre les pieds dans la salle. Pour d’autres, tout indiquait au contraire qu’ils avaient le potentiel de figurer plutôt parmi les meilleurs de l’année. Ceux-là, certains ne partageront pas du tout ma déception, voire mon aversion pour eux, et c’est tant mieux. Les mauvais élèves de l’année dans mon cahier ? Les voilà.

Le Cheval de Turin

Je pourrais écrire un roman sur Le Cheval de Turin, et les raisons pour lesquelles je n’ai pas aimé le « chef d’œuvre » de Bela Tarr, le « plus grand cinéaste hongrois » (en même temps, combien sont-ils ?). Un billet déjà ne serait pas mal, si je trouve le temps dans les prochains jours, je m’y attellerai. Il est très, très rare que j’aie envie de quitter un film en pleine projection tant une incompatibilité règne entre le spectateur que je suis et le film sous mes yeux. Pourtant Le Cheval du Turin vient s’inscrire parmi les happy few. Une torture de 2h30 qui comptera parmi mes plus profonds ennuis de ma vie de spectateur (oui car malgré l’envie, comme d’habitude, je suis resté jusqu’au bout !).

Winnie l’ourson

« C’est pas pour les gamins ça plutôt ? » Si, bien sûr, c’est un film pour enfant. Et seul, je n’y serais certainement pas allé. Mais je me suis laissé entraîné par des amis, en souvenir de ces soirées des années 80 où Jean Rochefort nous faisait la lecture des aventures de Winnie, Tigrou, Porcinet et les autres, me laissant convaincre que ce serait un délicieux retour en enfance. Le constat fut amer, et ce ne fut qu’agacement devant un film qui ne s’adressait pas le moins du monde aux grands enfants nostalgiques, mais seulement aux moins de 8 ans. Voire aux moins de 6 ans.

Les aventures de Philibert, capitaine puceau

Aaaaaaah, Philibert ! Que je l’ai attendu ce Philibert, depuis l’époque où Jocelyn Quivrin était encore de ce monde et devait enfiler les collants du swashbuckling hero. J’en attendais une parodie des films de capes et d’épées enlevée et aussi délicieuse que les OSS 117 de Michel Hazanavicius. Eh bien non. Point de rire, de jubilation, de personnages hauts en couleurs et d’aventures trépidantes. Mais de la mollesse en veux-tu en voilà. Un abysse artistique du genre qui faisait peine à voir, et un bide monumental au box-office pour lequel les responsables du film ne peuvent s’en prendre qu’à eux-mêmes.

Le complexe du castor

Jodie Foster de retour derrière la caméra, j’attendais cela avec curiosité depuis quelques années, le long d’un feuilleton Flora Plum qui n’a jamais abouti. En lieu et place, Jodie a donc confectionné un rôle pour son vieux pote Mel. Pourquoi pas, allez, soyons indulgent et oublions les frasques de Gibson. Le problème du Complexe du Castor est cependant ailleurs : un scénario catastrophique qui dépeint les relations humaines avec une lourdeur sans commune mesure. Jodie Foster n’y est pas allée de main morte, se réservant même au passage le pire rôle du film, si mal écrit qu’on en pleurerait presque, mais de rage ou de rire, jamais de cette émotion recherchée.

Balada Triste

Je pensais vraiment avant d’aller le voir que le dernier film d’Alex de La Iglesia serait pour moi. Qu’il serait de ces films qui savent m’étonner et m’enthousiasmer. La folie du cinéaste espagnol m’a suffisamment séduit par le passé pour avoir placé haut mes espoirs en Balada Triste, espoirs accentués par la présence du film au palmarès de La Mostra de Venise présidée par Quentin Tarantino. Mais cette folie là ne m’a étonnée que par l’agacement et la lassitude qu’elle a fait naître en moi. Les personnages m’ont insupporté, le style passablement ennuyé, et le film profondément gonflé.

Pain noir

Décidément, le cinéma espagnol n’était pas à la fête (à mes yeux bien sûr, calmez-vous les gars, je sais bien que vous vous avez adoré Balada Triste !) dans les salles françaises en 2011. Et après le film de genre récompensé à Venise, c’est le drame plus académique bardé de Goyas qui s’est effondré. Un maelström si confus qu’il en perd vite tout intérêt. Je suis peut-être une rare voix discordante concernant ces deux films, mais si c’est là ce qui se fait de mieux dans le cinéma espagnol… alors le cinéma espagnol va mal (heureusement qu’il y a eu Blackthorn de Mateo Gil !).

Conan

La palme du nanar de l’année, le Conan version 2011 par Marcus Nispel l’emporte haut la main. Sur le papier déjà, redonner vie au héros autrefois incarné par Schwarzie ne semblait pas la meilleure idée qui fût. La grande surprise du film, c’est que le résultat à l’écran est encore plus catastrophique que prévu. Un festival de nullité digne des grandes séries Z des soirées bis de la Cinémathèque Française, une œuvre (eh oui, c’en est tout de même une !) si ridicule qu’on se demanderait presque si les responsables ne l’ont pas un peu fait exprès. Rendez-vous dans une future séance de minuit à Panic Cinéma, Conan !

Forces spéciales

Forces Spéciales est au nanar français ce que Conan est au nanar américain, le plus indiscutable représentant de l’année. Avec un p’tit nouveau aux manettes et un casting ne manquant pas de panache (Djimon Hounsou ! Raphaël Personnaz !), on était en droit d’attendre un film d’action militaire nerveux et plein d’adrénaline. Au lieu de cela, Forces Spéciales enfile les clichés à tous les étages, distille de la niaiserie en cascades, et fait passer Michael Bay pour un cinéaste admirable. Dans le genre cette année, L’assaut était bien mieux (c’est dire ?)…

Putty Hill

Si au rayon de l’ennui, Le cheval de Turin a clos l’année en fanfare, Putty Hill avait prouvé quelques mois plus tôt qu’il n’était point besoin de s’étaler 2h30 durant dans une ferme hongroise en noir et blanc pour stimuler le sommeil. En moins d’1h30 dans un cadre américain contemporain, le temps semblait presque tout aussi long dans Putty Hill. A mi-chemin en fiction et documentaire, une histoire de… de… de… mais de quoi déjà ? En voilà un que la critique dans Libé m’avait incité à voir, presque seul à l’Espace Saint-Michel… Pas la recommandation de l’année, c’est sûr.

Mineurs 27

Et voilà le dixième, qui fera des jaloux tant j’ai hésité avec d’autres, mais le film de Tristan Aurouet restera comme une aberration cinématographique, flemmarde, inaboutie, ennuyeuse, qui n’est jamais capable de décoller, et lui permet de ravir une place dans ce Top du pire au Chaperon Rouge, à Priest, Le Rite, Sexe entre amis, Au bistrot du coin, ou aux plus sérieux mais tout aussi navrants à mes yeux Le gamin au vélo, Le moine, Impardonnables, Les bien-aimés ou Entre chien et loup. Marie-Ange Casta y montre beaucoup de sa personne, ce qui a de quoi séduire, mais pas assez pour sortir le film de sa misère.

Enfin je tiens à souligner que parmi tous les films qui n’ont pas trouvé le chemin des salles de cinéma françaises, il en est deux que j’ai vu en festival et m’ont prouvé qu’effectivement, ils ne méritaient particulièrement pas une sortie en salles : le japonais Cold Fish et le coréen Late Autumn. Vous n’avez pas pu les voir en festival ? Vous n’avez rien perdu sinon l’abomination. J’en fais un peu trop, c’est ça ? Je sais, mais c’est le petit plaisir des films que l’on n’aime pas, en faire des tonnes dans le rabaissement. Il faut bien leur trouver une saveur particulière, non ?

40 choses dont je me souviendrai de 2011

2012-01-08T00:58:00.005+01:00

- Le Festival de Cannes n’a pas la science infuse pour récompenser les films, attribuant comme tous les ans des prix à n’importe quoi (Le gamin au vélo, Polisse), et en oubliant d’autres (Pater). Heureusement, il y a eu The Tree of Life. Et Drive. Et The Artist. Non, c’est quand même bien le Festival de Cannes en fait.

- Jessica Chastain est la femme de l’année.

- Après dix ans d’étincelles, le monde (et la France) se rend enfin compte que Ryan Gosling est un Dieu de l’écran. Il était temps.

- 127 heures redore le blason de Danny Boyle après cette croûte de Slumdog Millionaire (j’adore dire ça).

- Le cinéma kirghize existe. Si si, je vous assure, j’en ai vu un film. Et en plus c’était pas mal.

- Même dirigée par David Cronenberg, Keira Knightley reste insupportable.

- Le cinéma d’action français, c’est pas toujours ça. Toi pour me contredire t’as pas dû voir Forces Spéciales. Qui par contre est presque une bonne comédie en fait.

- Il paraît que Catherine Deneuve est une déesse du cinéma français, en tout cas une reine, mais elle commence tout de même par me sortir par les trous de nez, comme dit l’autre. Les Yeux de sa mère… Les bien-aimés… C’est plus possible Catherine, il faut faire quelque chose !! (ou prendre sa retraite ?).

- Les Aventures de Philibert, capitaine puceau avait failli atterrir l’année dernière sur la liste de mes films les plus attendus de l’année. Heureusement que je ne l’ai pas mis, vu le résultat.

- Christoph Waltz élève le niveau d’un film (De l’eau pour les éléphants, Carnage) par sa seule présence. Merci Quentin Tarantino d’être allé le chercher à la télévision allemande.

- Hayley Atwell est la plus belle actrice de 2011. D’Angleterre. D’Europe. De l’hémisphère nord. Allez, du monde. Hein, quoi, de l’univers ? Peut-être oui. Bon, d’accord, Golshifteh Farahani n’est pas loin derrière…

- Les grands livres ne font pas forcément de grands films (La ballade de l’impossible)

- Qui a dit que Kevin Costner était fini ? Pas ceux qui ont vu Company Men…

- C’est décidé, je ne me ferai plus avoir, je n’irai pas voir le prochain film des Dardennes. Ni de Kaürismaki. Tiens et tant que j’y suis, Bela Tarr, je crois que je ne creuserai pas plus loin non plus.

- Vincent Lindon est formidable, encore plus lorsqu’il joue Vincent Lindon.

- Un documentaire sur un champion de formule 1, ça peut être extraordinaire. Et un film sur les arcanes du base-ball aussi.

- La mère de Gianni est toujours délicieusement drôle.

- Faire un long-métrage avec 150 euros de budget c’est non seulement possible, mais cela peut également donner lieu à un cinéma libre, créatif et vivant. Bravo Donoma.

- Le film le plus drôle et rafraichissant de l’année que les amateurs de comédie n’ont peut-être pas vu parce que ça n’avait pas l’air d’être une comédie si folle sur le papier : Rio Sex Comedy. J’en ris encore.

- Il n’y a pas de film italien sans Toni Servillo à l’affiche. Ou si peu.

- J’ai aimé un film de Lars Von Trier. Wouah. Ca ne m’était arrivé qu’une fois dans ma vie, avec Dogville. Vivement le prochain ? Faut peut-être pas pousser non plus…

- Le passé, que ce soit les années 40 ou 60, ça va bien aux héros Marvel.

- C’est fini. Christophe Honoré n’est officiellement plus un cinéaste à suivre.

- Les États-Unis n’ont pas le monopole du bon western. Qu’ils voient Blackthorn pour s’en convaincre.

- Il y a une petite lueur d’espoir pour la 3D, tant qu’un grand cinéaste est derrière la caméra.

- La projection la plus pourrie de l’année ? Mmmmm… Dernière séance et ses ados en furie peut-être ? Quoi que, la baston en live dans la salle pour Arrietty, c’était quelque chose aussi.

- Il n’y a pas assez de films chinois qui sortent en salles en France. Dommage que parmi les miettes, on trouve du bas de gamme comme True Legend.

- La meilleure suite de l’année ? Qui a dit Pirates des Caraïbes 4 ?! Dehors ! Ouste, j’veux plus te voir ! La bonne réponse était Tron : l’héritage bien sûr !

- L’homme qui rit sait danser.

- Maïwenn continue à se regarder le nombril, et avec 2 millions d’entrées et un Prix du Jury à Cannes, elle risque malheureusement de continuer à le faire.

- Jessica Chastain est l’actrice de l’année. (nan plus tôt j’ai dit « la femme » de l’année, c’est pas pareil !)

- Les spectateurs français devraient avoir honte d’avoir ignoré le dernier film de Kassovitz. En revanche, bien joué pour Les aventures de Philibert, capitaine puceau, ils ont eu le nez fin.

- Je me demande encore comment il est possible que le générique de fin d’Or Noir soit si court. Vous avez remarqué ?

- Vincent Perrot est fan de David Cronenberg. Je me demande si l’inverse est vrai.

- Emmanuel Mouret est le Woody Allen parisien. Sans l’humour juif. Et sans être parisien.

- La délicatesse m’a fait plus de bien que Le Havre, et je n’ai pas honte de le dire. Zut, attendez, comment on fait pour effacer une phrase !?

- Le film que je n’avais pas spécialement envie de voir mais que je suis quand même allé voir parce que ma copine m’a dit « Mais si, viens, on y va » et que finalement à la sortie c’est moi qui chialait mais chut faut pas le dire : Un jour. Oui, bon, ça va…

- On a beau dire ce qu’on veut, Intouchables premier au box-office de l’année, ça a quand même plus de gueule que Rien à déclarer. On l’a échappé belle.

- L’acteur qu’on dirait pas comme ça parce que Ryan Gosling était partout cette année mais lui aussi il a fait que du bon mais on s’en souvient pas parce que c’est vrai que tout le monde est pas d’accord pour dire qu’ils sont tous les trois bons les films qu’il a fait cette année (ouf, je reprends mon souffle) : Owen Wilson, avec le sympathique B.A.T., le délicieux Minuit à Paris, et le sous-estimé et pourtant remarquable Comment savoir. On me fait même signe en régie pour me rappeler qu’il était toujours la voix de Flash McQueen dans Cars 2 (premier Pixar que je n’ai pas vu en salles depuis Toy Story).

- J’étais sûr que ça serait nul et en fait c’est un de mes films préférés de l’année : Somewhere de Sofia Coppola. Par contre j’étais sûr que ça serait génial et en fait, c’est une daube… bah oui, Les aventures de Philibert, forcément (allez, promis j’arrête de taper dessus).

- Le numérique n’est pas la solution à tous les petits soucis que l’on peut rencontrer dans une salle de cinéma. On continue à s’y battre, à lancer les films trop tôt, à ne pas éteindre la lumière quand le film commence, à taper dans le fauteuil de son voisin de devant, à consulter ses mails sur son smartphone, à parler comme si on était dans son salon… Et pourtant, on y retourne toujours.

Des moutons, des cowboys, des sacs plastiques et... Catherine Deneuve ?

2012-01-04T23:50:00.000+01:00

La scène s’est déroulée le lundi 2 janvier 2012, aux alentours de 19h56, dans les toilettes du Cinéma du Panthéon. Non je ne vais pas vous raconter une anecdote crade ou une rencontre sexy bien que commencer ainsi un billet peut le laisser croire. Si je grave cette date sur papier, enfin… sur… bon vous m’avez compris… Si je grave cette date dans ma mémoire, c’est que c’est à cet instant précis que j’ai eu pour la première fois une conversation avec l’homme aux sacs plastiques, le cinémaniaque ultime de la place parisienne. Enfin, ce qui s’approche le plus d’une conversation du moins.

Arrivé quelques minutes avant le début de la séance pour enfin voir Sweetgrass, le documentaire sur les cowboys ultimes de l’Amérique moderne, je me rends directement aux toilettes où je tombe donc nez à nez avec mon cinémaniaque préféré. Il vient de se laver les mains, et passé le choc de cette rencontre inattendue derrière l’écran du Cinéma du Panthéon, je lui tiens la porte pour qu’il puisse sortir. Mais par ce geste, je sens que je suis sur le point de le faire bugger, tiraillé qu’il est entre son désir d’être poli en acceptant cette porte tenue ouverte, et quelque chose qui attire manifestement son attention sous le lavabo. Sa tête va et vient entre la porte et le sol, et finalement il me dit avec moult hésitation dans sa voix chantante : « Ah, euh, merci, mais il faut que… j’ai laissé tombé quelque chose », sur quoi je lui réponds « Ah, pas de souci allez-y », et je le vois plonger sous le lavabo pour récupérer un bout de papier traînant effectivement par terre.

Vous me direz, et vous n’aurez pas tout à fait tort bien sûr : « Ah ». Oui vous savez, ce genre de « Ah »neutre, exprimant un peu d’étonnement, beaucoup de déception dans la voix. Un « Ah » cachant une arrière pensée tue par politesse qui serait ici quelque chose approchant « Wouah, super excitante ta rencontre dans les toilettes du ciné, merci de l’avoir partagée, t’avais rien de plus passionnant à me raconter ? ». Vous voyez. Ce genre de « Ah ». Mais j’ai trop de curiosité et d’affection pour ce genre de personnage pour ne pas souligner ce genre de contact inattendu et lui accorder une importance que d’autres balaieront d’un revers de la main.

Lorsque je ressortis des toilettes quelques instants plus tard, je le trouvais là où je l’attendais, à sa place fétiche du premier rang, entouré de deux sacs plastiques remplis de bouffe, aussi légèrement vêtu que lorsque je l’avais aperçu quelques jours plus tôt au métro Cour Saint-Emilion, polo, chaussures en toile, pieds nus. Égal à lui-même. Ce ne fut pas la seule surprise de cette séance. Car au moment où le film commença et que les premières images apparurent à l’écran, je vis l’homme aux sacs plastique secouer frénétiquement la tête, puis se l’attraper à pleines mains, l’air catastrophé (enfin, autant qu’on puisse le paraître de dos…), avant qu’il ne ramasse finalement ses sacs et se précipite vers la sortie de la salle.

Que s’est-il donc passé ? Notre homme s’est-il souvenu au dernier moment qu’il l’avait déjà vu ? A-t-il été rebuté d’entrée par ces moutons bêlant par centaines ? Ou bien s’est-il tout simplement trompé de cinéma en ce lundi soir ? Cette dernière hypothèse semble la plus vraisemblable, aussi étonnante soit-elle pour un pro du jonglage entre les séances comme lui. Les moutons ne m’ont pour ma part pas rebuté, recommandés qu’ils m’avaient été par la critique française, sans qui j’aurais certainement laissé passer le convoi animal. Bien m’a pris de finalement me pencher sur ces cowboys modernes allant faire paitre leurs bêtes dans les montagnes du Montana, malgré le froid, malgré les nuits, à l’affût des ours. On se croirait dans une version réelle du Secret de Brokeback Mountain, l’intrigue amoureuse en moins. L’épique et le romanesque laissent peu à peu la place à l’amertume, faisant coexister à l’écran beauté et tristesse.

L’homme aux sacs plastique n’est pas le seul spectateur de prestige (bon… d’accord j’exagère) croisé au Cinéma du Panthéon ce soir-là. Lorsque les lumières se sont rallumées et que je me suis levé, en me retournant, mon regard est tombé sur Catherine Deneuve, installée deux rangs derrière moi en compagnie de Gaël Morel. Les deux étaient déjà en pleine discussion sur le film. J’ai horreur de fixer les gens ainsi, mais lorsqu’il s’agit de Catherine Deneuve, tranquillement installée comme une spectatrice lambda dans la même salle que moi, difficile de ne pas lui lancer des regards au moment de se rhabiller et de sortir, le plus discrètement possible. Oui je sais, elle a plutôt tendance à me taper sur les nerfs au cinéma ces derniers temps Catherine, mais bon, Catherine Deneuve reste Catherine Deneuve, non ?

En sortant de la salle, je me rends alors compte qu’il est déjà 22h passées, alors que le film était censé se terminer à 21h45, me laissant en théorie le temps de descendre tranquillement vers le Reflet Médicis pour attraper The Terrorizers, pour ce qui s’annonçait être une des dernières chances de voir le film d’Edward Yang en salles, quelques semaines après sa sortie inédite 25 ans après sa réalisation dans une version numérique restaurée absolument splendide. Je me suis donc mis à dévaler les rues Victor Cousin et Champollion vitesse grand V, en me souvenant soudain que le film avait été lancé en retard, et que deux spectateurs étaient entrés en salle et s’étaient assis deux rangs derrière moi (sans que je fasse attention alors à qui ils étaient) quelques instants à peine avant que le film commence. C’était Deneuve et Morel, c’est certain. Serait-ce donc à cause d’eux que le lancement du film a été retardé, et que je me retrouvais à cavaler pour attraper mon deuxième film de la soirée ?

D’ailleurs je ne fus pas le seul à faire l’enchaînement entre le Cinéma du Panthéon et le Reflet Médicis, je reconnus à The Terrorizers un spectateur qui était assis devant moi pour Sweetgrass… L’heure tardive, la course impromptue, le contrecoup de la nuit du Nouvel An, tout cela a peut-être contribué à me rendre moins attentif devant le film du regretté Edward Yang, chronique de vies croisées à Taipei dans les années 80, en tout cas je n’en suis pas sorti emballé. Et ce que je retiendrai surtout du film, c’est la qualité remarquable de la restauration, le faisant presque passer pour un film réalisé l’année dernière, si ce n’étaient ces affiches de films des années 80 que l’on aperçoit ici ou là (La couleur pourpre, effectivement ça date !).

L’homme aux sacs plastiques n’était plus là (où s’était-il finalement envolé ?), Catherine Deneuve non plus. Les lumières se sont une fois de plus rallumées ce soir-là, les rues de Paris, sombres et froides, se sont ouvertes à moi. Une soirée cinéphile mémorable s’est achevée.

Si j'ai déjà vu "Mission impossible : protocole fantôme" ? Deux fois, en fait...

2012-01-03T19:03:00.001+01:00

Les derniers jours de l’année sont les plus épuisants. Un peu à cause des réveillons de Noël et du Nouvel An, bien sûr. Des nuits blanches, des fêtes, des gens à embrasser, du champagne à ingurgiter, et ne parlons même pas de l’indécence des victuailles. Mais la cerise sur le gâteau, c’est la course aux derniers films de l’année, une course qui ne s’arrête pas une fois les douze coups de minuit sonnés. Donoma, Le Cheval de Turin, Hell and back again… les films que je n’ai pas encore réussi à faire glisser sous mes yeux dans l’obscurité d’une salle de cinéma sont légions. Mais comme si cela ne suffisait pas, il faut que je me rajoute un peu plus de difficulté dans cet emploi du temps cinéphile qui commence à ressembler à un véritable casse-tête chinois.

La difficulté que je me suis ajouté, c’est que contre toute attente, je suis allé voir Mission impossible : protocole fantôme deux fois en l’espace de trois jours. Dans la même salle qui plus est. Non parce que le film de Brad Bird m’a particulièrement ébloui ou a trouvé une place parmi mes favoris de l’année… quoiqu’au rayon des films d’action hollywoodiens, je n’ai pas vu tant de meilleurs films que celui-ci en 2011, alignant les séquences d’adrénaline à un rythme stakhanoviste, propulsant constamment le spectateur au cœur d’une action menée à une allure remarquable, le tout parsemé de touches comiques délicieuses (merci Simon Pegg). Je suis sorti enchanté de cette première vision du quatrième épisode de la franchise hollywoodienne, bien que j’ai dérogé à mes habitudes de placement en acceptant de m’assoir au dixième rang, un rang qui même dans la plus grande salle de l’UGC Ciné Cité Bercy m’éloignait trop de l’écran à mon goût. Mais les deux amis qui m’accompagnaient ne semblaient pas chauds pour aller poser leurs fesses beaucoup plus bas, et c’est bien plus bas qu’il aurait alors fallu s’asseoir pour rester ensemble dans cette salle bien remplie.

Alors j’ai ronchonné, un peu, pour le plus grand plaisir de mes camarades qui s’amusaient de voir ma maniaquerie s’exprimer. Et étonnamment, la distance par rapport à l’écran ne m’a pas tant gêné, sûrement grâce à la taille de celui-ci, à un format cinémascope ouvrant l’horizon de l’écran, et peut-être aussi un peu parce qu’il y avait une plus forte matière à se faire du souci quelques rangs plus bas. Lorsque le premier flash a crépité dans la salle, je n’ai pas trop compris ce qui se passait, si j’avais raté quelque chose à l’écran qui aurait provoqué cet éclair de lumière. La seconde fois, j’ai repéré que cela provenait de la salle vers les premiers rangs sur le côté. La troisième fois, j’ai capté la scène : un spectateur se prenant en photo dans la salle. Oui oui, pendant le film. L’homme coupable de ce méfait a exécuté le geste quatre ou cinq fois en tout pendant le film.

Difficile de croire qu’aucun des spectateurs l’entourant n’ait réagi, pourtant, ça ne semblait pas bien agité dans ce secteur de la salle. Pas sûr que j’aurais résisté à l’envie d’envoyer voler son appareil si j’avais été assis à côté de lui. Mais de mon dixième rang, les flashes ne m’ont pas suffisamment gêné pour avoir envie de foncer revoir le film deux jours plus tard. Mon retour quarante-huit plus tard dans la même salle, au même horaire, a juste tenu dans le fait qu’un pote australien avec qui j’allais au ciné ce soir-là (oui, celui-là même qui avait goûté aux joies de l’Orient-Express quelques mois plus tôt) mourait d’envie de voir les nouvelles aventures aux quatre coins du monde de l’agent Tom « Ethan Hunt » Cruise (on se croirait d’ailleurs de plus en plus dans James Bond avec ce nouveau Mission impossible), et les amis nous accompagnant ce soir-là ne l’ayant pas vus non plus, le film a fait le consensus. Préférant passer la soirée avec mes amis plutôt que faire bande à part seul dans une autre salle pour voir Killing Fields (que j’ai découvert deux jours plus tard sans grand enthousiasme), j’y suis donc retourné, cette fois calé au cinquième rang, trop près dans une si grande salle, mais cette proximité nous aura presque fourni l’effet Imax sans l’écran Imax. Et à aucun moment être si près ne m’aura gêné (ni mes compagnons de salle, plus étrangement), de l’apparition du nouveau logo Paramount (fêtant les 100 ans du studio hollywoodien avec panache) à la brume de Seattle clôturant le film.

Sur le chemin du cinéma, j’aurai au passage croisé, planté dans la station, en mode attente (de quoi, je n’aurais su dire), l’homme aux sacs plastiques. En T-shirt et pieds nus dans ses chaussures de toile en ce 30 décembre. Fidèle à lui-même en somme, exactement comme lorsque je suis retombé sur lui trois jours plus tard au Cinéma du Panthéon pour une projection mémorable. Mais ça, c’est une histoire qui vaut un billet à elle seule…
Ah oui, et Bonne Année, au fait.

Footloose, ou les super-pouvoirs de Dennis Quaid sur moi

2011-12-30T00:45:00.000+01:00

Les obsessions collent à la peau, et peuvent vous pousser vers des films que dans d’autres circonstances, vous n’auriez sûrement pas approchés. Cela m’est arrivé le week-end dernier. Une obsession plus aussi soutenue qu’avant mais tout de même assez vivace pour m’entraîner au Publicis un dimanche soir à 21h30, qui plus est un 25 décembre, en pleine période où je cours après les derniers films potentiellement importants de 2011, et où chaque projection devient précieuse. Mais j’assume. Pas de souci. Je le dis. Regardez, je l’écris même sur ce blog. Oui, je suis allé voir le remake de Footloose un dimanche soir à 21h30 sur les Champs-Élysées juste parce que je n’aime pas rater un film dans lequel joue Dennis Quaid.

Oui je sais, ce n’est même pas la peine de me le dire, j’en suis pleinement conscient, Dennis Quaid n’est pas le meilleur acteur du monde. Moi-même, un de ses grands fans, je le pense. Celui qui croit que les obsessions portent sur les meilleurs confond obsession et admiration. Quoi que je l’admire le père Quaid, forcément. Mais je suis pleinement conscient de ses défauts, ses limites, et du fait qu’il y a de plus grands acteurs dans les environs. Je vous raconte cela aujourd’hui, alors que j’ai certainement pris du recul par rapport aux heures paroxystiques de ma fascination pour l’acteur, donc ce n’est finalement pas le fan obsessionnel qui parle.

Ce qui est drôle c’est que je ne me souviens même plus quel film a ouvert le compteur de mon rapport à Dennis Quaid. Ou même si c’est un film précis ou une conjonction de longs-métrages. C’était à la fin des années 90, cela j’en suis certain… et en jetant un œil à sa filmographie, je serais tenté de penser que cela date de 1998 ou 1999, quand Quaid était au creux de la vague et ne tournait pas ses meilleurs films. Peut-être en avais-je en même temps découvert de plus vieux à la télé, ceux de sa grande époque, L’étoffe des héros, L’aventure intérieure, The Big Easy… toujours est-il que depuis 2000, je n’ai jamais raté un film dans lequel figurait Dennis Quaid au cinéma. Parfaitement, même les nanars comme Les cavaliers de l’Apocalypse ou Une famille 2 en 1. Et ce dernier n’était sorti qu’en VF aux Montparnos, et c’est là-bas que je l’ai vu. A une époque j’achetais même tous ses films en DVD, particulièrement ceux qui ne sortaient pas en salles en France, mais aujourd’hui je ne me vois pas acheter Soul Surfer, son film chrétien sur la jeune surfeuse s’étant fait mangé un bras par un requin qui vient de sortir directement dans les bacs.

Qu’est-ce que je m’éparpille moi ce soir. Je n’avais pas l’intention d’écrire un billet sur mon obsession, passée ou présente, pour Dennis Quaid. Pas aujourd’hui en tout cas. Je voulais me contenter d’écrire quelques lignes sur Footloose. Si si, je vous assure, il y avait quelque chose à dire sur Footloose, aussi improbable cela puisse-t-il paraître. Oh bien sûr pas sur les qualités cinématographiques du film, qui s’avèrent finalement vite limitées, non non, je voulais parler de tout ce qu’un tel film parvenait, entre les mailles d’un divertissement banal, à distiller sur l’Amérique. Je voulais parler de la fascination culturelle qui pouvait découler de la vision d’un film sur une bande d’adolescents qui en 2011 se rebellent contre une Amérique coincée dans un puritanisme anachronique. Je me serais bien vu m’enflammer pour tout ce qu’il peut y avoir de jubilatoire à lire entre les lignes d’un film aussi inoffensif que ce Footloose cuvée 2011.

J’aurais tout de même parlé au passage du personnage du meilleur pote très plouc mais très drôle campé par le jeune Miles Teller qui n’était pas loin d’être bouleversant dans RabbitHole il y a quelques mois. Je n’aurais pas mentionné grand-chose d’autre pour souligner l’apport cinématographique du film. J’aurais intitulé mon billet « Footloose : abysse cinématographique mais fascination culturelle », certains auraient pensé que je refaisais le coup de mon billet sur Roland Emmerich, à savoir voir midi à quatorze heures, et, et… Et non. Finalement j’ai commencé à parler de Dennis Quaid, et j’ai dérivé. Et maintenant, Footloose n’est plus dans l’air du billet. Ce n’est peut-être pas plus mal. Dennis Quaid m’a peut-être empêché d’écrire n’importe quoi. Et à la place m’a fait écrire un billet sur le billet que je n’ai pas écrit… Même moi je m’y perds. Aaaah, si seulement ce cher Dennis n’avait pas joué dans Footloose, je n’en serais pas là. C’est d’ailleurs sûrement le moment d’espérer que son prochain à sortir en France sera d’un autre calibre. Cela m’évitera bien des désagréments, non ?

Hollywood se découvre une passion pour le passé

2011-12-27T23:01:00.000+01:00

Mais que se passe-t-il à Hollywood ? L’usine à rêves qui oublie trop souvent l’art au profit du dollar semble avoir un caillot coincé dans le ciboulot qui l’empêche de penser et agir comme elle en a l’habitude. Pensez donc. Quels sont les deux films qui attirent le plus l’attention en cette fin d’année dans les couloirs de Tinseltown, à côté d’un Mission Impossible : protocole fantôme qui surprend son monde en s’affirmant comme le succès du box-office de Noël ? Deux films qui s’avèrent des aimants à nominations et récompenses et qui se font flatter aux quatre coins du pays… Deux films qui ont pour point commun de porter aux nues l’héritage cinématographique et de remettre les années 20 et 30 à la mode : The Artist et Hugo Cabret.

Le succès du premier est une aberration magnifique. Un film muet en noir et blanc d’origine française prenant pour cadre le Hollywood des années 20, tourné à la manière d’un film de l’époque. Avec pour star Jean Dujardin et Bérénice Bejo, deux comédiens hexagonaux dont les américains doivent avoir le plus grand mal à prononcer le nom (ne parlons même pas de celui du réalisateur Michel Hazanavicius). The Artist aurait pu n’être qu’un film de niche avec de jolies critiques qui auraient fait parler de lui quelques semaines et auraient ensuite été noyées dans la saison des Oscars sous les machines américaines à attirer les prix, les films de Steven Spielberg, Stephen Daldry, David Fincher ou Alexander Payne.

Mais la noyade médiatique n’a pas eu lieu. C’est l’inverse qui s’est produit. Si les films américains ont squatté de plus hautes places au box-office (quoique pour la plupart des places décevantes), l’attention d’Hollywood n’a jamais quitté The Artist depuis sa sortie en novembre. Harvey Weinstein, qui distribue le film aux États-Unis via The Weinstein Company, s’est assuré de faire du film d’Hazanavicius l’un des évènements de l’automne et un sérieux candidat aux Oscars. Et plus les semaines passent, plus ce statut s’affirme, le film engrangeant de semaine en semaine plus de prix et de nominations, récompenses des critiques, Golden Globes, Independent Spirit Awards, Screen Actor’s Guild et j’en passe.

Le film français muet en noir et blanc, qu’Hollywood aurait en temps normal balayé d’une pichenette, est devenu le chouchou de la communauté cinéphile et professionnelle du 7^ème Art américain. Et si pour le moment sa présence dans les charts américain reste modeste, si les distinctions continuent à affluer, il y a des fortes chances que le film d’Hazanavicius entre dans le cercle fermé des films français ayant réussi à s’affranchir du carcan dans lequel les films étrangers sont presque toujours enfermés au box-office américain. Le succès américain du film pourrait même rejaillir sur la carrière du film en France, où le film ressortirait très certainement en salles si d’aventure les nominations aux Oscars pleuvaient sur The Artist dans quelques semaines, pour s’ajouter aux 1,5 millions de spectateurs déjà séduits de ce côté-ci de l’Atlantique.

Ce qui est étrange, c’est que l’un des plus sérieux candidats aux mêmes récompenses aux États-Unis est un film qui comme The Artist semble parfaitement anachronique à l’heure Hollywoodienne. Hugo Cabret de Martin Scorsese. Le cinéaste new-yorkais est un habitué, ces dernières années, des récompenses et de la course aux Oscars, et même de flirts très prononcés avec les cimes du box-office, alors trouver le titre de son dernier film parmi les longs-métrages les plus appréciés de l’année au Pays de l’Oncle Sam n’est pas si étonnant que cela. Ce qui l’est en revanche, c’est de découvrir le film qu’a concocté Scorsese : alors que l’on nous annonçait un grand film populaire de Noël, Hugo Cabret s’avère être un film très personnel aux allures d’hommage au cinéma et à ses racines. Un grand film cinéphile qui déclare l’amour de Scorsese pour le patrimoine cinématographique et la nécessité de faire tout ce qui est en notre pouvoir pour le préserver.

Assurément le film en déconcertera plus d’un. Et penser qu’un studio hollywoodien, en l’occurrence Paramount Pictures, a pu offrir à Martin Scorsese 170 millions de dollars sur un plateau d’argent pour qu’il réalise un film sur l’importance de la conservation des films est proprement hallucinant. Car plus qu’un film populaire de Noël, c’est bien là ce qu’est Hugo Cabret, une déclaration d’amour au vieux cinéma trop vite oublié, et à ceux (ou en l’occurrence, celui, Georges Méliès) qui les premiers ont œuvré pour faire de cet art le plus populaire du siècle dernier. Soit Scorsese les a bien berné sur ses intentions, soit Paramount est le studio Hollywoodien le plus couillu et ambitieux qui soit (serait-ce un peu des deux ?). Si les responsables du studio ont un jour cru qu’ils tiendraient là un grand succès et qu’ils reverraient la couleur de leur argent, ils ont été bien naïfs. Mais cela fait du bien de savoir qu’il est encore possible de passer entre les mailles du filet, et qu’un beau film comme Hugo Cabret puisse exister (même si une fois de plus, je me serais bien passer de la 3D - étonnamment mal adaptée au film, n’est pas Spielberg qui veut finalement).

Et voici donc qu’Hugo Cabret et The Artist, ces deux films hautement improbables, déchaînent les passions de l’usine à rêves. A l’heure des suites à foison et des adaptations de comic book par dizaines, un peu de fraîcheur fait un bien fou, aussi vieux jeu soit-elle, même si c’est plus pour amasser des récompenses que pour attirer les foules. Après tout, qui sait ce que sera le véritable potentiel de tels films, une fois que les plus prestigieuses récompenses leur seront décernées ?

Concernant mes films préférés de l'année...

2011-12-24T13:25:00.000+01:00

Lorsque les derniers jours de l’année s’amorcent, c’es l’heure des comptes et des bilans, même pour les cinéphiles. C’est une période excitante et délicieuse où l’on se prend de passion pour la liste de nos films favoris de l’année écoulée, où l’on débat avec son voisin du film le plus important de l’année, où l’on rit gentiment du goût de tel blogueur qui s’est entiché d’un film que l’on a trouvé minable et où l’on regrette d’avoir raté telle perle lorsqu’on la voit apparaître dans les Tops de plusieurs magazines. Et avant d’amener la discussion avec d’autres, de tels classements amènent d’abord un débat avec soi-même, tiraillé que l’on peut être entre plusieurs films pour un nombre limité de places dans le si convoité Top.

Alors que l’on arrive à Noël, ces listes fleurissent partout, dans les journaux, dans les magazines, sur les sites et blogs partout sur le web. Chacun a son mot à dire et je n’aime rien tant que découvrir ce que chacun a bien pu retenir de l’année écoulée. Et c’est souvent à celui qui dégainera le premier… mais dégainer le premier n’a jamais été mon envie, mon premier souci au moment de constituer ma traditionnelle liste des films préférés de 2011 étant plutôt d’attendre que l’année soit finie, et avec elle l’assurance d’avoir vu tous les films que je souhaitais voir en salles. Certains peuvent se lancer plus tôt car ils fréquentent assidûment les projections de presse, d’autres ont peur d’être anachronique en publiant leur classement en janvier, et d’autres encore se disent que les chances qu’un grand film sorte dans les derniers jours de décembre sont minces.

Pour ma part, je suis au regret d’annoncer aux impatients qu’il y a encore une bonne douzaine de films à l’affiche ou sur le point de l’être que j’ai envie de voir avant d’arrêter mon Top. J’ai vu suffisamment de grands films, au fil des ans, qui sortaient dans les derniers jours de l’année pour savoir que la fin de l’année peut toujours cacher un film méritant de figurer parmi les meilleurs de l’année. Des exemples ? Les chats persans, Tetro, Le bon, la brute et le cinglé, Gone Baby Gone, Master and Commander, la trilogie du Seigneur des Anneaux, Les Autres, Incassable, The Fountain ou Ma vie sans moi sont tous sortis, leurs années respectives, dans les deux dernières semaines de décembre, et ont pour la plupart figuré dans mes Tops annuels.

Je m’en voudrais de laisser de côté un film de cette ampleur pour une simple envie pressante de mettre en ligne mon Top au plus vite. Alors en attendant je déguste les films qui me restent à voir, je coche, je raye, et au passage, j’acquiesce ou conteste les choix des autres. En espérant bien qu’ils seront là eux aussi dans deux semaines pour s’offusquer de mes choix, les applaudir, ou en débattre. Des indices ? Non ! Mais vous vous doutez tout de même bien que Le gamin au vélo ou Polisse n’y figureront pas…

Non aux Chipmunks, oui au Havre ! Enfin...

2011-12-22T00:29:00.001+01:00

Le mercredi, c’est jour de sortie, et en ce 21 décembre 2011, la sortie évènement du jour, c’était Alvin et les Chipmunks 3. J’en frémissais d’impatience. Je comptais les jours depuis le moment où mes yeux s’étaient pour la première fois posés sur cette bande-annonce folle et hilarante dans laquelle les écureuils au timbre crispant échouaient sur une île déserte et entonnaient avec une classe folle « Bad Romance » de Lady Gaga. Chaque fois que je les apercevais chanter dans la bande-annonce, mon cœur battait la chamade et mes rires étaient incontrôlables. Voilà le film qui manquait à l’année 2011, enfin il arrivait.

Quand je vois que c’est Alvin et les Chipmunks 3 qui est – aisément – arrivé en tête des démarrages sur Paris/Périphérie le jour de sa sortie, devançant La délicatesse et A Dangerous Method, je me dis qu’il y a des gens qui doivent réellement penser ce que j’ai écrit dans le premier paragraphe, aussi fou que cela puisse paraître. Personnellement, chaque vision de la bande-annonce me hérissait le poil et me faisait remuer la tête en un signe irrépressible de négation. A chaque fois, que j’entendais Alvin et ses copines entonner le fameux tube de Lady Gaga, et surtout que j’entendais les rires amusés fusant dans la salle, je perdais un peu plus espoir en l’humanité. Quand je pense que le film a fait presque autant d’entrées à la séance de 14h que L’ordre et la morale sur toute sa première journée à Paris…

Vous l’aurez compris, je ne suis pas allé voir Alvin et les Chipmunks 3 le jour de sa sortie (je n’irai aucun autre jour non plus, au passage…). En lieu et place, je suis allé voir Le Havre d’Aki Kaurismäki en compagnie d’un camarade cinéphile bordelais de passage à Paris, après des hésitations dues à nos projections respectives des jours derniers (« J’ai pas vu le Polanski », « Ah mais moi je l’ai vu, par contre j’ai pas vu le Cronenberg », « Ah bah celui-là c’est moi qui l’ai vu »). Le Havre a été le consensus satisfaisant les deux parties qui avaient peur qu’à la fin il faille se rabattre sur Alvin et les Chipmunks. Au pire on serait retourné voir Drive… On aurait dû retourner voir Drive.

Le Havre fait partie de ses films que je suis allé voir poussé par une critique unanime depuis le Festival de Cannes, où beaucoup s’étaient étonné de voir le film oublié par le jury au moment de décerner le Palmarès. Mercredi 21 décembre, les critiques étant tout aussi élogieuses pour saluer l’œuvre de Kaurismäki, le doute n’était pas permis, Le Havre était un des films immanquables de la semaine, si ce n’était pas tout simplement LE film immanquable de la semaine (aurais-je le temps à un moment d’aller revoir L’irlandais avec des sous-titres ?). Je me souviens encore de la projection pénible de L’homme sans passé, mais je me suis laissé convaincre, un peu comme Le gamin au vélo au printemps dernier, lorsque mon aversion pour le cinéma des Dardennes n’avait pas fait le poids face à la conscience cinéphile. Parfois, je ferais mieux de laisser cette bonne conscience en veilleuse et suivre mon instinct, Le Havre me l’a indubitablement rappelé.

La vérité c’est que la bande-annonce m’avait déjà un peu refroidi, mais que je ne me suis pas laissé décourager, pensant que celle-ci pouvait être mensongère. Pourtant j’aurais dû reconnaître certains signes dans celle-ci, notamment le jeu d’acteurs. Mon Dieu, le jeu d’acteurs du Havre. Kati Outinen qui campe la femme du héros, Marcel, homme d’âge mur et vivotant avec son épouse dans un taudis populaire du Havre lorsqu’il tombe sur un garçon clandestin se cachant de la police. Kati Outinen, comédienne finlandaise, muse du cinéaste, qui passe l’intégralité du film à tenter de sortir ses répliques en français de la manière la plus intelligible possible (de façon quasi phonétique la plupart du temps), au détriment de toute notion d’interprétation. André Wilms, dans une sorte d’emphase théâtrale dans son jeu qui confine au surréalisme (est-ce voulu ?), tout comme le jeune garçon. Seul Darrousin, plus premier degré que les autres, s’en tire honorablement.

Et que dire de la tentative (ratée) de Kaurismaki d’accoupler le cadre havrais contemporain avec une atmosphère désuète sortie des années 80 ayant la grise mine (dans l’ambiance) de ses films finlandais ? Si ce n’était le thème, le cadre politique, et les accessoires tels les téléphones portables, on se croirait à l’évidence au début des années 80. Cette stylisation ne prend pas, et couplée à la direction d’acteurs en roue libre, propulse le film dans les méandres de l’ennui, malgré une mise en scène et une direction artistique réussies. Certes le cinéaste finlandais tient son discours sur la place de l’émigré dans la société occidentale, et on lui en est gré, mais lorsque le discours est parasité par un non-sens cinématographique, il devient difficile de se prendre de passion. A l’évidence les critiques y sont parvenus, pas moi. Et j’ai préféré André Wilms, succinctement grandiose d’absurde, en allemand alcoolique dans Americano de Mathieu Demy. Il faut dire que ce film-là pouvait également compter, outre un récit teinté d’une douce mélancolie, sur la présence gracieuse et affolante de Salma Hayek en strip-teaseuse attachante. Peut-être si la Salma d’Americano avait fait un caméo dans Le Havre…

Un film coréen dans le flou et l'ennui

2011-12-20T14:21:00.000+01:00

Les films coréens se font si rares dans les salles obscures françaises qu’ils sont tous de vrais petits évènements pour ceux qui comme moi en raffolent. Si 2011 ne restera pas dans les annales comme l’année où un flot de films coréens s’est déversé dans les cinémas français, décembre met tout de même les bouchées doubles en nous proposant deux films coréens à l’affiche, quand seuls trois films de la même nationalité étaient sortis depuis le début de l’année. Et si j’avais déjà vu Oki’s movie à la Cinémathèque lors de la rétrospective Hong Sang Soo, il me restait à voir Entre chien et loup, un inédit du cinéaste Jeon Soo-il datant de 2005. Je n’allais tout de même pas le rater.

Jeon Soo-il, pour ceux qui ont du mal à le remettre, est le réalisateur de deux films déjà sortis en salles dans l’Hexagone ces dernières années, l’an passé Destination Himalaya, et auparavant celui qui l’a révélé, La petite fille de la terre noire. D’ailleurs un cinéma parisien semble être décidé à devenir la salle fétiche du réalisateur coréen, puisque comme pour Destination Himalaya en 2010, l’Espace Saint-Michel est le seul lieu cinéphile de la capitale où Entre chien et loup était visible à sa sortie. Je me souvenais encore parfaitement de la séance de Destination Himalaya l’an passé dans la salle du sous-sol du cinéma, avec ce couple franco-américain ronflant dans mon dos et cette femme rouspétant contre un bruit qui la dérangeait (une anecdote que je me plais encore régulièrement raconter…)…

Mais pour ce nouveau film de Jeon Soo-il - qui date en réalité de 2005, les films de ce réalisateur ont une nette tendance à sortir en France avec quelques années de retard – c’est la salle du premier étage qui m’a accueilli. Une salle où je me souvenais également avoir vu Treeless Mountain, un autre drame coréen, quelques années plus tôt. L’Espace Saint-Michel aime décidément le cinéma coréen. Enfin, je m’éparpille. Si le cinéma coréen a été rare dans les salles françaises en 2011, il avait jusqu’ici été passionnant, de l’humour délicieux de Ha Ha Ha à la tension sombre de The Murderer, en passant par la noirceur explosive de J’ai rencontré le Diable. Mais force est de constater que les films coréens de décembre sont moins emballants que leurs prédécesseurs, Entre chien et loup encore moins que Oki’s movie.

Pour tout dire, c’est l’ennui qui a dominé la projection du film de Jeon Soo-Il, qui lorgnait finalement presque du côté de Hong Sang Soo dans la thématique. Un cinéaste criblé de dettes quitte Pusan quelques jours pour un impératif familial en province. En chemin, il tombe sous le charme d’une fille du coin à qui il va assidûment faire la cour. Ne se croirait-on pas chez Hong Sang Soo ? Seulement voilà, Jeon Soo-il n’est pas Hong Sang Soo (même si j’en connais quelques uns qui oseraient dire que c’est une qualité !), et ses histoires de famille, de séduction, d’alcool et de deuil ne prennent finalement jamais vraiment forme. Le film tourne en rond comme le personnage féminin le fait dans la neige.

Cette déception eût pu presque être un soulagement, si les craintes de début de projection concernant mes voisins de derrière s’étaient confirmées. Ceux-ci, deux personnes âgées, un homme et une femme, étaient assis juste derrière moi dans la salle. Lorsque la lumière s’est éteinte et que le générique d’ouverture du film a commencé, ils ont eu une conversation plutôt incongru que je vous retranscris ici :

(elle) « Bah non, j’arrive pas à lire.

(lui) – T’es sûre ? Attend que ce soit le film et que les sous-titres apparaissent.

(après quelques minutes, la première scène dialoguée apparaît, et avec elle des sous-titres)

(elle) – Bah non c’est tout flou, j’arrive pas à lire c’est sûr.

(lui) – Eh bah voilà ce que c’est que d’oublier ses lunettes. Alala ! »

Tout à coup, une peur s’est emparée de moi. Et s’il allait passer tout le film à lui lire les sous-titres ?! La chose m’était arrivée en décembre 1998 à l’UGC Rotonde lorsqu’une mère s’était mise à lire les sous-titres du film Au-delà de nos rêves (avec Robin Williams en mort découvrant un paradis tout peinturé, vous vous souvenez ?) pour son enfant. Hors de question que cela se reproduise. Et cela ne s’est pas reproduit. Non parce que je me suis retourné pour leur intimer de se taire, mais parce que la vieille dame, dans un moment de dignité par lequel elle a gagné mon respect éternel (n’ayons pas peur de l’emphase), a alors dit à celui qui devait être son époux : « Bon bah tant pis, je vais regarder les images au moins ». Une phrase qui n’a l’air de rien mais qui à une époque où les gens jouent avec leurs casque de motos ou font tout un tas de choses bruyantes qui vous rendent fous, ce geste de sacrifice qui devrait nous être à tous naturel, revêt une grandeur d’âme sans nom.

Alors tant pis si finalement, le film m’a déçu et ennuyé, car la découverte qu’il y encore des spectateurs pour qui le respect des autres importe plus que son confort personnel vaut bien un film chiant.

Chérie, où j'ai mis ma clé anglaise, j'ai des mangeuses de pop-corn à dézinguer !?

2011-12-15T20:19:00.000+01:00

Dans Super de James Gunn, Rainn Wilson, justicier du quotidien, revêt son costume de super-héros ordinaire et se munit de sa clé anglaise fétiche pour aller méchamment corriger un mec doublant sans vergogne la file d’attente au cinéma. Il le fracasse avec une violence jouissive exprimant la colère qui peut nous habiter lorsque des spectateurs laissent tout civisme de côté, oublient le respect d’autrui, et piétinent votre sacro-sainte passion pour la salle obscure. C’est excessif, mais cela reflète parfaitement la lassitude qui peut gagner certains d’entre nous lorsque l’on tombe dans une salle sur quelqu’un pour qui le cinéma n’est qu’une distraction comme les autres qui ne nécessite pas plus de retenue que si l’on allait encourager son équipe favorite au stade ou que l’on regardait Nouvelle Star à la télé.

J’ai un défaut qui ne veut décidément pas se dissiper, je déteste l’inattention des autres au cinéma. Si vous lisez régulièrement ce blog, vous vous en êtes certainement déjà rendu compte. Je fais passer cela pour un défaut, même si au fond de moi je pense (je sais) que le défaut c’est l’inattention des autres. Et lorsque l’inattention passe par du bruit, j’en ferais presque un ulcère. Samedi, mes nerfs ont été mis à rude épreuve. Déjà quelques jours plus tôt, un mangeur dechips avait testé ma patience. Mais samedi, c’était un degré encore supérieur d’agacement, un degré encore supérieur de connerie humaine incarnée… et multipliée par quatre.

Pourtant avec un film d’auteur français produit par Sylvie Pialat, je me croyais à l’abri d’un public irrespectueux du film et des spectateurs. Mais non, Dernière Séance ne m’a pas protégé d’une bande d’adolescentes qui se sont installées juste derrière moi et mes amis avec chacune un seau de pop-corn et une envie de voir un film d’horreur bien sanglant. Seulement voilà, Dernière séance ne répond pas tout à fait aux critères que les demoiselles attendaient d’un film qui tranche, avec ses allures de cinéma d’auteur à plusieurs niveaux de lecture. Je les entendais dans mon dos, et compris vite qu’elles avaient choisi le film en lisant le synopsis, soit l’histoire d’un cinéphile travaillant dans un cinéma de quartier provincial qui se métamorphose une fois la nuit tombée en tueur en série.

J’aimerais pouvoir vous dire sincèrement ce que j’ai pensé du film de Laurent Achard, mais mon attention a été tellement détournée de l’écran tout au long de Dernière Séance que j’en suis sorti en ne sachant trop ce que j’avais réellement pensé du film. Car près d’une heure et demie durant, j’ai du me retenir de ne pas tomber moi-même dans la violence. J’ai réfréné des pulsions de meurtre qui m’assaillent dès qu’un spectateur me pourrit un film par son comportement égoïste et stupide. Le genre de sentiment qui vous donne envie d’attraper une clé anglaise, de vous retourner et de chercher le calme par le sang.

Les quatre filles en questions parlaient, beaucoup. Tapaient des pieds dans les fauteuils, souvent. Chantaient même, occasionnellement. Et surtout, prenaient plaisir à le faire quoi qu’en pensent le reste de la petite salle, si petite que tout le monde a pu allègrement profiter de leur présence, et pas seulement le mec se retournant constamment pour tenter de leur faire comprendre qu’elles n’étaient pas devant leur télé (oui ça c’est moi). Malheureusement, plus je me retournais, plus elles étaient contentes de se faire des ennemis, et pouffaient encore plus de rire. Ma seule victoire serait passée par l’échange de mots violents et le lancer de clé anglaise dans la tronche, exactement ce qu’elles attendaient. Alors rien. J’ai pris sur moi. J’ai laissé mon sang bouillir dans mes veines. J’ai laissé mes tempes cogner, mes poings se serrer, ma mâchoire se crisper.

Non, je ne sortirai pas la clé anglaise. Non, je ne sortirai pas la clé anglaise (bon d’accord, je ne suis pas Crimson Bolt, je n’en ai pas). Elles n’ont même pas eu la décence de quitter la salle. Elles l’ont quittée en même temps que les autres, au générique de fin, amusée de voir une dernière fois la haine dans mon regard. J’ai eu l’impression que le film m’aurait agacé si j’avais été pleinement attentif, mais peut-être l’impression était-elle biaisée par la noirceur de mes pensées pendant la projection. La prochaine fois, c’est sûr, j’aurai une clé anglaise avec moi. Au cas où.

Cherchez l'intrus à l'avant-première de "A dangerous method" de David Cronenberg...

2011-12-13T23:54:00.000+01:00

La salle est pleine à craquer. Voilà un quart d’heure que nous attendons tous, le cœur battant, l’excitation montant, dans quelques minutes, il sera là, il franchira ces portes, descendra l’escalier acclamé par la foule et aura droit à une standing ovation. Ca y est, il y a de l’agitation à l’entrée de la salle, de nombreux costards entrent et se postent dans l’ombre, staff, sécurité… C’est bon, le voilà qui accourt, un micro à la main, et dévale l’escalier pour se poster devant nous… il s’excuse du retard en alignant les marches… et s’arrête devant l’immense écran blanc, devant un parterre de 500 spectateurs pendus à ses lèvres. Vincent Perrot !! Hein, quoi ? L’animateur télé un brin ring’ ? Mais, que fait-il ici ? Je rêve, me suis-je trompé de salles ? Mais que se passe-t-il ?

La soirée ne devait pas se passer ainsi. Vincent Perrot n’était pas dans mes plans ce lundi soir. En sortant de chez moi, j’étais tombé par hasard sur le tournage de De l’autre côté du périph’, un buddy movie à la française prévu pour 2012 avec dans les rôles principaux Omar Sy et Laurent Lafitte. Les deux gaillards attendaient devant la statue de Molière que la prise commence, mais pas le temps pour moi de regarder à quoi ressemblerait cette séquence en devenir, car une avant-première de A dangerous method m’attendait aux Halles. Ce film que David Cronenberg a consacré à Jung et Freud, les deux grands psychanalystes du début du 20^ème siècle. C’était ce film que j’étais venu voir lundi soir, dix jours avant sa sortie française, ce film accompagné de son réalisateur canadien et de son acteur américain Viggo Mortensen, idolâtré de par le monde depuis qu’il incarne aux yeux de beaucoup Aragorn, héros Tolkienien du Seigneur des Anneaux.

C’étaient eux que je voulais voir lundi soir, d’où mon choc lorsque j’ai vu Vincent Perrot se présenter à nous, apparition surréaliste teintée d’une excitation apparemment sincère de la part du MC d’un soir. Après avoir fait son petit numéro de fanboy tenant un micro (« Combien ont vu le premier film de Cronenberg d’abord ? Levez la main ? Cinq ? Les cinq meilleurs dans le public ! »), l’animateur a finalement appelé à la barre l’équipe du film, non seulement composée des attendus David Cronenberg et Viggo Mortensen, mais également de Vincent Cassel et des producteurs Jeremy Thomas et Martin Katz. Si Vincent Perrot n’avait pas l’anglais très à l’aise, Cronenberg et Mortensen (chevelure de Dieu, rasé de près, carrure impressionnante, l’homme en impose même s’il faisait l’aller-retour depuis Madrid où il joue au théâtre) ont fait l’effort de parler en français, parfois devant un Vincent Cassel tout sourire, un peu moqueur.

Oubliée l’ambiance interloquée par l’arrivée de Vincent Perrot. Tout était désormais électrique et enthousiaste, bien loin de l’avant-première timide vécue une semaine plus tôt au MK2 Bibliothèque avec The Descendants. En revanche, le film d’Alexander Payne était autrement plus mémorable que A dangerous method qui a tourné à la déception flagrante. Il faut dire que Cronenberg s’est tiré une balle dans le pied en mettant au premier plan Keira Knightley et son rôle de patiente déséquilibrée attirant toute l’attention de Jung. L’actrice anglaise se roule avec emphase dans l’outrance la plus totale dans son jeu, et ce dès les premiers instants du film. Dès lors, Cronenberg part avec un handicap.

Malheureusement, ce n’est pas là la seule tare du film. Le second défaut, qui découle du premier, est que Cronenberg se trompe de sujet. Au lieu d’axer son scénario sur la relation potentiellement passionnante liant Jung à Freud, le disciple et le maître, le cinéaste se focalise plus volontiers sur celle unissant Jung et sa patiente devenue collègue incarnée donc par Knightley la criarde. Les meilleurs moments du film sont ceux qui associent Michael Fassbender dans la peau de Jung à Viggo Mortensen dans la peau Freud, l’amitié, le respect, le doute, la désillusion, la méfiance. Il y a là tout le potentiel d’une histoire d’hommes autant que de psychanalyse, une histoire s’étalant sur plus d’une décennie. Mais le scénario de s’égare, fait des pauses inutiles et surtout des sauts mal gérés. Les ellipses s’enchaînent, sans trop de sens, donnant l’impression de trous narratifs diluant tout sens de temporalité qui aurait donné au film un souffle espéré qui ne vient finalement jamais. Les années défilent à l’écran, mais cela se ressent à peine tant le récit manque de densité.

On pourra se consoler en admirant le joli sens du cadre de Cronenberg et en s’amusant des interprétations cocasses et délicieuses de Viggo Mortensen et Vincent Cassel, mais lorsque l’on en est ainsi à gratter pour chercher quelques points de satisfaction dans un film, c’est que la déception domine. Un film si tiède de la part de David Cronenberg, c’est à n’y rien comprendre. C’était donc bel et bien Vincent Perrot qui était venu nous présenter le film deux heures plus tôt, pas de doute. Car si Cronenberg se plante ainsi avec un sujet si porteur, c’est vraiment que tout peut arriver en ce bas monde, même voir Vincent Perrot débouler dans votre salle de cinéma pour faire son animateur.

Hara-Kiri de Takashi Miike : sans la 3D... mais avec des chips ?

2011-12-08T23:29:00.000+01:00

Si Takashi Miike restera pour longtemps dans l’esprit des cinéphiles français le réalisateur de l’éprouvant Audition, il est surtout un des cinéastes les plus prolifiques et foutraques d’Extrême-Orient. En France, la plupart de ses films sortent plus facilement en DVD qu’en salles, et alors que l’on a presque définitivement tiré un trait sur notre espoir de voir sur grand écran 13 assassins, le japonais a surpris son monde en se trouvant propulsé cette année en compétition pour la Palme d’Or au Festival de Cannes, qui plus est avec un film semblant bien calme pour ce survolté de la caméra. Ces jours-ci, Hara-Kiri : mort d’un samourai fait un tour que l’on peut prédire rapide dans les salles françaises, vu le nombre anémique de spectateurs curieux se déplaçant pour l’occasion.

C’est à la dernière séance de sa première semaine d’exploitation que je suis allé voir Hara-Kiri, un mardi soir à 22h15, dans une petite salle peu peuplée des Halles. Les dernières séances en semaine sont un moment à part. L’ambiance qui y règne est confidentielle, les silhouettes sont fatiguées et éparses, la journée s’y meurt doucement avant que devant le film, un dernier sursaut de vie nous propulse hors de la torpeur de fin de soirée. Plus la salle est vide, plus cette étrange atmosphère est fascinante. Ce mardi soir, nous devions être une vingtaine devant Hara Kiri, principalement sans doute des amateurs de cinéma asiatique.

La dernière fois que j’avais vu un film de Takashi Miike sur grand écran remontait à quelques mois, lorsque l’année dernière la rétrospective Takeshi Kitano au Centre Pompidou m’avait amené à découvrir Izo, qui devint immédiatement un des pires films qu’il m’ait été donné de voir dans une salle de cinéma. Il faut croire que je n’étais donc pas rancunier envers Miike en ce mardi soir, même s’il faut bien avouer que le fait que son film ait concouru pour la Palme lui donne un cachet dont Izo manquait pour le moins…

Ce qui saute aux yeux dans l’exploitation en salles (en France) d’Hara-Kiri, c’est l’absence de 3D. Le film avait fait parlé de lui sur la Croisette tout autant en bien qu’en mal du fait qu’il était présenté en 3D. Certains se demandaient clairement ce que la technologie venait faire dans ce film de samouraïs posé qui aurait aisément pu s’en passer, pendant que d’autres louaient la profondeur visuelle et la qualité graphique apportées. Les critiques à tendance fraiches et l’absence du film au palmarès semblent avoir fait dominer l’idée selon laquelle la 3D était dispensable. C’est une des explications avancée par le distributeur Rezo Films ces jours-ci (notamment dans le Cahiers du Cinéma de décembre qui s’interroge sur la question) ajoutant que Takashi Miike lui-même arguerait qu’il ne s’agit pas là d’une démarche artistique mais d’une concession faite à ses producteurs qui lui réclamaient de tâter la 3D.

Du coup, la vingtaine de spectateurs que nous étions en ce mardi soir ne chaussaient pas de lunettes sur le nez pour nous immerger un peu plus dans le récit de ce samouraï se présentant dans la demeure d’un seigneur en faisant la requête de se faire hara-kiri dans cette riche et puissante propriété, et qui se voit raconter par le maître des lieux l’histoire d’un autre samouraï venu quelques semaines plus tôt faire la même requête. N’en déplaise au distributeur ou à Miike, j’aurais tout de même été curieux de découvrir le film en 3D, tant seuls les cinéastes chevronnés et aguerris (Spielberg, Herzog) semblent capables d’apporter une plus value artistique à la technique. Miike pourrait tout à fait entrer dans la catégorie des réalisateurs savant manier la 3D et parfaitement l’intégrer à son film.

Mais les spectateurs français n’ont pas leur mot à dire sur la question, et les films de Miike ne courant pas les rues dans les salles françaises, nul n’oserait véritablement se plaindre, d’autant que l’on se plaint par ailleurs de l’usage un peu intempestif de la 3D de manière générale, moi le premier. Je ne pense pas, en plus, que la 3D m’aurait convaincu que la seconde moitié d’Hara-Kiri fut époustouflante, contrairement à une entame subjuguante tant sur le plan formel dégageant une sérénité admirable, que sur le plan narratif, le film déployant un sens du récit et de la mise en abyme implacables. La seconde partie du film, elle, verse doucement mais sûrement dans un mélo si appuyé qu’il en devient presque agaçant.

Et comme si cet abus de mélodrame n’était pas suffisant à peiner, un spectateur à décidé de secouer la quiétude de notre petite salle en sortant… un paquet de chips. Quelle mouche l’a donc piqué celui-là, situé en plein milieu du premier rang, seul devant, pour se lancer ainsi, pendant le dernier quart d’heure du film, dans une séance de bruitage parfaitement déplacée. La fin du film a beau contenir un grand combat au sabre montant un peu les décibels par rapport au reste du long-métrage, il n’en reste pas moins que dans une petite salle (à peine 100 places) presque vide, un paquet de chips ouvert, fouillé, refouillé, re-refouillé en long en large et en travers, agrémenté de bruits de mâchouillements des dites chips sans franchement prendre la peine de fermer la bouche en même temps, résonne fortement aux oreilles des autres spectateurs. Ceux situés dans son dos, au deuxième rang, ont commencé à râler, à lancer des « chut ! » et des « oh ! », mais l’homme n’y prêtait guère attention.

Mais lorsque le film s’est achevé, le générique ne se déroulait pas depuis cinq secondes que le mangeur de chips avait déjà détalé plus vite que son ombre. Avait-il peur qu’un des 19 autres spectateurs lui tombe dessus et l’engage dans un duel au sabre duquel il risquait de ne pas sortir entier ? Avait-il aperçu la montagne faite homme qui était assis au cinquième rang (non non pas moi, je n’étais pas seul à squatter le cinquième rang…) ? En adepte du générique de fin, je suis sorti en errant durant les dernières minutes d’ouverture du cinéma, cherchant la sortie tout en espérant ne plus jamais tomber sur un mangeur de chips dans une salle de cinéma…

Où se cachent les spectateurs à l'avant-première de The Descendants ?

2011-12-07T23:48:00.000+01:00

L’avant-première d’un film américain en présence de son équipe, que ce soit son réalisateur, son acteur ou les deux, impose d’arriver tôt pour le spectateur un chouia maniaque que je suis. Afin d’être parmi les premiers à retirer ma place et à entrer en salle, et ainsi être assis où je le veux pour découvrir ce film que j’attends en général avec impatience. Parce que qui dit « avant-première d’un film américain » dit en général « séance complète et longue file d’attente ». En général. Car parfois les astres débloquent, la Lune a une mauvaise influence et les cinéphiles, cinémaniaques et spectateurs lambda débloquent un peu et ne se présentent pas en masse à l’avant-première tant attendue.

Une avant-première de The Descendants, l’un des favoris dans la course aux prochains Oscars, réalisé par Alexander Payne et interprété par George Clooney, un film porté par un buzz remarquable aux États-Unis où il est sorti il y a deux semaines, avait lieu lundi soir à Paris. En fait, deux projections avaient lieu. L’une à l’UGC Ciné Cité Bercy, l’autre au MK2 Bibliothèque, presque deux mois avant la sortie française calée au 25 janvier prochain. Le genre d’avant-première qu’un cinéphile parisien ne voudra manquer pour rien au monde, d’autant plus qu’Alexander Payne était annoncé présent. A l’origine, j’avais réservé ma place pour le voir à Bercy, parce que je préfère le confort de ce cinéma plutôt que celui du voisin de la rive gauche, et surtout parce que, que cela soit sur le site web de MK2 ou dans Pariscope, il n’était pas précisé si le réalisateur serait présent à la projection du MK2.

Peut-être tous les spectateurs potentiels ont-ils douté comme je l’ai fait de la soirée du MK2 Bibliothèque et se sont tous rabattus sur Bercy. Mais mon ami Michael m’a proposé au dernier moment d’aller plutôt à la projection du Mk2, il avait une invitation et m’assurait que Payne serait bien présent. Changement de programme donc, et en route pour l’esplanade venteuse (et ce soir-là, bruineuse) du 13^ème arrondissement. Dans le hall du multiplexe, on aurait pu se croire à une séance de début d’après-midi en pleine semaine, et non à 19h30… Des caisses sans clients, des spectateurs attendant ici et là, comme si Charles Bronson et son harmonica allaient soudain descendre de train et dézinguer l’atmosphère.

Sur les télés annonçant les salles et les places restantes, je découvre que The Descendants ne passe dans aucune des deux grandes salles, mais dans la 12 qui englobe à peine plus de 230 fauteuils… et qu’il reste encore 190 places à vendre, trente minutes avant le début supposé de la projection ! Pour ne pas perdre la face ou infliger un moment de solitude à Alexander Payne lorsqu’il entrera dans la salle, des annonces sont faites au micro pour attirer le chaland (rare, Bronson n’a semble-t-il toujours pas pointer le bout de son nez), et le pousser vers la salle 12, mais après une attente plus longue que prévue, une fois les spectateurs assis en salle, il faut se rendre à l’évidence : la salle sera à moitié vide, pour ne pas dire moins…

Si le début de la projection s’est tant fait désiré, ce n’est pas parce qu’Alexander Payne était en retard. D’après le type de la Fox qui s’est adressé à nous, le réalisateur américain était dans les murs du cinéma, flânant dans la boutique de DVD en attendant qu’on l’appelle pour présenter le film. Non, le retard était en fait dû à un problème de… téléchargement. Le film, projeté au format numérique, était arrivé quelques heures plus tôt et était en train d’être téléchargé (« On en est à 95%, c’est bientôt bon !! », ce n’est plus Charles Bronson qu’on attend mais Mark Zuckerberg semble-t-il…). Au bout d’un moment ils se sont judicieusement dit que tant qu’à attendre, autant faire descendre Alexander Payne pour qu’on fasse connaissance ! Si les applaudissements furent nourris à son arrivée, un petit sentiment de honte planait sur la salle, à accueillir le réalisateur de Monsieur Schmidt et Sideways, six ans après son dernier long-métrage et alors qu’il remplit les salles aux États-Unis et s’apprête à récolter les nominations aux Oscars, dans une salle à moitié vide (et si le retard était dû à une tentative désespérée du cinéma d’attirer encore quelques spectateurs de plus pour grossir les rangs décharnés de la salle 12 ?).

Qui de MK2 ou 20th Century Fox France a mal fait son boulot pour annoncer l’avant-première, je ne saurais dire, toujours est-il que les instances du lieu se sont vite rendu compte qu’il n’était pas nécessaire de squatter une grande salle pour accueillir The Descendants. Espérons qu’à Bercy, les ventes de places aient été meilleures (et les invitations distribuées en plus grand nombre). Lorsqu’Alexander Payne apprit pourquoi la projection était en retard (quand il est arrivé pour faire passer le temps, le retard était déjà de 25 minutes), il en a profité pour nous dévoiler (sans trop de surprise) ce qu’il pensait de la projection numérique et de la mort annoncée de la pellicule. Un grain qui se perd, une homogénéisation de l’image, une part de l’âme du cinéma qui disparaît. Des paroles dont l’on se rappellera deux heures plus tard, lorsque la lumière se rallumera après le film, tant on trouve dans The Descendants cette attache aux racines et cette culture de ce qui nous est transmis par nos parents et nos aïeux.

Pourtant ne prenez pas The Descendants pour un film traditionnaliste vantant les jours heureux du passé. George Clooney y incarne un avocat à Hawaï, issu d’une longue lignée d’hawaïen avec des cousins vivant aux quatre coins de l’archipel du Pacifique. Marié, sa femme vient de subir un grave accident et est dans le coma. Le voilà donc promu parent en chef de ses deux filles, avec lesquelles il n’a pas l’habitude de jouer au père mais va pourtant partir sur les routes de Hawaï, prévenir la famille et les amis de la situation… et retrouver l’amant de sa femme. Combien de fois le film pourrait verser dans le plus facile des mélos avec le plus évident pathos… alors qu’il ne cède jamais. Alexander Payne manie la délicatesse et la subtilité tel un maître en la matière.

The Descendants, comme son titre le laisse entendre, tisse un récit familial, et peint avec humanité les relations qui lient parent et enfant, ce qui unit et ce qui éloigne. Sur les routes d’Hawaï, le cinéaste trouve un décor qui trop souvent n’est utilisé que pour sa géographie exotique et pas assez pour ce que la réalité de l’archipel peut vraiment être, et qu’il parvient ici à rendre palpable, loin des clichés. Il s’y dégage une mélancolie certaine, qui cadre bien avec ce récit cherchant à exprimer que de la douleur et du chagrin, quelque chose surgit en chacun de nous et s’épanouit. Il n’y a rien de grandiloquent chez Alexander Payne. Il ne cherche pas absolument l’émotion en nous narrant un drame. Elle vient naturellement, et découle d’une multitude de personnages tous écrits avec autant de soin, qu’ils soient là de la première à la dernière scène ou qu’ils ne fassent que passer.

J’ai peur que tout cela paraisse un peu déprimant non ? Il ne faut pas s’y tromper pourtant, The Descendants est également une comédie, avec des pointes d’humour comme Payne en a le secret (qui a oublié la scène du portefeuille dans Sideways ?), notamment ici grâce à un personnage d’adolescent pas vraiment fute-fute qui traîne avec la fille du héros et squatte la famille pour notre plus grand plaisir. J’ose à peine me relire car je sens que je n’arrive pas le moins du monde à retranscrire par écrit ce que j’ai pu ressentir à la vision du film. Cette tendresse, cet humour, cette émotion, cette amertume. C’est un cinéma à vivre plus qu’à raconter. Nous n’étions qu’une centaine dans la salle à vivre ce moment de privilégiés : découvrir un des grands films de 2012.

Lorsqu’il fut temps de quitter la salle et de regagner le hall, il avait beau ne pas encore être 22h30, les écrans annonçant les salles et les films étaient éteints, le hall désert, pourtant un coup d’œil sur les horaires, et il semblerait que toutes les dernières séances n’étaient pas encore commencé… Il faut croire que l’harmonica a fini par retentir dans le hall du Mk2 Bibliothèque.

Brad Pitt plutôt que Megumi Kagurazaka ?!

2011-12-03T12:55:00.000+01:00

J’ai la réputation d’être tête en l’air. Ce n’est même pas une réputation, c’est une vérité et un constat quotidien. Si je ne fais pas les choses dans l’instant, alors les minutes, les heures, les jours s’égrènent et je me réveille trop tard pour constater que quelque chose m’échappé. Je suis obligé de m’envoyer des mails pour penser à ne pas oublier. Si j’ai une attention aussi défaillante, c’est peut-être parce qu’en matière de cinéma, au contraire, je n’ai pas pour habitude de laisser mon attention défaillir. Un coup d’œil au Pariscope le mercredi, et je garde en mémoire sans trop de difficulté dans quelles salles et à quels horaires passent tous les films qui m’intéressent. Un acteur de troisième plan qui passe à l’écran, et je me souviens vite dans quels autres films je l’ai vu. Cela peut même aller jusqu’à me souvenir au jour près de dates de sorties de films remontant à 12 ou 15 ans. C’est mon côté freak.

Pourtant cette semaine je n’ai pas assuré. Ma mémoire a failli dans les largeurs. Voilà des semaines que je guettais du coin de l’œil le Festival Kinotayo à la Maison de la Culture du Japon à Paris. Un festival de films japonais récents dont la réputation n’est pas la plus étincelante de la capitale mais qui permet tout de même de découvrir des inédits parfois alléchants. Avant que je me penche en détail sur les films projetés, j’avais immédiatement repéré dans le programme Guilty of Romance de Sono Sion, que je n’avais pas pu voir à l’Étrange Festival en septembre (contrairement à Cold Fish) et que je comptais d’autant plus rattraper lors de Kinotayo que le réalisateur et son actrice Megumi Kagurazaka étaient annoncés présents aux projections

Lorsque je me suis enfin penché sur le reste de la programmation, j’ai sélectionné une demi-douzaine de films que j’étais en mesure de voir malgré mon retard. Chaque soir, je me suis trouvé une excuse pour finalement ne pas y aller. De mauvaises critiques, d’autres choses à voir, une grande fatigue, toutes les excuses ont été bonnes pour finalement ne pas me déplacer jusqu’à Bir-Hakeim et tous les rater. Sauf Guilty of Romance. Il était hors de question de le rater celui-là, même si Cold Fish avait été loin de m’emballer à l’Étrange. La première des deux projections qui étaient à ma portée, je l’ai sciemment ratée. J’avais entendu dire que les projections en présence de Sono Sion étaient blindées à la MCJP, et il n’en fallu pas plus pour me décourager de faire le pied de grue pour ne pas être assuré d’entrer en salles. La solution me tendait les bras : la dernière projection du film, hors les murs de la MCJP.

J’étais persuadé que peu de spectateurs étaient au courant que certains films du festival étaient également projetés au cinéma La Clef dans le Quartier Latin, dont Guilty of Romance. Surtout, si Sono Sion n’était en revanche pas annoncé présent à cette séance, la délicieuse Megumi Kagurazaka l’était, elle. Finalement, après être déjà passé par Cannes en mai (à la Quinzaine des Réalisateurs), au Forum des Images une première fois en juin pour la reprise des films de la Quinzaine, puis une seconde fois en septembre pour l’Étrange Festival, et enfin quelques jours plus tôt à la Maison de la Culture du Japon de Paris… Guilty of Romance attirerait peut-être moins de monde à cette projection plus discrète un lundi à 18h. Certes, Megumi Kagurazaka a certainement assez de fans (autant de sa plastique ravageuse que de ses performances d’actrice) pour remplir une fois de plus une salle de cinéma sur son seul nom… Mais c’était tout de même une belle option pour enfin découvrir Guilty of Romance. C’était lundi dernier à 18h… je m’étais fixé cet objectif le jeudi précédent… puis je n’y ai plus pensé pendant quelques jours… jusqu’au lundi soir en question… aux alentours de 20h.

Je venais alors de rentrer chez moi après être allé voir Le stratège, qui en fin de seconde semaine d’exploitation, était annoncé partant dans la plupart des salles qui le projetait. Un film sur les coulisses d’un club de base-ball, Brad Pitt a beau en être la tête d’affiche, ça ne fait pas un kopeck auprès des spectateurs français. En découvrant que le film risquait de ne plus passer à Paris deux jours plus tard, j’ai paniqué et me suis précipité aux Halles pour le voir, à la séance de 17h ce fameux lundi. Et je n’ai pas regretté un seul instant tant le film, un brillant regard sur les arcanes d’un sport si opaque, éloquent et passionnant, n’est pas un simple film de sport. J’en suis sorti conquis… jusqu’à ce que, arrivé chez moi donc, j’aie un flash. « Mais… mais… on est lundi 28 !! Mais… mais… c’était aujourd’hui la projo de Guilty of Romance !!! NOOOOOOOOOON !!!! C’est pas VRAIIIIIIIIIIIII !! Je l’ai raté !!!! J’ai oubliééééé !!!! Pourquoi je ne suis pas allé voir Le stratège demain !!!??? Je me serais bien tapé la tête contre les murs si je ne tenais pas à celle-ci plus que cela. C’était rageant. Voilà que j’étais mitigé entre mon enthousiasme pour le film de Bennett Miller que je venais de voir et le désespoir d’avoir totalement raté le Sono Sion que je m’étais promis de voir. Et ce n’est pas comme si de toute façon, Guilty of Romance allait sortir en salles dans 3 mois. Les films du japonais ne sortent jamais en salles en France. Jamais.

Heureusement que le film pour lequel j’ai raté ma rencontre avec Megumi Kagurazaka avait la trempe du Stratège, qui n’a pas volé sa belle cote aux États-Unis qui le voit aller tutoyer les Oscars. Bennett Miller et Aaron Sorkin (qui signe le brillant scénario) envoûte par cette belle adéquation d’images et de mots flamboyants. J’ai beau n’y rien comprendre au base-ball, j’ai beau ne pas m’intéresser le moins du monde à comment se gère un club sportif, j’ai eu beau ne pas toujours capter ce qui se tramait à l’écran, il se dégage du film quelque chose d’inhabituel pour un film prenant le sport pour cadre. Il n’y a pas ici de dépassement de soi, d’exaltation sportive ou quoi que ce soit du genre. Mais une passion nourrie d’amertume, une vision mêlant réalisme et romantisme, pas de ce romantisme qui unit les amants, mais celui qui confère une mélancolie aux êtres et à leur approche de la vie.

Brad Pitt plutôt que Megumi Kagurazaka, tel fut mon lundi contre mes espérances premières. Je peux me consoler en me disant que si Guilty of Romance vaut Cold Fish, il ne m’aurait pas enthousiasmé. On se console comme on peut.

Ça y est, j'ai enfin vu Intouchables...

2011-11-29T23:23:00.000+01:00

Quand un film devient un phénomène comme est en train de le devenir Intouchables, on est forcément amené à un moment ou à un autre à en parler. Certains pour taper dessus sans l’avoir vu et afficher un simple mépris du succès, d’autres pour annoncer leur déception face à la ferveur qui entoure le film, d’autres encore pour crier leur amour du feel good movie annoncé. Pourquoi donc en parle-je de mon côté ? Pour l’une de ces raisons ? Pour une autre tout à fait différente ? Et d’abord est-ce vraiment français de dire « parle-je » ? Pardon, je dérive…

Avais-je envie de voir le film d’Olivier Nakache et Eric Toledano avant que le public ne s’en empare et n’en fasse le plus grand succès de l’année au box-office ? Bien sûr. J’avais vu et apprécié chacun des films réalisés par le duo, j’ai rarement pour habitude de manquer un film avec François Cluzet… non il n’était pas question que je rate le film. Et non, je ne suis pas de ceux qui se montrent méfiants à l’égard d’un film dès qu’il devient très populaire sous prétexte qu’il risque d’être très consensuel pour avoir ainsi satisfait tant de monde. Non, le succès d’Intouchables n’a ni décuplé, ni amoindri mon envie d’aller voir le film. Il a simplement fallu que j’attende un peu plus longtemps que prévu pour le voir, les séances affichant continuellement complètes aux quatre coins de Paris.

Je l’ai finalement vu un samedi après-midi vers Opéra, quatre semaines après sa sortie, en ayant acheté ma place près d’une heure en avance histoire de ne pas avoir à faire la queue 30 minutes pour l’obtenir. La salle était pleine à craquer, et dans un étrange état d’excitation, le genre d’excitation que j’avais ressenti en octobre 99 quand j’étais allé voir Star Wars Episode I : La Menace Fantôme ou à Noël 2001 pour découvrir le premier volet du Seigneur des Anneaux par Peter Jackson. De mon côté j’étais content d’enfin pouvoir voir Intouchables, mais autour de moi, nombre de spectateurs venaient à l’évidence voir l’évènement de l’année, poussés par le bouche-à-oreille et la ferveur publique.

Tout au long du film, ce fut un festival de jubilation auquel j’ai assisté dans la salle. Tant de rires qu’il était parfois difficile d’entendre certaines répliques, tant d’applaudissements qu’on se serait cru au Festival de Cannes. L’expérience était à la fois déconcertante et amusante. Déconcertante car il se produit avec un film comme Intouchables quelque chose d’imprévisible et d’incontrôlable, une appropriation totale et immédiate du public vis-à-vis d’un film que rien ne prédestinait sur le papier à devenir l’un des plus grands succès de l’histoire du cinéma. Un succès qui se dessine jour après jour au box-office français. Un mois après sa sortie, le film n’a encore jamais affiché moins de deux millions d’entrées par semaine, et passe à l’heure où j’écris ces lignes les 10 millions de spectateurs en salles.

Il est regrettable de ne pouvoir pleinement s’en réjouir, car il apparaît assez évident que le succès monstre d’Intouchables est l’une des raisons notables de l’échec de films comme Toutes nos envies ou L’ordre et la morale, mais il y a tout de même matière à être satisfait. Bien sûr parce que le film confirme une embellie automnale incroyable pour le cinéma hexagonal au box-office… mais surtout parce qu’Intouchables est un bon film. L’enthousiasme déchaîné de certains pourrait toujours sembler disproportionné, il n’empêche que le film est une jolie bourrasque d’humour au cœur de laquelle l’aventure humaine des deux hommes interprétés par Omar Sy et François Cluzet est souvent réjouissante (même si tous les clichés en pagailles sur le personnage de gars de la cité qui parcourent le film auraient pu être mis nettement en sourdine).

Après le triomphe impérial un peu honteux d’un film aussi passable que Bienvenue chez les ch’tis, voir Intouchables s’en aller tutoyer les sommets et enthousiasmer les français fait décidément plaisir. Les plus grands succès du box-office sont rarement les plus innovants et ambitieux, Intouchables le confirme. Mais savoir se montrer réjouissant en toute simplicité, c’est aussi la force du film.

2h37 en Anatolie entre dérangements, piaillements et perplexité

2011-11-27T22:57:00.000+01:00

Je me demande si je serais vraiment allé voir Il était une fois en Anatolie si je n’avais pas vu Café Noir le mois dernier au Festival Franco-Coréen duFilm 2011. L’idée me serait venue, certainement, je me serais persuadé que j’allais finir par y aller, sans doute, mais en fin de compte, j’aurais fini par le rater, à coup sûr, en m’en voulant un peu pendant quelques jours, puis finalement en m’en remettant très bien. La perspective d’un austère film turc de 2h37 m’aurait inconsciemment fait flancher, malgré le Grand Prix reçu à Cannes en mai dernier. Après tout, ce n’est pas la première fois que le cinéaste Nuri Bilge Ceylan se voit ainsi récompensé sur la Croisette, et jusqu’ici, je n’avais jamais fini par aller voir ses films.

Pourtant ça y est, je l’ai vu, le fameux Il était une fois en Anatolie. Et je pense que traverser Café Noir, ce drame amoureux contemplatif de 3h18 m’a endurci face aux films d’auteur lancinants de plus de 2h30. « Si j’ai tenu et même aimé l’expérience coréenne de 3h18, comment avoir peur d’un film turc de 2h37 qui paraitra certainement un court-métrage à côté ! » Par contre s’il y a une chose que les années m’ont enseigné, c’est que lorsqu’il s’agit de passer plus de 2h30 assis devant un film, autant choisir une salle confortable, pour le bien-être du corps et, ne nous voilons pas la face, la tranquillité du sommeil si d’aventure il devait m’arriver de m’endormir. Écarté d’emblée donc le MK2 Beaubourg ! En revanche, en quatrième semaine, Il était une fois en Anatolie tenait toujours l’affiche au Balzac à côté des Champs-Élysées, un bel exemple de confort, d’autant que le film était projeté en salle 3, cette fameuse petite salle de luxe que j’avais testé pour City of life and death il y a quelques mois.

Arrivé au galop, sur le fil alors que la séance commençait tout juste, j’ai été surpris de trouver une salle pas loin d’être pleine. Comme je l’avais décrite l’année dernière, la salle est barrée en son centre d’une travée centrale, et c’est au deuxième rang, sur cette travée centrale, que je me suis posé pour être tranquille (la taille de l’écran et le rythme reposant annoncé du film ne risquaient de toute façon pas de déclencher une crise d’épilepsie…). C’est alors, en retirant mon manteau et en jetant un œil par-dessus mon épaule, que je constatai que je me trouvais dans une salle de vieux, moyenne d’âge 75 printemps bien tassés. Pour un film comme Il était une fois en Anatolie, annoncé calme et silencieux, j’ai soudain eu peur que les bavardages des personnes âgées encombrent quelque peu la projection… voire des ronflements (ce n’est pas rare !). Lorsque la salle s’est éteinte et que le générique d’ouverture du film de Nuri Bilge Ceylan a commencé, une cacophonie de discussions et commentaires régnaient dans la salle, dont le jeune homme d’au moins 80 ans placé juste derrière moi qui se vantait bien fort auprès de sa compagne de pouvoir enfin profiter de quelques jours de vacances.

J’étais déjà prêt à lancer un bon gros « CHHHHHHHHUT !!! » bien placé lorsqu’un autre spectateur s’en est chargé pour moi, deux fois de suite car à l’évidence la première tentative n’avait pas atteint les oreilles de tout le monde. Confortablement installé dans ces grands fauteuils de cuir, seul sur mon rang de ce côté de la travée, je me suis rapidement trouvé plongé dans le film, face à ces trois hommes buvant et riant derrière une vitre, face à ce train traversant ce bout de civilisation désolé, face à ces phares de voitures éclairant un jour plus que déclinant dans la campagne. Mais alors que le film était commencé depuis cinq bonnes minutes, un couple est arrivé en retard et a bien sûr choisi de s’installer de mon côté. Non contents de me déranger pour aller s’asseoir au milieu de ma moitié de rangée, ils se sont tournés vers moi quelques instants après s’être assis pour me demander si je pouvais bouger mes affaires, qui étaient placées sur le fauteuil à côté de moi afin qu’ils se rapprochent un peu plus du centre de l’écran.

NAN MAIS JE RÊVE OU QUOI ?! Apparemment ce monsieur et cette dame n’ont aucune connaissance des règles du savoir-vivre dans une salle de cinéma, et précisément de celle-ci : quand on arrive en retard au cinéma, et que l’on entre dans la salle alors que le film est commencé, on se pose là où il y a de la place sans déranger les spectateurs qui eux sont arrivés à l’heure et sont déjà absorbés par le film. Si les places libres sont au premier rang, on opte pour le premier rang. Si c’est complètement sur un côté, on se met complètement sur un côté. Si cela ne nous plait pas, on se barre et on reprogramme une autre séance où l’on arrivera à l’heure. Mais en aucun cas on cherche à se placer au mieux aux dépens de l’attention et de la projection de ceux qui sont déjà plongés dans l’histoire qui leur est racontée. Il faut assumer et respecter le confort d’autrui.

Comme je n’avais pas envie de faire un esclandre en plein film et ainsi déranger les autres spectateurs qui n’avaient rien demandé eux non plus, j’ai attrapé mes affaires en leur lâchant un mot de mécontentement évident. J’ai horreur d’être sorti d’un film, même s’il n’a commencé que quelques minutes plus tôt.

Je ne pense néanmoins pas que je me serais beaucoup plus passionné pour Il était une fois en Anatolie si je n’avais pas ainsi été dérangé d’entrée de jeu. La vérité, c’est que cette errance nocturne de quelques flics et d’un procureur, à travers la nuit campagnarde turque et à la recherche d’un cadavre, a beau être forte visuellement, elle s’avère redondante et assez opaque sur le fond. La moitié du film consiste en une ronde répétitive au cours de laquelle le criminel indique un endroit aux autorités, qui fouillent et ne trouvent rien, reprenant alors la route jusqu’au prochain point que leur indiquera le criminel. Quelques discussions et saynètes émaillent le récit. Comme souvent avec ce genre de films contemplatifs, il y a quelque chose de fascinant qui se compose à l’écran, au-delà d’un sens du cadre remarquable et d’une photographie tout en finesse.

Il y a une certaine capacité du cinéaste à parler de son pays à travers le prisme réduit d’une poignée de personnages déboussolés et errant dans un quasi no man’s land. Mais le réalisateur fait commencer un deuxième film dans le film, en plein jour, en ville (aussi peu impressionnante soit-elle), une seconde partie qui est le prolongement logique de l’errance nocturne mais qui dans le même temps offre une nouvelle perspective et ne se dévoile que par suggestion et non-dits. Plus encore que dans la nuit de la première partie, le film est fait de regards et de gestes qui sont sensées en dire plus que les paroles… alors que tout reste trop flou, malgré deux performances d’acteur (le médecin et le procureur) dont la retenue n’a d’égale que la puissance. L’impression laissée est mitigée, entre la fascination hésitante et l’ennui évident, mais avec cette insaisissable certitude qu’Il était une fois en Anatolie est de ces films qui s’enracinent en vous malgré la lassitude que l’on peut ressentir à leur vision.

Lorsque le film s’est (enfin) terminé, la salle était plus que perplexe. Mes voisins retardataires se sont levés en disant « Pas besoin de regarder le générique c’est en turc » (ils étaient décidément charmants)… Sur ma gauche, une septuagénaire pousse un bruit entre la lassitude et le soulagement, un « Pfffffffff » qui en disait long, d’autant plus qu’elle a vite ajouté à l’adresse de son compagnon « J’ai trouvé le temps long. Mieux vaut voir Intouchables que ça », à quoi le compagnon tout aussi septuagénaire a confirmé par « Oh oui alors ! Plutôt deux fois qu’une !! ». Mais parmi les réactions que j’entendais à ma droite et à ma gauche, celle que j’ai préféré est venue de mon voisin de derrière (oui oui, celui qui était bien content de prendre des jours de vacances du haut de ses 80 ans au moins), que je suivais dans le couloir vers la sortie et qui m’a appris dans quel genre se classait le film contemplatif de 2h37 à travers la campagne turque que nous venions de voir : « Alors y a des trucs que j’ai pas vraiment compris… enfin, deux ou trois choses que je n’ai pas du tout compris… Mais bon ça me fait ça moi les films policiers ».

Il était une fois en Anatolie, film policier ? Des flics, un procureur, un meurtrier penaud, et un cadavre à trouver font-ils un film policier ? Au fond, comment détermine-t-on le genre d’un film ? Est-ce la trame ? L’atmosphère ? La nature des personnages ? Non on ne va pas se lancer dans une telle réflexion maintenant… On va juste se dire qu’on en entend vraiment de bonnes dans une salle obscure (peuplée de personnes âgées ?)…

Paris a désormais un PIFFF qui attire du monde

2011-11-26T10:31:00.000+01:00

Il est des festivals dont on devine qu’ils peuvent devenir populaires dès leur première édition alors que personne n’en avait entendu parler quelques semaines plus tôt. Un festival de films fantastiques à Paris, proposant des longs-métrages inédits, forcément sur le papier c’était séduisant, et le potentiel était évident. Étrangement, ce festival porte un nom anglo-saxon, le Paris International Fantastic Film Festival, déjà appelé PIFFF par les intimes (à ne pas confondre avec le Festival International du Film de Pusan, longtemps appelé PIFF, renommé BIFF depuis qu’on appelle la ville coréenne Busan plutôt que Pusan).

Le PIFFF s’est inscrit sur mes tablettes dès que j’ai appris son existence, sans savoir quels seraient les films projetés. Assez court, du 23 au 27 novembre, avec des projections uniques, il s’est vite avéré que je ne pourrai pas voir autant de films qu’espéré, mais en voir un suffisait déjà à me satisfaire, dans la mesure où je pouvais voir l’un de ceux qui m’intriguaient le plus et où je sais déjà que l’année prochaine je ferai mieux (si si j’en suis sûr, même si l’Apocalypse s’abat sur Paris plus tôt que prévu).

L’équipe organisatrice a mis toutes les chances de son côté en squattant le Gaumont Opéra, un cinéma populaire où la foule est souvent nombreuse, un cinéma qui a déjà l’habitude de faire le plein avec le Festival de Cinéma Chinois de Paris chaque automne. Un cinéma qui a l’énorme avantage à mes yeux de se situer à 10 minutes à pied de chez moi. Mon créneau du weekend pour goûter au PIFFF, c’était donc vendredi soir, à l’heure où le festival projetait en compétition Extraterrestre, la seconde réalisation de l’espagnol Nacho Vigalondo. J’avais décidément bien fait de venir prendre ma place deux heures avant la séance, car la salle 3 du Gaumont Opéra (pas loin de 300 places à vue de nez), située en sous-sol, affichait un taux de remplissage pas loin des 95% lorsque la lumière s’est éteinte pour laisser le film commencer. En m’installant dans la salle, je ne me suis par ailleurs pas étonné d’apercevoir ici et là des têtes régulièrement vues à L’Étrange Festival en septembre. La communauté des cinéphiles amateurs de cinéma fantastique a vite trouvé ses marques au PIFFF.

Alors que l’heure de la séance approche, je me rends compte que je suis installé juste devant le rang réservé au jury et que bientôt, Christophe Gans, Roger Avary et Jaume Balaguero s’installent dans mon dos (même si Gans se déplace pour laisser son fauteuil à la jeune femme accompagnant son pote Avary, qui lui avait écrit le scénario de Silent Hill). Après un court-métrage allemand aussi étrange qu’on pouvait l’espérer, Der Fall Max Mustermann, Balaguero s’est éclipsé de la salle, ayant peut-être déjà vu le film de son compatriote.

De ce que j’ai pu voir dans le programme du PIFFF, Extraterrestre semble être une étrangeté au milieu des autres films présentés. Car si les autres jouent la carte fantastique au premier plan, Nacho Vigalondo ne la dessine qu’à l’arrière-plan. Contre toute attente, le film est, peut-être pas tant une comédie romantique comme les présentateurs nous l’ont annoncé, mais – et c’est encore plus incongru – un vaudeville. Un vaudeville prenant pour cadre un Madrid vidé de ses habitants et au-dessus duquel flotte un immense vaisseau extraterrestre. Un homme prénommé Julio se réveille dans le lit d’une certaine Julia avec aucun souvenir de ce qui s’est passé depuis la veille au soir. D’abord gênés de la situation, les deux amants d’un soir se rendent vite compte de la présence de l’OVNI géant dans le ciel et de l’absence de passants dans les rues de la ville.

A partir de là, le film pourrait vraiment basculer dans le film d’invasion extraterrestre, mais Vigalondo ne semble pas y tenir le moins du monde. Ce qui l’intéresse, ce sont ses personnages et les méandres relationnels dans lesquels ils vont s’embarquer lorsque le voisin amoureux, jaloux et obsessionnel et le petit ami sociable et naïf vont pointer le bout de leurs nez. En ne quittant que rarement l’appartement autour duquel tout ce petit monde va se mettre à tourner, le réalisateur montre que c’est moins le suspense fantastique qui l’intéresse que le potentiel comique d’une telle situation. C’est inattendu de la part de Vigalondo, qui avait signé le réputé Timecrimes il y a quelques années, et de la part d’un Festival de Films Fantastiques. Et c’est exactement ce qui fait le charme du film, l’incongruité totale de son ton. Du coup lorsqu’il se fait plus sérieux dans son dernier tiers, il perd en allant, mais ce petit grain de loufoquerie humaine toujours prête à refaire son apparition garde tout de même le film sur de bons rails. On est loin d’un grand cinéma fantastique, mais cette cocasserie est des plus plaisantes. D’autant que les personnages sont croqués avec saveur, particulièrement les deux rôles plus secondaires du voisin psychotique et du petit ami cocu.

J’aurais aimé voir les autres films du PIFFF, pour ressentir la sensation de découvrir ce vaudeville fantastique au milieu de films plus sérieusement appliqués au cinéma de genre, mais vu l’accueil rigolard de la salle, il y a fort à parier que ceux qui avaient eu la chance de découvrir quelques autres films au festival se sont autant amusés que moi. Le juré Roger Avary doit être à l’aise en français pour découvrir un film espagnol sous-titré en français. Il ne sera de toute façon pas le seul juré, puisque tous les spectateurs sont amenés en fin de projection à noter le film en vue de ce qui semble être un Prix du Public.

Dehors, une fois sortis dans le froid parisien, sur le trottoir longeant le Gaumont Opéra, la queue est déjà longue pour enquiller la séance de 22h projetant Retreat, un thriller en huis clos interprété par Jamie Bell, Cillian Murphy et Thandie Newton. Moi je repars en prenant rendez-vous pour l’édition 2012. Le PIFFF est parti pour durer.

"L'ordre et la morale" fait le vide

2011-11-24T09:35:00.001+01:00

En début d’année, lorsque je citais les onze films que j’attendais le plus pour 2011 au cinéma, L’ordre et la morale de Mathieu Kassovitz en faisait partie. C’était une évidence. Parce que je n’aimais plus le cinéaste que le français était devenu. Je n’aimais plus ses films depuis trop longtemps. Parce que je l’avais au contraire tant aimé, et que je l’aimais encore tant chaque fois que je tombais sur La Haine ou Métisse. Oui, paradoxalement, L’ordre et la morale était sur les tablettes de mon impatience parce que je croyais ne plus pouvoir ou devoir attendre grand-chose de Kassovitz réalisateur, englué dans les souvenirs de Gothika et Babylon AD.

Sur le papier, L’ordre et la morale semblait pouvoir être un retour au Kassovitz que j’admire, celui des années 90. Un cinéma français fort et engagé. Je croyais que les cinéphiles étaient nombreux à attendre le retour de Kassovitz à ce cinéma promis par L’ordre et la morale. Les premiers chiffres parus la semaine dernière m’ont fait retomber du nuage sur lequel m’avait propulsé la sortie du film. En fait nous ne sommes pas tant que ça à nous réjouir de la sortie du film. Pas tant que ça à être excités de curiosité au point de se précipiter vers une salle de cinéma pour le découvrir.

Mon attente était trop grande cette semaine, je ne pouvais pas laisser le weekend filer sans avoir vu L’ordre et la morale. Et j’ai donc pu constater de mes yeux ce que les chiffres du premier jour laissaient entendre : les spectateurs français sont peu nombreux à être intéressés par le nouveau film de Kassovitz. Un samedi en début d’après-midi dans une grande salle de 300 fauteuils au moins, nous ne devions pas être plus de 30 ou 40 curieux. Les chiffres de la semaine sont tombés, et le film atteint tout juste les 100.000 spectateurs en sept jours dans plus de 300 salles. La désaffection ou le désintérêt du public est flagrant, et désolant.

Le sort du film de Kassovitz sera une de ces injustices dont le cinéma et sa roulette géante ont le secret. On ne pourra pas dire que le sujet, la prise d’otage de gendarmes en Nouvelle-Calédonie à la veille des élections présidentielles de 1988, n’était pas porteur. On ne pourra pas dire que le marketing aura été mauvais, quand on jette un œil à l’affiche ou à la bande-annonce. On ne pourra pas non plus dire que le film a débarqué avec une mauvaise réputation. Le bouche-à-oreille était excellent, et les critiques porteuses. Les ingrédients étaient là, ils n’ont pas pris, et j’ai du mal à croire que les 200 ou 300.000 spectateurs de plus que le film aurait dû attirer en première semaine étaient tous occupés à regarder Intouchables.

Tant pis. Les spectateurs français choisissent délibérément de passer à côté d’un des films français majeurs de l’année, un film de conviction et de doutes, une bourrasque cinématographique à la mise en scène implacable et au discours écœuré par l’héritage du colonialisme, par les méandres politiques, par l’écrasement de l’humain au profit du pouvoir. Pourvu que Kassovitz sache que ceux qui ont vu son film l’ont aimé et attendent d’autres longs-métrages de cet acabit à l’avenir. Les autres s’en mordront les doigts un jour ou l’autre. Et si vous lisez ces lignes et que vous n’avez pas encore vu L’ordre et la morale, mais que faites-vous donc encore devant votre ordinateur ? Attrapez votre veste, une bonne écharpe pour le froid, et foncez au ciné !

Mais qu'ai-je donc à pleurer ?

2011-11-21T23:39:00.001+01:00

Je trouve que j’ai souvent la larme à l’œil en ce moment au ciné. Oh, ce n’est pas nouveau me direz-vous, vous souvenant peut-être de quelques anecdotes déjà racontées. Bon d’accord, j’avoue, et j’assume, devant un film, je laisse l’émotion m’emporter, et si je suis touché, la boule se noue dans la gorge, les yeux s’humidifient, et de temps en temps, les larmes glissent discrètement sur mes joues (parfois, ce n’est même pas discret). L’objectivité froide, ce n’est pas moi. Et ces jours-ci, je le constate particulièrement.

Il y a d’abord eu Hello Ghost au Festival Franco-Coréen du Film le mois dernier, un film qui m’a vu vainement tenter de retenir mon émotion devant un final inattendu qui avait en même temps emporté presque toute la salle dans le sillage des larmes. Et puis la semaine dernière, il y avait eu Toutes nos envies de Philippe Lioret, un mélo assumé dans lequel le couple Marie Gillain / Vincent Lindon avait su faire vibrer mes cordes sensibles.

Je pensais être tranquille pour quelque temps, n’ayant pas non plus pour habitude de lutter contre les larmes toutes les semaines au cinéma, mais contre toute attente, je me suis déjà fait piéger une troisième fois en à peine plus d’un mois. Et après le cinéma coréen et le cinéma français, c’est cette fois un film américain qui m’a fait renifler à la sortie d’une projection : 50/50 de Jonathan Levine (qui a la particularité d’être connu pour un film sorti nulle part, All the boys love Mandy Lane).

J’ai beau avoir l’outrecuidance ponctuelle de me penser plus fort que les émotions évidentes, force est de constater que finalement, on n’est peut de chose émotionnellement parlant devant la maladie et la perspective de la mort, car il s’agit après tout ici encore un peu de cela, avec cette histoire d’un jeune mec de 27 ans (Joseph Gordon-Levitt) qui apprend du jour au lendemain que ses douleurs au dos sont dues à un cancer qui a une chance sur deux de le tuer à court terme. Balancé comme ça, forcément, ça sent le mélo, encore. Pourtant non. 50/50, c’est autant une comédie qu’un drame (celui qui a dit « Une dramedy quoi, comme disent les ricains » a droit à un bon point).

En même temps, lorsque l’une des deux têtes d’affiche du film est Seth Rogen, l’humour point rapidement. Rogen interprète Kyle, le meilleur ami du héros malade, débonnaire, protecteur et lourdement dragueur. Si l’émotion nait, finalement, dans ce 50/50 tout de même sacrément déconneur, c’est parce qu’au-delà du fait qu’il s’agisse d’une histoire vécue par le scénariste du film, Will Reiser, le film laisse transparaître une belle humanité dans les interactions entre les personnages. C’est cette mère qui a la tête d’Anjelica Huston, particulièrement couveuse mais délaissée par son fils, c’est cette psy stagiaire qui a du mal à gérer la relation docteur / patient avec objectivité, et bien sûr c’est cette amitié masculine entre Adam le héros et Kyle son meilleur pote. Cette fausse décontraction, cet art du non-dit et de la pudeur que l’on cache derrière le futile pour ne pas avoir à trop se dévoiler.

L’amitié est belle devant la caméra de Jonathan Levine, et c’est elle, sûrement, qui a emballé mon cœur et fait piquer mes yeux. Parce qu’elle est faite de rire autant que d’émotion, parce que Joseph Gordon-Levitt et Seth Rogen sont toujours bons et qu’ils le montrent ici une fois de plus. Devant moi, lorsque le générique s’est terminé et que la lumière s’est rallumée, un mec racontait à sa copine qu’il était déçu, qu’il aurait préféré quelque chose « à la Marc Webb » (véridique), comme si le réalisateur de 500 jours ensemble, du haut de son film surestimé, était une référence à suivre et que son style aurait fait de 50/50 un meilleur film. Drôle de remarque. J’essaie de me représenter ce qu’aurait été le film de Jonathan Levine à cette sauce-là… Je suis sûr que je n’y aurais pas versé ma larme. Et j’ai beau faire celui qui se plaint de trop verser sa larme ces temps-ci, je n’aurais échangé cette sensation pour rien au monde devant 50/50.

Je pleure souvent au cinéma en ce moment ? Tant mieux !

Y a-t-il de la place au box-office dans l'ombre d'Intouchables ?

2011-11-18T00:35:00.001+01:00

Le mercredi 16 novembre a vu sortir plus de films qui m’attirent que mon emploi du temps ne me permettrait raisonnablement de voir. Huit, exactement, quand j’ai toujours quelques films des semaines précédentes à rattraper (je vais bientôt finir par être le seul français à ne pas avoir vu Intouchables à ce rythme-là !). C’est trop, mais je ne devrais pas avoir un grand nombre de sacrifices à faire au bout du compte (pour répondre à la jeune fille au troisième rang, non, le quatrième chapitre de Twilight, Révélation, ne fait pas partie des huit).

Jeudi j’avais envie d’aller au ciné. Le plan A était d’aller au Festival Kinotayo à la Maison de la Culture du Japon pour voir When I kill myself, un drame au pitch explosif s’inscrivant dans la lignée de Battle Royale. Les échos peu flatteurs et la flemme de me déplacer jusqu’à Bir-Hakeim m’ont fait caresser un plan B consistant en Le Trésor de la Sierra Madre de John Huston au Grand Action, un film que je ne me souviens pas avoir vu. Cette fois ce sont des problèmes de transports qui m’ont finalement rabattu vers un plan C plus tardif. Me faufilant entre les parisiens célébrant sur les trottoirs l’arrivée du Beaujolais nouveau, je me suis donc finalement engouffré devant Les Neiges du Kilimandjaro de Robert Guédiguian.

Quelques heures plus tôt, je découvrais avec effarement les chiffres des démarrages des nouveautés de la veille. Si bien sûr Robert Pattinson et Taylor Lautner ont tiré à eux la première place haut la main, le reste des films du 16 novembre semble resté sur la ligne de départ. Notamment Le Stratège de Bennett Miller, mais bon, un film de plus de deux heures prenant pour cadre le base-ball est difficile à vendre à un public français étranger à ce sport, même si Brad Pitt en est la tête d’affiche. Surtout, le gadin de la semaine est à mettre au crédit de L’ordre et la morale de Mathieu Kassovitz, qui n’a totalisé pour son jour de lancement que 4.500 entrées sur Paris et sa périphérie, 12.000 en tout sur la France. Douze mille spectateurs pour la première journée de sortie du nouveau film de Kassovitz, à la bande-annonce alléchante, aux critiques plutôt élogieuses, au bouche-à-oreille éloquent. Douze mille petites entrées qui se traduiront vraisemblablement par une première semaine sous la barre des 100.000 spectateurs, alors que le long-métrage est à l’affiche de 300 salles.

Le film de Robert Guédiguian fait deux fois plus d’entrées que L’ordre et la morale alors qu’il est distribué dans un peu plus de 200 salles seulement. Sur Paris, L’ordre et la Morale fait moins d’entrées mercredi, son jour de sortie, que Polisse, qui en est lui à son cinquième mercredi ! Suis-je donc le seul à avoir les yeux qui pétillent d’envie chaque fois que je vois la bande-annonce du film de Kasso ? Sommes-nous donc si peu nombreux en France à vouloir retrouver le cinéaste conscient, percutant, humain et talentueux qu’était Kassovitz dans les années 90, et que ce nouveau film semble nous permettre de retrouver ? C’est décevant, et inquiétant.

Bien sûr, il est toujours possible de se dire qu’il s’agit là de l’effet Intouchables. Un revers de la médaille. En attirant 5,3 millions spectateurs en deux semaines seulement, le film de Tolédano et Nakache aspire à lui seul 50% des entrées en France, un chiffre énorme. Et étant donné son chiffre réalisé mercredi, soit encore 49.000 entrées sur Paris, tout indique que le phénomène va garder à peu près le même rythme en cette troisième semaine d’exploitation. J’ai beau ne pas l’avoir encore vu, je ne peux que trouver cela formidable, même si cela peut se faire au détriment d’autres films, Mon pire cauchemar, Toutes nos envies, ou donc cette semaine L’ordre et la morale, qui ne rencontreront pas le succès escompté de leur côté, trop occupés que sont les français à aller s’enthousiasmer pour le duo François Cluzet / Omar Sy.

J’espère sincèrement qu’Intouchables se hissera vers un score remarquable au box-office français. C’est déjà le cas, mais sa limite semble reculer de jour en jour (les 10 millions sont aujourd’hui une certitude, jusqu’où pourra-t-il aller ?). Ce que j’espère surtout, c’est que parallèlement à ce carton phénoménal qui booste les chiffres d’un cinéma français radieux en cette fin d’année, d’autres films français parviendront à exister au box-office. Peut-être n’est-ce qu’une sanction du public à l’encontre de L’ordre et la morale en particulier, peut-être les français n’ont-ils simplement pas envie du film de Kassovitz (les fous !). Après tout le film de Robert Guédiguian fait lui un score tout à fait correct, correspondant à un caractère lumineux transpirant dans les affiches et la bande-annonce., et qui sied plus à l’humeur et au désir des spectateurs du moment. Pour ce qui est des Neiges du Kilimandjaro, ils auraient tort de s’en priver. Le film est de ceux qui illuminent tout en questionnant. Sa naïveté parfois confondante dans le propos m’a pendant un moment laissé confus, avant que je n’embrasse la volonté du cinéaste de questionner nos valeurs, nos attentes et notre vision de la vie. Le film est de ceux qui provoquent et poussent à la réflexion, sur fonds de douceur et mélancolie. Naïf, mais charmant et fort.

Le cinéma français épate en ce moment, aussi bien artistiquement que numériquement (la semaine dernière, sa part de marché était de 76% au box-office national !). Pourvu que le formidable succès d’Intouchables (au titre prémonitoire ?) se conjugue avec d’autres à venir, et que le mauvais démarrage du film de Mathieu Kassovitz soit un accident isolé (et bien sûr que ses chiffres remontent dans les jours et semaines qui viennent… en attendant l’ambiance se dégageant du visuel de l’affiche correspond étrangement à l’amertume des chiffres décevant au box-office…).

L'humanité de Vincent Lindon

2011-11-14T23:58:00.000+01:00

Vincent Lindon est un drôle d’acteur. En fait non, pas vraiment. Il fait partie de ces acteurs français, populaire sans être vraiment star, respecté sans être vraiment révéré, apprécié sans être vraiment encensé. C’est surtout un acteur que l’on prend pour acquis dans le cinéma français parce qu’il n’est pas de ceux qui se mettent en danger à chaque film. Il n’a jamais reçu de César et vois rarement ses films concourir pour la Palme d’Or à Cannes. Non, Vincent Lindon n’est pas un acteur qui fait vibrer la fibre cinéphile. Trop confortable, trop conforté, trop souvent dans la peau de personnages dans lesquels on devine qu’il pourrait se reconnaître, une vision de la vie retrouvée chez eux.

Et pourtant. Pourtant il y a quelque chose chez Vincent Lindon. Une certaine incarnation de l’humanité peut-être. Je l’ai vu il y a quelques jours dans Toutes nos envies de Philippe Lioret, avec lequel il avait déjà tourné Welcome. On y retrouve le Vincent Lindon que l’on connaît et que l’on se prend à aimer, à la fois incarnation parfaite de l’homme, le vrai, et d’une certaine fragilité, cette douce humanité toute féminine. Il y a chez l’acteur ce conflit masculin/féminin que l’on retrouve chez très peu de ses collègues avec un naturel si fort, un choc constant entre sa virilité et sa douceur. C’est parfait pour Toutes nos envies, qui fait affleurer l’émotion parce qu’il accepte le mélo qu’il est et parvient à le dépasser (quand La couleur des sentiments, dans le genre mélo, s’étalait trop dans l’exploration de chaque recoin des clichés émotionnels), faisant jaillir l’étincelle grâce à la retenue et la suggestion.

Lioret n’évite pas les défauts, comme lorsqu’il esquisse la préparation de l’après (à la Ma vie sans moi d’Isabel Coixet), trop succinctement pour être véritablement essentiel, mais il parvient à trouver une autre nécessité à son film, autre que l’émotion pure. Un portrait d’homme et de femme, et à travers eux un regard sur la place de l’humain au sein d’une société où la consommation, le capital, la loi du marché priment trop souvent sur l’individu. Toutes nos envies cherche l’humanité... d’où Vincent Lindon.

Il y a quelque chose de bouleversant chez Lindon, d’évident. J’aimerais tant le voir sortir de sa zone de confort, de ces rôles d’homme luttant envers et contre tout, contre l’injustice, contre le système, contre la maladie. Mais contre quoi n’a-t-il jamais lutté ou couru, Lindon ? Le comédien nous a tout de même pris de court au printemps dernier grâce à Pater d’Alain Cavalier, un des films les plus audacieux de l’année, et une sortie flamboyante de ses rôles de briseur d’injustices, qui lui a valu de monter les marches à Cannes où le film fut un cruel oublié du palmarès. Une performance entre la fiction et le documentaire où l'acteur se mélangeait avec son double cinématographique, où la limite entre l'homme et le comédien était floue.

Il y a quelques jours, le quotidien Le Parisien réclamait un César pour Vincent Lindon, et semblait croire que cette année serait peut-être, sûrement, la bonne. J’espère que le journaliste qui y croit ne sera pas trop déçu, car il ne fait aucun doute qu’il sera une fois de plus absent des récompensés. Lindon aura peut-être un jour un César, mais pas cette année. Peut-être serai-je un peu déçu moi aussi parce que même s’il se limite lui-même, même s’il va trop souvent là où on l’attend, même si ses performances ne sont pas forcément électrisantes, Vincent Lindon m’émeut. Il est là, l’humanité faite homme, fort, naïf, hésitant, bouleversant. Et cela me suffit à le trouver indispensable au cinéma français.

Le chewing-gum du MK2 Beaubourg

2011-11-12T12:26:00.000+01:00

Il est vraiment temps que j’écrive un guide du savoir vivre dans les salles de cinéma et que j’aille le placarder sur tous les murs cinéphiles de Paris. Il ne se passe pas une semaine sans qu’un spectateur mette mes nerfs à l’épreuve pendant une projection, et à chaque fois je découvre un nouveau comportement qui me donne envie de faire comme Rainn Wilson dans Super, d’attraper une clé anglaise et de la balancer à la tronche du malotru.

Le dernier épisode en date de souffrance spectatrice a eu pour décor le MK2 Beaubourg où j’ai passé mon après-midi du 11 novembre pour enchaîner deux films, Bonsai et Michael. Le premier, une comédie chilienne dosant à merveille la cocasserie et la mélancolie au cours d’un récit en deux temps, s’est déroulé sans accroc pour mon plus grand plaisir. Un film lumineux, sur la brèche du drame sans jamais vraiment y basculer, qui ne joue que dans deux salles à Paris, d’où ma présence au cinéma bordant le Centre Pompidou. Celui-ci offrant deux salles que j’abhorre parfaitement, je l’évite autant que faire se peut, histoire de ne pas me retrouver dedans (les salles 3 et 6 pour ceux qui connaissent, cette dernière ayant abrité ma projection somnolente d’Oncle Boonmee), mais n’ayant pas le choix pour Bonsai, je m’y suis finalement rendu.

Voyant que Michael était programmé dans une salle acceptable du cinéma, j’en profitai donc pour enchaîner avec le film autrichien ayant glacé le Festival de Cannes en mai dernier, où il était en compétition pour la Palme d’Or. C’est là que les choses se sont gâtées. La séance de 15h30 affichait presque complet, à deux ou trois places près. Le responsable de ma misère spectatrice s’est pointé deux ou trois minutes avant que le film commence. Il est venu s’installer exactement à ma gauche, l’un des derniers fauteuils libres de la salle. Grand gaillard baraqué, il s’est installé en jetant rapidement un œil à son Canard Enchaîné avant que le film commence. Jusqu’ici rien d’anormal ni de gênant. Il avait peut-être les coudées larges, mais ça j’ai l’habitude, ça ne me gêne plus depuis longtemps.

C’est alors que le film était commencé depuis une dizaine de minutes que j’ai commencé à m’agacer d’un bruit qui venait de ma gauche. Un mâchouillement très prononcé. J’ai commencé par croire que mon voisin mangeait un petit quelque chose, je ne m’en suis donc pas inquiété. Mais le bruit était lancinant, constant, et ne s’arrêtait pas. Un chewing-gum. Un petit chewing-gum de rien du tout. Un petit chewing-gum de rien du tout qui grondait dans sa bouche, inlassablement. On aurait qu’il avait avalé des Mini-pouces hurlant pour leur survie, mais lorsqu’il ouvrait de temps en temps son antre facial pour faire encore plus de bruit avec son mâchouillement, point de Mini-pouces tentant l’évasion pour rejoindre leur cachette derrière les murs. Juste un petit chewing-gum de rien du tout. Mais dans l’atmosphère glacée, souvent silencieuse de Michael, un bruit qui bourdonnait à mon oreille. Je me croyais revenu dans cette salle des Halles où un autre voisin jouait avec mes nerfs avec sa lanière de casque de moto.

Que faire ? Lui dire « Vous pourriez arrêtez de mâcher votre chewing-gum ? ». Ca va sonner très con à dire et il pourrait très bien me répondre qu’il a quand même le droit de mâcher un chewing-gum, ce qui n’est pas faux. Et de toute façon, j’ai horreur de parler pendant un film, même si c’est pour tenter d’améliorer les conditions de projection. Un regard noir dans sa direction, c’est mieux. Les regards noirs en disent long dans la nuit d’une salle de cinéma, l’énervement ressort encore mieux. Mais les regards noirs, ça marche mieux avec le rang de derrière. Là, à côté, difficile de croiser son regard. Peut-être que des mouvements de tête vers lui suffiront, il va les capter et comprendre qu’un de ses gestes m’énerve. Héééé mais, ça a l’air de marcher ! Quand le silence est plombant à l’écran, il arrête de mâcher ! Mais il reprend dès que le moindre bruit se fait entendre. Raté.

Tout ce qu’il me reste à faire, c’est de mettre au point un rempart défensif. Heureusement, j’avais mis mon gilet à capuche ce jour-là. J’attrape la capuche et la cale contre mon oreille gauche. Certes je perds l’audition de ce côté-là, mais au moins je n’ai plus ce bruit de mastication continue à l’oreille. Pendant un instant, mon voisin me fait espérer qu’il en a marre de mâcher, s’arrêtant cinq bonnes minutes… avant de reprendre finalement de plus belle. C’est peine perdue. Son chewing-gum est là pour rester et être mastiqué jusqu’à la dernière image du film. Devant la bourrasque visuelle et sonore de Tintin ou les robots boxeurs de Real Steel, je n’aurais probablement pas entendu ce bruit si anodin prenant des proportions monstres dans une salle silencieuse. J’aurais voulu lui dire « Merci pour le chewing-gum » une fois le film fini, mais ce mâcheur compulsif s’est éclipsé dès les premières secondes du générique de fin (faut-il s’en étonner ?), avant que j’aie eu le temps de reprendre mes esprits. Peut-être suis-je un peu trop maniaque au cinéma ?

Mais qu'arrive-t-il à Terrence Malick ?

2011-11-10T00:35:00.000+01:00

Il y a treize ans, Terrence Malick sortait d’une ellipse de 20 ans pendant laquelle le cinéaste américain s’était retiré des plateaux de tournage et n’avait réalisé aucun long métrage. Avec La ligne rouge il signait seulement son troisième film en 25 ans. A l’époque où Malick sortit sa quatrième réalisation, Le nouveau monde en 2005, cette période de sept ans séparant ses deux plus récents longs-métrages semblait être courte après la retraite de 20 ans que le réalisateur des Moissons du Ciel nous avait infligés.

Alors qu’arrive-t-il donc à Terrence Malick ces derniers temps ? Lui que l’on avait depuis longtemps catalogué parmi les cinéastes les plus rares de la planète, autant en terme d’apparitions publiques qu’en terme de films réalisés, semble avoir changé son fusil d’épaule depuis quelques mois. L’idée que Malick serait de ces cinéastes ayant besoin de plusieurs années pour se consacrer à un film est en train de se déchirer. Après la longue gestation et la postproduction interminable de The Tree of Life, ce joyau cinématographique ayant ravi la Palme d’Or cette année à Cannes, Malick semble avoir été pris d’une frénésie de tourner.

En fait, cela a commencé avant même que The Tree of Life ait été officiellement terminé, avec un premier projet tourné l’année dernière, un projet sans titre mais avec une belle brochette d’acteurs, Javier Bardem, Ben Affleck, Rachel McAdams, Rachel Weisz et quelques autres. Terrence Malick commençant le tournage d’un film alors que le précédent n’est même pas encore sorti, c’est du jamais vu. Enfin, ça l’était. Car il y a quelques jours, Terrence Malick annonçait officiellement qu’il s’apprêtait à réaliser deux nouveaux longs-métrages, déjà titrés et castés.

Le premier, intitulé Lawless, serait interprété par Christian Bale, Ryan Gosling, Rooney Mara, Cate Blanchett et Haley Bennett. Des photos de tournage montrant Gosling et Mara devant la caméra du cinéaste circulent déjà sur le net. Le second film annoncé aurait pour titre Knights of Cup et réunirait encore Bale et Blanchett, plus Isabel Lucas, aperçue dans le second Transformers. Sans compter qu’après The Tree of Life, Malick avait fait savoir qu’il préparait un documentaire, The Voyage of Time, partant sur les traces des images de l’espace vues dans son film récompensé à Cannes.

J’ai beau être mauvais en math, cela fait quatre films en préparation pour Terrence Malick, dont l’un est déjà tourné et un autre vient d’entrer en phase de tournage. Pour un cinéaste qui ne nous a offert que quatre longs-métrages entre 1973 (Badlands) et 2005 (Le nouveau monde), savoir qu’il pourrait signer autant de films dans les trois ou quatre prochaines années est tout à fait incroyable. Bien sûr, Malick nous a tout de même appris à tolérer nos impatiences au fil du temps, et rien ne nous dit que nous ayons droit à la sortie d’un de ces films dans les prochains mois.

Car si le réalisateur américain enchaîne les tournages, c’est aux dépens de la postproduction des films dont les tournages s’achèvent. Une postproduction à laquelle il faudra qu’il revienne plus tard. Et s’il y a bien une chose que la longue gestation de The Tree of life nous a fait comprendre, c’est que Malick est un perfectionniste capable de peaufiner un film plusieurs années. Alors avec tous ces films sur son agenda, qui sait, peut-être n’en aurons-nous encore vu aucun dans deux ans ? Cependant quel que soit le temps qu’il mettra à les amener jusqu’à nos yeux pétillants d’envie, le cinéaste nous aura au moins convaincu entre temps de sa soif de tourner, et en amateur passionné de Malick, je m’en réjouis pleinement.

Le gentil cinéma a la cote

2011-11-08T23:04:00.001+01:00

Dimanche après-midi, je me suis retrouvé devant La couleur des sentiments, le carton surprise de la rentrée aux États-Unis, où il avait cumulé plus de 100 millions de dollars de recettes en salles. Je ne savais pas trop pourquoi j’allais le voir, par curiosité probablement, par envie de voir quel est ce film qui a enthousiasmé le public américain et se voit depuis parmi les potentiels candidats aux futurs Oscars, sûrement. Un peu craintif tout de même devant la durée du film (2h30 !!), un peu blasé et persuadé que le film ne serait pas exceptionnel.

Le sentiment que laisse le film est étrange, pris entre un savoir-faire narratif qui le rend plaisant à regarder, et un manque flagrant d’audace qui le rend aussi passionnant qu’un article de 20 minutes. Efficace mais léger en somme. En fait le film souffre d’un mal récurrent et bien connu, celui des films qui préfèrent emprunter les chemins archi balisés de ce qui fonctionne auprès du public plutôt que de trouver une voie propre. Ce n’est pas profondément déshonorant, c’est même certainement pour cela que le public aime le film. Car il l’aime, aucun doute là-dessus, et c’est difficile de lui en vouloir. Moi aussi j’ai apprécié cette histoire d’une jeune journaliste blanche qui essaie d’aider les bonnes noires de Jackson, Mississipi à révéler les conditions de vie qui sont les leurs au sein de la communauté encore très sudiste et ségrégationniste dans cette Amérique période Kennedy.

On l’apprécie parce qu’il ne prend pas de risque, parce qu’il brosse tout le monde dans le sens du poil, parce qu’il allie humour et émotion (apparemment), et parce qu’il s’appuie sur tout un tas de clichés sur les relations humaines qui nous confortent dans l’idée que l’être humain est bon et beau (si si). Finalement, il y a de l’espoir pour tout le monde ici bas. C’est louable, et cela permettra peut-être même au film de Tate Taylor, adapté du best-seller de Kathryn Stockett, de glaner quelques nominations aux Oscars (à commencer par Octavia Spencer pour la statuette de la meilleure actrice dans un second rôle).

Mais la sortie du film est tout de même un peu amère. Non pas par cynisme (« Ralala, qu’est-ce que c’était gnan-gnan quand même !), mais plus par déception de voir un sujet et un cadre potentiellement si forts traités avec l’ambition d’un film Disney. Ah, on me fait signe dans ma cabine que le film est distribué par Disney, donc tout va bien, ceci explique certainement cela. Et puis La couleur des sentiments est aussi l’occasion de voir pour la troisième fois cette année la révélation féminine 2011 du cinéma américain, Jessica Chastain (avant de la revoir en décembre puis en janvier, alléluia !). C’est un plaisir non négligeable après tout.

Mais finalement, La couleur des sentiments n’est pas le seul à souffrir en ce moment du syndrome du cinéma gentil. Real Steel est encore à l’affiche, et le film de Shawn Levy est un autre exemple parfait de ce que donne un cinéma qui choisit la facilité à l’aventure mais parvient tout de même à accrocher l’attention du spectateur, moi le premier. Il n’y a rien dans Real Steel qui fera hausser les sourcils de surprise. Tout y est prévisible, toutes les répliques semblent sorties d’un moule déjà passablement usé, tous les rebondissements scénaristiques photocopiés de dizaines d’autres films. Et pourtant cela marche, c’est évident, probablement parce que Shawn Levy et ses scénaristes ont regardés les bons films avant de faire le leur.

Mais le plaisir est-il aussi fort devant ces films, comme La couleur des sentiments et Real Steel, qui n’osent à aucun instant faire du hors piste ? Les cinéastes sont-ils heureux, et les spectateurs comblés, de se contenter d’un plaisir immédiat correct aux dépens d’une potentielle prise de conscience ou d’une potentielle jubilation durable. C’est du gentil cinéma. Du cinéma que l’on serait de mauvaise fois de trouver désagréable à regarder, mais du cinéma trop générique pour emballer les sens. Et quand les sens ont pu être mis en éveil ces derniers temps par La guerre est déclarée, La cave des grottes perdues, Drive ou Les aventures de Tintin… difficile de se contenter de gentillesse.

Les spectateurs choisissent-ils parfois au hasard les films qu'ils vont voir ?

2011-11-07T23:31:00.001+01:00

Parfois je me demande ce qui pousse un spectateur vers un film. Ce qui l’amène à se dire « Tiens si j’allais voir celui-là ? ». Savent-ils vraiment tous dans quoi ils s’embarquent lorsqu’ils franchissent la porte qui les conduit dans la salle ? Attendent-ils ce film depuis des semaines ? Se sont-ils décidés au dernier moment, en caisse ? Se sont-ils contentés de lire le synopsis ? Se sont-ils laissé convaincre par le nom d’un acteur ? Par le visuel de l’affiche ? Par la sonorité du titre qui leur plaisait ?

Il m’arrive de me poser la question lorsque je repère un spectateur auquel je ne m’attends pas devant un certain film… par exemple si je croise une bande d’ados avec leurs casquettes vissées sur la tête dans une salle projetant Il était une fois en Anatolie de Nuri Bilge Ceylan, le drame turc contemplatif de 2h37 (non, ça n’est pas arrivé). Ou si je vois un couple de septuagénaires faisant la queue pour aller voir Sexy Dance avec leurs lunettes 3D déjà positionnées sur leurs nez (j’aimerais bien assister à ça !). Il y a des symbioses spectateurs/film auquel on ne s’attend pas et dont on a peu de chances d’être témoin en ce bas monde, mais s’il est facile de se dire que Il était une fois en Anatolie ou Sexy Dance 3D n’est pas fait pour soi, les pièges sont parfois plus subtiles, si tant est qu’on puisse y voir des pièges.

Samedi soir dernier par exemple. J’étais parti pour une soirée nanar avec un ami, histoire de finir avec panache une journée déjà bien décevante au niveau cinématographique, entre un premier nanar en début d’après-midi (Forces Spéciales, très réussi dans la médiocrité) et un Poulet aux prunes plein de promesses mais qui ne commence réellement qu’à 20 minutes de la fin (quand se révèle enfin une déchirante histoire d’amour manquée, alors que les réalisateurs ont mis 1h15 à trouver le sujet de leur film). Assommé par la petitesse cinématographique du jour, j’acceptais donc de finir avec un nanar attendu, Bienvenue à Bord, sûr qu’il y aurait là matière à rire aux dépens du film d’Eric Lavaine (on a tous vu la bande-annonce…).

Finalement mon ami a dû abandonner la soirée ciné, et le nanar se partageant à plusieurs, je me suis rabattu sur du cinéma plus sérieux. A défaut de persister dans la nullité, le programme a donc finalement été d’essayer de réparer les dégâts artistiques de la journée… Mon choix s’est porté sur Love and Bruises de Lou Ye, à la séance de 22h35 où les spectateurs se font rares, surtout pour les films d’auteur (nul doute que la salle d’Intouchables affichait en revanche complet).

Me voici donc devant Love and Bruises, un titre en anglais pour un film français réalisé par un cinéaste chinois. Si je savais à peu près dans quoi je m’embarquais en ce samedi soir en me posant devant ce film, certains partageant la salle avec moi devaient être moins familiers du cinéma de Lou Ye, s’ils connaissaient même le sujet du film. Combien parmi eux ont acheté un billet parce que le titre était en anglais et ont donc peut-être pensé que le film serait américain ? Combien ont suivi le seul nom de Tahar Rahim ?

Bien sûr la plupart des spectateurs venaient voir le nouveau film de Lou Ye, comme moi, car ils étaient amateurs d’Une jeunesse chinoise ou de Nuit d’ivresse printanière, entre autres. Des spectateurs avertis quant à la violence des sentiments déployés dans les films du réalisateur chinois, confinant presque à l’étouffement. Des spectateurs se doutant que Lou Ye n’esquiverait pas le sexe à l’écran (même si il faut bien avouer qu’il n’y est pas allé de main morte sur Love and Bruises, en montrant Tahar Rahim et Corinne Yam faisant l’amour toutes les cinq minutes à l’écran – j’exagère à peine). Mais d’autres spectateurs dans la salle ne s’attendaient à l’évidence à rien de tout cela. Certains pouffant à chaque fois que les personnages se retrouvaient au lit (souvent donc, oui), d’autres abandonnant et lâchant le film en cours de route (une demi-douzaine).

L’histoire d’amour d’un ouvrier français et d’une étudiante chinoise à Paris s’est attiré des spectateurs qui n’auraient peut-être pas choisi ce film s’ils s’étaient penchés plus curieusement sur ce que celui-ci promettait de leur montrer. Love and Bruises n’est pas le seul film à désarçonner son public (souvenons-nous de cette spectatrice américaine attaquant le distributeur de Drive parce que celui-ci n’était pas un film d’action à la Fast & Furious comme elle l’attendait…), d’autant qu’il a également de quoi perturber ceux qui sont venus le chercher, comme moi. Qui se sont sentis pris à la gorge par la violence morale des rapports humains. Qui se sont laissé emporter par cette mélancolie glissante qui finissait par toucher le film. Ceux qui comme moi regardaient, émerveillés, le Paris filmé par Lou Ye (rarement un cinéaste étranger aura posé un œil si fort, si gris et si inattendu sur les rues de la capitale française), et se sont presque amusés de voir ces spectateurs ne pas savoir comment réagir face à Love and Bruises. Peut-être parce que je ne savais pas moi-même comment réagir… Et peut-être aussi parce qu’au milieu de ces spectateurs qui se sont trompés de films, certains en auront ressenti une émotion qui les poussera encore à s’égarer à l’avenir. Mais cette fois intentionnellement, qui sait…

Faut-il aimer Maïwenn pour s'enthousiasmer de Polisse ?

2011-11-03T20:38:00.001+01:00

Je n’ai jamais fait grand cas de Maïwenn (un temps appelée Le Besco) dans les pages de L’impossible blog ciné. Ou plutôt si, mais à chaque fois pour taper sur l’actrice / réalisatrice, la faute à une rencontre dans une salle de cinéma il y a quelques années qui a été révélatrice sur la femme qu’était Maïwenn (je lui accorde le bénéfice du doute sur la femme qu’elle est aujourd’hui en parlant au passé). Mon entourage connaît mon manque de considération pour la jeune femme, et ceux d’entre vous qui ont lu le billet consacré à cette fameuse rencontre s’en doutent eux aussi.

J’avais expressément évité d’aller voir Le bal des actrices spécifiquement en représailles personnelles, appelez cela un boycott si vous voulez. Une personne si peu respectueuse des spectateurs ne méritait aucunement que je lui montre en retour du respect ou de l’intérêt. Mon absence d’affinité avec Maïwenn n’a pas dû remonter jusqu’aux oreilles de Thierry Frémaux, qui avait choisi de sélectionner en compétition officielle Polisse, le troisième long-métrage réalisé par miss Le Besco, alors que le Délégué Général du Festival de Cannes sait parfaitement que j’aime aller voir chacun des films en compétition pour la Palme d’Or (on me signale dans mon oreillette que monsieur Frémaux n’avait pas connaissance de mon boycott de Maïwenn, et qu’il se pourrait même qu’il n’ait pas connaissance de l’existence de ce blog… mouais, peut-être).

Par principe j’aurais pu continuer à boycotter Maïwenn en évitant Polisse, mais je m’en serais voulu d’écarter le film ayant obtenu le Prix du Jury à Cannes pour une querelle datant de trois ans, d’autant que la réputation du film n’était pas à faire. Il était temps d’enterrer la hache de guerre quelques instants, au moins 2h15 histoire d’aller découvrir Polisse sur grand écran et voir si Maïwenn était meilleure cinéaste que spectatrice. Quand on voit la popularité de son film au box-office français, il est clair que je ne suis pas le seul curieux à me laisser convaincre par le buzz (1,3 million d’entrées en 14 jours, c’est un score de film populaire, ce qui était loin d’être gagné pour un film de 2h15 à priori âpre sur la brigade de protection des mineurs de Paris).

Voir le film le 1er novembre, à 17h, dans la plus grande salle des Halles, a confirmé que l’intérêt autour de Polisse était grand de la part du public. Je me suis demandé en entrant dans la salle si je parviendrais à rester objectif devant le film, connaissant mon grief personnel à l’encontre de Maïwenn. Et depuis que j’en suis sorti, assez nettement mitigé, je continue à me poser la question. Faut-il n’avoir aucun à priori pour apprécier Polisse ? Faut-il être un admirateur de Maïwenn pour ne pas trouver son film bancal ? A chaque fois que l’on me pose la question « Alors, t’as aimé Polisse ? » et que je dessine une mou peu convaincante avec mon visage, on m’envoie rapidement « Ouais mais toi t’aimes pas Maïwenn », comme si finalement cela justifiait entièrement que je ne chante pas de louanges sans faille au film.

La vérité me semble plus subtile, en tout cas je l’espère sincèrement. Car je ne rejette pas en bloc Polisse, loin de là. J’y vois même de très belles choses. J’y vois une galerie de personnages attachants, bien écrits, servis par de beau dialogues, tantôt forts et sur le fil, tantôt drôles et apaisants. J’y vois le portrait d’une escouade de flics de la brigade de protection des mineurs juste et trouvant un équilibre incroyable entre tension, drame et humour. Il y a vraiment un excellent film dans Polisse… le problème c’est que le film de Maïwenn, contrairement à ce que l’on pourrait croire, n’est pas seulement un film suivant le quotidien de la brigade des mineurs dans un style quasi documentaire. La réalisatrice n’a pas su se contenter de ce sujet passionnant et bien traité. Elle a voulu aller plus loin, et c’est là que résident les problèmes de Polisse. En premier lieu desquels se trouve la présence devant la caméra de Maïwenn elle-même.

C’est lorsque je dis cela que l’on ne prend pas mes reproches sérieusement, car ils se rapportent directement à Maïwenn elle-même. Pourtant c’est bien par là qu’elle est constamment à deux doigts de gâcher son film. Maïwenn pose et aime se filmer. Elle s’est écrit le personnage d’une photographe suivant le quotidien des flics. Un personnage transparent et inutile qui pourtant, à mesure que le film avance, prend une importance grandissante dans le script. Elle abuse des plans sur elle-même, nous éloignant des personnages plus fascinants des flics, elle abuse des scènes où elle se trouve au centre de la scène, sa vie de famille, ses sentiments, son histoire d’amour, nous éloignant du même coup du cœur du film. Elle finit à chaque fois par nous y ramener, retournant dans le commissariat, recollant au plus près à ces hommes et femmes superbement campés par Karin Viard, Marina Foïs, Frédéric Pierrot et les autres. Mais elle revient aussi inlassablement à elle, dans un acte qui ressemble à du narcissisme pur qui n’est pas surprenant étant donné les thèmes de ses deux premiers longs-métrages, Pardonnez-moi et Le Bal des actrices.

J’aimerais que ce ne soit que mauvaise foi et vengeance personnelle de ma part, mais malheureusement je ne fait que regretter de voir un potentiel si fort dans le film régulièrement gâché par les caprices personnels d’une actrice / réalisatrice qui ne parvient pas à laisser ses acteurs et ses personnages prendre le dessus sur sa personne. Ce qui la pousse notamment à gâcher une belle séquence en boîte de nuit en la transformant en une scène ridicule rappelant plus La boum que L.627, ou à en introduire une autre vers la fin du film, totalement ahurissante de suffisance et de nombrilisme, dans laquelle son personnage présente son nouveau mec à sa famille. Assez globalement, dès que Maïwenn se met en scène devant la caméra avec Joey Starr dans Polisse, les séquences virent à la catastrophe, détournant totalement la puissance des séquences pour en faire une bouillie naïve désamorçant l’impact du film.

Et si Maïwenn s’était coupée au montage, finalement ? N’aurait-on pas eu en conséquence ce film âpre et doux à la fois qui effleure constamment l’écran ? Ma voix est celle d’un mécréant car elle est biaisée par une malheureuse rancune personnelle que je ne renie pas. Oui, je manque de respect pour la femme qu’est Maïwenn (tant pis pour la forme passée), mais si elle avait su faire de Polisse cette claque cinématographique qui était à sa portée, cela n’aurait pas eu d’importance. J’aurais tout de même été heureux d’avoir vu le film remarquable qu’il n’est finalement pas loin d’être. Non, je n’aime pas Maïwenn. Non, Polisse ne m’a pas totalement emballé. Mais l’un n’est pas la cause de l’autre, n’en déplaise aux fans.

J'ai testé le ciné à Bruxelles

2011-11-02T14:59:00.000+01:00

Si le cinéma n’est pas une motivation première pour aller crapahuter à l’étranger (il faudrait pour cela que j’habite près d’une frontière… ou que je sois riche et capricieux !), c’est tout de même une tradition qui s’est installé au fil des voyages. Lorsque je suis à l’étranger, j’aime aller fureter dans une salle de cinéma. Je l’ai fait à San Francisco, je l’ai fait à Seoul, et l’été dernier je l’ai encore fait à Dublin (il y a quinze ans, je passais à côté de l’occasion de le faire en Espagne). Ce week-end, j’ai ajouté Bruxelles à mon tableau de chasse.

Cela aurait pu être pour Les aventures de Tintin : le secret de la Licorne. Après tout je me retrouvais dans la capitale belge précisément le week-end suivant la sortie du film évènement de Steven Spielberg. Le plus célèbre héros belge était immanquable dans les rues bruxelloises, entre les affiches vantant la sortie du film aux quatre coins de la ville, les personnages s’insérant dans de nombreuses publicités, les bandes-dessinées d’Hergé présentes dans chaque magasin associé de près ou de loin à la culture. Les belges sont fiers de voir Hollywood s’emparer de Tintin et le font savoir. Au centre-ville, près de la station de métro De Brouckère, une toile géante rappelait à ceux qui ne le savaient pas encore l’importance de la sortie du film de Spielberg cette semaine. Il restait même encore un peu partout en ville des traces de l’annonce de la Première Mondiale du film, en présence de l’équipe bien sûr.

Seulement voilà, Les aventures de Tintin était déjà passé sous mes yeux à Paris, et je préférais profiter de Bruxelles pour voir autre chose. En cheminant à travers la ville, le cinéma qui m’a le plus attiré l’œil était une salle art & essai situé dans une belle galerie commerçante rappelant les passages parisiens, en plus grand et plus beau. D’autant que cette salle affichait notamment Howl, un film indépendant américain jamais sorti en salle chez nous, prenant pour héros le poète américain Allen Ginsberg, interprété pour l’occasion par James Franco. Mais s’il m’aurait plu de voir le film, les séances ne s’accordaient pas à mon emploi du temps.

Mon créneau pour voir un film, c’était le dimanche matin à 11h. Tout de suite, les possibilités s’amenuisent, et se limitent même rapidement au cinéma situé juste à côté de l’appartement où je loge, l’UGC De Brouckère ; Et le film le plus tentant à l’affiche dans ce multiplexe bruxellois, certainement du fait que le film n’était pas encore sorti en salles à Paris, était Contagion de Steven Soderbergh. Les autres films étaient soit déjà vus, soit des films que je pouvais voir dès que je serai rentré en France. Ce sera donc Contagion !

A Paris, il est rare que j’aille au cinéma à la première séance du matin, tout du moins voilà longtemps que je ne l’ai pas fréquentée. Mais je souhaite à tous les spectateurs français que les séances matinales soient mieux gérées que celles du cinéma bruxellois dans lequel je me suis rendu. Imaginez un peu la scène : nous sommes le premier dimanche suivant la sortie du plus gros film de l’année, Tintin, dans un multiplexe du centre-ville de la capitale belge, à une heure où la place est seulement à 5€. Douze salles, dont quatre (!) pour Les aventures de Tintin : le secret de la licorne (une en VF 3D, une en VO 3D, une en VF 2D, une en VO 2D). Douze séances qui toutes sans exception commencent à la même heure, 11h. Et pour gérer ce flux de spectateurs attendus… une seule caisse d’ouverte.

Bien sûr, il y a les bornes automatiques, mais le public de ce dimanche matin est un public familial, des parents avec leurs enfants, des grands-parents, et ceux-ci n’ont pas l’air détenteurs de cartes illimitées (oui, en Belgique aussi il y a des cartes illimitées, et j’avais la mienne sur moi, mais elle ne fonctionnait pas aux bornes belges et je devais donc faire la queue à la caisse). Les spectateurs sont venus à la séance du matin avec leurs billets de 5€ et doivent donc passer par la caisse. La seule caisse. En entrant dans le hall du cinéma et en découvrant cette loooooongue file d’attente pour acheter sa place, je tire rapidement un trait sur la possibilité de voir les bandes annonces. Au fur et à mesure que la queue avance, mes amis et moi nous demandons même si nous allons pouvoir entrer dans la salle avant que le film commence. Cinq minutes, dix minutes, quinze minutes, vingt minutes. Au bout d’un moment, vers 11h10, alors que toutes les séances sont entamées et que les films vont commencer dans six ou sept minutes tout au plus, la queue est encore longue, et il paraît évident que si nous allons réussir à avoir notre place de justesse sans rater le début du film, ils sont nombreux derrière nous à être assurés de le rater, eux.

La manager du cinéma, sentant qu’il serait temps de faire quelque chose pour sauver la situation, annonce en début de file d’attente que les personnes munies de carte bancaire peuvent acheter leur place aux bornes plutôt qu’en caisse. Il s’adresse à un couple de retraités en voyant qu’elle a sa carte bancaire en main. Celle-ci, outrée, est en fait à une place d’arriver en caisse et balance au manager « Maintenant que je suis arrivée là je ne vais pas sortir de la queue ». Quelques spectateurs suivent le manager jusqu’aux bornes, celui-ci offrant aux spectateurs de leur expliquer comment cela fonctionne, mais la queue reste trop longue.

Lorsque notre tour arrive de pouvoir acheter notre place, la seule employée de tout le multiplexe à agir en caisse (et avec une sacrée efficacité vu l’ampleur de la tâche) note nos numéros de cartes illimitées française, nous délivre nos places, et nous pouvons foncer en salle 3. Au moment je m’assieds dans la salle, à peine le temps de jeter un œil alentour pour voir à quoi ressemble celle-ci que les lumières s’éteignent et Contagion commence. J’ai une pensée pour les dizaines de spectateurs encore en train de faire la queue en caisse alors que toutes les salles lancent leurs films dans le multiplexe.

Je suis bien content d’avoir découvert le film de Steven Soderbergh à Bruxelles plutôt qu’à Paris où je serais peut-être rentré chez moi en métro après. Le film m’aurait certainement rendu un peu parano au milieu d’une foule de gens toussant, éternuant, touchant, avec ces barres grasses et ces poignées à attraper. Le film, récit de l’implacabilité, est une observation quasi clinique de l’expansion d’une contagion à l’échelle globale, la maladie et la mort qui s’étendent vitesse grand V à travers la planète. Cette chronologie inéluctable d’évènements est décrite avec force par Soderbergh dans un style quasi documentaire au risque d’amoindrir l’empathie que l’on aurait pu ressentir pour les nombreux personnages du film. Ceux-ci deviennent les rouages d’un évènement qui les dépasse. C’est tout la force et la limite du film, de laisser ce récit dans un ton clinique. Quand on a Jude Law, Kate Winslet, Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Matt Damon et Gwyneth Paltrow devant sa caméra, c’est audacieux.

Je suis sorti du film méfiant de mon camarade éternuant. La salle était tout de même presque vide, tous les spectateurs ayant dû se diriger vers Tintin. En la quittant alors que mes compagnons de route sont allés dire bonjour à la dame pipi (eh oui, une dame pipi aux toilettes du cinéma !), je jette un œil sur ce cinéma. La sortie s’étant effectué par l’entrée de la salle, je peux m’y balader à ma guise. Je vois même que la sortie du cinéma peut également servir d’entrée pour ceux qui auraient envie de pénétrer dans le multiplexe sans payer. Aucune surveillance, et une assurance d’arriver directement au-delà du contrôle des billets. Seule une caméra trône dans cette zone, et s’il y a autant d’employés affectés à la surveillance vidéo qu’il y en a en caisse, on doit pouvoir entrer dans le cinéma en resquillant les doigts dans le nez.

Lorsque mes amis me rejoignent, nous décidons d’aller jeter un œil à la grande salle du ciné. L’un d’eux a entendu dire qu’elle était magnifique, et autant profiter de cette liberté de mouvement pour aller vérifier cela. Après avoir monté deux escalators, nous y pénétrons. La séance de Tintin qui y est programmée n’est pas encore commencée, les spectateurs attendant confortablement installés. La salle est effectivement à couper le souffle. Large, profonde, elle rappelle dans sa forme la grande et belle salle de l’UGC Normandie sur les Champs-Élysées, sans le rideau, mais avec un écran courbe immense sur lequel voir Tintin en 3D doit être absolument stupéfiant. Surtout, les ornements de la salle sautent aux yeux, des murs sculptés offrant à la salle un étonnant cachet vintage et majestueux. Si un jour je repasse par Bruxelles, voir un film dans cette salle me paraît indispensable…

Tintin par Spielberg ? J'en veux encore !

2011-10-28T18:21:00.000+02:00

J’ai encore les yeux dans les étoiles. Non, pas dans les étoiles. En pleine mer, dans un cargo miteux. Et dans les dunes du Sahara après un crash d’avion. Et à bord d’un galion à combattre des pirates. Non non non, encore mieux, au Maroc, à bord d’un side-car, à courser un faucon dans les rues étroites d’une cité ensoleillée. Mon esprit bourdonne de ces aventures en cascade. Mon pouls se repose à peine de ces péripéties internationales. Celles de Tintin, Milou et du Capitaine Haddock dans Les Aventures de Tintin : le Secret de la Licorne.

La salle était pleine, un peu méfiante de voir Hollywood s’emparer du héros de notre enfance et de lui faire subir le traitement de la motion capture désincarnée, mais en même temps excitée, se disant que peut-être, Steven Spielberg et Peter Jackson allaient nous embarquer pour un voyage palpitant dans l’univers d’Hergé. La crainte a commencé à s’éteindre dès le générique de début, petit bijou malin rappelant celui d’Attrape-moi si tu peux du même Spielberg. Dix minutes plus tard, je n’avais déjà plus la tête à craindre quoi que ce soit. Tintin m’avait déjà happé, pour ne me relâcher qu’1h45 plus tard. 1h45 parfois totalement folles, tant la qualité visuelle du film, incandescente, joue magnifiquement avec une mise en scène fluide et étonnante de Spielberg, où technique et narration se conjuguent à merveille, où l’action la plus déchaînée répond à l’humour le plus féroce.

J’ai jubilé, oh oui j’ai jubilé devant les aventures de Tintin, sa rencontre avec Haddock, leur amitié naissante sur fond de cette course effrénée pour percer le secret de la Licorne. Certes le scénario prend quelques libertés avec l’œuvre d’Hergé, principalement pour resserrer l’action et trouver un langage cinématographique propre à un personnage très BD dont les capacités à devenir un héros de cinéma n’étaient pas évidentes, mais il n’y a jamais trahison, et l’on se sent bercé dans l’univers avec lequel on a grandi. C’est ce qu’il fallait faire, savoir s’approprier les personnages pour mieux les propulser sur grand écran. Et ainsi nous propulser avec eux.

Tintin par Spielberg, c’est un plaisir de cinéma pur et intense, fougueux, plein de gouaille (Haddock est parfait). Qu’il fait bon déjà rêver à de futures aventures…

Mozart me traque dans les salles de ciné

2011-10-27T10:01:00.002+02:00

Quel est le tube du moment ? Le morceau star que l’on entend partout ? Le doit-on à Eminem ? Rihanna ? Super Junior ? Francis Cabrel ? Coldplay, Muse, Mireille Mathieu, Julio Iglesias ? Les Black Eyed Peas peut-être ? Rien de tout cela. Non je ne me lance pas dans une rubrique musicale sur mon blog. Il est toujours question de cinéma, et de mes pérégrinations de spectateur. Mais depuis une semaine, il est un morceau de musique qui ne me lâche plus dès que j’entre dans une salle de cinéma. Publicité, bande-annonce, films. Quel que soit le film que je suis allé voir en salles ces derniers jours, à un moment ou à un autre, la même petite musique s’est fait entendre en Dolby Surround.

Le plus étrange, c’est que ce tube du moment, immanquable, a été composé il y a plus de 200 ans. Le Concerto pour piano n°23 de Mozart. Cela a commencé il y a quelques semaines lorsque la nouvelle publicité pour Air France est apparue sur les écrans. Dans un décor désertique majestueux, on y voit deux danseurs (dont Benjamin Millepied) œuvrer au rythme de la composition de Wolfgang Amadeus. Assez hypnotisant comme pub.

Samedi dernier, après avoir déjà vu plusieurs fois la publicité d’Air France au cours des semaines précédentes, j’étais installé au MK2 Hautefeuille pour voir Après le sud. Bien sûr, le spot pour la compagnie aérienne française a été diffusé, sans surprise. En revanche, j’ai ensuite découvert avec amusement la bande-annonce d’Il était une fois en Anatolie, le nouveau long-métrage du turc Nuri Bilge Ceylan. La musique accompagnant les images du film récompensé du Grand Prix au dernier Festival de Cannes ? Le Concerto pour piano n°23 de Mozart ! Marrant.

L’amusement a ensuite cédé la place à l’ahurissement lorsque le film (Après le sud, donc) a commencé. La scène d’ouverture montre un vieil homme dans son salon, nettoyant consciencieusement un fusil tout en l’assemblant. A l’écoute, un morceau de musique classique que je reconnais rapidement, l’ayant déjà entendu deux fois dans le quart d’heure précédent : le concerto pour piano n°23 de Mozart. Incroyable. En l’espace d’une séance de cinéma, j’aurai entendu la création du compositeur autrichien trois fois, dans trois contextes différents : musique de publicité, musique de bande-annonce, et musique de film.

Je me voyais déjà écrire ce billet. Après le Sud avait beau avoir failli m’endormir malgré son intéressante narration à multiples points de vue, la séance était suffisamment cocasse pour être racontée pour cette occurrence répétée de musique classique plus marquante que le film lui-même (ou que celui vu juste après, Un heureux évènement). Mais voilà, je ne l’ai pas écrit sur le champ. Et trois jours plus tard, contre toute attente, alors que je croyais l’avoir semé, Mozart m’est retombé dessus, toujours avec son Concerto pour piano n°23.

C’était mardi soir, une des dernières occasions de voir L’Apollonide, souvenirs de la maison close. Si la musique marque dans le film, c’est parce qu’elle est moderne, alignant quelques morceaux rock de la fin du 20ème siècle alors que le long-métrage de Bertrand Bonello prend place entre 1899 et 1900. Mais c’est aussi, pour moi qui avais encore la séance d’Après le sud en tête, parce que vers la fin du film, alors qu’une partie fine assez étrange se déroule à écran, le Concerto pour Piano n°23 de Mozart a de nouveau retenti à mes oreilles.

C’en est maintenant tellement surréaliste que je ne sais plus trop quoi en penser. Non pas du Concerto lui-même mais de son usage intempestif ces temps-ci. N’y a-t-il donc pas d’autre morceau de musique classique qui ravisse les cinéastes, les publicitaires ou les monteurs de bandes-annonces, pour que l’on ait à chaque fois droit au même concerto de Mozart – par ailleurs magnifique. Ils vont finir par me le rendre moins savoureux à force de le mettre à toutes les sauces. Ils vont aussi finir par me rendre parano, à croire que Mozart a un œil sur moi et me surveille. Quoi que je fasse, il est là, tapi dans l’ombre, prêt à me surprendre dans la moindre salle de cinéma où je me rends !

Assez curieusement, les deux films à l’affiche le plaçant, Après le Sud et L’Apollonide, sont passés par le Festival de Cannes en mai dernier, et chacun compte également Adèle Haenel à son casting. Et si elle aussi se sentait poursuivie par Mozart ?

J’ai guidé un australien dans les salles obscures parisiennes

2011-10-25T22:47:00.000+02:00

C’est toujours lorsque l’on a un ami venu de l’autre bout de la planète que l’on trouve que la programmation dans les salles de ciné laisse à désirer. Surtout si l’ami en question se fait un peu difficile arrivé devant un cinéma affichant près de vingt films dans ses salles, faisant preuve d’un flagrant manque d’enthousiasme à chaque titre de film annoncé. Australien passant un an à sillonner l’Europe, Jonas était depuis deux jours à Paris, fin septembre, et comptait sur son passage dans la capitale mondiale de la cinéphilie (je lui ai peut-être rabâché ça une ou deux fois…) pour se faire une toile.

Évidemment, la grosse sortie américaine de la semaine était un film que ni lui ni moi n’avions l’intention de voir, Identité secrète avec Taylor Lautner, star de Twilight cherchant à se transformer en action star. Voilà déjà un film de rayé sur la liste. Restless ? We need to talk about Kevin ? Warrior ? Shark 3D ? Aucun film n’a déclenché une folle envie de ciné chez Jonas (qui maîtrisant seulement deux ou trois phrases très ciblées de français ne se sentait pas d’aller voir autre chose qu’un film en anglais bien sûr). Finalement, à la fin de la journée, épuisé par une après-midi de marche à travers les rues parisiennes et désireux de se poser, l’australien était enclin à se laisser tenter par Warrior… manque de bol avec une durée de près de 2h20, les horaires des séances ne collaient pas.

C’est alors que je lui montrai ce qui passait à l’Orient Express, cinéma à la programmation souvent en léger décalé par rapport aux nouveautés, et que l’œil de mon ami australien se mit à briller lorsqu’il entendit le titre « La planète des singes : les origines ». L’enthousiasme était enfin là. Depuis qu’il avait entamé son tour d’Europe qui durera un an, Jonas n’avait pas vraiment eu le temps d’aller au ciné, et la rumeur mondiale grondant sur les qualités du prequel ayant cartonné cet été (en France autant qu’ailleurs, avec 3 millions d’entrées au compteur), toutes les autres possibilités cinéphiles s’évaporèrent dans son esprit. Il ne repartirait pas de Paris sans avoir vu le film de Rupert Wyatt !

Pour ce soir-là, c’était trop tard, et le lendemain, je n’aurais pas le temps d’aller revoir le film avec lui, ayant déjà d’autres engagements cinéphiles. Mais je lui proposai tout de même d’aller voir le film à une heure qui me permettrait de le guider jusqu’au cinéma, lisant sur son visage le doute lorsque je tentai de lui expliquer la situation de l’Orient Express, le cinéma le plus profondément enfoui de la capitale, planqué au dernier sous-sol du centre commercial des Halles.

Le lendemain donc, entre un Restless mou du genou mais ayant ses beaux moments (Hiroshi, le fantôme japonais !) et le dérangeant et fascinant We need to talk about Kevin, je retrouvais mon touriste de Perth au-dessus des Halles. Entre temps, je m’étais fait la réflexion qu’il vaudrait peut-être mieux le prévenir que le cinéma dans lequel il allait s’embarquer était… comment dire… un peu spécial. Pas franchement au top du confort. Je le mis donc en garde. « Bon, Jonas, au fait, j’ai oublié de te dire hier… le cinéma dans lequel La Planète des Singes passe… c’est un peu le plus pourri de Paris. Les salles sont minuscules, c’est au dernier sous-sol du centre commercial, il fait chaud, y a pas de clim’ (ce week-end là, les températures étaient estivales !), si t’as un mec devant toi ça te bouche une partie de l’écran, et surtout, surtout, t’as le RER qui passe sous tes pieds, toutes les 3 minutes tu sens les vibrations du train. Mais bon c’est le dernier cinéma de Paris qui passe le film en journée, donc c’est ça ou rien ».

« Really ? » me répond-il. « Bah, c’est pas grave, l’important c’est que je le vois dans une salle de cinéma, ça sera toujours mieux que le voir sur un petit écran. Et puis au moins comme ça la place est moins chère, right ? ». « Euuuuuh, baaaaah, non en fait, pas right du tout, j’ai bien peur que le prix soit dans les standards des cinémas parisiens, c’est quand même 9 euros la place ». Comment se fait-il que lorsque l’on va voir un film dans une salle minuscule de l’Orient Express, pas climatisée et ronronnant des vibrations du RER, le prix est le même que si l’on se rendait dans une belle salle de 300 places confortable et parfaitement insonorisée ?

Depuis le temps que mon ami australien m’avait prévenu de sa visite parisienne, je lui vantais les mérites de la cinéphilie parisienne, la qualité des salles de la capitale française, la diversité de l’offre cinématographique, des vieux films du Quartier Latin aux salles populaires des Halles, de Montparnasse ou d’Opéra. Mais lorsqu’une seule salle de Paris programme LE film que l’on a envie de voir, la diversité ne compte pas. Pour Jonas l’australien, ce film était La planète des singes : les origines, et la salle donc, l’UGC Orient Express. Des mois à vanter les cinémas de Paris, et il faut que mon ami aille caler ses fesses dans une salle de l’Orient Express, me faisant tout de suite honte.

La chance, c’est que le touriste de passage n’est pas forcément regardant sur la qualité de la salle mais surtout sur celle du film qu’il voit, et en l’occurrence, avec La planète des Singes, la qualité était au rendez-vous, et a pris le dessus sur les têtes mangeant une partie de l’écran, sur le RER vrombissant sous les pieds, sur l’écran minus et le prix maousse. J’ai appris à ne plus me plaindre de la qualité des salles de l’Orient Express. La carte illimitée aidant, et les efforts constants pour voir un film partout sauf au cinéma du sous-sol des Halles, j’ai fini par m’habituer à la présence de cet étrange UGC dans la cartographie cinéphile parisienne. Car après tout, en dernier recours, cela reste toujours préférable à un écran de télévision, comme me l’a justement fait remarqué mon ami australien (qui a dit « et d’ordinateur aussi ! » ? Au coin !).

Alors voilà, j’ai voulu faire découvrir les salles de cinéma parisiennes à un australien. Mais tout ce qu’il a découvert, c’est le sous-sol des Halles un dimanche après-midi. Au moins le dimanche, les métros et RER sont plus rares…

Prise d'otage cinémaniaque en plein Skylab !

2011-10-24T14:05:00.000+02:00

Planquez-vous, il arrive ! Certains ne se doutent jamais des dangers auxquels ils s’exposent en laissant un fauteuil libre à côté d’eux dans une salle de cinéma. Ils ne se doutent de rien lorsqu’un homme seul vient leur demander si la place est occupée ou non, et qu’ils répondent qu’elle est libre. Qu’ils laissent cet homme se poser à leur côté, innocemment, sans se douter que pendant les deux heures qui vont suivre, ce spectateur d’apparence lambda va attirer à lui toute l’attention de la salle presque autant que le film lui-même, et potentiellement transformer leur moment de ciné en enfer.

Moi par contre, je l’ai vu venir gros comme une maison alors que j’étais tranquillement assis dans une salle des Halles il y a quelques jours pour découvrir Le Skylab de Julie Delpy. Le bonhomme en question, ce cinémaniaque anonyme capable de dynamiter une séance, je le connais pour l’avoir régulièrement croisé, et il se trouve justement que c’est devant moi qu’il s’est installé ce jour-là. Qui donc est cet homme mystérieux ? Je l’appelle, dans un grand élan d’originalité, « l’homme qui rit ». La dernière fois que j’avais croisé son chemin, c’était il y a peu, dans la salle 1 de l’Orient Express, pour Sexe entre amis. Mais comme moi « l’homme qui rit » n’avait pas trouvé le film drôle et ne s’était donc pas fait entendre.

Quand je l’ai vu s’asseoir presque exactement devant moi pour Le Skylab, j’ai plaint les personnes autour de nous. Le Skylab semblait être le genre même de film risquant de déclencher les zygomatiques de l’homme qui rit. Dans cette optique, je savais parfaitement à quoi m’attendre, l’ayant déjà entendu à maintes reprises. La nouveauté, c’est que je n’avais jamais été aussi près de cet extravagant spectateur. J’ai donc pu l’observer à loisir pendant la projection. Et cela valait le coup d’œil. Sa caractéristique numéro un, c’est son rire, bien sûr. La première fois qu’il l’a fait retentir pendant le film, c’est pendant une chamaillerie entre deux gamines à l’écran. Alors qu’elles se tiraient les cheveux mutuellement, tout à coup, il a laissé échapper un rire qui a fait frémir la salle. « Hiiiiinnnnn hin hin hin hin hin ». Difficile à mimer avec des mots. Imaginez un croisement entre le rire d’une sorcière maléfique et celui d’une hyène. Je vous assure. Un rire hors norme, qui déclenche d’abord la surprise parmi les autres spectateurs, l’inquiétude pour ceux qui entourent l’homme et découvrent son rire, et l’amusement pour ceux qui sont un peu plus loin (ou moi, qui y suis habitué).

A partir de ce premier rire, ce sera un festival, une heure et demi durant. Toutes les quatre ou cinq minutes, ce sont des explosions artistiques de rire, des moments de joie intense partagées, l’homme qui rit ne se contente pas de rire. Il explose, il jubile, il tape des mains, il se tourne vers sa gauche et vers sa droite, pour voir si ses voisins prennent autant de plaisir que lui. Il se tourne même derrière lui et de temps en temps je croise son regard, et son hilarité s’avère communicative. La chance qu’il a, c’est que le film de Julie Delpy, une comédie pétillante et jouissive, se prête parfaitement à une joie collective. C’est un film un peu foutraque parfois. Un prologue et épilogue inutiles, quelques scènes s’étirant trop, des liens entre les personnages que l’on a du mal à assimiler, et même des prénoms que l’on a du mal à associer à certains personnages. Un beau bordel. Mais c’est une véritable fête de fraîcheur, un bel hymne à la famille et à la vie bourré d’humour et de tendresse, et peuplé de personnages (et comédiens) particulièrement savoureux.

Alors oui, la salle appartenait un peu trop à l’homme qui rit, son esbroufe, sa grandiloquence rieuse que l’on est en droit de juger expressément surjouée parfois. Mais sa joie de cinéma correspondait si bien au film que l’on partageait qu’aucune rancœur ne s’en est développée. Encore moins lorsque le générique de fin est apparu, et qu’au son de « Born to be Alive », ce spectateur pas comme les autres dansait sur son siège, s’est levé au rythme de la chanson, et s’est mis à balancer son bras de haut en bas comme s’il était sur le dance-floor, mais avec une absence de grâce, tout engoncé qu’il était, parfaitement hilarante (je ne me moque pas je suis moi-même un terrifiant danseur). Et tout en quittant la salle, prenant son temps, lentement pour bien profiter jusqu’au bout de la chanson, il se déhanchait et agitait la tête en rythme en glissant quelques mots à d’autres spectateurs qu’il croisait. Il n’y en a pas deux comme lui.

Merci Julie Delpy, non seulement Le Skylab est assez réjouissant, mais en plus il m’a permis d’assister à un festival ininterrompu, jusqu’au sortir de la salle, de « l’homme qui rit ». Un vrai film dans le film.

27 choses dont je me souviendrai du 6ème Festival Franco-Coréen du Film

2011-10-21T00:54:00.000+02:00

Voilà, c’est fini. Le FFCF 2011 est désormais définitivement derrière nous. Mais la semaine passée au cinéma St-André des Arts a été trop riche en films, en évènements, en émotions et en rencontres pour ne pas jeter un œil amusé sur ces huit journées intenses de cinéma coréen. Pourquoi vingt-sept raisons plutôt que douze ou quarante-deux ? Parce qu’il faut bien choisir un nombre, et que celui-ci correspond au nombre de films, courts et longs, que j’ai vus au cours de la manifestation franco-coréenne. Voici donc les vingt-sept choses que je retiendrai des huit jours passées au Festival Franco-Coréen du Film 2011 :

Il est possible de faire un film mêlant l’ennui indiscutable et l’excitation totale, en 3h20 avec le générique de début qui arrive au bout d’1h40. Cela s’appelle Café Noir, en français comme en coréen.

Les documentaristes coréens parlent décidément tous de leur vie dans leurs films. En Corée, le documentaire est plus un journal intime qu’autre chose. Parfois c’est passionnant (Grandmother’s Flower), parfois c’est maladroit mais touchant (Miracle on Jongno Street), parfois c’est à deux doigts d’être gâché (Cheonggyecheon Medley).

Late Autumn m'a sacrément déçu, qu’il date de 1981 ou de 2010. Mais n’allez surtout pas le dire à une amatrice de drama coréen. Au mieux, elle vous dira que « Pffff, tu peux pas comprendre ! ». Au pire, vous découvrirez une poupée vaudou à votre effigie clouée sur la porte de votre appartement avec un petit mot délicat indiquant que « c’est toi le prochain ! ». Bon, d'accord, j'ai "peut-être" employer les termes "daube" ou "navet" pour décrire le film, et j'ai peut-être insister sur la piètre performance de Hyeon Bin...

Le projectionniste du St-André des Arts ne sait ni changer une bobine, ni faire de mise au point. Bon y a pas mort d’homme. Mais quand même.

Lorsqu’il fait froid, les coréennes aiment s’emmitoufler dans une grosse écharpe rouge dans les films. Vous n’avez pas remarqué, dès qu’il fait froid à l’écran ? Pas bleue, ni jaune, et certainement pas verte. Rouge.

Les films qui ont nourri le plus de débats sont opaques, mystérieux, et aiguisent l’imagination quant à l’interprétation qu’on peut s’en faire. Parfois c’est moyennement convaincant (End of Animal, Anti-Gas Skin), parfois c’est subjuguant (Café Noir).

Je ne suis pas allé voir le nouveau film d’Hong Sang Soo passé par Cannes, alors que je ne l’avais pas encore vu. C’est fou ce que le fait de devoir faire des choix nous amène à laisser de côté. Heureusement que c’est l’un des rares films de la sélection qui sortira à coup sûr en salles en France

Il faut une petite heure à l’un des personnages de Anti-Gas Skin pour dire à la fille à barbe qui en est l’un des personnages principaux : « Hé, mais t’as des poils plein la figure ! ». Je n’ai toujours pas réussi à déterminer ce qui surprend le plus : qu’il ait fallu tout ce temps pour qu’une remarque soit faite à ce propos, ou que ce soit la seule de tout le film et qu’elle reste absolument sans conséquence.

J’ai versé ma larme devant un des films. Oh ça va, je vous entends, là, au fond, à ricaner, mais je vous mets au défi de ne pas être submergé par l’émotion devant le dénouement d’Hello Ghost. Et de toute façon, ce n’est pas la première fois que cela m’arrive, et ce ne sera certainement pas la dernière.

Contrairement à ce que disait la rumeur, et à ce que certains s’escriment encore à colporter, si si, dans Invasion of Alien Bikini, il y a bien une Alien sexy en petite tenue qui envahit la Terre, et donc le titre n’est pas trompeur. Et en plus, c’est super fun.

Kang Jin-A sera probablement une grande cinéaste coréenne, si ses futurs longs-métrages s’avèrent à la hauteur de ses courts.

J'ai toujours trouvé les croix éclairées d’un rouge diabolique à la cime des églises coréennes particulièrement angoissantes la nuit, presque flippantes. Possessed n’a pas eu besoin d’en montrer pour faire son petit effet.

Je dois avouer que les filles croisées pendant le festival avaient raison : Yoon Sung-Hyun est mieux en chair et en os que sur la photo du programme du FFCF. Quel beau gosse ce réalisateur !

Mon blog a une influence démesurée sur le déroulement du festival. Si si je vous assure. Après mon récit de la lumière diabolique qui m’a gâchée Bleak Night, je n’ai plus vu de lumière gênante sur les projecteurs de sous-titres, à aucune projection... à moins que le staff ait réglé un problème technique inhérent à cette projection… Ou que les plaintes de spectateurs aient été nombreuses... En fait c’est peut-être juste une coïncidence. Bon allez d’accord, oubliez ce paragraphe.

Les coréens posent des questions terriblement impudiques lors des séances questions/réponses avec réalisateurs et actrices, et ceux-ci y répondent allègrement. Les coréens n’auraient donc aucune pudeur ? Les français posent eux des questions assez cons parfois, ça compense pour l’égalité des peuples.

Guillaume P. d’1kult n’aime pas qu’on dise qu’on a préféré Castaway on the Moon à Sunny, les Kim Bong Park prennent des notes pendant le film, enfin Sans Congo au moins, les mecs d’East Asia gardent leurs bonnets dans la salle, Nicolas de Filmosphère est une vraie girouette quand il s’agit de End of Animal, ID de Made in Asie a dormi devant Café Noir… mais surtout ne croyez pas les rumeurs qu’ils pourraient colporter sur moi en retour !

Le staff du festival sait rester zen en toutes circonstances, même quand il se fait malmener par une attaque coordonnée de vieux en goguettes. Chapeau. Ca doit être l’uniforme de schtroumpf qui confère le calme et la sagesse nécessaires.

Il n’y a pas eu de discours du responsable d’Asiana Airlines cette année lors de la cérémonie de clôture. Une tradition savoureuse qui se perd.

Il paraît qu’il y a un mec qui s’est enchaîné les trois versions proposées de Late Autumn dans la même journée. Félicitations pour cette pointe de masochisme. Zut, j’avais déjà tapé sur Late Autumn !

Le barbu est toujours là le premier.

Je n’avais jamais vu autant de spectateurs se passionner une semaine durant pour le cinéma coréen. Heureusement qu’il reste les séances de documentaires en semaine à 14h pour pouvoir s’étaler un peu en salles.

A raison d’une diffusion devant chaque film projeté, je crois que je connais presque par cœur les dialogues en coréen de la bande-annonce du Festival. En tout cas c'est certain, je connais par cœur le texte de la pub pour la Kia.

J’ai vu Jung Yumi. En vrai. Si si. Trois jours de suite.

J’ai vu tous les films de la section « Paysage » ! Quinze longs-métrages ! Ah non, je ne suis pas allé voir The Unjust. Mais je l’avais déjà vu le mois dernier. Et comme j’ai aussi vu les films d’ouverture et de clôture, deux films classiques, le long-métrage du cinéaste invité et deux programmes de courts-métrages, j’en ai tout de même bien profité de ce festival !

Re-encounter est passé à 20 minutes d’être le meilleur film du festival. Il est quand même dans les tous meilleurs, avec Castaway on the moon, Grandmother’s Flower, Hello Ghost, Sunny et Café Noir. Hé mais, il y en avait des bons films cette année ! Et sans la lumière diabolique, j’ajouterais peut-être même Bleak Night !

C’est la dernière année qu’on appelle le festival le FFCF. Désormais, ce sera le FFCP (Festival du Film Coréen de Paris). Du moment que c’est toujours aussi bien l’année prochaine, je me ferai au nouveau nom.

Zut, il ne me reste plus qu’une chose à dire… que le staff du festival est vraiment génial, nan ça fait lèche-botte, que tous ces films m’ont donné envie de retourner en Corée, pfff c’est évident… que mon niveau de coréen est encore trop nul pour arriver à suivre le film sans sous-titres, nan ça aussi c’est évident. Aidez-moi, c’est quoi le souvenir qui VOUS restera du Festival Franco-Coréen du Film 2011 ?

Festival Franco-Coréen du Film 2011 : une clôture animée en surprenante compagnie

2011-10-19T16:49:00.000+02:00

La pluie tombait mardi soir pour la première et dernière fois sur le FFCF2011, et lorsqu’il s’agit de patienter sur le trottoir en attendant l’ouverture de portes, on se rend vite compte qu’elle n’avait pas manquée. Devant le St-André des Arts, je retrouve pour la dernière fois cette année la bande d’habitués croisée tout au long de la semaine, parée pour clore le festival, si possible en beauté. Alors que Quentin de Mirae m’abrite sous son parapluie coréen géant, Joy Means Sick m’apprend que son comparse du blog Kim Bong Park ne s’est pas remis de Café Noir la veille au soir et a déclaré forfait pour la clôture. Tant pis pour lui. Il aura raté la surprise du chef.

La surprise du chef, c’est Yoo Dong Suk, directeur du festival et MC d’un soir, qui nous l’annonce alors que nous avons pris place depuis quelques minutes au chaud et au sec dans une salle pleine ou presque : il y a une invitée surprise dans la salle : « Merci à la comédienne Jung Yumi d’être présente avec nous ce soir ». Mon sang ne fait qu’un tour. Hein ?! Quoi ?! Jung Yumi est assise parmi nous ? Tout à coup, qu’elle n’est pas ma surprise lorsque je vois la comédienne, vue un jour plus tôt après la projection de Café Noir, se lever juste derrière le trio que je forme avec Joy Means Sick et Quentin. Je me tourne vers eux : « Sacre Bleu ! Elle est assise derrière nous, on ne l’avait même pas captée ! Jung Yumi va passer le film assise dans notre dos ! » Deux heures plus tard, l’écho de mes exclamations résonnait toujours alors que la salle s’était depuis longtemps vidée. Elle était là, souriante, à un mètre de nous !

Comment se concentrer sur la soirée en sachant l’actrice fétiche de Hong Sang Soo placée si près de nous ? Et comment jeter de temps en temps de petits coups d’œil vers elle sans que cela soit trop voyant ? Allez, deux p’tits regards pour la route histoire de s’en souvenir pendant quelques années, et on reprend le fil de la soirée !

Car le temps ne s’est pas arrêté avec la prise de conscience que l’actrice coréenne était parmi nous. La cérémonie s’est déroulée, récompensant les courts-métrages « Space Radio » du Prix Mubi et « Make-Up » du Prix Asiana. Le staff du festival se réunissait sous nos yeux pour célébrer la dernière soirée (c’est qu’ils étaient nombreux cette année !). Yoo Dong Suk nous annonçait avec fierté (et il y a de quoi) une augmentation de 75% de la fréquentation du festival, en même temps que Pierre Ricadat se félicitait que les deux cinéastes invités cette année au Festival, Kang Yeong Cheol et Yoon Sung Hyun, venaient tout juste de remporter deux prix coréens équivalents à nos Césars : respectivement Meilleur Réalisateur pour Sunny et Meilleur Premier Film pour Bleak Night. Comme quoi, le festoche a eu le nez fin cette année.

Le directeur du festival a également profité de la soirée pour annoncer qu’il s’agissait, avec cette édition, du dernier Festival Franco-Coréen du Film sous cette appellation, et que l’année prochaine aurait lieu le 1er Festival du Film Coréen de Paris (ouf, plus besoin d’expliquer autour de moi que non, le Festival Franco-Coréen ne passe pas de films français !). La soirée fut forte en annonce !

Et elle fut bien sûr le préambule à un long-métrage d’animation, Leafie, qui clôturait la manifestation dans un esprit bon enfant. Au terme de l’édition 2009 déjà, c’était un film animé qui renvoyait tout le monde à la maison, à l’époque le classique coréen Robot Taekwon V. Leafie est beaucoup plus familial que ce dernier. Gros succès au box-office coréen avec plus de deux millions d’entrées en salles, le film suit le parcours d’une poule nommée Feuillette, qui cantonnée dans une cage pour pondre des œufs du matin au soir à la ferme rêve de vivre à la basse-cour. S’évadant de sa cage, elle est rejetée par la basse-cour et se retrouve donc en pleine nature, sauvée de justesse des griffes d’une belette par un canard charismatique. Commence pour elle une nouvelle vie au milieu des animaux sauvages, qui va la voir devenir la mère d’un petit canard orphelin.

Vous l’aurez compris, Leafie s’adresse à un public très… familial. Malgré un aspect visuel assez léché mêlant l’animation digitale et les dessins plus traditionnels, le rendu est beau, mais l’histoire reste gentille. Des personnages secondaires apportent l’humour (pas toujours très fin), mais ce qui fait le plus rire dans le film, c’est un ton presque auto-parodique qui parsème occasionnellement le scénario, notamment avec le personnage de Voyageur, le colvert charismatique doublé par Choi Min-Sik. Le canard est hilarant presque à chacune de ses apparitions à l’écran, le réalisateur lui offrant un rôle de beau gosse prenant la pose, poils au vent, de profil devant le coucher de soleil, faisant se pâmer notre petite poulette (dont la voix est celle de Moon Sori, vue notamment cette année dans le divin Ha Ha Ha). Dans ces moments-là, Leafie touche juste. Est-ce le rire de Jung Yumi que j’entends d’ailleurs occasionnellement dans mon dos ?

Pour le reste, on regarde le film calmement, et ce n’est peut-être pas plus mal après une semaine intense de films ponctuée la veille par les 3h20 de Café Noir. Se reposer devant Leafie, finalement, pourquoi pas. Les plus jeunes y trouveront même sûrement de l’émotion (on me dit dans mon oreillette que même des moins jeunes ont été ému, information à confirmer…). Leafie ne restera pas comme l’héroïne numéro un du FFCF 2011, et le film ne restera pas longtemps en mémoire (sauf le colvert et ses poses lascives), mais après la densité de Café Noir bu la veille, cette légèreté n’est pas maligne. On peut même voir dans le dénouement, étonnamment sombre, une apologie du sacrifice pour le bien d’un écosystème qui laisse songeur…

Jung Yumi n’aura pas eu à s’étonner de ce dénouement et de sa signification à l’échelle de la société coréenne, s’étant éclipsée discrètement à la moitié du film, à notre plus grand regret, nous trois qui avons tout de même constaté sa fuite et qui nous en sommes tout de suite sentis orphelins. Snif.

Le sacrifice à l’écran et l’absence de Yu-mi n’auront toutefois pas entamé la bonne humeur de cette ultime soirée du Festival Franco-Coréen du Film. D’ici l’année prochaine, certains des spectateurs se recroiseront dans un festival ou un autre, autour d’un film coréen ou d’ailleurs. Une chose est sûre, le 1er Festival du Film Coréen de Paris est déjà dans mon agenda pour 2012.

Festival Franco-Coréen du Film 2011 : et soudain le temps s’arrêta...

2011-10-18T15:07:00.000+02:00

Lorsque j’ai parcouru pour la première fois du regard le programme du FFCF 2011, l’un des films m’a tout de suite sauté aux yeux, non parce que son titre faisait instantanément naître en moi une vive envie de fabriquer une DeLorean afin de me projeter dans le futur et le voir illico parce que cela faisait des mois que je l’attendais (un peu comme The Man from Nowhere l’année dernière). Non. Le film qui a tout de suite accroché mon œil, c’est Café Noir, un film dont je découvrais l’existence, mais dont la durée affichée et ses quelques lignes de synopsis excitaient ma curiosité insatiable autant qu’elles me faisaient trembler d’effroi.

198 minutes pour suivre les errances sentimentales d’un professeur de piano inspirées des œuvres « Les Souffrances du Jeune Werther » de Goethe et « Les Nuits blanches » de Dostoïevski. Un premier film en couleur et noir et blanc, par un critique de cinéma coréen reconnu. Ceux qui me connaissent bien ne se seraient pas étonnés de m’entendre m’exclamer « Oh la vache ! » à la découverte de ces quelques lignes décrivant Café Noir. Le mélange de crainte et d’excitation était grisant à l’entame du festival, d’autant que l’une des comédiennes du film, Jung Yumi, était annoncée présente pour accompagner ce film (et l’oubliable Come, Closer).

Jung Yumi symbolise largement à mes yeux le Festival Franco-Coréen du Film, tant les films dans lesquels elle a joué ces dernières années s’y sont souvent affichés, Family Ties, The Room Nearby, Oishi Man. L’amateur d’Hong Sang Soo que je suis l’ayant également appréciée dans Like you know it all et Oki’s movie (sa présence dans le film Chaw est en revanche plus étonnante), la possibilité de rencontrer la comédienne en plus des caractéristiques si inattendues du film faisaient donc de Café Noir un évènement majeur du FFCF 2011.

Lorsque le lundi soir est arrivé, je regrettais presque de ne pas avoir plutôt vu le film trois jours plus tôt lors de sa première projection. Car à la veille de la clôture, je venais d’enchaîner en six jours dix-sept longs-métrages et deux programmes de quatre courts-métrages chacun, en parvenant à ne fermer les yeux devant aucun film jusqu’ici, restant insensible à la fatigue. En cette fin de festival donc, la perspective de voir le film d’auteur abstrait de 3h20 inspiré de Goethe et Dostoïevski revenait à prendre le risque de céder facilement aux joies de la sieste, à me laisser rattraper par le poids de cette semaine de films à gogo.

D’autant que ce n’était pas mon premier film de la journée, ayant été voir juste avant les courts de Yoon Sung-Hyun, le cinéaste invité du Festival dont j’avais déjà vu mercredi Bleak Night et à la rencontre duquel je m’étais rendu samedi soir. Comme les courts-métrages de Kang Jin-A la veille (qui restent un cran au-dessus quand même), ceux du jeune réalisateur se sont révélés de beaux films, pleins de justesse, de mélancolie et d’humour. Mention spécial à l’errance citadine improvisée de Daytrip.

Lorsqu’est donc venue l’heure de découvrir Café Noir, je me voyais déjà somnolent sur mon siège, prêt à me délecter des bras de Morphée. Et il s’en est fallu de peu que je rejoigne dans ce camp mes voisins de salle, qui sur ma droite comme sur ma gauche ont cédé au sommeil au bout de deux heures de film (précisément lors du long monologue en plan fixe de Jung Yumi, c’est là qu’autour de moi, les gens ont sombré). Dès la première séquence, on comprend pourquoi la durée du film est tant étirée : il s’agit d’un plan séquence fixe (le réalisateur Jung Sung-Il les adore) de cinq bonnes minutes où l’on voit, face caméra, une jeune femme manger goulûment et en larmes un hamburger. On ne peut s’empêcher de sourire devant un tel plan en sachant que plus de trois heures de film vont suivre.

Alors que dire de cette balade cinématographique de 3h20 ? Que comme souvent avec ces films d’auteur posés et longs, la mise en scène en impose malgré son minimalisme. Ce qui saute aux yeux en premier, c’est la façon dont le réalisateur Jung Sung-il s’approprie l’espace et filme Seoul. En réalité, l’essentiel du film se déroule autour de la rivière de Cheonggyecheon coulant au centre-ville de la capitale coréenne, et c’est ce quartier que le réalisateur filme avec soin et embrasse pleinement avec sa caméra. Il détaille son espace avec langueur avant même d’y poser ses personnages, faisant d’emblée de la ville et du quartier un personnage propre de Café Noir.

Le film a donc pour protagoniste le professeur Lee, qui au début du film apprend que la parenthèse dorée qu’il vient de vivre auprès d’une parent d’élève est terminée car le mari est de retour. Les époux s’étaient-ils séparés, est-il juste de retour d’un voyage d’affaires, le réalisateur reste vague. Mais l’on comprend tout de même que le professeur avait profité de cette absence pour prendre la place du père auprès de la mère et de la fille. Transi d’amour, il a dû mal à admettre qu’il doit renoncer, alors qu’une collègue séduite essaie d’attirer ses faveurs. Ce va-et-vient amoureux et indéterminé, empreint de mélancolie et promis à la déception, occupe la première moitié du film. On y est parfois subjugué par la minutie du cinéaste, autant que pris en otage d’une vision du récit dont on ne possède pas toutes les clés, Jung Sung-Il aimant suggérer plutôt qu’expliquer (c’est ce qui fait aussi l’un des charmes du film). Cette indécision était à deux doigts de me transporter dans un état léthargique, lorsque tout à coup une décharge électrique m’a réveillé.

Cette décharge, c’est l’apparition impromptue, au bout d’1h40 de film… du générique de début. Titre du film, défilé du nom des acteurs et du réalisateur, comme si le film avait commencé quelques instants plus tôt alors qu’en réalité, il apparaît à l’heure où d’autres font dérouler le générique de fin (record à battre). Cette surprise hallucinante faisant de tout ce à quoi l’on avait assisté auparavant un pré-générique m’a donné un coup de fouet. J’étais quasi hilare. Il a fallu que je regarde l’heure qu’il était pour m’en assurer, mais oui, cela faisait bien 1h40 que le film avait commencé. Incroyable. Une telle insolence cinématographique m’a réveillé vitesse grand V et m’a tenu en éveil jusqu’au bout, alors justement que j’étais peu à peu en train de sentir mes paupières s’alourdir, en me disant qu’ils restait bien au moins une heure de film, que je ne voyais pas où le cinéaste pourrait aller désormais, et que j’allais craquer. C’est à ce moment-là que le titre s’affiche enfin, et qu’un second film commence presque à l’intérieur de Café Noir, un second film avec le même personnage principal et à durée équivalente. C’est d’ailleurs au bout de tout ce temps que Jung Yumi apparaît enfin à l’écran. En réalité elle était déjà rapidement apparue un peu plus tôt, mais trop fugacement. Dans cette seconde partie, elle est le premier rôle féminin.

C’est aussi à ce moment-là que le film bascule au noir et blanc. Notre professeur rencontre une troisième femme, incarnée donc par Jung Yumi, une jeune femme en détresse qu’il aide, devenant rapidement son confident. Un nouveau va-et-vient amoureux se créé, retournant parfois à la couleur, comme lorsque le couple d’amis se rend dans un bar et qu’elle se lance dans une danse aux accents méditerranéens la rendant heureuse pendant quelques minutes. C’est l’un des rares moments où la joie s’exprime à l’écran, alors que l’œuvre respire plus l’amertume, même si plus que de la joie, il s’agit là de fêter brièvement un sentiment passager de satisfaction. Qui pour elle se transformera peut-être en espoir, tandis qu’il apparaît clairement tout au long de Café Noir que le destin du Professeur Lee n’est pas d’être heureux. Ce dernier est incarné tout en repli sur soi par Shin Ha Kyun, l’un des acteurs fétiches de Park Chan Wook vu dans JSA, Sympathy for Mr Vengeance et Thirst. Difficile de se contenter de dire si l’on aime ou pas Café Noir, tant il offre une proposition de cinéma unique, forte et maîtrisée, en même temps que souvent opaque et somnifère. Mais une expérience de cinéma que je suis heureux d’avoir vécu tant elle est hors norme.

A l’issue de la projection, alors que minuit sonnait aux montres, celle que j’avais effleurée la veille dans le hall du St André des Arts s’est présentée à nous, la frêle Jung Yu-Mi. Vue l’heure tardive, cette rencontre ne s’est pas éternisée, elle n’est restée en notre compagnie qu’une vingtaine de minutes, au cours desquelles la comédienne a tenté de répondre aux quelques questions cinéphiles de spectateurs un peu fascinés, un peu déconcertés, certainement troublés par le film et l’apparition surréaliste de la comédienne parmi nous au milieu de la nuit. Comme avec Yoon Sung-Hyun l’autre soir, des questions impudiques sur la vie privée ont également parasité l’échange, à laquelle la comédienne, comme le réalisateur avant elle, a pourtant répondu avec la même impudeur.

Fin d’une soirée étrange, exténuante, et fascinante, avant la clôture du festival le lendemain.

Festival Franco-Coréen du Film 2011 : y a-t-il un projectionniste dans la salle ?

2011-10-17T15:25:00.000+02:00

Dimanche soir, aux alentours de 21h, les abords du St-André des Arts étaient gorgés de spectateurs, entre ceux comme moi qui sortaient d’une séance de courts-métrages, ceux qui sortaient de Come, Closer dans la salle mitoyenne, et ceux qui faisaient le pied de grue sur le trottoir en attendant de pouvoir entrer pour la seconde projection de Late Autumn, ce bijou de mélodrame déjà vu vendredi soir (fort taux de sarcasme à détecter dans ce bout de phrase). Et ils étaient nombreux les curieux, certainement pressés de se marrer devant l’ineptie de la chose… quoique, il paraît que je suis l’un des rares à être resté insensible au film. C’est dans cette foule humaine confirmant l’engouement public pour le festival cette année que je l’ai frôlée. Elle venait de sortir de la salle voisine elle aussi pour rencontrer le public, et Jung Yumi s’est ainsi retrouvée dans le hall du cinéma, et à l’instant où la pensée m’a traversé l’esprit que peut-être j’allais tomber par hasard sur elle, avant de la voir officiellement à l’issue de la projection de Café Noir le lendemain, elle est apparue contre moi, me tournant le dos, discutant avec une compatriote. Je ne l’ai qu’aperçue, le mouvement de la foule m’écartant d’elle. Ce n’est pas grave Yumi, on se reverra dans de meilleures circonstances j’en suis sûr.

La veille, samedi, c’était la présence d’un des frères Dardenne en tant que simple spectateur, pour la projection de Bleak Night, qui en avait mis certains en émoi. D’autant que le cinéaste belge a paraît-il fortement apprécié le film de son jeune confrère coréen. Moi j’ai définitivement abandonné l’idée de m’extasier devant les frères Dardenne, alors je préfère m’en tenir à ma semaine de cinéma coréen, et en l’occurrence à mon dimanche encore riche de films.

Le premier film du jour, qui était aussi l’un de ceux qui m’intriguaient le plus par son idée de départ, était The Code of a duel, dont le titre coréen se traduit apparemment plutôt par « la jouissance du sabre », un programme alléchant. Cependant avant même que le film commence, j’aurais bien moi-même sorti mon sabre de son fourreau pour aller défier une triplette de spectateurs proche du troisième âge (ou carrément dedans) ayant réussi à démontré en quelques instants que la sagesse et la civilité ne vont pas de soi avec l’âge, justement. Le premier s’est manifesté avant même que l’on pénètre dans la salle. L’un des tous premiers dans la queue, il s’obstinait à ne pas vouloir donner son ticket au contrôle. Le staff avait beau gentiment insisté, si si, il faut donner le ticket pour comptabiliser les entrées, monsieur insistait en retour, à deux doigts de s’énerver, prétextant qu’il aimait la photo au dos du ticket (probablement celle de Jean Reno, qui revient souvent au dos des tickets du St-André des Arts ? Hum…). Moi-même adepte de la collecte des tickets de cinéma, je pourrais comprendre sa réaction si elle en était restée à la simple déception. Mais bon, cela reste gentil.

Le second malotru s’est lui signalé en se plaçant dans la salle juste devant le projecteur de sous-titres. Au FFCF, on commence à savoir comment ça marche, les sous-titres sont projetés directement de la salle, et si donc un spectateur se place dans l’axe juste devant le projecteur, les spectateurs sont privés de sous-titres. Et je ne sais pas vous, mais moi, les sous-titres français me sont tout de même assez utiles pour un film coréen. Une nouvelle fois, le staff a poliment demandé au spectateur de se déplacer d’un siège sur sa droite afin que tout le monde puisse profiter du sous-titrage. Réaction outrée de notre second « vieux », auprès duquel il a fallu une nouvelle fois insister avec gêne.

Mais le roi des imbéciles est intervenu juste après celui-ci. Le deux premiers restent de petits actes d’égoïsme sans méchanceté, quand notre troisième concurrent au titre d’empaffé en chef est lui un vilain tout entier. Alors que la programmatrice coréenne du film faisait sa présentation de The Code of a Duel et qu’elle a mentionné des duels « à l’épée », cet idiot mal élevé, en train de s’installer et toujours debout, n’a rien trouvé de mieux à faire que balancer (assez haut pour qu’on l’entende de mon côté opposé de la salle), « N’importe quoi, ce n’est pas « épée » qu’il faut dire mais « sabre », avec le ton exaspéré et condescendant de la bêtise. J’en étais gêné d’être français.

A croire que la promesse d’un film d’épées (ça c’est pour l’idiot) attire les vieux cons. Cela n’a pas non plus gâché le film, un festival de duels sabrés filmés avec un aplomb sidérant étant donné le budget riquiqui du film (une poignée de milliers d’euros). La volonté d’imprimer une atmosphère de western interpelle, avec des sons un peu country qui surprennent dans ce cadre urbain coréen.

Dans ce film de Yeo Myung-Jun, les duels au sabre font partie intégrante de la société coréenne. Young-Bin, employé de bureau transparent aux yeux de ses collègues, est dès qu’il sort du boulot le plus redoutable et aguerri des sabreurs, enchaînant les duels et les victoires. Alors qu’une certaine lassitude le gagne, il s’entraîne avec son ami de toujours, un maître sabreur qui a lâché les duels, et un jeune homme plein de fougue, d’envie et de promesses. Intriguant dans son concept, The Code of a Duel accroche surtout par sa maestria inattendue dans les fameux duels, car pour ce qui est du scénario en lui-même, du parcours des personnages et des minis revirements, le film reste sage, voire même un peu facile dans sa volonté de faire s’affronter les protagonistes.

Mais tel un Vincent Gallo coréen, le réalisateur fait tout, absolument tout sur son film, en plus d’être le réalisateur et l’un des deux acteurs principaux, et cela force l’admiration. La rumeur veut qu’il ait aussi opéré en tant que stagiaire café et photocopieuse, mais je n’ai pas pu vérifier cette information à prendre avec des pincettes…

Kang Jin-A est, elle, une réalisatrice que j’ai hâte de voir passer au long comme nombre des cinéastes dont on a pu découvrir les premiers films au FFCF. Vainqueur à l’édition 2010 du Prix du Meilleur court-métrage pour Suicide of the quadruplets, l’équipe du festival a choisi cette année de la mettre à l’honneur en projetant en un programme le fameux film récompensé l’année dernière (et que j’avais justement raté !), plus trois autres vraisemblablement tournés depuis si les quatre films ont été diffusés dans leur ordre chronologique. Le premier donc raconte sous une forme iconoclaste et assez jubilatoire l’impact humain et médiatique du suicide de quadruplés trentenaires, avec une dose d’humour sarcastique qui rend le film inattendu.

Mais si la qualité de ce court était attendue, du fait du bouche-à-oreille élogieux dont il bénéficiait l’an passé, ce qui était intéressant, c’était de découvrir s’il y avait dans le reste de son travail la qualité qui ferait d’elle une réalisatrice à suivre. Et la réponse est indubitablement oui. Le second court-métrage, Be with me, m’a particulièrement touché, récit du deuil d’un jeune homme dont la compagne pleine de vie a été fauchée par une voiture, le laissant seul et amorphe, mais hanté par l’impétuosité de sa chère et tendre. Un court délicat et poétique sur la perte et la difficulté à laisser partir les résidus sensoriels de l’être aimé. Un vrai bijou.

La mort est d’ailleurs un thème omniprésent dans les films de Kang Jin-A, toujours dans le troisième film projeté, 49th Day, beaucoup plus court, moins de dix minutes, et également dans son plus récent, Paprika Feast, qui a lui des accents de long-métrage évidents, absurde (au sens noble du terme) film noir contant les mésaventures d’un petit village où l’on retrouve le corps d’une jeune femme qui menace de faire mauvaise publicité à la localité spécialisé dans le poivron. La mort y est donc toujours présente, et l’on devine dans ce dernier film tout le potentiel de la jeune femme à passer au long. Cela tombe bien, puisque Kang Jin-A aurait dû être présente à l’occasion de cette mise à l’honneur au FFCF 2011 mais a finalement dû annuler sa venue… car elle commençait tout juste le tournage de son premier long-métrage ! Voilà déjà un film que j’espère voir apparaître au programme de l’édition 2012 du Festival Franco-Coréen du Film…

L’évènement du jour au Festival, si l’on excepte la venue de Jung Yumi bien sûr, c’était les projections successives des différents films tirés d’un même sujet, et dont j’avais déjà vu vendredi soir la plus récente version datant de 2010, Late Autumn (oui, celui-là même que j’ai légèrement malmené dans un billet précédent…). En début d’après-midi, c’était donc The Promise of the Flesh de Kim Ki-Young que je n’ai pas vu, et avant la séance du soir, en rediffusion, du Late Autumn 2010, un remake datant de 1981, déjà intitulé Late Autumn et réalisé par Kim Soo-Yong. L’œuvre d’origine, dont plus aucune copie ne semble exister, avait été réalisée en 1966 par Lee Man-Hee, et les trois versions vues au FFCF sont donc des remakes.

Je suis allé à la version 1981, curieux de comparer avec la « chose » interprétée par Hyeon Bin et Tang Wei, et persuadé que de toute façon, cela ne pourrait être pire. J’ai été assez déçu de découvrir qu’à défaut d’être pire, la version 1981 de Late Autumn n’était déjà pas fameuse… L’histoire on la connaît donc, c’est celle d’une femme condamnée à la prison pour meurtre qui se voit autorisée deux jours de permission pour aller se recueillir sur la tombe de sa mère. Sur le chemin, elle croise la route d’un homme, mauvais garçon mais charmeur, qui va bouleverser ces deux jours de liberté. Après avoir vu deux versions de cette histoire, je finis par me dire que c’est le sujet qui décidément ne me séduit pas, et qui s’avère inlassablement mal mis en valeur par les cinéastes qui s’y frottent. Au-delà du plaisir de découvrir la comédienne Kim Hye-Ja jeune (vous savez, la mère du Mother de Bong Joon-Ho), et d’un thème musical amusant mais trop présent, le film lasse vite. La scène d’ouverture, pleine de défiance sexuelle, laissait augurer d’un film provocateur, mais très vite il s’installe dans un confort d’une mollesse désespérante.

Trop mou, trop long le Late Autumn de 1981. Le scénario tourne à vide, et si l’on pense au remake 2010, plutôt fidèle à cet autre remake, on ne peut que constater son incapacité à améliorer cette histoire déjà bancale. Peut-être les versions plus anciennes sont-elles plus regardables ?

En sortant de cet épisode somnifère, alors que l’essentiel du public constituant la foule squattant les trottoirs du cinéma, foule dans laquelle j’ai frôlé l’actrice Jung Yumi comme décrit plus haut, trépignait de découvrir (ou pour certains revoir, qui sait, l’être humain peut parfois être diablement étrange) Late Autumn avec Hyeon Bin, je me suis doucement mis en position d’attente pour Possessed, le film d’horreur de la sélection. Le film était à l’affiche en Corée lorsque j’y suis passé à l’été 2009, l’opportunité de le voir enfin en salles était donc savoureuse.

Le réalisateur Lee Yong-Joo, assistant réalisateur sur Memories of Murder de Bong Joon-Ho, gage de qualité par excellence, y conte l’histoire d’une étudiante, Hee-Jin, dont la jeune sœur disparaît de chez sa mère. Préoccupée, elle retourne à l’appartement familial pour découvrir que sa mère, chrétienne intégriste, jure que seule la prière fera revenir la gamine. Pressant un policier de mener une enquête, Hee-Jin va peu à peu découvrir qu’il se passe des choses étranges dans cet immeuble, où les suicides suspects s’enchaînent depuis la disparition de sa sœur.

Après la lassitude de Late Autumn, rien de tel qu’on bon p’tit coup de flip pour finir la journée, et le week-end, dans la joie. C’est ce que j’attendais de Possessed, et c’est qu’il avait à offrir : du frisson. Si le film ne parvient pas à maintenir la tension sur toute la longueur, voulant trop en mettre plein la vue vers la fin, et perdant de cette part de mystère qui fait naître la peur, Lee Yong Joo réussit tout de même son coup de jouer avec l’austérité et l’angoisse qui peut découler de la religion et de son fanatisme. J’ai toujours trouvé que les églises chrétiennes coréennes, avec leurs croix baignées de lumière dans la nuit, avaient quelque chose de flippant, et ce n’est pas Possessed qui va m’enlever cette idée de la tête. Deux rangs derrière moi, une spectatrice était totalement paniquée devant le film, surtout dans la première demi-heure, émettant des bruits d’inquiétude constante particulièrement drôles (eh oui, la peur des uns peut faire l’amusement des autres).

Par contre il est temps de distribuer un carton rouge au projectionniste de la salle 2 du St-André des Arts. Déjà la veille, il avait été à deux doigts de gâcher totalement la projection de Hello Ghost avec son incapacité chronique à faire la mise au point sur la copie 35mm du film. Dimanche, il a confirmé ses lacunes avec Late Autumn et Possessed. Pour chacun des films, il a mal géré un changement de bobines, nous sortant des deux films par un écran noir suivi du compte à rebours du début de bobine. Et comme si cela n’était pas suffisant, conséquemment à cette erreur sur Possessed, il a eu bien du mal à refaire la mise en point, nous laissant une fois de plus dans le flou pendant de longues minutes. Le métier de projectionniste vit déjà des heures difficiles, il n’a certainement pas besoin d’une telle mauvaise presse. Alors reprend-toi l’ami, et montre-nous que tu es un pro !